Festival de Monterey (3)

Otra novedad del Festival fue el sistema de amplificación del sonido, diseñado y construido por el ingeniero de sonido Abe Jacob,  llamado por muchos profesionales del gremio el 'padrino del sonido contemporáneo'.

Abe Jacob

Había comenzado su carrera sonorizando los conciertos de las bandas de San Francisco  y con el tiempo Jacob se convirtió en un ingeniero de primera fila muy solicitado, que acabó diseñando los equipos de sonido de los espectáculos de Broadway como 'Jesucristo Superstar', 'Evita', 'Chicago' y 'Cats'. Los sistemas que Jacob instaló en Monterey fueron precursores de todos los macro-equipos que se usarían en los conciertos futuros. Fue uno de los factores clave del éxito del evento y fue enormemente apreciado por los músicos. A Crosby se le oye decir a Chris Hillman antes de actuar: "Por fin un equipo de sonido decente"

Sábado, 17 de junio de 1967

SESIÓN DE NOCHE

La sesión de noche del sábado comenzó a las 8:15 PM, y el cartel fue como sigue:

Moby Grape

Indifference
Sitting by the window
Omaha
Mr. Blues
Fall on you

Skip Spence, Bob Mosley y Peter Lewis

Moby Grape fue una banda de rock formada a finales de 1966 en San Francisco a instancias de Skip Spence y Matthew Katz, ex- batería y manager, respectivamente, del grupo Jefferson Airplane. Katz animó a Spence a formar un grupo parecido a los Airplane con varios compositores aportando temas. Spence se pasó a la guitarra y contactó con el guitarrista Jerry Miller y el batería Don Stevenson, procedentes de Seattle, donde habían sido miembros de The Frantics. Se unieron a ellos Peter Lewis (The Cornells) a la tercera guitarra y Bob Mosley (The Misfits) al bajo.

'Moby Grape', su primer álbum

Los cinco miembros aportaban canciones y voces reuniendo en ellas elementos folk, blues, country y jazz con rock y psicodelia. Columbia Records les ofreció un contrato y su primer trabajo, 'Moby Grape', publicado unos días antes del Festival de Monterey, causó tan buena impresión, que los críticos llegaron a decir que Moby Grape era la mejor banda que emergió de San Francisco a finales de los años sesenta.
Según Jeff Tamarkin (crítico y escritor): "La saga de los Grape es de un potencial desaprovechado, de decisiones absurdamente equivocadas, mala suerte y errores garrafales, acompañadas por parte del mejor rock and roll en surgir de San Francisco. Moby Grape podían haberlo conseguido todo, pero se quedaron con menos que nada"

Skip Spence y Bob Mosley

Geoffrey Parr (crítico musical): "Ninguna otra banda de rock ha sido capaz de usar un trio de guitarras con la efectividad de Moby Grape en su primer álbum. Spence tocó una guitarra rítmica muy característica que sobresale en todo el álbum. Lewis también es un buen guitarrista, muy bueno con la técnica del 'finger picking'. Y luego está Miller... La forma en la que unían fuerzas tocando juntos en Moby Grape era algo que no había oído en mi vida. Las tres guitarras forman un collage sonoro con muchísimo sentido."

Moby Grape siguen actuando a día de hoy con la formación original, sin Skip Spence, que murió en 1999 a los 52 años.

• Guitarra y voces: Peter Lewis
• Guitarra solista: Jerry Miller
• Guitarra y voces: Skip Spence
• Bajo y voces: Bob Mosley
• Batería y percusión: Don Stevens

Skip Spence, Jerry Miller, Bob Mosley, Peter Lewis y Don Stevenson

Hugh Masekela

Here, there and everywhere
Society's child
Healing song
(lista incompleta)

Hugh Masekela

Hugh Masekela, tras liderar en 1959 el primer movimiento de jazz moderno sudafricano se exiló primero en Londres y más tarde en 1961 en Nueva York, donde visitó la Manhattan School of Music, en la que estudió trompeta clásica hasta 1964. Establecido en EEUU con la ayuda de su amigo Harry Belafonte, Hugh comienza a colaborar con varios músicos de jazz y pop, como su participación en el tema de Byrds 'So You Want to be a Rock'n'Roll Star', que tendrían ocasión de interpretar todos juntos esa misma noche unos minutos más tarde. Unos meses después de su actuación en Monterey, Masekela tuvo dos grandes éxitos en Norteamérica: una versión de 'Up, up and away', de los Fifth Dimension y 'Grazing in the grass', que fue nº1 en 1968, cuando MCA intentaba convertir a Hugh en un 'Herb Alpert negro'.

Hugh Masekela

Lou Adler: "Hugh venía de Sudáfrica y su presencia y su música le dieron un sabor internacional al Festival. Su actuación sorprendió a la audiencia con su entrega y su electricidad en escena. Hasta entonces, la gente pensaba en un tompeta solista, y no en un músico más liderando su propia banda"

• Trompeta y voces: Hugh Masekela
• Guitarra: Rick Neesai Botchway
• Bajo y voces: Stanley Todd
• Congas y flauta: Nat Hammond
• Congas: Big Black
• Congas: James Morton
• Batería: Isaak Asante

The Byrds

Renaissance fair
Have you seen her face
Hey Joe
He was a friend of mine
Lady friend
Chimes of freedom
So you want to be a rock ‘n' roll star *

David Crosby

En junio de 1967 The Byrds ya eran ampliamente conocidos en el país, y sobre todo en California. Dos años antes habían conseguido sendos nº1 con 'Mr tambourine man' y 'Turn, turn, turn', a los que siguieron en 1966, 'Eight miles high' y 'Mr spaceman', ambas Top40. McGuinn y Crosby habían ganado un crédito importante como compositores y con la ayuda de su Brian Epstein particular, Jim Dickson, estaban en la cima. Pero el éxito, las drogas, el alcohol y los egos fueron una combinación nefasta para su atmósfera de trabajo.
Al Kooper: "The Byrds definieron perfectamente qué tipo de música se hacía en Los Angeles. Eran la 1ª división"

Roger McGuinn

La noche del viernes las tensiones entre Crosby y el resto del grupo crecieron a causa de su excesivo protagonismo con el micrófono. Seguramente estimulado por uno de los 'purple Monterey' que circulaban por el recinto, no perdió ocasión para proclamar a las decenas de miles de asistentes, todo lo que se le pasaba por la cabeza ante el estupor de McGuinn y Hillman. Comentó por ejemplo, que había oído decir a Paul McCartney que si todos los dirigentes del mundo tomaran LSD se acabarían las guerras; en la introducción de 'He's a friend of mine' dijo que estaba dedicada a John F. Kennedy y mostró sus dudas por la versión oficial de los hechos: "Hubo varios disparos que procedían de sitios diferentes y yo quiero saber quien mató a mi presidente". Años después McGuinn comentaría que Crosby sólo pretendía demostrar que estaba 'en la onda', "ya que no dijo nada que no estuviera ya en la mente de todos"

Chris Hillman

Al Kooper: "Podías ver aquella noche cómo se estaba rompiendo el grupo. La tensión entre Roger y David era tremenda"

David Crosby: "En aquel momento el fin de la banda se sentía cercano. Fue seguramente nuestra última actuación en directo juntos. Stephen (Stills) y yo habíamos empezado a trabajar juntos en algunas canciones. A Buffalo Springfield también le quedaban pocos días, porque Neil Young les había dejado unas semanas antes de Monterey, así que me pidió que tocara en su lugar. Y toqué en dos bandas"

Henry Diltz: "Cuando David apareció el domingo en el escenario con Buffalo Springfield, McGuinn no lo podía creer. En un par de meses los Byrds habían echado a Crosby y los Springfield se separaron. Fue entonces cuando Crosby y Stills conocieron a Graham Nash y formaron el famoso trío"

• Guitarra, banjo y voces: Roger McGuinn
• Guitarra y voces: David Crosby
• Bajo, mandolina y voces: Chris Hillman
• Batería y percusión: Michael Clarke

• Trompeta *: Hugh Masekela
• Percusión *: Big Black

David Crosby, Chris Hillman, Michael Clarke y Roger McGuinn

Laura Nyro

Wedding bell blues
Poverty train
Eli's coming

(lista incompleta)

Laura Nyro

Laura Nyro tenía 20 años cuando actuó por segunda vez en su carrera en directo en Monterey. Era una compositora de gran talento que ya había vendido una canción, 'And when I die' por 5000$ a Peter Paul & Mary. La mayoría de las fuentes que comentan su actuación en Monterey, coinciden en que fue un desastre y que prácticamente la echaron a base de abucheos del escenario. Esto parece ser que fue una leyenda urbana que no se correspondió con la realidad. En 1997 D.A. Pennebaker el director del documental que se rodó ese fin de semana, 'Monterey Pop' (1969), publicó 'Monterey Pop: Las actuaciones perdidas'. En él, Lou Adler comenta que Pennebaker y él llamaron a Laura Nyro cuando visionaron el material con el que montaron el film comentándole que lo más parecido a un abucheo que se oye del público durante su actuación es alguien gritando: "Maravilloso".

La invitaron a comprobarlo personalmente, pero Laura murió poco después de recibir la invitación. Hasta el New York Times, en su obituario del 10 de abril de 1997, volvió a mencionar la desgraciada historia. La información fue rectificada seis meses después en un artículo de Deborah Sontag. Lo cierto es que Laura sí abandonó el escenario antes de lo estipulado, quizás imaginando una cierta hostilidad por parte del sector más hippie de la audiencia, ansiosos por oír al grupo siguiente, los Jefferson Airplane.

Fuera o no cierto lo del abucheo, salió del escenario destrozada y -según cuentan- fue a buscar consuelo con su amiga Michelle Phillips. Ésta sugirió -para calmarla- ir a dar un paseo con el coche por Monterey y fumarse un gran porro de marihuana, que le haría ver las cosas de manera más positiva. Los Jefferson Airplane ya estaban en escena, y a Michelle no le importaba perdérselos, pero la conversación, el paseo y el joint duraron más de lo previsto y Michelle no tuvo la ocasión de ver al gran Otis Redding al final de la noche.

Jefferson Airplane

Somebody to love
Other side of this life
White rabbit
High flying bird
Today
She has funny cars
Young girl sunday blues
Ballad of you and me and Pooneil

Grace Slick

Jefferson Airplane era uno de los platos fuertes del Festival. Con dos singles de éxito a sus espaldas, 'Somebody to love' y 'White rabbit', también era la banda más importante de San Francisco.

Elvin Bishop: "La mayoría veníamos de diferentes partes del país en las que no estaban permitidos ciertos modos de expresión artística. Y esta gente hacía lo que quería en el escenario, como si el resto del mundo no existiera. Me pareció una postura muy interesante"

Marty Balin

Art Garfunkel: "Cuando los Airplane subieron a escena, estaban proyectando imágenes psicodélicas en una pantalla al fondo del escenario. El show de luces consistía en un artilugio de esos con burbujas de colores bajo un microscopio y resultaba muy entretenido de mirar. Y los músicos tocaban dando la espalda al público como si estuvieran flipando con su propio espectáculo lumínico. Me pareció fenomenal esa relajación con respecto a la audiencia, haciendo tu música sin estar pendiente de salir al borde del escenario a hacer un numerito tipo Las Vegas. Tocaban mirando las luces y la música que hacían era el nexo de unión con el público."

Uno de los técnicos de luces

David Crosby: "Marty y Grace hicieron un trabajo increíble. No sólo cantaban maravillosamente, también competían entre sí, al modo que competían Stephen Stills y Neil Young con sus guitarras en Buffalo Springfield. Sus 'conversaciones' estaban llenas de poder. Y cuando Paul se les unía al micrófono, conseguían unas armonías a tres voces alucinantes."

Country Joe McDonald: "Las dos potentes voces solistas fueron siempre un sonido de marca de los Jefferson Airplane. Tanto Marty como Grace eran grandes solistas, pero ¡juntos!,  ¡wow! eran espectaculares... Cuando reviso a veces esas grabaciones de entonces, no puedo distinguir quién canta cada voz. Eran como hermanos siameses.

Jorma Kaukonen

Jack Casady: "Las canciones de Grace eran todas muy interesantes desde el punto de vista de los acordes. Ella componía en un piano, además de ser una gran pianista. Escribía sobre temas bastante abstractos con imágenes mentales que posiblemente nunca hubieras podido imaginar. Jorma y yo desarrollamos un estilo muy personal tocando porque Grace nos daba los acordes y nos decía que hiciéramos lo que quisiéramos con ellos. Cuando nos volvíamos a ver con nuestras contribuciones, ella las incorporaba y a partir de eso la canción volvía a crecer y al final solía resultar algo completamente diferente"

• Voz solista: Grace Slick
  
• Voz solista: Marty Balin
• Guitarra y voces: Paul Kantner
• Guitarra y voces: Jorma Kaukonen
  
• Bajo: Jack Casady
  
• Batería y percusión: Spencer Dryden

Jefferson Airplane en escena

Booker T. & the M.G.'s and The Mar-Keys

Booker Loo
Hip Hug Her
Philly Dog
Green Onions

(lista incompleta)

Como aperitivo a la actuación estelar de Otis Redding que cerraba la jornada del sábado, salieron a escena Booker T. & The MG's acompañados del trío de metales The Mar-Keys. Hacían un R&B instrumental y su tema 'Green onions' había conseguido un nº1 en las listas de R&B y un Top cinco en el Hot100 de Billboard, vendiendo más de un millón de copias. Además eran el 'grupo de la casa' de Stax Records que le daba ese sonido característico a los artistas del sello de Memphis, con un sonido más crudo y menos pulido que el de sus contemporáneos de Motown.

Steve Cropper

Uno de los hechos más significativos de la banda, teniendo en cuenta el clima social reinante entonces en el sur de EEUU y que su formación consistía en dos músicos negros y dos blancos, era que formaban un grupo estable y conjuntado. Los ejecutivos de Stax no dieron jamás importancia al origen étnico de sus músicos y en lo que concierne a los 'crossovers' de R&B al pop que el sello consiguió en los años sesenta, las contribuciones de Donald 'Duck' Dunn y Steve Cropper fueron inestimables.

The Mar-Keys

Booker T. Jones: "Era como un planeta diferente. Cuando llegamos a Monterey, la atmósfera que me encontré no se parecía en nada a lo que yo había experimentado hasta entonces en otras ciudades. No recuerdo haber visto coches policiales. Recuerdo una sensación de libertad que nunca pensé que se podía dar en América... Me sentí profundamente conmovido por ello y pensé que era un momento maravilloso para la raza humana. Era increíble ver como hasta los Hell's Angels parecían simpáticos y dispuestos a ayudar. La ciudad entera desprendía aquella sensación y fue muy sobrecogedor."

Donald 'Duck' Dunn, Booker T. Jones, Steve Cropper y Al Jackson Jr.

BOOKER T. & THE MG's 

• Órgano: Booker T. Jones 
• Guitarra: Steve Cropper
• Bajo: Donald 'Duck' Dunn
• Batería y percusión: Al Jackson Jr.

THE MAR-KEYS

• Trompeta: Wayne Jackson
• Saxo tenor: Joe Arnold
• Saxo barítono: Andrew Love

Otis Redding

Shake
I've been loving you too long
Respect
Satisfaction
Try a little tenderness

Otis Redding había conseguido un relativo éxito en 1963 con 'These arms of mine' y a pesar de publicar dos magníficos álbumes como 'Otis Blue' (1965) y 'King and Queen' (1967), fuera de Memphis era desconocido. Sin embargo en California muchos habían oído hablar de él o incluso le habían visto en directo en abril de 1966 en el Whisky a Go Go de Los Ángeles. La expectación y entusiasmo creados allí ante un público nada acostumbrado a los artistas de R&B, convenció a Bill Graham que contrató a Otis para tres shows seguidos en el Fillmore Auditorium de San Francisco en diciembre del mismo año. Esto cimentó una gran relación de Redding con Graham y la audiencia local, presagiando la gran noche que estaba por venir en Monterey. En la primavera siguiente, los músicos de Stax se embarcaron en una gira europea que tuvo una gran repercusión en el Reino Unido. Otis apareció en el programa de la TV británica antes que en cualquier cadena norteamericana, y su música recibió la etiqueta de 'Memphis Music', por lo que Walden, el manager de Otis, -buscando la audiencia blanca en su propio país- aprovechó el buen rollo que había con Bill Graham y la gente de San Francisco para apuntarse a la propuesta de Monterey.

Booker T. Jones: "Otis mezclaba el blues con los estilos de Sam Cooke y Little Richard. No había otro que hiciera algo igual y nosotros nos sentíamos especiales por compartir y colaborar en su música."

Lou Adler: "Phil Walden, su mánager, supo inmediatamente que Otis encajaría en el cartel de Monterey. No tuvo la más mínima duda."
Phil Walden: "Otis no tenía necesidad de romper una guitarra ni de pegarle fuego a un amplificador. Ni siquiera tenía necesidad de ponerse de rodillas. Simplemente salió e hizo su música."
David Crosby: "Me sentí orgulloso de compartir el escenario con Otis. Se le veía tan grande y poderoso, como una fuerza de la naturaleza."
Jack Casady: "Cuando estaba cantando 'Try a little tenderness', podías ver a todos con la boca abierta y se podía oir caer una aguja. Fue de las momentos más impresionantes que he vivido en mi vida. Yo tenía sus discos en casa, pero jamás le había visto en persona. Fue absolutamente espectacular. Sin ninguna duda".

Henry Diltz: "En el momento en el que Otis terminó de interpretar 'Shake', hasta el más rancio de los productores discográficos que estaban presentes aquella noche, era consciente de que estaba siendo testigo de un momento extraordinario y especial."
Lou Adler: "Otis llevó a toda la audiencia a la iglesia. Ellos eran los fieles y él el predicador"
Bob Weir: "Estoy bastante seguro de que por un momento le vi un halo divino. Otis parecía mucho mayor y se movía por el escenario como un tigre enjaulado lanzando rayos y centellas. Fue una actuación electrizante. Comenté esto con varios amigos y básicamente me lo confirmaron. Me refiero a que realmente parecía más grande."

Grace Slick: "Nunca había visto a nadie pisar el escenario como él. Era increíble cómo se movía y tomaba posesión de toda la escena con su poder y desbordante personalidad."

Steve Cropper: "Otis bailaba de lado a lado del escenario y en cierto modo, era torpe. Era un tío de casi dos metros, pero su aspecto era magnífico, y lo hacía todo con gran sentimiento. Su medida del tiempo y su sentido del ritmo eran impecables. Sin duda era mágico."

Ravi Shankar: "Él tenía ese don que pocos grandes músicos poseen. Satisfacer más sentidos que el oído y tener con su música un efecto global en cuerpo y espíritu."

Jack Casady: "Había tanto amor en aquel hombre, tantas ganas de dar. Tuvo la oportunidad de actuar frente a aquella gran masa de audiencia predominantemente blanca. Y lo hizo sin miedo, ahí estaba un cantante de Memphis con su banda de soul de Memphis. Para mí estos músicos habían sido una especie de héroes. Nunca intenté emular su estilo, pero la música que hacían era parte de mi. No eran como los artistas de la Motown, que solían representar algo más pulido y premeditado. Ellos carecían de la crudeza y la sexualidad que transmitía Otis. Además su banda de acompañamiento era mixta, algo pocas veces visto en el sur, y el caso es que eran una de las mejores bandas del mundo. Participaron en todos los discos de Stax-Volt Records, así que la gente que estaba en el negocio sabía perfectamente de quienes se trataba. De modo que hubo varios tipos de integración en Monterey. Fue la fusión de diferentes estereotipos de personas. Definitivamente Monterey fue un evento social al tiempo que musical."
Michelle Phillips: "No creo que Otis hubiera actuado antes frente a un público hippie como este. Creo que no tenía ni idea del tipo de gente que se iba a encontrar."
Steve Cropper: "Por fin, esa noche, Otis encontró a su audiencia. Lo habíamos intentado tantas veces, pero los disc-jockeys blancos se negaban a pinchar nuestra música. ¿Cómo podía alguno de ellos no darse cuenta de que estaban ante uno de los más grandes cantantes de la historia?

Monterey Pop Festival (2ª parte)
Monterey Pop Festival (4ª parte)

Festival de Monterey (2)

La ciudad de Monterey -"Donde el Pacífico se encuentra con los pinos"- , fundada por Fray Junípero Serra en 1770, era un punto de encuentro ideal. Situada en una pequeña península localizada en la costa de California central, a unos 40 kms al norte de Big Sur y unos 150 kms al sur de San Francisco, Monterey fue durante siglos un cruce de caminos. Antes de llegar a ser un estado, fue la capital provincial y a finales del siglo XIX todas las mercancías que arribaban al país debían pasar por la aduana de Monterey, en la que se abonaban los impuestos. La constitución californiana se redactó en Monterey y allí se estableció la primera oficina de correos del estado.

Monterey y otras ciudades americanas habían albergado en otras ocasiones festivales de jazz y de folk, pero nada era comparable con lo que se les venía encima. Pocos de los aproximadamente 26.000 habitantes de Monterey imaginaban cuántos freakies del rock iban a reunirse en los campos de la feria de Monterey para ver en el recinto de 7000 asientos a sus ídolos musicales.

Vinieron de todas las partes del país, por la autopista de la costa oeste, la US 101 y del este, montados en autobuses multicolores, furgonetas y coches decorados, Hondas y Harleys y sobre todo en auto-stop. Y no era una masa homogénea de melenas, pies descalzos y pantalones Levi's. También se hicieron visibles otras estéticas y tipos humanos, estudiantes de universidad, jóvenes ejecutivos y empresarios, por no hablar de soldados, marineros y curiosos locales.

Lou Rawls: "Podías caminar cinco pasos y encontrarte en una conversación y atmósfera completamente diferente. Nos dábamos cuenta de que llegaba gente de todo pelaje y origen, pero en ese momento había algo que todos tenían en común: su amor por la música" . Los objetivos iniciales de los promotores consistían en vender alrededor de 7.500 entradas para cada uno de los cinco shows del fin de semana, a unos precios que oscilaban entre 3$ para los conciertos de tarde y 6.50$ para los conciertos nocturnos con un precio general de admisión al recinto ferial de 1$.

Una vez que los hoteles, hostales y algunas residencias privadas pusieron el cartel de 'completo', la mayoría de la gente se dispuso a acampar en los alrededores del recinto los cuales, bajo la dirección de Danny Rifkin (comanager de Grateful Dead), habían sido transformados en una comunidad hippie donde se hacían hogueras, se contaban historias, se cantaban canciones y se compartía la comida, la bebida y todo tipo de sustancias lisérgicas. Dormían en los coches o bajo las estrellas y aquellos que por una razón o por otra no podían acceder al recinto escuchaban el show tumbados en la hierba a través de los altavoces dispuestos por la organización.

Stanley Owsley

De la provisión de LSD se encargó Stanley Owsley, 'el Oso', famoso fabricante de ácido lisérgico que sólo entre 1965 y 1967 fabricó millón y medio de dosis de LSD. (Las anfetaminas eran ilegales, el LSD en cambio, no). Para la ocasión el alquimista del ácido presentó su nueva creación: los 'Monterey Purple', bajo cuyos efectos anduvo prácticamente la mitad de los asistentes. Para la gran mayoría fue una experiencia virgen idílica.

Lou Adler: "Queríamos organizar el mejor concierto de la historia, no sólo desde el punto de vista de la audiencia, sino también para los músicos. Yo llevaba en el negocio desde 1957 y como manager me encontraba con todo tipo de sorpresas en las salas de conciertos. Los camerinos para cambiarse solían ser los aseos, no había forma de conseguir algo de comer tras las actuaciones, los alojamientos eran: 'Oh perdonad, se nos olvidó reservar'. Así que decidimos ofrecer lo mejor de lo mejor en cada aspecto: un equipo de sonido de primera, alojamiento, transporte y catering para los músicos, todos ellos servicios a los que la gran mayoría de los artistas no estaban acostumbrados."

Albert Grossman, Benny Shapiro y Bill Graham reponiendo fuerzas en el backstage

"Tras aquel fin de semana, los artistas exigirían unos mínimos servicios en sus conciertos. Fue la primera vez que se hacía algo así. Pero lo hacíamos todo instintivamente. Cuando llegamos a la zona del recinto, no había nada allí, ni siquiera un escenario decente. Todo tuvo que construirse de nuevo y desde cero. Instalamos el campamento, establecimos un centro de comunicaciones y todos los implicados llevábamos un walkie talkie para tenernos controlados en todo el área y en todo momento. Trajimos a Chip Monck como mánager de escenario, un tío increíble. No paraba de decir: 'Esto no lo puedo hacer, a no ser que...,' y construyó más de lo que necesitábamos, un estadio dentro de una plaza de toros.

"Organizamos un equipo de transportes que incluía, no sólo coches con chófer para los artistas, también scooters y bicicletas o cualquier cosa que sirviera para moverse. Disponíamos de un equipo de limpieza y un comité artístico que se encargaba de supervisar el buen aspecto de los puestos de artesanía y los quioscos de comida. También pusimos en marcha un servicio médico de primeros auxilios porque sabíamos que podíamos tener algún problema con las drogas. No queríamos que la gente que no supiera controlar se metiera en problemas, y menos aún, que estos problemas afectaran al resto de la gente o a la buena marcha del evento. El Dr Bowersocks, director del centro médico de Monterey, manifestó días más tarde que el equipo de voluntarios que componía el servicio médico y seguridad, estaba años por delante de su tiempo a la hora de localizar, ayudar y recuperar a los chavales que se habían pasado con el ácido y no sabían controlar su 'viaje'.

Lou Adler bromea con un oficial

"Asimismo organizamos nuestro propio servicio de seguridad, supervisado por David Wheeler, que trabajó en estrecha colaboración con los agentes de policía de Monterey. Los policías locales nunca esperaron sentir tanta simpatía por la gente que vino al evento y jamás podían haber llegado a imaginar que el lema del Festival, 'música, amor y flores', les impregnaría de tal modo que dejaran fotografiarse ataviados con flores."

Minnie Coyle (Alcaldesa de Monterey): "Cuando me propusieron la organización del Festival, no estaba nada convencida y en principio estaba en contra de su celebración, pero ahora estoy agradablemente sorprendida de la buena organización y del perfecto comportamiento de la gente"

De hecho, bastantes horas antes de finalizar, el jefe de policía Frank Marinello (que estaba a punto de retirarse), se sintió con la suficiente confianza como para mandar a casa a la mitad de los efectivos que había desplegado: Sus 42 agentes, y un refuerzo de 100 más de las localidades colindantes. Los 650 soldados del cercano Fort Knox (que estaban preparados por si acaso) tampoco fueron necesarios. En toda su carrera de 33 años, dijo, nunca se había enfrentado a una masa de gente de tal magnitud y al mismo tiempo tan pacífica.

Jimi Hendrix conversa con Janis Joplin y Grace Slick

Uno de los instantes más famosos de cruce de culturas se produjo en el backstage. En uno de los barracones auxiliares que se habían desplegado con el Festival, varias firmas de instrumentos, como Guild y Moog habían montado una exposición de sus equipos e instrumentos para que los músicos tuvieran oportunidad de probarlos. En un momento dado, Jimi Hendrix y Bob Weir de Grateful Dead, sin conocerse, enchufaron sus guitarras en el mismo amplificador y empezaron a improvisar juntos. Al instante se les unió Paul Simon con una acústica.

Grace Slick: "Fue la primera vez que todos esos músicos y bandas se encontraban unos frente a otros, así que todos aprendían de todos. Eran músicas tan diferentes, desde Jimi Hendrix hasta Ravi Shankar, de The Mamas & The Papas a The Who. En el backstage había una zona donde nos servían comida durante las 24 horas y todos nos encontrábamos allí tarde o temprano. Era alucinante"

Candice Bergen

Otros que no faltaron a la cita fueron los ejecutivos y productores discográficos, que querían comprobar con sus propios ojos el increíble auge del nuevo movimiento. Allí estaban Goddard Lieberson y Clive Davis, presidente y director ejecutivo de Columbia Records, que pocas semanas después del Festival firmaría sendos contratos con Big Brother & the Holding Company y Laura Nyro; también Jerry Moss, socio de Herb Alpert en A&M Records; el jefe de Warner Bros., Mo Ostin y Jerry Wexler de Atlantic Records. Entre las celebridades se pudo ver a Nico, musa de Andy Warhol y miembro de los Velvet Underground; Brian Jones, de los Rolling Stones; Candice Bergen representando al mundo de Hollywood y Dennis Hopper, que vino como fotógrafo al Festival.

Sábado, 17 de junio de 1967

SESIÓN DE TARDE

La segunda jornada del Festival estuvo dividida en dos sesiones. La primera, de tarde, comenzó a la 1:30 PM, y el cartel fue como sigue:

Canned Heat

Rollin' and tumblin'
Dust my broom
Bullfrog blues

 (lista incompleta)

Bob Hite

Henry Diltz (Fotógrafo oficial del Festival): "Canned Heat venían de tener bastante éxito en Topanga Canyon y sitios como The Ash Grove y The Kaleidoscope en Hollywood, y Liberty Records acababa de firmarles un contrato. Pero esta fue su primera gran actuación fuera del área de Los Angeles "

Steve Miller: "Canned Heat vino a hacer su boogie. Estaban completamente relajados y seguramente, en su mejor momento. Estuvieron sensacionales aquella tarde"

• Voz solista: Bob 'The Bear' Hite Jr.
• Guitarra, armónica y voces: Al 'Blind Owl' Wilson
• Guitarra rítmica: Harry Vestine
• Bajo: Larry Taylor
• Batería y percusión: Frank Cook

Country Joe and the Fish

Not so sweet Martha Lorraine

Fixin' to die rag

The bomb song

Section 43

Country Joe McDonald

Country Joe McDonald: "Llevábamos la cara pintada, teníamos flores en el pelo, gargantillas artesanas de avalorios y calzábamos sandalias. Tratábamos de tener un aspecto de estar totalmente en la onda"

Steve Miller: "Me encanta Joe. Es un tipo increíble, así como Barry Melton y el resto de la banda. Eran estudiantes de Berkeley bastante radicales. Yo venía de la Universidad de Wisconsin en Madison, así que el estilo me era familiar. ¡Pero Country Joe & the Fish era la banda más izquierdista y subversiva de Berkeley!. La guerra en Vietnam cada vez iba a más, y no nos gustaba como nuestra sociedad estuviera mostrando sus peores caras. 

Barry Melton

Estos chicos eran comentaristas políticos en un escenario de pop/rock y lo hacían con un gran sentido del humor. Al mismo tiempo, Joe era una auténtica estrella del rock. Tenían su propio management, fundaron su propia editora y aprendieron a cuidarse. Él estaba ahí con el mensaje adecuado y era capaz de transmitirlo con humor."

• Voz solista y guitarra: Country Joe McDonald.
• Guitarra solista: Barry Melton
  
• Teclados: David Cohen
  
• Bajo y guitarra: Bruce Barthol
  
• Batería y percusión: John F. Gunning

 

Big Brother and the Holding Company

Down On Me

Combination Of The Two

Harry

Roadblock

Ball And Chain

Janis Joplin, la tarde del sábado

John Phillips: "Janis estaba hecha un flan. Era un manojo de nervios. Lou Rawls no paraba de decirle: 'Saldrá bien, todo saldrá bien, no te preocupes por nada', pero ella no dejaba de temblar. En cuanto pisó el escenario, dio un pisotón en el suelo y de repente era la tejana de siempre"

Lou Adler: "Mirabas y no acababas de comprender, Dios mío! ¿de dónde sale ésta chica y qué hace liderando esa banda de músicos?

Si Otis les robó el alma y Ravi Shankar los elevó de sus asientos, Janis les arrancó el corazón"

Michelle Phillips: "Yo estaba alucinando porque nunca había oído a una chica blanca cantar blues como Bessie Smith" 

James Gurley

Henry Ditz: "Janis apareció con un aspecto núbil y un top transparente. Me recordaba a una de las chicas que dibujaba Robert Crumb. Era todo fuego y  gastó el último gramo de emoción y sentimiento que le quedaba cantando. No había visto ni he vuelto a ver tanta intensidad en escena. Recuerdo que su mánager se negó a que filmasen o grabasen el show para la película o para la TV, pero de alguna manera se les convenció, visto el éxito y la expectación creada, para que tocaran de nuevo al día siguiente"

• Voz solista: Janis Joplin.
• Guitarra y voces: Sam Andrew
• Guitarra solista: James Gurley
• Bajo: Peter Albin
• Batería y percusión: David Getz

 

Al Kooper

I can't keep from cryin'

Wake me shake me
Don't let me sleep too long

Al Kooper, un guitarrista que se había pasado al órgano desde que (por casualidad) acabó tocando un Hammond en la famosa sesión de grabación de 'Like a rolling stone' de Bob Dylan, se enroló como organista en 1965 en la banda Blues Project, con el fin de practicar con el instrumento. Tras la publicación de su segundo álbum 'Projections', el grupo entró en una fase de inseguridad y unas semanas antes del Festival, Al Kooper había dejado la banda con un nuevo proyecto sin definir en mente.

Al Kooper

Cuando le hablaron de Monterey se apuntó incluso para ayudar en el montaje y ejerció de ayudante de Chip Monck encargándose de localizar los mejores amplificadores y equipos de voces disponibles para el evento. Blues Project se había comprometido también a tocar en el Festival, abriendo la sesión nocturna del domingo, pero Al tocó la tarde del sábado un par de temas con su Hammond. Cuando esa misma tarde tuvo ocasión de oír a Electric Flag, el proyecto que barruntaba se definió: Unas semanas después, Kooper formó Blood Sweat & Tears.

The Butterfield Blues Band

Look over yonders wall

Mystery train

Born in Chicago

Double trouble

Mary Ann

Droppin' out

One more heartache

Driftin' blues

(lista incompleta)

Paul Butterfield

Al Kooper: "Paul Butterfiled era lo más. Como dijo Mike Bloomfield: No existe lo blanco y lo negro. Paul podía haber sido un atún azul, y no hubieras notado la diferencia. Seguía siendo un bluesman. Él era el jodido blues"

Steve Miller: "Elvin, Jerome, Mark y Paul eran sensacionales. Paul estaba en su cima y lo daba todo en el escenario. Acababa de recibir una buena crítica en el Time Magazine como 'el cantante de blues de ojos azules que tocaba muy bien la armónica' Paul tocaba la armónica de miedo, independientemente del color, la raza o lo que fuese.

Elvin Bishop

Montó su banda de blues en Chicago y comenzó a tocar en los clubes. Despertó mucha atención porque era blanco. En Monterey estaban en su mejor momento. Hacían música que se tocaba en Texas, Louisiana y Florida: blues y R&B, canciones de Muddy Waters y de Jimmy Reed. Cuando perfeccionaron el sonido expandieron el formato. Normalmente ese tipo de bandas consistían en bajo, guitarra, batería, armónica, guitarra solista y teclados. Paul añadió los vientos y aquello tomó un toque jazz. Fue increíble"

• Voz solista y armónica: Paul Butterfield
• Guitarra solista: Elvin Bishop
• Teclados: Mark Naftalin
• Bajo: Jerome Arnold
• Batería y percusión: Bill Davenport
• Trompeta: Keith Johnson
• Saxos alto y tenor: Gene Dinwiddie y David Sanborn

Paul Butterfield Blues Band

Quicksilver Messenger Service

Dino's song (All I ever wanted to do)

If you live

Acapulco gold and silver

Too long

Who do you love

Quicksilver Messenger Service era una banda de rock psicodélico formada en San Francisco en 1965. Fue, junto a Grateful Dead y Jefferson Airplane uno de los tres grupos que lideraban la escena psicodélica de la California de finales de los 60. Uno de sus primeros guitarristas, Dino Valenti, que con las influencias que recogió durante el folk-blues revival ayudó a definir el sonido del grupo, se encontraba en aquel momento una vez más en prisión por posesión de marihuana.

John Cipollina

Todos los sellos importantes habían fichado ya a alguno de los artistas de los llamados 'hippies psicodélicos', cuya música estaba dando tanto que hablar. Grateful Dead y Jefferson Airplane ya habían fichado con Warner y RCA respectivamente, pero Quicksilver aún no había firmado contrato discográfico. "No lo necesitábamos", recordaba Cipollina, "ganábamos el doble que los que habían firmado". Pero carecieron de la proyección comercial fuera del estado que sí disfrutaron sus contemporáneos. Cuando pasó el 'verano del amor', finalmente accedieron a firmar con Capitol Records, que se había quedado rezagada con respecto a sus competidores en la contratación de nuevos valores de música 'hippie'. Este retraso jugó a favor del grupo que logró mejores condiciones en su contrato que sus colegas, consiguiendo por ejemplo poder grabar su primer trabajo en un estudio de ocho pistas, cuando lo habitual entonces, era grabar con cuatro. Jim Murray abandonó el grupo unas semanas después de sus actuación en Monterey.

Gary Duncan, John Cipollina, Greg Elmore y David Freiberg

• Guitarra y voces: Gary Duncan
• Guitarra y voces: Jim Murray
• Guitarra solista: John Cipollina
• Bajo y voces: David Freiberg
• Batería: Greg Elmore

 

Steve Miller Band

Living in the USA

Mercury blues

(lista incompleta)

Steve Miller

Steve Miller actuó con la misma banda con la que semanas antes había acompañado a Chuck Berry en el Filmore de San Francisco, la Steve Miller Blues Band. Esta actuación fue grabada y apareció en el disco de Chuck Berry, 'Live at the Fillmore Auditorium' publicado ese mismo año 1967.

Steve Miller : "Recuerdo que mi experiencia en Monterey fue muy feliz y pasé unos momentos increíbles. Fue el primer concierto en el que participé donde todo estaba organizado con categoría, hasta el más mínimo detalle. Cuidaron a los músicos de una forma extraordinaria; nos pagaron el viaje, nos alimentaron, tenían a una flota de vehículos para llevarnos donde quisieramos. La logística funcionó como nunca y creo que aún no ha sido superado. Todo encajaba y salía a la perfección. Fue maravilloso poder formar parte de todo aquello"

• Guitarra y voz solista: Steve Miller
• Guitarra y voces: James 'Curley' Cooke
• Órgano y voces: Jim Peterman
• Bajo y voces: Lonnie Turner
• Batería y percusión: Tim Davis

The Electric Flag

Groovin' is easy

Over-lovin' you

Night time is the right time

Wine

Mike Bloomfield

Mike Bloomfield, que había formado parte de Paul Butterfield Blues Band, dejó el grupo en primavera de 1967 con el fin de crear su propia banda, Electric Flag, llamada originalmente American Blues Band. La idea era hacer música de raíces americnas, inspirada en el blues de T-Bone Walker, B.B. King y Guitar Slim con influencias contemporáneas de Otis Redding, Booker T & the MGs y otros artistas de Stax Records. Para ello contó con la ayuda del teclista Barry Goldberg. El bajista Harvey Brooks, que también había tocado anteriormente en la Blues Band de Paul Butterfield, tras apuntarse, recomendó al joven batería de 19 años Buddy Miles, que hasta entonces había acompañado a Wilson Pickett.

Henry Diltz: "Habiamos oído hablar mucho de Bloomfield, de los trabajos que realizó con Dylan y con Paul Butterfield. Se notaba que estaba tremendamente nervioso. Era su primer concierto importante liderando el nuevo grupo. Pero nos dejó atónitos. Bloomfield tocó su guitarra con un soul y un sentimiento que no había oído jamás de un músico blanco."
Steve Miller: "Me encantaba mirar a Buddy Miles tocar la batería. Me enamoré de su forma de tocar y además ¡cantaba bien!.  Electric Flag hizo una actuación tan potente y memorable que casi dolía"

Mike Bloomfield

Lou Rawls : "Mike Bloomfield y sus chicos hacían la música con la que habían crecido en Chicago. Allí no existían barreras raciales en lo que a música e industria del entretenimineto se refiere. La gran mayoría de los talentos musicales de Chicago procedían del sur, de Tennessee, Alabama, Lousiana, Georgia o Mississippi. Casi todos emigraron a Chicago o San Louis. Desde allí se fueron dispersando hacia todas las partes del país. Chicago fue el 'melting pot', donde se mezclaban todas las tendencias y de donde salieron grandes músicos"

• Guitarra solista y voces: Mike Bloomfield
• Voz solista: Nick Gravenites
• Órgano: Barry Goldberg
• Bajo: Harvey Brooks
• Batería, percusión y voces: Buddy Miles
• Trompeta: Marcus Doubleday
• Saxo tenor: Peter Strazza
• Saxo alto: Herbie Rich

Monterey Pop Festival (1ª parte) 
Monterey Pop Festival (3ª parte)