Gioachino Rossini

El 29 de febrero de 1792 nació en Pésaro, Italia el compositor italiano Gioachino Rossini, conocido especialmente por sus óperas, particularmente por las cómicas. Su popularidad le hizo asumir el "trono" de la ópera italiana en la estética del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica vocal sin descuidar los demás aspectos musicales. Situado cronológicamente entre los últimos grandes representantes de la ópera napolitana (Cimarosa y Paisiello) y los primeros de la romántica (Bellini y Donizetti), Rossini ocupa un lugar preponderante en el repertorio lírico italiano gracias a óperas bufas que le han dado fama universal.

Hijo de un trompetista del municipio de Pésaro que colaboraba con las orquestas de los teatros de la provincia, y de una soprano que llevó a cabo una corta carrera como seconda donna, la existencia de Rossini se vio ligada, desde la infancia, al universo operístico. Alumno del Liceo Musical de Bolonia desde 1806, en esta institución tuvo como maestro de contrapunto al padre Mattei y entró en contacto con la producción sinfónica de los clásicos vieneses, Mozart y Haydn, que ejercerían una notable influencia en la fisonomía instrumental de sus grandes óperas, de una riqueza tímbrica y de recursos (los célebres y característicos crescendi rossinianos) desconocidos en la Italia de su tiempo.

Tras varias óperas escritas según el modelo serio (Demetrio e Polibio, Ciro in Babilonia), ya en decadencia, y bufo (La cambiale di matrimonio, L’inganno felice), sin excesivas innovaciones, el genio de Rossini empezó a manifestarse en toda su grandeza a partir de 1813, año del estreno de Il signor Bruschino (Arturo Toscanini & N.B.C. Symphony Orchestra). Dotado de una gran facilidad para la composición, los títulos fueron sucediéndose uno tras otro sin pausa (llegó a estrenar hasta cuatro obras en el mismo año).

En París, ciudad en la que se estableció en 1824, compuso y dio a conocer la que iba a ser su última partitura para la escena, Guglielmo Tell (1829). A pesar de su éxito, el compositor abandonó por completo –cuando contaba treinta y siete años y por razones desconocidas– el cultivo de la ópera. Sin lugar a dudas la ópera más famosa de Rossini es El barbero de Sevilla - Obertura (Claudio Abbado & NBC Symphony Orchestra) escrita en Roma en 1816. Otras óperas suyas que figuran en el repertorio actual son L'italiana in Algeri (1813), Il turco in Italia (1814), La Cenerentola (1817), Semiramide (1823) y Comte Ory (1828).

Durante el resto de su vida sólo escribió dos obras importantes, el Stabat Mater (1842) -Amén- (Chorus and Orchestra of the Accademia Nacionale di Santa Cecilia) y La pequeña misa solemne (1864). A pesar de este largo retiro siguió figurando como una de las personalidades más relevantes del mundo operístico.

Contrajo matrimonio en Castenaso en 1822 con la soprano española Isabel Colbran, que interpretó varias de sus primeras óperas. Se separaron en 1837 y Rossini se fue a vivir con Olympe Pélissier, con quien se casó en 1846, tras la muerte de Isabella en 1845. Gioacchino Rossini murió el 13 de noviembre de 1868 en Passy, Francia. Fue enterrado en el parisino Cementerio del Père-Lachaise. Sus restos fueron trasladados en 1887 a Florencia y descansan en la Basílica de la Santa Croce.

Giuseppe Verdi convocó a los mejores compositores italianos a componer una misa de Réquiem en honor del Cisne de Pésaro (forma poética con la que se denomina a Rossini). Dadas las circunstancias políticas adversas, no se estrenó esa obra y Verdi usó su contribución, el Líbera me, en su propio Requiem, dedicado a Alessandro Manzoni. El director Helmuth Rilling ha exhumado y grabado la obra en la actualidad. Nicoló Paganini, Frederic Chopin, Mauro Giuliani, Louis Niedermayer, Ottorino Respighi y otros renombrados compositores han creado variaciones, orquestaciones y adaptaciones de múltiples obras rossinianas. Y los afamados “tournedos Rossini”, así como muchos otros platos de cocina, son designados en honor al célebre compositor, que era un consumado gastrónomo.

OBRAS:

Obras religiosas:
- "Stabat Mater" Obra completa (Carlo Maria Giulini & Philharmonia Orchestra)
- "Petite Messe Solennelle" Obra completa (Katia Ricciarelli: Soprano; Margarita Zimmermann: mezzo-soprano; José Carreras: Tenor; Samuel Ramey: Bajo & Ambrosian Singers)

Óperas
- "La cambiale di matrimonio" – 1810 “Come Tacer” (Joan Sutherland)
- "L'equivoco stravagante" – 1811 "Il periglio passo" (Jennifer Larmore & The English Chamber Orchestra & the London Voices)

- "Demetrio e Polibio" – 1812 "Questo cor ti giura amore" (Sara Mingardo & Christine Weidinger)
- "L'inganno felice" – 1812 "Al più dolce e caro oggetto" (Marina Bucciarelli - soprano)
- "Ciro in Babilonia" – 1812 Acto 2 (Ann Hallenberg, Marius Roth Christensen & dir. Fabio Biondi)

- "La scala di seta" – 1812 Obertura (The Hague's Baroque Orchestra & dir. Simon Murphy)
- "La pietra del paragone" – 1812 “Oh, come il fosco... Quell'alme pupille" (Raul Gimenez, tenor)
- "L'occasione fa il ladro" – 1812 “Se non m'inganna il core” (Luciana Serra & Raúl Gimenez)
- "Il signor Bruschino" – 1813 Obertura (Milan State University Orchestra & dir. Alessandro Crudele)
- "Tancredi" – 1813 Obertura (Teatro Comunale di Firenze & dir. Riccardo Frizza), Cavatina "Di tanti palpiti" (Cecilia Bartoli & Vesselina Kasarova)

- "L'italiana in Algeri" – 1813 "Pensa alla patria" (Ann Hallenberg, mezzo-soprano)
-"Aureliano in Palmira" – 1813 "Pensa che festi a Roma" (Bogdan Mihai - Aureliano & Franco Fagioli – Arsace)
- "Il turco in Italia" – 1814 Obra completa (Chailly Devia, Pertusi & Antoniozzi)
- "Sigismondo" – 1814 Teatro Comunale di Bologna Chorus and Orchestra & dir. Michele Mariotti)
- "Elisabetta, regina d'Inghilterra" – 1815  “Fellon, la pena avrai” (Montserrat Caballé & José Carreras)
- "Torvaldo e Dorliska" – 1815 (Orquesta Haydn de Bolzano & Coro de Cámara de Praga & dir. Victor Pablo)
- "Il barbiere di Siviglia" – 1816. Acto 1 “Una voce poco fa” (María Callas); Acto 2 Final “Larmore, Capecchi, Croft” (The Netherlands Opera & Jennifer Larmore)

- "La gazzetta" – 1816 “In bosco ombroso e folto...” (Pietro Spagnoli, Stefania Bonfadelli & dir. Maurizio Barbacini)
- "Otello, ossia Il moro di Venezia" – 1816. Acto 3 - "Assisa a' piè d'un salice" - "Che dissi!" - "Deh! calma, o Ciel, nel sonno" (Cecilia Bartoli & Giuseppe Patanè & The Wiener Volksopernorchester)

- "La Cenerentola" – 1817 Obertura (London Philharmonic Orchestra & Vladimir Jurowski); Rondó final (María Callas)
- "La gazza ladra" – 1817 Obertura (Wiener Philharmoniker & Claudio Abbado)
- "Armida" – 1817  'D'amor al dolce impero' (Armida: Renée Fleming, dir. & Metropolitan opera)
- "Adelaide di Borgogna" – 1817 "Cingi la benda candida", "se grate son le lagrime" (Patrizia Ciofi y Daniela Barcellona & Rossini Opera Festival, Coro da Camera di Praga & dir. Riccardo Frizza)

- "Mosè in Egitto" – 1818. Acto 3 “Dal tuo stellato soglio” Pauline Tinsley, soprano; Elizabeth Shelley, mezzo-soprano; David Hughes, tenore; Robert Lloyd, bajo & Chorus and Orchestra of the Royal Opera House & dir. Lamberto Gardelli)
- "Adina or Il califfo di Bagdad" - 1818/1828 Dueto “Se non m'odii, o mio tesoro” (Adina: Joyce DiDonato & the Calif, Marco Vinco)
- "Ricciardo e Zoraide" – 1818 Trío Final "Cruda sorte!" (Bruce Ford, Nelly Miricioiu & Della Jones)

- Ermione – 1819 Act 1 "A me Astianatte" (Cecilia Gasdia, Chris Merritt, Ernesto Palacio, Margarita Zimmermann, William Matteuzzi & Simone Alaimo) 

- Eduardo e Cristina - 1819

- La donna del lago – 1819 'Oh fiamma soave' (Juan Diego Flórez Salom)

- Bianca e Falliero - 1819

- Maometto secondo - 1820

- Matilde Shabran – 1821"Dallo stupore oppresso" (Annick Massis, Chiara Chialli, Juan Diego Florez, Marco Vinco, Carlo Lepore).

- Zelmira - 1822

- Semiramide – 1823 Obertura (Wiener Philarmoniker & dir.  Riccardo Muti); “Bel Raggio Lusinghier” (Renée Fleming & China Philharmonic Orchestra & Yu Long)

- Duetto Buffo di Due Gatti (Duo Humorístico para Dos Gatos) – 1825 http://youtu.be/wtyq-Fy9NTY (Pauline Tinsley y Elizabeth Vaugham)

- Il viaggio a Reims - 1825

- Le Siège de Corinthe - 1826

- Moïse et Pharaon - 1827 Acto 3 “Dal tuo stellato soglio” Pauline Tinsley, soprano; Elizabeth Shelley, mezzo-soprano; David Hughes, tenor; Robert Lloyd, bajo & Chorus and Orchestra of the Royal Opera House & dir. Lamberto Gardelli).

- Le Comte Ory - 1828

- Guillaume Tell - 1829 Parte 1, Parte 2 (The Hallé Orchestra & dir. Mark Elder)

Cantatas:

• Il pianto d'armonia per la morte d’Orfeo (Orchestra sinfonica di Milano & Franco Gallini)

• La morte di Didone, Parte 1, Parte 2 (Mariella Devia)

• Dalle queste e pallide ombre

• Egle ed Irene

• L'Aurora 

• Le Nozze di Teti e di Peleo (Juan Diego Florez)

• La riconoscenza Herbert Handt, dir. & The Orchestra and Chorus of RAI)

• La Santa Alleanza

• Il vero omaggio (Rossini Opera Festival & dir. Federico Longo)

• Omaggio pastorale

• Il pianto delle muse per la morte di Lord Byron (William Matteuzzi)

• Cantata per il battesimo del figlio del banchiere Aguado

• L'armónica cetra del nume

• Giovanna D´Arco (Marilyn Horne)

• Cantatina

• Cantata in onore del Sommo Pontefice Pio Nono (Mariella Devia - Hope, Paul Austin Kelly - Public Esteem, Michele Pertusi - Spirit of Christianity, Francesco Piccoli – Corifeo).

Jimmy Dorsey

El 29 de febrero de 1904 nació en Shenandoah (Pennsylvania) el saxofonista, clarinetista, compositor y director de big band Jimmy Dorsey. Hermano de Tommy, con quien trabajó en múltiples ocasiones, tuvo numerosos éxitos  en su propia orquesta, como 'Green eyes', 'Amapola', 'Maria Elena', 'Tangerine' y 'Pennies from heaven' con Bob Eberly y Helen O'Connell como cantantes.

Jimmy Dorsey

Su padre era profesor de música y Jimmy (el mayor de los hermanos Dorsey) comenzó a tocar la corneta con nueve años. Al año siguiente se cambió al saxo y en 1915 también tocaba el clarinete. Junto a su hermano Tommy, que tocaba el trombón, tuvo sus primeras experiencias con una banda cuando formaron Dorsey's Novelty Six, más tarde Dorsey's Wild Canaries, una de las primeras bandas de jazz que tocaron para la radio. En 1924 se trasladó a la ciudad de Nueva York para unirse a los California Ramblers. Con 17 años estaba tocando junto a Bix Beiderbecke y Frankie Trumbauer en la banda de Jean Goldkette. Cuando ésta se disolvió en 1927, Bix, Frankie y él se unieron a la orquesta de Paul Whiteman. Continuó trabajando como músico de sesión y participó en la banda de Ted Lewis, donde coincidió con Benny Goodman y Don Murray. Jimmy tomó parte en grabaciones de Lewis y le acompañó de gira por Europa.

Jimmy y Tommy Dorsey

Jimmy y su hermano Tommy habían aparecido en numerosas sesiones de grabación y programas de radio acreditados como The Dorsey Brothers, formando parte de orquestas de Rudy Valee o Nathaniel Shilkret, o acompañando a Bing Crosby. En 1927 formaron la Dorsey Brothers Orchestra que, en 1934 y bajo el sello Decca, grabó éxitos como 'Lullaby of Broadway', 'Chasing shadows' y 'You are my lucky star'. En 1935 Tommy, tras una discusión con Jimmy, abandona la banda para formar la suya propia y Jimmy continúa como Jimmy Dorsey & his Orchestra teniendo entre sus filas a sidemen como Glenn Miller y Ray McKinley y vocalistas como Bob Crosby y Bob Eberly.

Dorsey Brothers Orchestra en 1934: Arriba: Bobby Van Eps (piano), Delmar Kaplan (bajo), Tommy Dorsey, Kay Kaplan (cantante), Jimmy Dorsey, Glenn Miller (trombón y arreglista) y Jack Stacey (saxo alto); Abajo: George Thow (trompeta), Roc Hilan (guitarra), Don Mattison (trombón), Skeets Herfurt (saxo tenor) y Ray McKinley (batería)

Don Eberly y Helen O'Connell

En 1939 Jimmy contrató a Helen O'Connell como voz solista femenina. Ella y Eberly tenían ese encanto de 'chico y chica corrientes' que ayudó a popularizar los mayores éxitos de la orquesta. Muchas de las grabaciones de Eberly-O'Connell se editaron en un inusual formato en tres secciones. Ese formato se desarrolló a instancias de un productor de grabación que quería que ambos cantantes y la banda en pleno aparecieran en una única grabación de tres minutos, que era lo que cabía entonces en un vinilo de 78rpm. Eberly cantaba el primer minuto, usualmente como una balada romántica, el siguiente tocaba la banda en pleno respaldando el saxofón de Dorsey y el último minuto era cantado por O'Connell en un estilo más vivaz, a veces con letras en español.

Casi todos los temas editados entre 1939 y 1943 fueron muy populares, especialmente aquellos de sabor latino como 'The breeze and I' (1940),  'Green eyes' (Aquellos ojos verdes), 'Amapola', 'Maria Elena', 'Yours' (Quiéreme mucho)  (1941) y 'Tangerine' (1942). Otros temas de éxito fueron 'All of me', 'I hear a rhapsody', 'High on a windy hill', 'My sister and I', 'Blue champagne' y 'Jim'.

Jimmy Dorsey

Además Jimmy y su orquesta participaron en varias películas como 'That Girl From Paris', 'Shall We Dance', 'The Fleet's In', 'Lost in a Harem' con Abbot y Costello, 'I dood It', y el bio-pic de ficción junto a su hermano Tommy, 'The Fabulous Dorseys' en 1947. En 1942, O'Connell dejó la banda y fue sustituida por Kitty Kallen, con quien Dorsey grabó sus últimos grandes éxitos, 'Brazil', 'Besame mucho' y 'They're either too young or too old' (1944). Tras la segunda guerra mundial, las big bands dejaron de ser tan populares y a principios de los años cincuenta Jimmy disolvió la orquesta.

Los hermanos Dorsey

En 1953 se unió a la orquesta de su hermano con quien permaneció tres años. Aparecían en los carteles como Tommy Dorsey and his Orchestra featuring Jimmy Dorsey. Juntos presentaron un programa de variedades musicales en TV patrocinado por Jackie Gleason para la CBS, 'Stage Show'. En él realizó Elvis Presley sus legendarias primeras apariciones en la TV nacional. Tras fallecer Tommy, Jimmy dirigió la orquesta y, cuando el tema 'So rare' (1956) estaba escalando las listas americanas abriéndose paso entre rock & rolls de Pat Boone, Chuck Berry, Fats Domino y Elvis Presley, Dorsey murió en junio de 1957 a los 53 años.

Aunque Dorsey fue uno de los directores de orquesta más populares de la era del swing, su importancia como músico e instrumentista de jazz ha quedado muchas veces olvidada. Su elegante y fluido estilo con el saxo alto ya fue considerado un modelo en los años veinte por músicos como Lester Young y Coleman Hawkins. Algunas de sus composiciones más relevantes fueron 'Mood Hollywood', 'Shim sham shimmy', 'So many times', 'Beebe', 'John Silver' con Ray Krise, 'Parade of the milk bottle caps' con Charles McCarthy, 'Praying the Blues', 'Contrasts', 'Major and minor stomp', 'Tailspin' con Frankie Trumbauer, el clásico del jazz 'I'm glad there is you (In this world of ordinary people)', 'Clarinet polka', 'I love you in Technicolor', 'All the things you ain't' con Babe Russin, 'JD's boogie woogie' y 'It's the dreamer in me' con Jimmy Van Heusen.

Barbara Acklin

El 28 de febrero de 1943 nació en Oakland (California) la cantante norteamericana de soul Barbara Acklin, popular en EE.UU. entre los años 1968 y 1974, en los que obtuvo varios éxitos como intérprete y como compositora de hits para otros artistas como Jackie Wilson y los Chi-Lites.

En 1948 Barbara y su familia se mudaron a Chicago. Con once años era una de las voces solistas del coro de una iglesia baptista y unos años más tarde comenzó a cantar en clubs nocturnos de Chicago. Tras graduarse en la Dunbar Vocational High Shool, trabajó como secretaria en St. Lawrence Records. A través de su primo Monk Higgins, saxofonista y productor discográfico, Acklin grabó su primer disco en el sello subsidiario Special Agent bajo el nombre de Barbara Allen. También realizó coros en discos de Chess para Etta James, Fontella Bass, Koko Taylor y otros artistas bajo la producción de Higgins.

En 1966 comenzó a trabajar de recepcionista en la oficina de Chicago de Brunswick Records, donde aprovechó la oportunidad para mostrarle al productor Clive Davis sus propias canciones. Una de ellas, 'Whispers (Gettin' louder)', co-escrita con David Scott, fue grabada por Jackie Wilson y se convirtió en el mayor éxito del cantante en tres años, alcanzando el Top5 en las listas de R&B. Wilson intercedió entonces para que Barbara consiguiera un contrato de grabación con Brunswick y en 1967 grabó sus primeros singles que no tuvieron éxito. Sin embargo, su tercer single, 'Show me the way to go', un dueto con Gene Chandler, sí logro entrar en las listas.

Barbara había estado trabajando con otro artista del sello Brunswick, Eugene Record (cantante solista de los Chi-Lites), con quien  compuso un hit para Peaches & Herb, 'Two little kids', antes de escribir juntos el mayor éxito como intérprete de Acklin, 'Love makes a woman', en cuya composición también colaboraron el arreglista Sonny Sanders y el guitarrista Gerald Sims. El single alcanzó el tercer puesto de las listas R&B y el nº15 en las listas pop. Continuó grabando éxitos menores en Brunswick los cuatro años siguientes como 'From the teacher to the preacher', otro dueto con Gene Chandler y 'Just ain't no love'

En 1969 publicó 'Am I the same girl' (1969), en cuya cara B apareció una versión instrumental con un piano sustituyendo la voz de Acklin. Este sería un éxito mayor ese mismo año como 'Soulful Strut' en versión Young-Holt Unlimited y Dusty Springfield realizaría una versión cantada de cierto éxito en el Reino Unido. Acklin publicó varios álbumes en Brunswick como 'Love Makes a Woman' (1968), 'Seven Days of Night' (1969), 'Someone Else's Arms' (1970), 'I Did It' (1971) y 'I Call It Trouble' (1973) que, además de los temas citados, produjeron nuevos singles que entraron en las listas como 'After you', 'I did it', 'Lady lady lady' y 'I call it trouble'.

Al mismo tiempo seguía su colaboración con Eugene Record y ambos, impresionados con los monólogos de Isaac Hayes en su álbum 'Hot Buttered Soul', se inspiran en él para escribir 'Have you seen her' (1971) que, grabado por los Chi-Lites se convierte en un gran éxito llegando al nº1 en las listas R&B y nº3 en las listas pop, así como en el Reino Unido donde alcanza el Top10. Record y Acklin escribirían varios éxitos más para el grupo como 'Stoned out of my mind', 'Toby' y 'Too good to be forgotten'.

En 1974 se cambió a Capitol Records donde su primer single, 'Raindrops', fue su mayor éxito en seis años. Grabó un álbum 'A Place In the Sun' (1975) que no tuvo buena respuesta y posteriores singles como 'Special loving' y 'Give me some of your sweet love'  fueron un fracaso de ventas por lo que Capitol no le renovó el contrato. Continuó actuando como solista o haciendo coros para los Chi-Lites o Tyrone Davis y en 1980 realizó sus últimas grabaciones para el sello Chi-Sound. Posteriormente se mudó a Omaha (Nebraska) y, cuando estaba preparando la grabación de un nuevo álbum, cayó enferma muriendo en noviembre de 1998 a los 54 años.

Brian Jones

El 28 de febrero de 1942 nació en Cheltenham (Inglaterra) el músico británico Brian Jones, uno de los fundadores de los Rolling Stones en 1962. Antes de que se consolidara el tandem Jagger-Richards, Jones fue quien puso nombre al grupo, negoció sus primeras actuaciones ejerciendo como el líder de la banda y su condición de multi-instrumentista -introdujo el sitar y la marimba en sus grabaciones- definió los primeros sonidos de los Rolling Stones.

Brian Jones

Al igual que Charlie Watts, Brian entró en la música a través del jazz, pero luego se volcó al blues más tradicional: artistas como Muddy Waters, Sonny Boy Williamson y Elmore James. Por el contrario, Jagger y Richards respetaban a estos músicos, pero preferían a los menos puristas Jimmy Reed y Bo Diddley, o el rock & roll de Chuck Berry. No figuró en ninguno de los créditos como compositor ni cantó la voz solista en ninguna de las canciones, no obstante la diversidad y la creatividad que el grupo alcanzó con Jones no volvió a ser igualada después de su partida.

Brian al sitar

Sus aportaciones al sonido de la banda solían redondear los temas y darles su toque final a través de arreglos  con instrumentos curiosos para el estándar stone. Tocó la flauta en 'Ruby tuesday', saxofón en 'Child of the moon', sitar en 'Paint it black', piano en 'Let's spend the night together',  dulcimer en 'Lady Jane', marimba en 'Under my thumb', oboe en 'Dandelion' y melotrón en 'She's a rainbow' y 'We love you'. Varios de los riffs de la primera etapa del grupo le pertenecen, fue uno de los primeros en utilizar la slide guitar en Inglaterra y su activa participación se hizo patente 'en álbumes como 'Aftermath' y 'Their Satanic Majesties Request'.

Brian, Keith y Mick

Durante la grabación de 'Beggar's Banquet', se marchó a los montes del Atlas con un ingeniero de grabación de Olympic Studios para grabar a unos músicos marroquíes que tocaban unas flautas hechas de barro. (Se publicaría un álbum tras su muerte con el resultado de las grabaciones:  'Brian Jones presents the Pipes of Pan at Joujouka'). Su rechazo hacia muchas de las canciones de la banda, que consideraba demasiado comerciales, originaron una relación tirante entre él, el dúo Jagger-Richards y Andrew Loog Oldham, el mánager del grupo.

Anita Pallenberg y Brian Jones

Además, su novia, la actriz y modelo alemana Anita Pallenberg le abandonó para iniciar una relación con Keith Richards. Todo ello (a lo que había que añadir un cada vez mayor abuso de las drogas por parte de Brian), condujo a situaciones incómodas que llevaron durante la grabación de 'Let it Bleed' a Mick y Keith a invitarle a abandonar la banda el 10 de junio de 1969 para ser sustituido por Mick Taylor. Éste, por otra parte, ya había empezado a trabajar unos días antes con el grupo.

Poco después, Brian se retiró a su granja de Sussex y un mes más tarde fue hallado muerto en su piscina a los 27 años. Al parecer le sobrevino un ataque de asma -enfermedad que sufría desde hacía tiempo- mientras se encontraba nadando. En 2005 se estrenó el film 'Stoned', una ficción histórica que recogía una teoría publicada en el periódico Mail on Sunday en la que se contemplaba un presunto asesinato de Jones por un constructor llamado Thorogood, quien  estaba realizando obras en su casa. En agosto de 2009 la policía de Sussex reabrió el caso 40 años después, no encontrándose nuevas evidencias que contradijesen la versión oficial de 1969, cerrándose de nuevo.
En su libro 'Stone Alone', Bill Wyman opinaba: "si alguna vez un hombre vivió genuinamente la vida del rock and roll y caracterizó a los Rolling Stones en todos sus aspectos, mucho antes de que los cinco asumiéramos un estilo, ese fue Brian Jones".

Joe South

El 28 de febrero de 1940 nació en Atlanta (Georgia), el guitarrista, cantante y compositor norteamericano Joe South.

South inició su carrera en el pop en julio de 1958 con un tema 'novelty' (cómico o de parodia) llamado 'The purple people eater meets the witch doctor'. Seguidamente su música se tornó más seria y comenzó a componer para otros artistas como Gene Vincent, que grabó 'I might have known' y 'Gone gone gone'. Firmó en Atlanta con la National Recording Corporation, donde trabajó como guitarrista junto a otros músicos de NRC como Ray Stevens y Jerry Reed. Músico de sesión prominente, tocó la guitarra en hits como 'Chain of fools' de Aretha Franklin, 'Sheila' de Tommy Roe y en los álbumes 'Blonde on Blonde' de Dylan y 'Sounds of Silence' de Simon & Garfunkel.

Las nuevas tendencias de finales de los sesenta hicieron que su estilo cambiara radicalmente, como se comprueba en su single de mayor éxito, 'Games people play', un hit a ambos lados del Atlántico. Con un acompañamiento de suntuosos arreglos de cuerda, un órgano y sección de viento, el tema recibió dos galardones Grammy. Le siguieron 'Birds of a feather', 'Don't it make you want to go home' y 'Walk a mile in my shoes', versionadas con mayor éxito que South por Paul Revere & the Raiders, Brook Benton y Elvis Presley, respectivamente.

Otras de sus composiciones recibieron versiones de Billy Joe Royal ('Down in the Boondocks', 'I knew you well'), Osmonds ('Yo-Yo') y Deep Purple ('Hush'). Su mayor éxito comercial lo obtuvo en 1971 con '(I never promised you a) Rose garden', interpretada por Lynn Anderson. La canción fue nº1 en 16 países y fue grabada en varios idiomas. Anderson ganó un Grammy por su interpretación y Souther otro por la composición. Lynn grabaría más temas de South como 'How can I unlove you' y 'Fool me'.

Joe South en 2003

El suicidio de su hermano en 1971 lo sumió en una profunda depresión y se trasladó a Maui donde vivió un tiempo en la jungla. De carácter difícil y huraño, nunca se sintió cómodo actuando en directo y se enfrentó en más de una ocasión a la audiencia. En 1975 resurgió brevemente con el álbum 'Midnight Rainbows' y, poco después, se retiró de los estudios y escenarios. En 1994 actuó en un concierto en Londres junto a otros artistas estadounidenses sureños y volvió a la industria, trabajando en una editora de publicaciones musicales.
Murió de una insuficiencia cardíaca el 5 de septiembre de 2012 a los 72 años.

LP 'Moondance'

El 28 de febrero de 1970 se publicó 'Moondance', el tercer álbum de estudio del músico irlandés Van Morrison. El anterior álbum 'Astral Weeks' lo convirtió en artista de culto, pero 'Moondance' fue su primer disco de platino y el primero en entrar en el top30.

Van Morrison en Woodstock

Diez meses tras la publicación de 'Astral Weeks', Morrison se instaló con su mujer en una casa de campo cerca de Woodstock (que abandonó tras la invasión de gente posterior al festival) y comenzó a escribir canciones para su siguiente álbum. Los músicos fueron reclutados de los alrededores y, con los arreglos claros sólo en su cabeza, Van comenzó las sesiones de grabación en verano de 1969. La cara A del LP es prácticamente perfecta: 'And it stoned me' relata una historia autobiográfica de su niñez: "Creo que tenía unos doce años. Solíamos ir a pescar a un lugar llamado Ballystockart. De camino para allá paramos en un pueblo y allí frente a una pequeña casa construida con piedras, estaba aquel hombre con la tez oscura y castigada por el tiempo al que pedimos agua para beber. Nos la ofreció de un cubo que, según él, acababa de traer del arroyo. Bebimos un trago y de repente todo pareció pararse para mí. El tiempo se detuvo. Durante unos minutos todo estaba realmente en calma y yo me encontraba 'en otra dimensión'. De ésto es de lo que trata la canción".

El tema que da título al álbum, impregnado de jazz, 'Moondance', es una de las canciones más populares de Morrison. En 'Crazy love', otro de sus temas que se ha convertido en clásico y ha recibido numerosas versiones, Morrison canta tan cerca del micrófono, que se puede oir el chasquido de su lengua en el paladar, cantando en falsete y emulando al mejor Sam Cooke, produciendo un sentimiento de intensa intimidad respaldado por un coro femenino.

'Caravan' trata acerca de una caravana de gitanos. "Me encantan los gitanos. Su modo de vida me fascina". La etérea balada marinera 'Into the mystic', con una interpretación vocal pletórica de soul, es una meditación sobre el esplendor del amor. 'Come running' "es una canción sencilla, feliz, sin pretensiones... no contiene mensajes ni nada parecido". Fue publicada en single y alcanzó el Top40 americano. 'These dreams of you', es el resultado de un sueño que tuvo Van sobre un hipotético asesinato de Ray Charles. 'Brand new day' se le ocurrió tras oir por la radio 'The weight' de The Band. "Miré al cielo, y salíó el sol y repentinamente el tema llegó a mí. Comenzé a escribir a partir de 'when all the clouds roll away' y continué hasta el final".

'Everyone' comienza con un clavecín tocando una melodía en 6/8, y aunque Morrison sostenga que es una canción sobre la esperanza, otros mantienen que esconde significados más oscuros (1969 fue el año en que empezó el enfrentamiento civil en Belfast). El tema que cierra el disco, 'Glad tinings' (Felices enlatados) lo explica Morrison así: "Era una temporada en la que vivía en Nueva York. Un amigo de Londres me mandó una carta cuyo sobre tenía escrito: 'Glad Tinings from London', así que escribí 'glad tinigs from New York' y de ahí vino la idea". Es la primera de una serie de canciones que Van Morrison comenzó a grabar a partir de entonces, incluyendo en varios de sus álbumes un tema criticando la industria musical. ("ejecutivos hablando en números, gente que te interrumpe cuando estás en trance, extraños que te piden cosas..." hasta la frase que abre y cierra el tema, "and they'll lay you down low and easy" (y te tumbarán lenta y fácilmente), se puede interpretar de muchas maneras...

'And it stoned me'

'Moondance'

'Crazy love'

'Caravan'

'Into the mystic'

'Come running'

'These dreams of you'

'Brand new day'

'Everyone'

'Glad tidings'

Van Morrison – voz, guitarras, pandereta, armónica, productor

Jack Schroer – saxos alto y soprano

Collin Tilton – flauta, saxo tenor

Jef Labes – órgano, piano, clavinet

John Platania – guitarras

John Klingberg – bajo

Gary Mallaber – batería, vibráfono

Guy Masson – conga

Emily Houston – voces en 'Crazy Love' y 'Brand New Day'

Judy Clay – voces en 'Crazy Love' y 'Brand New Day'

Jackie Verdell – voces en 'Crazy Love' y 'Brand New Day'

Ingenieros: Steve Friedberg, Tony May, Elliot Scheiner, Neil Schwartz, Shelly Yakus

Dexter Gordon

El 27 de febrero de 1923 nació en Los Angeles (California) el saxofonista tenor de jazz, Dexter Gordon, considerado uno de los primeros y más importantes músicos en adaptar el lenguaje del bop y el hard bop al saxo tenor. Su carrera de grabaciones y actuaciones fue extensa y multifacética, abarcando más de 40 años.

Hijo de un médico que contaba entre sus pacientes a músicos como Duke Ellington y Lionel Hampton. Dexter comenzó a tocar el clarinete con 13 años; a los 15 se pasó al saxo alto y dos años después al tenor.  Recibió clases con Lloyd Reese junto a Charles Mingus, Buddy Colette y Chico Hamilton. Entre 1940 y 1943 Gordon trabajó en la banda de Lionel Hampton y a continuación realizó sus primeras grabaciones en Mercury Records bajo su nombre con Nat King Cole y Harry 'Sweets' Edison.
Tocó con Lester Young, Jesse Price y Louis Armstrong, antes de unirse a la banda de Billy Eckstine y establecerse en Nueva York. Allí tocó y grabó con Charlie Parker, Fats Navarro y Wardell Gray.

Llamado ya entonces 'Long tall Dexter' o 'el gigante sofisticado' (medía 198 cm), fue un notable exponente del formato chase, en el que dos tenores 'luchaban' por la supremacía. Grabó un famoso ejemplo de ello con Wardell Gray en 'The Chase' (1947), durante su regreso a Los Ángeles. Ese mismo año grabó el álbum 'Dexter Rides Again', en el que se acompañó por músicos como Art Blakey, Max Roach, Tadd Dameron, Curly Russell y Leonard Hawkins. Desde 1952, sus problemas con las drogas le llevaron a pasar dos años en prisión y tuvo una carrera irregular durante el resto de la década (grabando dos discos en 1955). Hacia 1960, se recuperó e inició una serie de grabaciones memorables para Blue Note, como 'Doin' Alright', 'Dexter Calling' (1961), 'Go' y 'A Swingin' Affair' (1962).

En pleno éxito, se marchó a Copenhague donde se establecería hasta 1976, y allí realizaría algunas de las mejores grabaciones de su carrera. En Europa, Dexter encontró menos racismo y un mayor respeto hacia los músicos de jazz que el que en aquellos años existía en EE.UU. De esa época son 'Our Man in Paris' (1963), 'One Flight Up' (1964), 'Clubhouse' y 'Gettin' Around' (1965), todos ellos, en Blue Note. En 1965 firmó con Prestige Records, donde permanecería hasta 1973. Mientras el resto del mundo del jazz abrazaba el funky, Gordon seguía publicando álbumes de bop clásico como 'Tangerine' (1972) con Thad Jones, Freddie Hubbard y Hank Jones. Aunque la mayoría de sus trabajos se registraron en Europa, como sus actuaciones en el Festival de Montreaux, viajó esporádicamente a EE.UU. para grabar.

Con SteepleChase, publicó en 1975 'Something Different' y 'Bouncin' With Dex' (1975), junto a otros expatriados norteamericanos como Kenny Clarke o Kenny Drew, así como sidemen europeos como Niels-Henning Ørsted Pedersen o Tete Montoliu.

Hizo su regreso triunfal a EE.UU. en 1977 y, establecido de nuevo en Nueva York,  Gordon firmó con Columbia y se convirtió en una figura popular hasta que su salud le obligó a casi retirarse a comienzos de los ochenta. Publicó el álbum 'Sophisticated Giant', acompañado de una banda de diez miembros -entre ellos, Frank Wess, Woody Shaw y Bobby Hutcherson, con temas arreglados por el trombonista Slide Hampton. La revista Down Beat le eligió como 'Músico del año' en 1978 y 1980. En 1986, protagonizó la película de Bertrand Tavernier 'Alrededor de la medianoche', interpretando el papel de Dale Turner, un músico de jazz expatriado, cuya trayectoria contenía guiños de su propia biografia, aunque los principales inspiradores del personaje fueron Lester Young y Bud Powell. El papel le supuso una nominación al Oscar de interpretación masculina. Murió cuatro años después en abril de 1990 a los 67 años.