Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 17 de junio de 1910 nació en Blue Lick (Kentucky) el músico, cantante y presentador de radio y TV Red Foley, uno de los que más contribuyeron al desarrollo de la música country tras la 2ª guerra mundial. Durante las décadas de los cuarenta y cincuenta, Foley fue uno de los artistas más importantes del género, vendiendo más de 25 millones de copias de temas como 'Smoke on the water', 'Birmingham bounce' y 'Chattanoogie shoe shine boy', su gran éxito de 1950.
El tema 'Peace on the Valley', fue la primera canción gospel que llegó a disco de oro, vendiendo más de un millón de ejemplares. Apodado 'Mr Country Music', formó parte del programa Grand Ole Opry en 1946, y diez años después dio el salto a la TV. Sus canciones recibieron versiones de Elvis y Jerry Lee Lewis. En septiembre de 1968, tras un concierto en Fort Wayne (Indiana), murió de insuficiencia respiratoria a los 58 años.
El 17 de junio de 1882, nació en Oranienbaum (actualmente Lomonosov) el compositor y director de orquesta ruso Igor Stravinsky, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX. Creció al cuidado de su padre y hermana mayor, siendo su primera infancia, una mezcla de experiencias que revelaban poco el artista cosmopolita que llegaría a ser.
Igor Stravinsky
Si bien su padre era cantante de ópera (bajo) en el Teatro Mariinski, Stravinsky inició los estudios de Derecho, que tiempo después cambiaría por la composición. Allí conoció al hijo del compositor ruso Nikolái Rimski-Kórsakov, músico que le dirigió sus primeras composiciones musicales. Primero nacionalizado francés y, posteriormente, estadounidense, Stravinsky también fue escritor que, con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, realizó un trabajo teórico titulado “Poetics of Music” (Poética musical), en el cual, dijo la famosa frase: "La música es incapaz de expresar nada por sí misma". Los textos y las fuentes literarias para su trabajo empezaron con un período de interés en el folclore ruso, que progresaron a los autores clásicos y a la liturgia Latina. A esto le siguió el contemporáneo francés André Gide (en Persephone), llegando finalmente a la literatura inglesa: Auden, Eliot, y versos medievales ingleses. Al final de su vida estaba incluso utilizando las escrituras hebreas en Abraham e Isaac.
Todavía era joven cuando, el 23 de enero de 1906, se casó con su prima Katerina Nossenko a quien conocía desde pequeño. Su matrimonio duró 33 años, pero el verdadero amor de su vida y, después, su compañera hasta la muerte, fue su segunda esposa, Vera de Bosset (1888-1982). Cuando Stravinsky conoció a Vera a inicios de los años 20, ella estaba casada con el pintor y diseñador de escenarios Serge Sudeikin. Como pronto empezaron a tener encuentros amorosos, Vera dejó a su marido al cabo de un tiempo. Desde ese momento y hasta la muerte de Katerina (1939), Stravinsky llevó una vida doble, invirtiendo parte de su tiempo con su primera familia y el resto con Vera.
Vera y Igor Stravinsky con los Kennedy
Katerina advirtió la relación y la aceptó como inevitable y permanente. Después de su muerte, Stravinski y Vera se casaron en Nueva York, donde habían viajado desde Francia para escapar de la Segunda Guerra Mundial en 1940. Stravinsky podrá regresar a Rusia en 1962 siendo extraordinariamente recibido, aún así, volverá a EE.UU., donde tendrá los primeros síntomas de su enfermedad en 1967. Dos años después, 1969, abandona Hollywood para trasladarse a Nueva York. Allí morirá el 6 de abril de 1971. El cuerpo del compositor fue enterrado en Venecia junto a la tumba de Diaghilev.
Estilos musicales y obras:
Período primitivo o ruso
Alumno de Nikolai Rimski-Korsakov en San Petersburgo, la oportunidad de darse a conocer se la brindó el empresario Sergei Diaghilev, quien le encargó una partitura para ser estrenada por su compañía, los Ballets Rusos, en su temporada parisiense.
El resultado fue "El pájaro de fuego" (1910) (Claudio Abbado & dir. Berliner Philharmoniker), Final(Wiener Philharmonikern & Pierre Boulez) obra en la que se advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general, pese a lo cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior de Stravinsky, como su agudo sentido del ritmo y el color instrumental.
Posteriormente "Petrushka" (1911) Final (Bolshoi Ballet Company, Andrey Chistiakov dir & Bolshoi State Academic Theatre Orchestra) que es el primero de los ballets de Stravinski en los que utiliza la mitología folclórica Rusa.
Su armonía politonal, sus ritmos abruptos y dislocados y su agresiva orquestación provocaron en el público uno de los mayores escándalos de la historia del arte de los sonidos. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla. Su estilo experimentó entonces un giro que desconcertó a sus propios seguidores: en lugar de seguir el camino abierto por estas obras, en 1920 dio a conocer un nuevo ballet, "Pulcinella" (1920) (Sir Simon Rattle & dir. Berliner Philharmoniker), recreación, a primera vista respetuosa, de la música barroca a partir de composiciones de Giovanni Battista Pergolesi.
Al estallar la Primera Guerra Mundial, se trasladó a Suiza. Allí, en parte debido a que las precarias condiciones sociales y económicas no permitían la representación de proyectos mayores, compuso “Historia del soldado” (1918), para 7 instrumentistas, 3 actores y una bailarina, donde se advierte su desilusión por los años de guerra y la influencia del jazz. La huella de este estilo musical también es evidente en “Ragtime para 11 instrumentos” (The Malaysian Philharmonic Youth Orchestra) y en Piano rag–music (1920).
En 1920 se trasladó a París. De esta época datan sus célebres “Sinfonías para instrumentos de viento” (1920) (The Rotterdam Philharmonic Orchestra & Edo de Waart), compuestas a la memoria de Claude Debussy, la ópera cómica “Mavra” (1922). Posteriormente otra partitura destinada al ballet, "Las bodas" (1923) 1/2 (The Mariinsky Theater Ballet Orchestra: Mariinsky Theater & Director: Valery Gergiev) fue instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal.
Periodo neoclásico
Hacia 1923 empezó a componer sus primeras obras neoclásicas, marcadas por su interés en el estilo de los siglos XVII y XVIII. Estas obras también se caracterizan por un ideal de objetividad que en parte era una reacción contra el emocionalismo de finales del romanticismo.
Poco después, en 1926, padece una crisis religiosa que le hace poner su vista en la composición de obras sacras. Esta etapa de su vida culmina con la “Sinfonía de los Salmos” III. (Sir Georg Solti dir. & The Chicago Symphony Orchestra). En ellas Stravinsky abandonó las armonías disonantes y la brillante orquestación de sus anteriores composiciones para adoptar un estilo más severo y objetivo –el neoclasicismo, de hecho, nació como una oposición al arrebatado subjetivismo del Romanticismo y el expresionismo germánicos, estilo, sin embargo, que no excluía cierto sentido del humor en su aproximación al pasado.
Ya en 1928 estrena “Le baiser de la fee” (Itzhak Perlman, violín & Bruno Canino, piano) y en 1931 conoce al violinista Samuel Dushkin, hecho que explica las composiciones para violín y piano de esta época, entre estas destaca como la más importante el “Dúo Concertante para Violín y Piano” (Ivry Gitlis, violín & Charlotte Lois Zelka, piano).
Adoptada la nacionalidad francesa en 1934. Inicia doce meses después, 1935, una gira de conciertos por EE.UU. en la que se estrena “Jeu de cartes” (Alla breve - Moderato assai - Tranquillo) (BRT Philharmonic Orchestra & dir. Alexander Rahbari).
Finalizando ya la década de los 30, esta etapa es denominada la época neoclásica de Stravinsky por la utilización que hace el compositor de los recursos típicos del s. XVIII. Este mismo año viaja a Nueva York aunque se terminará estableciendo en Hollywood. Precisamente de esta fecha será "La Elegía para solo de viola" (1944) (Miles Hoffman, viola), la “Scènes de ballet”, para orquesta(1944) (Berliner Philharmoniker & dir. Bernard Haitink) y la “Sinfonía en Tres Movimientos” estrenada en 1946.
El compositor ruso-francés adopta la nacionalidad estadounidense en 1945, el mismo año en que compone su Concierto “Ebony” para clarinete & jazz band (1945) (Michel Arrignon, clarinete, Ensemble InterContemporain & dir. Pierre Boulez). La ópera de gran éxito “El progreso del libertino” (1951), (John Eliot Gardiner & The London Symphony Orchestra - The Monteverdi Choir, Deborah York)* con libreto de W. H. Auden y Chester Kallman), puede ser calificada como la culminación de su periodo neoclásico.
El período dodecafónico o serialista
En 1948 Stravinski entabló amistad con el joven director estadounidense Robert Craft, quien pasó a ser su asistente musical. Craft le animó a escuchar la música de los serialistas, que trataban la melodía atonal como una serie de tonos sin relaciones armónicas o melódicas y cuyas técnicas se basan en el sistema dodecafónico del compositor vienés Arnold Schönberg.
Aunque Stravinski había rechazado anteriormente las teorías de Schönberg, se interesó por la música de su discípulo, el compositor austriaco Anton Webern. Ya en 1951 estrena en el Teatro de La Fenice de Venecia su “The Rake's Progress” (Kathleen Battle, soprano) con un extraordinario éxito. De nuevo un ballet, “Agon” (1953 -57) 1/2, 2/2 (Yevgeny Mravinsky dir. & The Leningrad Philharmonic Orchestra) señaló la apertura de este nuevo período.
Poco a poco Stravinsky empezó a utilizar las técnicas seriales, integrándolas a su manera (como había hecho con todas las anteriores influencias musicales) en composiciones como la “Cantata Threni” (1958)- “De elegía prima” (CBC Symphony Orchestra), “Movimientos para piano y orquesta” (1959), “In memorian Raul Dufuy” (1959) y su última gran composición, “Requiem canticles” (1966). Durante su vida, Stravinski utilizó muchos estilos de música; un estilo fecundo con influencias de la música tradicional rusa, el primitivismo, el jazz, el neoclasicismo, la bitonalidad, la atonalidad y el serialismo. Su gran habilidad como compositor residía, en parte, en su capacidad para seguir evolucionando y en hacer suyas las técnicas nuevas. Según sus palabras, seguir un sólo camino era retroceder.
Famosa fotografía realizada por Arnold Newman en Nueva York el mes de diciembre de 1946
Stranvinski en la cultura popular
El primer proyecto pedagógico de la Orquesta Filarmónica de Berlín, dirigida por Sir Simon Rattle, y el grupo de baile de Royston Maldoom trata de que un grupo de 250 jóvenes -ajenos hasta ese momento a la música clásica- logren, tras un intenso entrenamiento, bailar “La consagración de la primavera”.
El proyecto fue llevado al cine, en una producción alemana del año 2004, dirigida por T. Grube y E. Sánchez Lansch, titulada 'Rhythm is it!' (¡Esto es ritmo!).
Asimismo, esta pieza musical participa en la gran película de dibujos animados de Disney 'Fantasía', estrenada en 1940. Ésta nos narra la historia de la evolución de la Tierra desde el principio de los tiempos. Muestra las etapas desde las primeras moléculas a los dinosaurios pasando por cada una de las etapas.
En 2009 se estrenó la película “Coco Chanel e Ígor Stravinsky”, producción europea exhibida por primera vez en el Festival de Cannes de 2009, basada en la novela Coco e Ígor del escritor Chris Greenhalgh. El británico retrató en dicho libro el supuesto romance que vivieron la famosa diseñadora de modas francesa Coco Chanel y el compositor ruso Ígor Stravinsky. Dirigida y coescrita por el holandés Jan Kounen, y protagonizada por la francesa Anna Mouglalis y el danés Mads Mikkelsen, esta película cuenta con banda sonora original del compositor libanés Gabriel Yared e incluye algunas obras de Stravinsky, entre las que se encuentra “La consagración de la primavera”.
El 17 de junio de 1818 nació en Saint-Cloud, Paris el compositor francés de ópera y música religiosa Charles Gounod. Sus primeros pasos en el mundo de la música estuvieron guiados por su madre, excelente pianista. Estudió en el conservatorio de la capital francesa con Jacques Halevy y Jean François Lesueur y en 1839 ganó el Grand Prix de Roma, que le permitió estudiar en Italia.
Allí analizó las obras de compositores anteriores de música religiosa y compuso una "Messe Solennelle" (1841) y un "Requiem" (1842) Kyrie (Kirchenchor St. Peter & Paul Eschweiler, dir. Janos Acs). Fue organista en París y cursó estudios religiosos, pero tras el estreno de su primera ópera en 1851, los abandonó para dedicarse por completo a la composición. Su primer éxito fue la ópera ligera "Le médecin malgré lui" (1858), basada en una comedia del dramaturgo francés Molière (Jean Baptiste Poquelin). No obstante, su fama se debe a la ópera "Fausto” - "Chanson du roi de Thule" - "Air des Bijoux" (Anna Netrebko, Gianandrea Noseda & Wiener Philharmoniker) basada en un poema de Johann Wolfgang von Goethe.
Su influencia en otros compositores franceses como Bizet, Saint-Saëns y Jules Massenet es indudable. Hasta el propio Debussy llegó a declararlo «necesario» en cuanto a que su estética representó para aquella generación de franceses un poderoso contrapeso ante el avasallador empuje wagneriano.
El refinamiento y la inspiración de sus melodías, junto a la calidad de su escritura orquestal, hacen de sus obras las más apreciadas y representativas del repertorio galo. Su música operística se caracteriza por el lirismo más que por su condición dramática, posee melodías suaves y está perfectamente orquestada. Sus obras religiosas, muy populares en su tiempo, especialmente en Gran Bretaña, incluyen oratorios (“Redención”, 1882 y “Mors et vita” 1885), misas, motetes, himnos y la famosa "Ave María", basada en la música del primer preludio del Clave bien temperado de Johann Sebastian Bach. Entre sus obras en prosa destaca “Memorias de un artista”, publicada en 1896, después de su muerte.
Escribió dos sinfonías:
• Sinfonía n.º 1 (Patrick Gallois dir. & The Sinfonia Finlandia Jyvaskyla).
• Sinfonía n.º 2 (Patrick Gallois dir. & The Sinfonia Finlandia Jyvaskyla).
La "Pequeña sinfonía" para 9 instrumentos de viento (una o dos flautas, dos oboes, dos clarinetes, dos trompas y dos fagotes) (Trinity Chamber Players & dir. Dr. Horst Buchholz), así como varios cuartetos de cuerda y música de cámara. Una de sus obras populares es "Marche funebre d’une marionette" (Marcha fúnebre por una marioneta) (BBC Philharmonic, dir. Yan Pascal Tortelier) que fue utilizada por el cineasta Alfred Hitchcock para la cabecera de su programa 'Alfred Hitchcock presenta'.
Entre sus obras en prosa destaca “Memorias de un artista”, publicada en 1896, después de su muerte.
El 17 de Junio de 1717 nació en Deutschbrod (actualmente Havlíckúv Brod, República Checa) el compositor, director de orquesta y violinista Johann Wenzel Anton Stamitz, fundador de la 'Escuela de Mannheim' de composición sinfónica y director de la orquesta de la corte de Mannheim.
Stamitz introdujo unos matices dinámicos sin precedentes y una disciplina en las técnicas de ensayo (adoptadas posteriormente por muchas orquestas) que convirtieron a la orquesta de Mannheim en la mejor de Europa. La idea de crescendo y diminuendo en la ejecución orquestal sustituye a las formas anteriores y más elementales de expresión. En sus conciertos y sinfonías introdujo la secuencia habitual de movimientos y la forma de sonata. En esta última dio mayor énfasis al desarrollo de los temas y fue uno de los primeros en introducir un segundo tema lírico y contrastante.
Entre sus discípulos y seguidores se encontraban sus hijos Carl Philipp y Anton. Otros compositores que pertenecieron a la Escuela de Mannheim fueron Ignaz Holzbauer, Franz Xavier Richter y Johann Christian Cannabich. Regresó a Mannheim en el otoño de 1755, y falleció dos años más tarde. Su certificado de defunción dice lo siguiente: “30 de marzo de 1757: Enterrado, Jo'es Stainmiz, director de música de la corte. Será difícil encontrar otro tan experto en su arte.”
Poco a poco Stravinsky empezó a utilizar las técnicas seriales, integrándolas a su manera (como había hecho con todas las anteriores influencias musicales) en composiciones como la “Cantata Threni” (1958)- “De elegía prima” (CBC Symphony Orchestra), “Movimientos para piano y orquesta” (1959), “In memorian Raul Dufuy” (1959) y su última gran composición, “Requiem canticles” (1966). Durante su vida, Stravinski utilizó muchos estilos de música; un estilo fecundo con influencias de la música tradicional rusa, el primitivismo, el jazz, el neoclasicismo, la bitonalidad, la atonalidad y el serialismo. Su gran habilidad como compositor residía, en parte, en su capacidad para seguir evolucionando y en hacer suyas las técnicas nuevas. Según sus palabras, seguir un sólo camino era retroceder.
El proyecto fue llevado al cine, en una producción alemana del año 2004, dirigida por T. Grube y E. Sánchez Lansch, titulada 'Rhythm is it!' (¡Esto es ritmo!).
