Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 4 de agosto de 1967 se publicó en el Reino Unido 'The Piper at the Gates of Dawn', álbum debut de la banda británica Pink Floyd. Grabado el mes de febrero anterior en los estudios EMI londinenses de Abbey Road, al tiempo que los Beatles grababan su 'Seargent Pepper', estuvo producido por Norman Smith (ingeniero de grabación en los seis primeros álbumes de Beatles y futuro fundador de Harvest Records) y fue el único trabajo del grupo en el que Syd Barrett ejerció de líder componiendo ocho de los once temas que contiene.
Pink Floyd había llamado la atención con sus espectáculos de 'luz y sonido', desplegando en sus conciertos un show visual de efectos y luces y creando una puesta en escena que respondía perfectamente a las atmósferas musicales y largas improvisaciones instrumentales que desarrollaban sobre el escenario. Sin embargo, en un disco no era posible trasladar esa experiencia, por lo que, exceptuando el título más largo, 'Interstellar overdrive', los demás temas del álbum eran pequeños esquemas sintetizados de lo que la banda ofrecía en directo
Syd Barrett en 1967
Aunque en los tabloides británicos definían a los Pink Floyd como una banda "especializada en música psicodélica diseñada para ilustrar experiencias bajo los efectos del LSD", Barrett era el único consumidor de ácido, afición que, a la postre, provocó su deterioro mental y su posterior salida del grupo, siendo sustituido por David Gilmour. También hablaban de 'rock espacial', por títulos como 'Astronomy domine' e 'Interstellar overdrive', piezas favoritas de los fans de la banda en sus shows en directo. El álbum se puede considerar un paseo por las disparatadas y geniales ideas musicales de Barrett, pero los arreglos de teclado de Wright ya comenzaban a cobrar esa importancia que definiría el sonido del grupo años más tarde.
La portada, que mostraba una fotografía del grupo tomada por Vic Singh con un filtro de efecto de caleidoscopio, pretendía simbolizar un 'viaje' de LSD.
Reconocido hoy día como un álbum fundamental del rock psicodélico, fue nº6 en las listas británicas y, en la edición americana publicada dos meses más tarde, se incluyó el tema 'See Emily play', que había aparecido en single en Inglaterra unas semanas antes. 'The Piper at the Gates of Down' fue, en cierto modo, uno de los primeros discos que marcaron el principio del fin de la aplastante hegemonía musical que había ejercido el beat en Gran Bretaña.
El 4 de agosto de 1940 nació en California el pianista, guitarrista y bajista Larry Knechtel. Comenzó su carrera en 1959 como miembro de The Rebels, el grupo de Duane Eddy con el que permaneció cuatro años hasta que se estableció como músico de sesión en Hollywood, donde trabajó como pianista para Phil Spector ayudándole a crear su famoso 'muro de sonido'.
Larry fue uno de los miembros de TheWrecking Crew, un selecto grupo de músicos de sesión de Los Angeles. Tocó el bajo en el primer álbum de los Doors, el órgano Hammond de 'Wouldn't it be nice' de Beach Boys, la armónica y el bajo en 'Mr tambourine man' de los Byrds y -su contribución más conocida-, la intro de piano de 'Bridge over troubled water'de Simon & Garfunkel. También acompañó en 1968 a Elvis Presley con el bajo en su especial de TV.
En 1971 entra a formar parte de Bread con los que graba los tres álbumes de mayor éxito del grupo, con temas como 'Baby I'm a want you', 'Everything I own' y 'Guitar man', cuyo solo de guitarra también ejecuta Larry. Sus últimas colaboraciones fueron para Neil Diamond, Elvis Costello y las Dixie Chicks a las que acompañó en sus giras. Larry pasó sus días finales semi-retirado en Yakima (Washington). Murió de un infarto a los 69 años en agosto de 2009.
El 4 de agosto de 1921 nació en Farmersville, Texas el guitarrista de jazz Herb Ellis. De niño Herb tocaba el banjo y la armónica, pero cuando escuchó a George Barnes en la radio, se decidió por la guitarra. Cuando en 1941 ingresó en el North Texas State College, ya era un virtuoso del instrumento.
En 1944 debutó con la Casa Loma Orchestra y a partir de 1945 se le podía oir en la banda de Jimmy Dorsey, con la que grabó sus primeros solos. Entre 1948 y 1952 trabajó en el grupo Soft Winds con el pianista Lou Carter y el bajista Johnny Frigo, un trío que no consiguió el éxito que se merecía. En 1953 sustituyó a Barney Kessel en el legendario Oscar Peterson Trio, generando según palabras de Scott Yanow "uno de los más memorables tríos de piano, guitarra y bajo en la historia del jazz".
Oscar Peterson Trio
Ellis recordaba así esta época: "Tocar con Oscar y Scott fue uno de los momentos cumbre de mi carrera. Eran los mejores en sus respectivos instrumentos. Tocábamos piezas con arreglos verdaderamente complicados. Oscar las escribía en partitura y nos las pasaba para que las memorizáramos. A veces me pasaba mis papeles y yo le decía: 'Oscar, yo no puedo tocar esto' y el me contestaba: 'Si Herb, sí puedes. Sé perfectamente lo que eres capaz de tocar' Y, como siempre, tenía razón"
Su pertenencia al trío trajo su controversia en la época, ya que Ellis era el único blanco en el grupo en unos tiempos en los que el racismo todavía estaba muy arraigado en Estados Unidos.
Oscar Peterson Trio
Además de los magníficos álbumes en estudio y en directo grabados por esta formación hasta 1958, sirvieron de 'grupo residente' del sello Verve de Norman Granz, acompañando a músicos como Ben Webster, Stan Getz, Dizzy Gillespie y Roy Eldridge. Asimismo fueron uno de los grupos fijos en las giras de Jazz at the Philarmonic por Estados Unidos, Japón y Europa.
Ellis dejó a Peterson en noviembre de 1958 y fue sustituido por el batería Ed Thigpen, quizás admitiendo que el puesto de Ellis era difícil de cubrir. Los siguientes dos años Ellis acompañó a Ella Fitzferald en sus conciertos y, por un corto periodo, a Julie London, que tenía un gran éxito en las listas con 'Cry me a River'. Junto al batería Buddy Rich, también sirvió de soporte a los populares duetos que grabaron Louis Armstrong y Ella Fitzgerald. Cansado de la giras y los viajes, Ellis se instaló en el área de Los Angeles, donde inició una etapa como músico de sesión para la industria del cine y la TV.
A partir de 1973 colaboró con otros guitarristas, en formato dúo con Joe Pass, y como Great Guitars junto a Barney Kessell y Charlie Byrd, así como en Guitar Unlimited con Kessel, Byrd y Tal Farlow en los años ochenta. En la década siguiente todavía se le podía oir regularmente en grabaciones y giras. Murió en marzo de 2010 a los 88 años.
El 4 de agosto de 1912 nació en Philadelphia David Raksin, compositor norteamericano de bandas sonoras y conocido principalmente por ser el autor de la música del tema 'Laura' de la película homónima dirigida por Otto Preminger, al que Johnny Mercer puso letra. Con más de 100 bandas sonoras compuestas para el cine y más de 300 para la TV, Raksin fue conocido como el 'abuelo de la música cinematográfica'.
Hijo de un director de orquesta, cuando David asistía a la Central High School de Philadelphia, ya tocaba profesionalemnte en varias orquestas de baile. Estudió composición en la universidad de Pennsylvania con Harl McDonald y más tarde con Isadore Freed en Nueva York y con Arnold Schoenberg en Los Angeles. También trabajó un tiempo como arreglista para la editora musical Harms/Chapell. Uno de sus primeros trabajos para el cine fue el de asistir a Charlie Chaplin en la composición de la banda sonora de 'Tiempos Modernos' (1936).
Seguiría recibiendo encargos para films como 'El perro de los Baskerville' (1939), 'Sherlock Holmes contra Moriarti' (1939), 'The Men in her Life' (1941) y 'Tampico (1944). En 1944 compuso la música para el film 'Laura'. El año siguiente, Johnny Mercer le puso letra y surgió la canción 'Laura', una de las canciones más versionadas de la historia. Los últimos años de su carrera enseñó música y composición en las universidades de california. Raksin murió en 2004 a los 92 años.
El 4 de agosto de 1904 nació en Jackson Heights, Queens (New York) la cantante de música popular Helen Kane, cuya canción más emblemática y representativa fue 'I wanna be loved by you'. Su voz y su aspecto físico inspiraron al dibujante Max Fleischer para la creación de su personaje 'Betty Boop'
Nacida como Helena Clara Schroeder, fue la menor de tres hermanos. Su padre, Louis Schroeder, el hijo de un inmigrante alemán, trabajó de manera intermitente y su madre inmigrante irlandesa, Ellen (Dixon) Schroeder, trabajaba en una lavandería. Ellen, a regañadientes, pagó 3 dólares por un vestido de reina para su hija en la primera función de teatro de Helen en la escuela. Para cuando tenía 15 años, Kane ya actuaba en escenarios profesionales, recorriendo el Orpheum Circuit con los Hermanos Marx en On the Balcony. Pasó los primeros años veinte actuando en piezas de vodevil y como bailarina en el espectáculo ambulante 'All Jazz Revue', donde en ocasiones cantaba con el trío vocal The Three X Sisters. En 1921 debutó en el New York Palace y el año siguiente en Broadway, con un papel en 'Stars of the Future'.
Su éxito comenzó en 1927, cuando apareció en el musical 'A Night in Spain'. Se dieron un total de 174 representaciones y a continuación, el director de orquesta Paul Ash la puso como cabeza de cartel en el Paramount Theater de Times Square. En su primera aparición intercaló en su interpretación de 'That's my weakness now' las palabras "boop-boop-a-doop", un detalle que no pasó desapercibido para los 'flappers' de la época, y cuatro días después, su nombre estaba en boca de todo el mundo.
Fue en 1928, en el show 'Good Boy' de Oscar Hammerstein donde, entre canciones como 'Don't be like that' y 'Is there anything wrong in that?', introdujo por vez primera la canción 'I wanna be loved by you'. Seguidamente triunfó en el Palace donde le pagaban 5.000$ a la semana. Karen poseía una excelente dicción, entonación y ritmo y gracias a su época en el vodevil resaltaban sus coquetas maneras de cantar, en las que fusionaba diversos estilos vocales de los años veinte, como el scat -una forma de improvisación vocal- así como la unión de canto y recitado (speech-song) haciendo eco de lo que en la república de Weimar alemana estaba entonces muy en boga en los night clubs, el 'Sprechgesang'.
Su carita redonda enmarcada en unos rizos negros, sus grandes ojos y sus pequeños labios, junto a su corta estatura (1,55 m) y redondeadas formas, representaban el ideal de belleza femenina de la época. Helen Kane era lo que se llamaba una chica Flapper, las chicas de los alegres años 20 que causaban furor en las salas de fiesta.
En 1930, los estudios Max Fleischer presentaron una caricatura de Helen Kane, un personaje con orejas de perro y voz chillona, que aparecía en el film animado 'Dizzy Dishes'. 'Betty Boop', que fue como se conoció el personaje más tarde, pronto se hizo popular y eso generó la creación de sus propias historietas. En 1932, Betty Boop se convirtió en un ser humano: las orejas de perro fueron sustituidas por dos grandes pendientes.
La relación de Helen Kane con Betty-Boop no fue demasiado buena. La Paramount, el estudio de ambas, dejó de apoyar paulatinamente la carrera de la cantante para centrarse en la del dibujo animado haciendo que la fama de Helen cayera a la misma velocidad que la de Betty-Boop crecía. Además, con las penurias de la Gran Depresión, el mundo extravagante de las flappers había terminado, y el estilo de Kane empezó sonar anticuado. Después de 1931 también perdió el favor de los cineastas, que optaron por otros cantantes para sus películas. Apareció en una producción teatral llamada 'Shady Lady' en 1933, e hizo apariciones en varios clubes nocturnos y teatros durante la década de 1930.
En mayo de 1932, Kane presentó una demanda por $250,000 contra Paramount y Max Fleischer, por competencia desleal y apropiación indebida en los dibujos animados de Betty Boop. La cantante centraba la demanda en que Betty Boop imitaba su personal estilo de cantar, con voz aniñada y arrastrando un deje de Brooklyn que volvia loca a la audiencia. El juicio se prolongó durante más de dos años antes de que el juez fallara en su contra, aduciendo que su testimonio no demostró que su forma de cantar fuera única y no una imitación.
Entre 1928 y 1930 Kane grabó 22 canciones. Los siguientes veinte años únicamente grabó cuatro temas para Columbia, además del single 'I wanna be loved by you', perteneciente a la banda sonora del film 'Three little words', en la que aparecía Debbie Reynolds cantando el tema, pero doblada con la voz de Kane, que no apareció en los créditos. En 1954 volvió a grabar cuatro temas para el EP 'The Boop Boop a Doop Girl', y en los años sesenta apareció en diversos programas de TV, como Toast of the Town, posteriormente conocido como Ed Sullivan Show. Murió tras una larga enfermedad el 26 de septiembre 1966 a los 63 años, en su apartamento en Jackson Heights.
El 4 de agosto de 1901 nació en Nueva Orleans el más grande intérprete de jazz de todos los tiempos, el gran 'Satchmo', Louis Armstrong. Ningún otro músico representó el 'old time jazz' como él y fue sin lugar a dudas el más influyente músico de jazz de la era clásica o tradicional.
Sus primeros días fueron todo lo duros que se puede pedir, con un padre que abandonó a la familia y una madre forzada a ejercer la prostitución para sacar adelante la familia.
La Nochevieja de 1913, Louis disparó con una pistola al aire para celebrar el nuevo año y fue sentenciado por ello a pasar un año en un orfelinato para negros. El centro contaba con una banda musical de marchas cuyo fácil acceso a los instrumentos, tuvo que ver con la esencia del nacimiento del jazz en esa zona. Resulta que tras la guerra de Cuba en la que la banda militar era una institución importante en cada destacamento, los barcos invariablemente volvían desde el Golfo de Mexico a la ciudad de Nueva Orleans, el puerto militar más importante del sur en aquel momento. Una vez licenciados en tierra, los soldados vendían o empeñaban sus instrumentos (muchos metales) lo cual contribuyó a un superávit de estos en la zona.
La banda de música del orfelinato. Louis ya posaba orgulloso en el centro de la imagen (arriba)
Louis eligió una corneta y con aquella banda desencadenó su increíble talento. A las pocas semanas, aquel chaval de doce años lideraba toda la orquesta. Cierto día la banda ofreció un concierto en la calle para el vecindario y los habitantes de Storyville quedaron tan maravillados que Louis y sus muchachos recaudaron el dinero suficiente para comprar instrumentos nuevos a cada uno de los componentes.
Louis empezó a tocar en los locales de baile de la ciudad donde entró en contacto con Bunk Johnson y Joe 'King' Oliver, que años más tarde se jactaban de haber enseñado tocar la corneta al joven Louis. Con 15 años ya tocaba en los honky-tonks y formó su propia banda junto al batería Joe Lindsey.
Armstrong y King Oliver
En 1918 sustituyó a King Oliver en la banda de Kid Ory y en los vapores del Mississippi aprendió a leer música con Fate Marable. En 1922 se trasladó a Chicago a la banda de King Oliver. Juntos, los dos cornetistas desarrollaron la forma del 'double break'. En 1924 se casó con su segunda mujer, Lil Hardin, la pianista del grupo. Ese mismo año se trasladó a Nueva York y tocó junto a Fletcher Henderson, Bessie Smith, Clara Smith y Maggie Jones y, entre 1924 y 1925 grabó discos con los Clarence Williams Blue Five.
Volvió a Chicago, a la orquesta de Lil, por el entonces magnífico salario de 75$. En 1926 apareció en el Vendome Theatre Orchestra por primera vez como cantante y showman.
Los Hot Five
En noviembre de 1925 se grabaron los primeros discos de los Hot Five, que incluían a Kid Ory, Johnny Dodds, Johnny St Cyr y Lil Hardin. Más tarde, Pete Briggs y Baby Dodds ampliaron el grupo a Hot Seven. Ambas formaciones sólo se encontraron en el estudio, exceptuando una actuación de los Seven en 1926.
Louis en 1950
Entre 1925 y 1928, Louis fue cambiando poco a poco la corneta por la trompeta. Tras un trabajo con Carroll Dickerson, Armstrong marchó con sus músicos a Nueva York donde celebró brillantes éxitos en el Savoy de Harlem y la Trevue Hot Chocolates en Broadway. Al mismo tiempo se acompañaba como solista de big bands y a principio de los años treinta hizo giras por Europa, sobre todo a Londres y Paris. Así surgió, entre otras, su grabación legendaria de 'On the sunny side of the street'.
Louis con Billie Holiday y Barney Bigard en el film New Orleans (1947)
Tras un descanso de un año en 1935 a causa de una herida en el labio, contrató a la Luis Russell Big Band, con la que actuó durante diez años. Su popularidad se afianzó con pequeños papeles en diversos films y en 1946 hizo uno de los papeles protagonistas en 'A Song is Born'.
Louis y Billie Holiday
En 1947 aparece en el film 'New Orleans', junto a Billie Holiday, en el que interpreta otro de sus famosos temas, 'Do you know what it means, to miss New Orleans'. Tras un concierto en el Town Hall de Nueva York se formó en 1947 la banda Louis Armstrong All Stars, con Barney Bigard, Jack Teagarden, Morty Cobb, Dick Cary y Big Sid Catlett, así como la cantante Thelma Middleton.
Ella & Louis
En 1953 se interpretó a sí mismo en la película 'The Glenn Miller Story' y tres años más tarde, Ed Murrow rodó el documental 'The Satchmo Story'.
En 1956 Louis grabó junto a Ella Fitzgerald el primero de una serie de tres discos muy populares en los que interpretan canciones clásicas del cancionero americano, 'Ella and Louis' (1956), 'Ella and Louis Again' (1957) y 'Porgy and Bess' (1958). También en 1956 participa en la película 'High Society' junto a Bing Crosby, Frank Sinatra y Grace Kelly.
Louis Armstrong's All Stars
En 1958 Armstrong aparece con sus All Stars, compuesta por un 50% de músicos blancos y el otro 50% de músicos negros en 'Jazz on a Summer's Day' celebrado en el Festival de jazz de Newport.
A lo largo de su carrera grabó innumerables discos, trabajó en el cine y la TV y en 1949 apareció en la portada de la revista Time. La tremenda popularidad del músico, que ya había dejado atrás su cénit creativo, se hizo patente cuando consiguió un Grammy y el doble honor de ser el artista de más edad (63 entonces) en conseguir un nº1 y de apartar a los Beatles de lo alto de las listas, con su tema 'Hello Dolly'. En 1968 todavía grabó 'It's a wonderful world' que, 17 años tras la muerte de Louis encontró nuevas audiencias gracias a su inclusión en la banda sonora de la película 'Good Morning Vietnam'. Su última aparición en la pantalla fue con Barbra Streisand en 'Hello Dolly' (1969).
Murió de las consecuencias de un infarto a los 69 años en julio de 1971
El 4 de agosto de 1910, nació en el Bronx, Nueva York, el compositor norteamericano William Schuman, hijo de Samuel y Rachel Schuman. Tocaba el violín y el banjo cuando niño y su pasión irrefrenable era el béisbol. Hasta 1932 se dedicó a tocar en bandas de jazz y componer canciones populares, pero un acontecimiento que cambió su vida para siempre fue escuchar a Toscanini en un concierto en 1930.
Después del concierto exclamaría "Estaba asombrado de ver el océano de instrumentos de cuerda y todos moviendo el arco a la vez. Solamente la visión era impresionante. Pero ese sonido… ¡estaba impactado! Nunca había oído algo semejante. Al día siguiente, decidí hacerme compositor." A partir de entonces abandona sus estudios de comercio en la Universidad y se dedicó a estudiar música seriamente. Estudió con el compositor estadunidense Roy Harris en la Julliard School entre los años 1936-38..
William Schuman en 1943
En 1938 gana un concurso de composición, en apoyo a la República Española, con su “Segunda Sinfonía” (CBS Symphony Orchestra & dir. Howard Barlow). Copland y Koussevitsky lo apoyaron a partir de entonces en su carrera como compositor. Entre 1935 y 1945, enseñó composición en el Sarah Lawrence College. En 1945, se convirtió en presidente de la Juilliard School of Music, fundando el Juilliard String Quartet mientras estuvo ahí. La dejó en 1961 para tomar la dirección del Lincoln Center. A Schuman le fue concedida la Medalla Nacional de las Artes en 1987, como también fue elegido académico por la Real Academia de Música de Inglaterra y por la Academia Americana de las Artes y las Ciencias. Murió en Nueva York el 15 de Febrero de 1992 a los 81 años.
Schumann escribió una gran cantidad de obras en casi todos los géneros, cada una reflejando su personalidad a través de un definido sentido de estructura, línea y dinamismo. Incorporó el jazz y la tradición popular norteamericanas en partituras que van desde un estilo temprano de armonías conservadoras hasta posteriores incursiones en la disonancia. Su música tiene una fuerte estructura rítmica y armónica, con líneas melódicas que se mantienen a pesar del uso frecuente de la politonalidad (dos o más tonos simultáneos). Muchas de sus obras están compuestas en formas musicales barrocas como la fuga y el pasacalle. Schuman dejó un número sustancial de obras:
Sus ocho sinfonías, (numeradas del tres al diez ya que las dos primeras fueron retiradas):
- Cantata “A Free Song” (1943) (Ricardo Herrera, barítono & University of Illinois Chorale & dir. Ian Hobson), ganadora de un Premio Pulitzer de música;
- “Three-Score Set for piano” (1943) (Roger Shields, piano);
- Ballet “Undertow” (1945) (Joseph Levine & Ballet Theatre Orchestra) y “Judith” (1949) escrito este último para Martha Graham;
- “Concierto para violín” (1947 rev. 1959) (Philippe Quint, violín; Bournemouth Sinfonietta & dir. José Serebrier) que ha sido destacada como una de sus "composiciones más poderosas, podría ser considerada incluso una sinfonía para violín y orquesta";
- “George Washington Bridge” (1952) (New England Conservatory, Boston & dir. David Jeong), para banda de concierto;
- “The Mighty Casey” (1953), basada en 'Casey at the Bat' de Ernest L.Thayer, que refleja su gran amor por el béisbol;
- “Credendum: Article of Faith” (1955) (The Philadelphia Orchestra & dir. Eugene Ormandy);
- El “New England Triptych” (1956) (Cincinnati Symphony Orchestra & Max Rudolf), basado en melodías de William Billings;
- Arreglo de la obra para órgano de Charles Ives “Variations on America" para orquesta en 1963;
- “Mail Order Madrigals” (1972) (The Joyful Company of Singers & dir. Paul Broadbent) sobre textos de 1897 del catálogo de la Sears Roebuck, y
- “A Question of Taste” (1989) (The Juilliard Orchestra & dir. Gerard Schwarz), sobre una breve historia de Roald Dahl.
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