Gabriel Fauré

El 12 de mayo de 1845 nació en Pamiers Ariège (Francia), el compositor, pedagogo y organista Gabriel Fauré, uno de los músicos franceses más importantes de su generación, cuyo estilo musical influyó a muchos compositores del siglo XX. Su estilo destaca por la elegancia de su escritura, la perfección de la forma, la constante búsqueda de la belleza y su intenso melodismo, Gabriel Fauré es una de las figuras clave de la evolución de la música francesa desde el Romanticismo hasta la modernidad del siglo XX, representada por Claude Debussy y Maurice Ravel.

Cursó estudios de música en la École Niedermeyer de París con el compositor Camille Saint-Säens. A partir de 1866 hasta 1905 trabajó como organista de varias iglesias, entre ellas las de St. Sulpice y la Madeleine, en París. En 1896 comenzó a ejercer como profesor de composición en el conservatorio de París, y entre 1905 y 1920, se hizo cargo de la dirección. Excelente pedagogo, siempre abierto y respetuoso con las nuevas corrientes musicales, contó entre sus alumnos con algunos de los nombres más destacados de la música francesa de las primeras décadas del siglo XX, como Maurice Ravel, Charles Koechlin, Florent Schmitt, Nadia Boulanger o el rumano George Enesco. En 1905 alcanzó la cúspide de su carrera profesoral al ser nombrado director del conservatorio.

En 1920, a la edad de 75 años, Fauré se retiró debido a su creciente sordera y a su debilidad física. Ese mismo año, obtuvo la Gran Cruz de la Legión de Honor, un reconocimiento rara vez concedido a un músico. En 1922 se le rindió públicamente un homenaje nacional, «una espléndida celebración en La Sorbona, en donde participaron los más ilustres artistas franceses, lo cual le dio mucha alegría. Se trató de un espectáculo conmovedor: el de un hombre presente en un concierto de su propio trabajo e incapaz de escuchar una sola nota. Se quedaba mirando pensativo, y, a pesar de todo, mostraba agradecimiento y satisfacción». Ese mismo año fue invitado a los Grémys celebrados en Villa Frya, donde le confió a su esposa Marie sentir que vivía la «vida de un perezoso». 

Su esposa, Marie Fremiet

Asimismo, en esta época se publicó una nota por el Excelsior titulada 'Mon père' donde el propio Fauré recordaba cómo se adentró en el mundo de la música: “Fue sorprendente descubrir mis tendencias hacia la música puesto que nadie de mi familia era en sí un músico. El talento se mostró ante mí cuando apenas tenía diez años, y en una etapa tan temprana no significaba una preocupación sobre cualquier efecto posible en mi futuro. Tiempo después quizá surgieron dudas sobre la elección de la música como carrera. De cualquier forma, mi padre se encontraba indeciso —yo era el sexto de sus hijos— y él no podría permitirse el lujo de tomar riesgos”.

En sus últimos años Fauré estuvo delicado de salud, en parte por su tabaquismo. Aún así, mostró disposición para ayudar a jóvenes compositores, entre ellos algunos miembros de Les Six, que eran sus seguidores. Respecto a esta etapa de su vida, Nectoux describe: «En su vejez logró una cierta serenidad, sin perder en lo absoluto su vitalidad espiritual notable, aunque apartada del sensualismo y la pasión de los trabajos que escribió entre 1875 y 1895». De igual forma, sostuvo que su humor decrecía notablemente, como si estuviese adoptando un poco el estilo melódico de Wagner.

Sabía que pronto moriría, por lo que en una carta hacia su esposa escrita en octubre de 1924 Fauré concluía diciendo: "Cuando regrese a París, pasaré un pequeño tiempo de cada día dándote cada uno de mis bocetos, borradores y todo lo sobrante que, tras mi muerte, no quiero que sobrevivan, así que puedes quemarlo todo. Mientras he estado enfermo, me he dado cuenta que es algo que de verdad necesito hacer. Así que ayúdame a realizarlo." Fauré murió en París a causa de una neumonía el 4 de noviembre de 1924 a sus 79 años de edad. Tuvo un funeral de Estado en la Iglesia de la Madeleine y su cuerpo se sepultó en el cementerio de Passy en París. Cabe señalarse que su obra “Cuarteto de cuerdas” Op. 121, se interpretó de manera póstuma en 1925.

Obras destacables:

Música incidental:
- “Siciliene” (The Philadelphia Orchestra & Eugene Ormandy)
- “Pelléas et Mélisande”, Op. 80 (Sir Simon Rattle, & Berliner Philharmoniker) compuesta para la producción londinense de la pieza de teatro homónima de Maeterlinck, cuyos movimientos son: 1. Prélude - Quasi adagio 2. Fileuse (Hilandera) - Andantino quasi allegretto, 3. Chanson de Mélisande  4. Siciliene - Allegretto molto moderato  (L'Orchestre de la Suisse Romande & Ernest Ansermet
5. La Mort de Mélisande - Molto adagio (The New Philharmonia Orchestra)
- Ópera 'Penélope' en 1913 (Coro Nacional de Francia).

Música orquestal
La nostálgica “Pavane” Op. 50 (1887) es una obra de orquesta y coro compuesta en 1887. Posee un ritmo procesional lento ya que proviene de una danza cortesana española del siglo XVI  (New Philharmonia Orchestra & Sir David Willcocks). La pavana es una danza profesional común en Europa durante el siglo XVI. El origen del nombre tiene varias opciones:
- Del italiano, "padovano" (de la ciudad de Padua ).
- Del sánscrito, que significa "viento" .
- o también, rememorando los movimientos elegantes del pavo, en alusión al estilo de la danza.
(“Pavana para una infanta difunta” es una pieza para piano solo, escrita por el compositor francés Maurice Ravel pero fue compuesta en 1899 cuando Ravel estudiaba composición en el Conservatorio de París con Gabriel Fauré).
“Pavana de Fauré” en versiones posteriores:
- Bill Evans Trio con orquesta sinfónica
- Ian Anderson, Jethro Tull y Nueva Filarmónica de Frankfurt

Música para instrumentos solos y orquesta:
- “Ballade” para piano y orquesta (1881) (Mateusz Kurcab - piano & Zygmunt Nitkiewicz - director)
- “Berceuse” para violín solo (Benjamin Boursier & Nadya Grytsyuk)

- “Elégie” para violonchelo solo (1883) in Do menor op. 24, (Jacqueline du Pré, cello & Gerald Moore, piano).
- El dueto para piano “Dolly Suite”: Parte 1, Parte 2 (Walter & Beatriz Klein) que fue arreglado para orquesta en el año 1906 por Henri Rabaud.

Vocal
Fauré es un compositor de gran importancia, que capturó en sus arreglos el espíritu característico de su época: el humor de un anhelo nostálgico por lo inalcanzable. Algunas de las canciones, tales como “Après un rêve” (Después de un sueño), (Daniela De Carli mezzo-soprano & Miroslav Georgiev piano), compuesta en 1877 sobre un poema de su amigo, el poeta y profesor de canto Romain Bussine, quien a su vez realizó la transcripción de un antiguo poema toscano anónimo, han alcanzado una inmensa popularidad en el ámbito instrumental. Además de las hermosas canciones individuales, de gran belleza, como:
- “Clair de lune” (Janet Baker, mezzo-soprano),

- “Les roses d’Ispahan”  (Soprano: Elly Ameling & Piano: Dalton Baldwin)
- “En prière”
- “L´automne” (Philippe Jaroussky & Nathalie Stutzmann) y
- “Cinq mélodies de Venise”  (Emily Duncan-Brown & Angel Cabrera),
Los ciclos de canciones 'La bonne chanson' con textos de Paul Verlaine (1891-1892) y 'L'horizon chimérique' (1922).

Emma Bardac

Entre 1892 y 1894 fue cuando Gabriel Fauré hizo los arreglos musicales de los nueve poemas de Paul Verlaine. Por esas inescrutables ironías de la vida Fauré realizó su trabajo musical hondamente enamorado de Emma Bardac. Pero Emma no se casó con Gabriel Fauré. ¡Lo hizo con Claude Debussy!.
La obra escrita inicialmente para tenor y piano, cuyos títulos son:
1. Une sainte en son auréole
2. Puisque l'aube grandit
3. La lune blanche luit dans les bois
4. J'allais par des chemins perfides
5. J'ai presque peur, en vérité
6. Avant que tu ne t'en ailles
7. Donc, ce sera par un clair jour d'été
8. N'est-ce pas?
9. L'hiver a cessé  (Laurent Naouri & David Abramovitz , piano)
Destaca entre los nueve, “La lune blanche luit dans les bois”:

La lune blanche

Luit dans les bois.

De chaque branche

part une voix

sous la ramée.

O bien aimé[e]...

L'étang reflète

profond miroir

La silhouette

du saule noir

où le vent

pleure. Rêvons

c'est l'heure.

Un vaste et tendre

apaisement

semble descendre

du firmament

que l'astre irise. C'est l'heure exquise!

 

La luna blanca/ luce en el bosque/ De cada tallo/ parte una voz /sobre la rama. Oh, bien amada...
El estanque refleja/ profundo espejo/ La silueta/ del sauce negro/ donde el viento llora. Soñemos; es la hora.
Una vasta y tierna/ tranquilidad/parece descender/del cielo /que el astro irisa. Es la hora exquisita!

Música eclesiástica
El Réquiem de Fauré Requiem Opus 48 es una obra placentera por sus dulces, serenas y hermosas melodías que permanece como uno de los elementos típicos en el repertorio coral, con sus arreglos de ritos funerarios, diferenciándose de los tradicionales Requiems para misas. Esta composición sacra se inserta dentro de la corriente del impresionismo por la riqueza orquestal de sus timbres y el empleo de algunas disonancias que crean una atmósfera brumosa y delicada. Se estrenó el 21 de enero del año 1893 en la iglesia de Madeleine en París.
- Requiem Opus 48  (Paavo Jarvi, director; Chen Reiss soprano; Matthias Coerne baritono & Orchestre de Paris)

Música de cámara
Entre la música de cámara de Fauré encontramos dos finas sonatas para violín, un trío de piano y un cuarteto de cuerdas, que datan todos de la época de los últimos años de vida del compositor y varias pequeñas piezas evocadoras:
- “Romance” Opus 28
- “Sonata para violín y piano” (Lola Bobesco violín & Jacques Genty, piano)
- Sonata pata chelo solo (M.Gendron)
- Sonata para violín y piano . (Jean-Marc Kérisit, violin - Brice Martin, piano)
- Cuarteto para piano y cuerdas Nº 2 Opus 45 (Piano: Michel Wagemans, Violín: Joaquín Palomares, Viola: Paul Cortese, Cello: Marçal Cervera)

Música para piano
Fauré realizó un aporte importante al repertorio del piano, particularmente en una serie de 13 Barcaroles Bacarole Nº 3 en sol bemol mayor, Op. 42 (Marc-Andre Hamelin, piano) y un número similar de Nocturnos “Nocturno Nº 1” (Kun Woo Paik); “Nocturno nº 6” (Samson François), con cinco Impromptus y una única balada (Samson François).

Ian Dury

El 12 de mayo de 1942 nació en Harrow, Middlesex (Inglaterra) el actor y cantante de rock & roll Ian Dury. Al frente de su grupo los Blockheads apareció a finales de los setenta en la escena del pop británico cuando reinaban la nueva ola y el punk. Dury -que sufría de secuelas de la polio que contrajo con siete años- cautivó al público con sus letras cáusticas, llenas de juegos de palabras y rebosantes de humor negro.

Ian en 1947

Tras pasar dos años ingresado en un hospital recuperándose de la polio, Dury asistió a una escuela para discapacitados varios años hasta que a los dieciséis años, la dejó para ingresar en el Royal College of Art. Se graduó en 1967 y seguidamente trabajó en el Canterbury Art College dando clases de dibujo y pintura. Por aquel tiempo Dury comenzó a escribir canciones. En 1971, con 28 años, forma su primera banda, Kilburn and the High Roads, con los que interpretaba rock and roll de los años cincuenta por el circuito de los pubs londinenses. Durante los tres años que siguieron, el grupo se convirtió en uno de los favoritos del público y Dury ya empezaba a mostrar su talento para escribir letras en temas como 'Billy Bentley' y 'Upminster kids'.

En 1973 el éxito de la banda permite a Ian renunciar a su trabajo como profesor y uno de los numerosos fans de Kilburn and the High Roads, el crítico británico Charlie Gillett se convierte en su mánager y les consigue un contrato discográfico con el sello subsidiario de Warner, Raft Records. El álbum que Dury presenta para publicar es rechazado por el sello y el grupo decide firmar con Dawn, asociado a Pye Records, que sí accede a publicar el álbum, el cual aparece en 1975 bajo el nombre de 'Handsome'. Sin embargo, para entonces, el pub-rock se encontraba en declive y el disco pasó desapercibido, lo que llevó a la disolución de la banda al final de ese mismo año.

El guitarrista Keith Lucas formaría a continuación el grupo 999, mientras que Dury continuó en solitario componiendo material nuevo con la ayuda del teclista y guitarrista Chaz Jankel que imprimió al rock crudo de Dury unos arreglos más ligeros y orientados hacia el jazz. Ian convocó a músicos veteranos de las escena pub-rock para formar una nueva banda y en 1977 firma contrato con el sello independiente Stiff Records. En él publica el single debut de la nueva banda llamada Ian Dury and the Blockheads, 'Sex & & Rock & Roll', una frase definitiva y definitoria sobre lo que se supone el estilo de vida de una estrella del rock.

El tema se incluyó en el primer álbum de Dury y sus Blockheads, 'New Boots and Panties' que con temas como 'Wake up and make love to me', 'Billericay Dickie', 'Plaistow Patricia' y 'Sweet Gene Vincent' fue disco de oro y top5 en las listas británicas. Para entonces el grupo había crecido con la inclusión del teclista Mickey Gallagher y el guitarrista John Turnball.

Lo intentaron en Estados Unidos, pero alli Dury y sus temas resultaban incomprensibles y 'demasiado británicos'. La pésima distribución de su disco en Norteamérica hizo el resto para que Dury no pasara de tener un seguimiento de culto en USA. En el Reino Unido sin embargo, logró en abril de 1978 colocar su primer top10 en las listas con el tema 'What a waste', al que siguió en diciembre un éxito mayor, 'Hit me with your rhythm stick' que fue nº1 durante dos semanas y vendió más de un millón de copias.

Ian Dury and the Blockheads

En 1979 se publicó el segundo álbum 'Do It Yourself' y tras la gira de promoción, Chas Jankel dejó la formación para establecerse en Estados Unidos. Fue reemplazado por el ex-guitarrista de Dr. Feelgood, Wilko Johnson y el siguiente single de la banda, 'Reasons to be cheerful' fue top10. En noviembre de 1980 apareció 'Laughter', su último trabajo para Stiff Records y el último con los Blockheads hasta 1998. La falta de Jankel, que hasta entonces había sido la inspiración musical para las letras de Dury, fue una baja sensible y el álbum no superó el top40. Tampoco el single que se extrajo, 'Sueperman's big sister' pasó del puesto 51.

Firmó con la multinacional Polydor y publicó el single 'Spasticus Austicus', un tema que compuso para 'El año internacional del discapacitado', una causa a la dedicó mucho esfuerzo aquel año. En las emisoras británicas no entendieron el humor negro de Dury y lo calificaron de mal gusto, vetándolo en la BBC. En Polydor le sugirieron volver a trabajar con Jankel y ante el regocijo de sus fans, ambos grabaron un nuevo álbum con la sección de ritmo formada por Sly Dunbar y Robbie Shakespeare, 'Lord Upminster' publicado en octubre de 1981. A pesar de las buenas críticas no superó el top50. Tras este fracaso, Dury solo haría breves y esporádicos retornos a los estudios de grabación. En 1984 publicó el álbum '4,000 Weeks Holiday', acreditado a Ian Dury and The Music Students y su último hit significativo fue 'Profoundly in love with Pandora', compuesto y grabado con Jankel que alcanzó el puesto 45 de la lista de singles británicos.

Con Walter Matthau en 'Pirates'

Al final de la década Dury volvió a sus orígenes, la pintura y apareció en numerosas producciones para TV, en algunas de ellas con el papel protagonista. Debutó en el cine en 1985, en el film 'Number One', al que siguieron otros papeles en películas como 'El cocinero, el ladrón, su mujer y su amente' de Greenaway, 'Pirates' de Polanski y 'Juez Dredd' de Danny Cannon. También fue autor de musicales, como 'Apples' (1989), coescrito con Mickey Gallggher y fue junto con Robbie Williams embajador de UNICEF, viajando a países del tercer mundo para promocionar la vacuna contra la polio.

En 1990 reformó inesperadamente los Blockheads para tocar en varios conciertos benéficos organizados en memoria de Charley Charles, baterista original de la banda, que había fallecido víctima del cáncer. La respuesta a los shows fue tan positiva que siguieron aceptando ofertas para tocar y Dury volvió a trabajar con Jankel. El resultado fue el álbum 'The Bus Driver's Payer and Other Stories' publicado en 1992, su primera entrega discográfica en casi diez años. Acogido por la crítica como su mejor trabajo desde 'Do It Yourself', en su grabación participaron varios de los Blockheads originales como Jankel, Gallagher, Turnbull y el saxofonista Davey Payne.

En 1996 se le diagnosticó cáncer terminal de colon, lo que no arredró a Dury, acostumbrado desde niño a vivir con limitaciones. Se casó con la escultora Sophie Tilson, con quien tuvo dos hijos y grabó un nuevo álbum, 'Mr. Love Pants', publicado en 1998. A pesar de que su salud se deterioraba día a día, realizó la gira de promoción del álbum y tuvo tiempo para acompañar a Robbie Williams como embajador de UNICEF en Sri Lanka para fomentar la vacuna contra la polio. En 1999 comenzó a grabar material para un nuevo álbum con los Blockheads, pero Dury murió en su casa en marzo de 2000 antes de que las grabaciones vieran la luz.
En 2010 se estrenó en el Reino Unido un biopic, 'Sex & Drugs & Rock & Roll', dirigido por Matt Whitecross y con Andy Serkis en el papel de Dury.

Giovanni Battista Viotti

El 12 de mayo de 1755 nació en Fontanetto Po, Savoia, (Reino de Cerdeña) el reconocido violinista, compositor, y pedagogo italiano Giovanni Battista Viotti que es considerado el padre de la técnica moderna para tocar el violín. Debido a su gran talento, marcó su propio estilo musical en su época, por lo que fue catalogado como uno de los mejores violinistas de su periodo.

Desde muy niño demostró su talento e inclinación por la música clásica, en especial para tocar el violín, además de las ganas de iniciarse en el mundo de la música, por lo que ya de joven cayó en gracia ante los príncipes Dal Pozzo della Cisterna, quienes, después de conocerlo, lo acogieron bajo su protección y lo encaminaron hacia la música consiguiéndole clases y contacto con los mejores y experimentados violinistas del mundo. Este apoyo lo ayudó a ascender de forma rápida en el mundo de la música, por lo que su primera experiencia musical lo vivió en el año 1775 cuando logró ser parte de la capilla de la Corte de Saboya que lo llevaría en un gira de conciertos a Ginebra y Viena. Esto lo impulsaría años después -exactamente en 1780 cuando se encontraba en una de estas giras-, a iniciar su carrera artística solo, por lo que decidió viajar a diferentes países y ciudades como Berlín, Varsovia y San Petersburgo, donde sin duda tuvo mucha suerte pues fue madurando artísticamente en cada una de sus presentaciones.

Pero fue en Paris en 1782, cuando un concierto llamado “Concert Spirituel”, le brindó la fama y reconocimiento que esperaba, además de abrirle camino a su carrera, de allí en adelante solo vinieron éxitos para él, conjuntamente se dedicaba a componer sus propios temas, enseñar a tocar violín y a organizar grandes eventos y conciertos sobre este instrumento. Fue considerado por sus seguidores y alumnos como un gran mentor. Durante los 20 últimos años del siglo XVIII fue considerado como el mejor violinista de Europa recordado como el fundador de una influyente escuela francesa, cuando estaba entre sus discípulos: Rode, Baillot y Kreutzer .

Unos años más tarde es expulsado de las islas acusado de jacobino, por lo que se instala en Alemania, cerca de Hamburgo. Revisado su caso, se le permitió regresar a Inglaterra, donde abandonó su carrera musical para dedicarse al negocio de vinos, pero fracasó y quebró rápidamente. Regresó a París donde fue director del Teatro Italiano y de la Ópera en 1819. Dos años después fue despedido y volvió a Londres donde murió en marzo de 1824 a los 68 años.
Como compositor fue un defensor de la tradición instrumental italiana de la época rococó, pero abierto al romanticismo. Sus Conciertos “Concierto para violín nº 22”, Adagio, revelan la influencia de Haydn, mientras que en las obras solistas hay una síntesis de las tendencias violinísticas de la escuela italiana posterior a Tartini.

Su obra
• 29 conciertos para violín.
• 2 sinfonías para 2 violines y orquesta.
• 70 sonatas para violín.
• 9 arias para soprano.
• Numerosos dúos, tríos, cuartetos y motetes.

Composiciones destacables
• “Meditaciones en Preghiera” (1793) para violín y orquesta de cuerda (Orchestra Camerata Ducale & dir. Guido Rimonda)
• De 32 Souvenirs para violín: Capricho para violín n. 4. I. Maestoso (Guido Rimonda, violín)
• Concierto para dos flautas 1. Allegro Maestoso (Hye-Sook Yang / Georgi Spassov : Flautas & Sofia Philharmonic Ensemble Orchestral)
• Concierto para violín nº 22, 1. Moderato,  II: Adagio, III. Agitato Assai  (Itzhak Perlman)
• Concierto violín No.23 in Sol-mayor "John Bull", I, II Andante, III Allegro

• Sinfonía Concertante I. Allegro maestoso, II. Rondo: Allegro

• Concierto para Violonchelo en Do mayor (Ofra Harnoy, dello & I Solisti Veneti, dir. Claudio Scimone)

'A whiter shade of pale'

El 12 de mayo de 1967 se publicó en el Reino Unido 'A whiter shade of pale', el tema debut del grupo británico Procol Harum. El single alcanzó el día 8 de junio el nº1 de las listas inglesas y permaneció allí seis semanas. Sin recibir apenas promoción, alcanzó también el Top5 en EEUU y es uno de los pocos discos sencillos que han vendido más de diez millones de copias.

Gary Brooker

En casa del disc-jockey londinense Guy Stevens, son presentados dos compositores que parecen estar hechos el uno para el otro: un músico que no sabe escribir textos y un poeta que no domina ningún instrumento musical. Aún así, el pianista Gary Brooker se muestra escéptico cuando conoce al letrista Keith Reid, y no piensa en principio que la sociedad funcione. Un sobre con los primeros trabajos de Reid se queda olvidado sobre su piano durante meses. Hasta que un día lo abre y decide echarle un vistazo a los versos de Keith. Uno de los poemas tiene una medida que parece hecha a propósito para una melodía basada en el 'aire' de Bach, que Gary acaba de componer. Cada vez que canturrea como prueba los versos de Reid sobre su melodía, está más y más convencido de que puede ser un hit.

Procol Harum

Lo que al nuevo dúo de compositores le falta ahora, es un grupo. Gary se pone a la búsqueda entre sus colegas y publica un anuncio en la revista musical 'Melody Maker'. Con los nuevos músicos reclutados, Matthew Fisher al órgano Hammond M-102, David Knights al bajo, Ray Roger a la guitarra, Bill Eyden a la batería y el propio Brooker al piano y la voz solista, comienzan a trabajar en la canción, cuyo texto, debido a la larga duración, sufre un recorte de dos estrofas, lo que lo hace mucho más surrealista e ininteligible. Pero eso no afecta al resultado final. Al contrario, esa 'bruma mística' que envuelve al castrado poema de Reid contribuye al éxito internacional de 'A whiter shade of pale'.

A John Lennon le gustaba tanto la canción, que cuando hacía trayectos largos con su Rolls Royce, se colocaba los cascos y escuchaba una y otra vez el tema de Procol Harum. Una vez llegado a su destino, a veces se quedaba en el coche explicando: "Tengo que oírla un par de veces más..."

Keith Reid

Reid, a quien el título se le quedó grabado cuando se lo escuchó decir en una fiesta a un joven algo bebido que intentaba ligar con una chica comentándole algo relacionado con su blanca palidez, explica el significado de su poema: "Es la historia de un viaje contada desde la perspectiva de un joven seductor, que destrozado y hundido, trata de mantenerse cuerdo y despierto con la ayuda del alcohol. Cuanto más bebe más confusas son las imágenes que recibe de la desconocida con la que intenta mantener una conversación. 

Brooker y Reid

Sus pensamientos son cada vez más erráticos, y con las vanas e inocentes esperanzas de conquista se entremezclan citas de libros leídos en la infancia. La recurrente metáfora de la canción es un naufragio, estableciendo un paralelismo entre la seducción romántica y los peligros que acechan en los océanos. Nuestro héroe es un joven inexperto que valora más un buen libro que someterse al peligro de verse herido emocionalmente. Esta ambivalencia también se hace patente ante las repetidas menciones a las náuseas. Como se trata de un exceso etílico nocturno, hay huecos en la historia. El oyente debe rellenarlos con su propia imaginación y fantasía."

We skipped the light fandango
And turned cartwheels across the floor
I was feeling kind of seasick
But the crowd called out for more
The room was humming harder
As the ceiling flew away
When we called out for another drink
The waiter brought a tray

And so it was that later
As the miller told his tale
That her face at first just ghostly
Turned a whiter shade of pale

She said "There is no reason,
And the truth is plain to see"
But I wandered through my playing cards
And would not let her be
One of sixteen vestal virgins
Who were leaving for the coast
And although my eyes were open
They might just as well have been closed

And so it was that later
As the miller told his tale
That her face at first just ghostly
Turned a whiter shade of pale

Portada de la reedición de 1972

Bailamos el suave fandango
Y dimos volteretas por el suelo
Me sentía un poco mareado
Pero el gentío pedía más
El salón estaba muy activo
Mientras el techo se alejaba
Cuando pedimos otra bebida
El camarero trajo una bandeja

Y así fue que más tarde,
Cuando el molinero contó su historia
El rostro de ella, de manera fantasmal,
cambió a una blanca palidez

Ella dijo "No existe una razón,
Y la verdad es fácil de ver"
Pero seguí jugando con mis cartas
Y no le permitiría ser
Una de las dieciséis vírgenes vestales
Que partían hacia la costa
Y aunque mis ojos estaban abiertos
Bien pudieron haber estado cerrados

Y así fue que más tarde,
Cuando el molinero contó su historia
El rostro de ella, de manera fantasmal,
cambió a una blanca palidez

El mismo año 1967, el grupo español Pop-Tops, grabó una versión en castellano (también la grabarían más tarde Cristina y los Stop, Los Go-Go, Los Salvajes, Los Jóvenes, Tony Ronald y Barrabás, entre otros) con una letra de Francisco Carreras, que poco tenía que ver con el 'sentido' original de la canción:

Caminos en el cielo
misterios en el mar
y las sombras del desvelo
que me vienen a asediar
cipreses que se mecen
con el viento nocturnal
y vibrando en un órgano
un preludio sin final

Entre mis sueños
te veo, a mi lado otra vez
y tu rostro tan sereno
con su blanca palidez

Estrellas que se apagan
palomas que se van
pensamientos que divagan
y siempre aquel refrán
que suena en mis oídos
con la fuerza de obsesión
y llorando con el órgano
está mi corazón

Entre mis sueños
te veo, a mi lado otra vez
y tu rostro tan sereno
con su blanca palidez

También Los Rebeldes realizaron en 1995 una versión en castellano con una letra diferente:

El último fandango
Al borde del amanecer
Con la Luna bailando.
Odiando el nuevo día
Aunque vendrá la luz
A mi me traerá la oscuridad.
Se que el destino es tan cruel
No le suplicaré piedad.

Cuando el Sol salga
Sólo me dejará
Ese aroma de mujer
Y el recuerdo de una cara
Y su blanca palidez.

Ya se acerca el alba
Se que con el se ira el placer
De una dulce virginidad.
Hasta ahora ha sido mía
Y ya no la puedo retener
Ni a ella ni a la felicidad.
Ya no tengo el poder
se marcha con la luz
perdí mi última oportunidad.

Cuando el Sol salga
Sólo me dejará
Ese aroma de mujer
Y el recuerdo de una cara
Y su blanca palidez.

También artistas latinoamericanos como José Feliciano, Los Impala o José Luis Rodríguez, grabaron sus respectivas versiones, algunas de ellas con nuevas letras.

Matthew Fisher en 2009

Se conocen hasta la fecha más de 900 versiones grabadas de 'A whiter shade of pale'. Asimismo existen innumerables interpretaciones de la letra. En la página procolharum.com se pueden encontrar algunas. Los créditos de la autoría del tema eran de Brooker y Reid hasta julio de 2009, fecha en la que un juzgado le concedió al organista Matthew Fisher, tras repetidos intentos fallidos de éste en años anteriores, el 40% de los derechos de autor por su contribución con el órgano, que según el fallo, fue 'determinante' en el resultado final de la composición musical. Fisher comentó tras el fallo: "Supongo que a partir de ahora dejaré de estar en la lista de amigos de Gary y Keith, pero creo que es un precio pequeño por asegurar mi merecido lugar en la historia del rock & roll".

Jules Massenet

El 12 de mayo de 1842 nació en Saint-Étienne Jules Massenet, compositor francés conocido por sus óperas, muy populares durante finales del siglo XIX y principios del XX.

Cuando tenía once años su familia se traslada a vivir a París para que él pueda estudiar en el Conservatorio. Obtiene un primer premio de piano en 1859 y en 1863 gana el Grand Prix de Roma gracias a su cantata 'David Rizzio'. Vive en esa ciudad durante tres años y conoce allí a Franz Liszt que le pedirá secundarle en sus faltas de enseñanza. A su vuelta a París compone su primera ópera, La Grand' Tante, en un acto, para la Opéra-Comique en 1867.

Comienza a ser conocido con obras como 'Don César de Bazan' (1872) y 'Le Roi de Lahore' (1872), siendo su primer éxito, en 1873, el oratorio-drama 'Marie-Madeleine', elogiado por compositores como Tchaikovsky y Gounod. En 1884, creó 'Manon', su obra más popular, ópera según la novela 'Manon Lescaut' de Abbé Prévost (María Callas). Sus óperas más famosas son 'Don Quichotte' (L'Opéra National de Paris. Jean-Philippe Lafont & dir. James Conlon), 'Hérodiade', 'Le Cid' Aria "Le Cid" - (Matthew Garrett), 'Le Jongleur de Notre-Dame' (Jean-Pierre Lo Ré) y, más tarde, 'Werther' (1892) (The Orchestre de l'Opéra national de Paris; Jonas Kaufmann: Werther, Sophie Koch: Charlotte & dir. Michel Plasson), según 'Die Leiden des jungen Werthers' de Goethe; 'Thaïs' (1894) «Méditation religieuse», conocido como 'Meditación de Thäis' (Itzhak Perlman) es célebre, pero, rodeada de una reputación diábolica, esta ópera no conocerá el éxito hasta pasados diez años de su estreno.

También suele destacarse una de sus últimas óperas, Don Quichotte, “Lorsque le temps d'amour a fui” (Teresa Berganza). La influencia de Massenet se manifiesta en muchos compositores de ópera, por ejemplo: Ruggero Leoncavallo, Pietro Mascagni, Giacomo Puccini o en el 'Pelléas et Mélisande' de Claude Debussy. Su capacidad de trabajo fue impresionante. Ha dejado una obra esencialmente lírica (veinticinco óperas) pero también compuso ballets, oratorios y cantatas, obras orquestales y aproximadamente, unas doscientas canciones, además de algunas obras pianísticas, Concierto de Piano Movimiento "Largo" (Marylene Dosse, piano & Westphalian Symphony Orchestra). Parte de su producción no-vocal ha alcanzado una gran popularidad como "Le Élégie" (Seppo Laamanen, cello & Jouni Somero, piano) se hizo mundialmente famoso en muchos arreglos. Massenet utilizó la técnica del leitmotiv de Wagner, pero le dio una ligereza francesa, que algunos critican, considerándola demasiado edulcorada. Tuvo una influencia religiosa y a menudo ha sido considerado como el heredero de Charles Gounod.

Franz Anton Hoffmeister

El 12 de mayo de 1754 nació en Rottemburg am Neckar (Alemania) el compositor y editor musical Franz Anton Hoffmeister, que viajó a Viena a la edad de catorce años para estudiar Derecho. Al terminar sus estudios decidió seguir una carrera musical, y a mediados de 1780 se había convertido en uno de los compositores más populares de la ciudad, con un extenso y variado catálogo de obras a su crédito.

Su reputación hoy en día se debe casi exclusivamente a sus actividades como editor de música. En 1785 fundó en Viena una de las primeras empresas de edición musical. Hoffmeister publicó sus propias obras y las de muchos compositores importantes de la época, entre ellos Haydn, Mozart, Beethoven, Clementi, Albrechtsberger, Dittersdorf y Vanhal. Estos famosos compositores también eran amigos personales de Hoffmeister. Mozart le dedicó su Cuarteto de cuerda n.º 20 en re mayor (KV 499), y Beethoven le dirigió una carta llamándolo su "más amado hermano".
Sus actividades como editor musical alcanzaron su cénit en 1791, pero a partir de entonces se dedica más a la composición. La mayoría de sus óperas fueron compuestas y escenificadas en la primera parte de la década de 1790, y esto, combinado con una aparente falta de buen sentido para los negocios, llevó a una notable disminución en su producción.

En 1799 Hoffmeister y el flautista Franz Thurner realizan una gira de conciertos que debía llevarlos hasta Londres, pero no llegaron más allá de Leipzig, donde entabló amistad con el organista Ambrosius Kühnel. Ambos aparentemente decidieron crear una casa editorial musical en esta ciudad, ya que en menos de un año fundan el Bureau de Musique, que en 1802 publica la primera edición de las "Obras para teclado" de Johann Sebastian Bach en catorce volúmenes. Hasta 1805 Hoffmeister mantuvo su interés tanto por la editorial vienesa, como la nueva en Leipzig, pero en marzo de 1805 transfirió la propiedad del Bureau de Musique a Kühnel. Su interés por la empresa vienesa también disminuyó, y en 1806, aparentemente para dedicarle más tiempo a la composición, la vendió a la empresa Chemische Druckerei. Murió en febrero de 1812 a los 57 años.

Como compositor Hoffmeister era muy respetado por sus contemporáneos, como puede verse en la nota publicada el año de su muerte en el 'Neues Gerber Lexikon der Tonkünstler':
“Si echa un vistazo a sus numerosas y variadas obras, tendrá que admirar la diligencia y la astucia de este compositor... Obtuvo para sí una merecida y amplia reputación por el contenido original de sus obras, que no sólo son ricas en la expresión emocional, sino que también se distinguen por el interesante y adecuado uso de los instrumentos y su buena ejecución. Este último rasgo se lo debemos a su conocimiento de los instrumentos, que es tan evidente, que se podría pensar que fue un virtuoso en todos los instrumentos para los que compuso”.

A Hoffmeister se le debe un extenso repertorio para flauta, no solamente conciertos, sino también música de cámara con la flauta como instrumento solista, como el Concierto para flauta en re mayor, Rondó. Muchas de estas obras fueron compuestas en Viena debido al creciente número de músicos aficionados para quienes la flauta era su instrumento favorito.

Escribió cerca de setenta sinfonías, sesenta conciertos, entre ellos el Concierto para viola y orquesta en Re mayor, que aún es ejecutado frecuentemente, cincuenta cuartetos de cuerda, obras vocales y numerosas óperas. Algunas de sus óperas tuvieron mucha aceptación como 'El hijo del rey Ítaca', con el texto del libretista de 'La flauta mágica'. Otros títulos operísticos son: 'El Alquimista', 'El gallo de la casa', 'Rosalinda' o 'El poder de las hadas' y 'El asedio de Citérea'.

Obras destacables:

• Concierto para viola en re mayor (Victoria Chiang & Baltimore chamber Orchestra)

• Concierto para piano en re mayor Opus 24 (Wilhelm Neuhaus, piano & Cologne Chamber Orchestra, dir. Helmut Müller-Brühl)

• Concierto para clarinete en Si bemol mayor (Dieter Kloecker, clarinete & Concerto Amsterdam, dir. Jaap Shroeder)

• Sinfonía en sol mayor ''La festa della Pace 1791'' - Allegro molto (Turchesco) 

• 12 Estudios para viola solo Estudio No. 1 en Do, Allegro (Ashan Pillai)

• Concierto para flauta en re mayor, Adagio 

Charles Pettigrew

El 12 de mayo de 1963 nació en Philadelphia (Pennsylvania) el cantante norteamericano Charles Pettigrew, que junto a Eddie Chacon formó a principios de los años noventa, Charles & Eddie, un dúo de R&B que logró un único y gran éxito con el tema 'Would I lie to you?'.

Charles recibió educación musical en el Berklee College of Music, especializándose en piano clásico y jazz y un día conoció en el metro de Nueva York al californiano Eddie Chacon. "Ambos eramos coleccionistas de música de los setenta y ví que llevaba una copia original de 'Trouble Man' de Marvin Gaye. Eso facilitó el inicio de una conversación y al rato descubrimos que teníamos amigos músicos comunes. Comenzamos a hacer música juntos y todo ocurrió de forma natural".

Los dos músicos ya habían llamado la atención entre ejecutivos de Capitol Records, por lo que cuando formalizaron el dúo, el director artístico del sello, Josh Deutsch, les firmó un contrato. Su álbum debut, 'Duophonic', publicado en 1992, contenía el single 'Would I lie to you?', tema que en la hoja promocional fue calificado como 'el nuevo soul de los 90' o 'soul de la era moderna'.

'Would I lie to' you fue nº1 en el Reino Unido y top20 en Estados Unidos. El dúo publicaría tres temas más que alcanzaron el top40 en Inglaterra, 'NYC', 'House is not a home' y '24-7-365', lo que no ha impedido que Charles & Eddie sigan catalogados como 'one hit wonder'. Charles murió en abril de 2001 a los 37 años.