Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 11 de diciembre de 1938 nació en Philadelphia (Pennsylvania) el pianista de jazz McCoy Tyner, conocido sobre todo por su trabajo en el John Coltrane Quartet y una larga y prolífica carrera en solitario.
Tyner tuvo la fortuna de que su madre, también pianista, le estimulara en sus comienzos y desde 1953 McCoy dirigió su propia formación de jóvenes músicos. Convertido al Islam desde los 18 años, a mediados de los cincuenta acompaña a solistas de peso como Kenny Dorham, Jackie McLean, Benny Golson, Sonny Rollins o Max Roach. En 1956 conoce a John Coltrane, con quien toca en el Red Rooster durante una semana. Compone para el saxofonista 'The believer', y este la graba al año siguiente. En 1959, ofrece algunos conciertos en San Francisco con Art Farmer y Benny Golson, quienes le contratan para Jazztet, grupo con el que graba su primer disco.
Tyner y Coltrane
Al año siguiente vuelve a encontrarse con Coltrane, ingresando en su cuarteto en sustitución de Steve Khun. A lo largo de los seis años que pasó con Coltrane, Tyner participó en álbumes memorables del cuarteto como 'Africa Brass','My favorite things' (1961), 'Live at the Village Vanguard' (1962), 'A love supreme' (1964) y 'Ascension' (1965).
Asímismo grabó también durante estos años, como líder, varios álbumes con otros músicos: Roy Haynes, ClarkTerry, Thad Jones, etc. En 1962, Tyner grabó para Impulse! su primer disco como líder, el titulado 'Inception', con Art Davis al contrabajo y Elvin Jones a la batería.
En 1963 la revista Down Beat lo declaró vencedor en la categoría de 'nueva estrella' y sus discos para Impulse!, son todos excepcionales, destacando 'Night of Ballads & Blues' y 'Live at Newport' (1963). En 1966 funda su propio trío, e inicia una carrera como freelance que lo conduce a los confines del mundo y a tocar con los músicos mas diversos. Tras dejar el grupo de Coltrane, Tyner comenzó una serie de álbumes post-bop editados en el sello Blue Note Records, en el período 1967-1970 ('The Real McCoy', 1967; 'Tender Moments', 1967; 'Expansions', 1968; 'Extensions', 1970).
Poco después, se pasó al sello Milestone y grabó varios álbumes bastante influyentes, incluyendo 'Sahara' (1972) considerado por Down Beat 'el mejor disco de jazz del año', 'Enlightenment' (1973), y 'Fly With The Wind' (1976), que incluía al flautista Hubert Laws, el batería Billy Cobham y una orquesta de cuerda. En 1978 forma parte de una gira de 'All Stars' del sello Milestone junto a Sonny Rollins, Ron Carter y Al Foster, y graba uno de los grandes discos en directo del jazz moderno, 'Milestone Jazzstars in Concert'.
Entre sus trabajos desde entonces destacan: 'Passion Dance' (1978), 'Horizon' (1980), 'Tribute to John Coltrane' (1987), 'Remembering John' (1991), 'Prelude and Sonata' (1994) y 'Plays John Coltrane' (2001). Siguió grabando y actuando hasta los años 2010, cambiando varias veces de formación, en solitario, como trío y también como cuarteto. Murió a los 81 años en marzo de 2020.
El 5 de diciembre de 1932 nació en Macon, Georgia el músico y cantante de rock and roll Little Richard. Uno de los auténticos GRANDES del rock and roll, Little Richard logró fusionar la emotividad del gospel con el R&B de Nueva Orleans martilleando con energía su piano y vociferando con un regocijante y desinhibido desenfreno. Aunque numerosos otros artistas de R&B de principios de los cincuenta se estaban moviendo en la misma dirección, ninguno igualó su intensidad vocal, sus éxtasis escénicos y esa fuerza vital arrolladora que desplegaba cantando. Fue crucial en los años cincuenta para la transformación del R&B en algo similar, pero diferente, como el rock and roll.
Proveniente de una familia humilde, hijo de un destilador ilegal de whisky, fue el tercero de doce hijos y el único con un defecto físico: su pierna derecha era más corta que la izquierda. Pasó su infancia más próximo a su madre que a su severo padre. Gracias a ella, recibió clases de piano. Él mismo dijo "vine a una familia que no le gustaba el rhythm and blues, 'Pennies from heaven' de Bing Crosby y a Ella Fitzgerald era todo lo que podía escuchar". Perteneciente a la Iglesia Adventista del Séptimo Día, aprendió música gospel en las iglesias pentecostales del sur de Estados Unidos.
A los 13 años, su padre lo echó de casa escandalizado por sus escarceos homosexuales. Libre de la opresión familiar, libera sus pasiones reprimidas y se dedica a cantar en bares, tugurios o simples esquinas de la calle, para ganarse la vida. Por suerte, un matrimonio blanco, Ann y Johnny Johnson, lo sacan de ese mundo y le permiten seguir desarrollando sus aptitudes musicales en el escenario del Tick Tock, el club que regentan. En 1951 gana un concurso de aficionados en el Eighty One Theatre de Atlanta, gracias al cual, consigue un contrato discográfico con RCA y graba ocho singles con temas como 'Get rich quick', 'Why did you leave me','Every hour' y 'Thinkin' bout my mother' que pasan desapercibidos.
Little Richard y los Upsetters
Decide volver con su nueva banda, los Upsetters, a Macon, donde graba una maqueta que envían a Art Rupe de Specialty Records en Los Angeles. La cinta languideció en las oficinas de Specialty todo un año, durante el cual, Richard seguía ofreciendo sus electrizantes shows en directo cargados de sexualidad. Cuando Rupe, que andaba detrás de un cantante negro tipo Ray Charles, descubrió por fin la cinta, invitó a Richard a grabar unos temas en Nueva Orleans con la condición de que aceptase ser acompañado por músicos de prestigio.
Las primeras sesiones no terminan de convencer, pero durante una pausa en una de dichas sesiones, Richard comenzó a cantar de manera improvisada 'Tutti frutti', una canción obscena y llena de lascivia que había estado cantando en sus actuaciones. Se cambió la letra "Tutti Frutti, good booty / If it don't fit, don't force it / You can grease it, make it easy" ("Tutti Frutti, buen culito / Si no entra, no lo fuerces / puedes engrasarlo para facilitarlo") porque el productor de grabación, Roberte Bumps Blackwell, lo consideraba un exceso (además, 'Tutti-frutti' en argot significaba 'gay'). El tema, que contenía la célebre frase carente de sentido 'A-wop-bop-a-loo-bop, a-lop-bam-boom', fue publicado en single en las Navidades de 1955 y alcanzó el puesto 21 de las listas Billboard.
Su frenético estilo se puede ver en películas como 'Don't Knock the Rock' (1956) y 'The Girl Can't Help It' (1956), para las cuales cantó las canciones que daban el título, escritas por Bobby Troup. Aunque la etapa de sus éxitos en las listas fue relativamente corta, su influencia en el soul y en el 'beat' británico fue inmensa.
Richard en 1958
Little Richard detuvo su carrera musical de forma repentina en 1957, durante una gira por el centro de Australia; renunció a su forma de vida en el rock and roll. Parece ser que su decisión tuvo que ver con el accidental incendio de uno de los motores del avión en el que viajaba junto con su grupo. Después de aterrizar, se quitó de los dedos cuatro anillos de diamantes valorados en unos 8.000 dólares y los lanzó al río Hunter. Ingresó en una universidad cristiana en Alabama para estudiar teología y se hizo ministro pentecostal. Mientras su casa discográfica, Specialty Records, lanzaba algunas nuevas canciones basadas en antiguas sesiones de grabación, Richard hizo muy poco musicalmente hablando, apenas algunas canciones de gospel a comienzo de los años 60.
Con los Beatles en 1962
En 1962 el promotor Don Arden lo convence para hacer una gira por Europa tras comunicarle lo bien que se seguían vendiendo sus discos allí. En el Reino Unido tuvo una acogida extraordinaria. Los Rolling Stones, quienes admiraban a Richard incluso antes de que tuvieran un contrato de grabación, y los Beatles, también admiradores suyos, lo apoyaron. Los Beatles incluso le hicieron de teloneros en su gira por Hamburgo, lo que permitió a McCartney aprender de primera mano los trucos vocales de Richard.
Desde entonces, Little Richard trabajó periódicamente en películas, lanzó ocasionalmente algún sencillo que otro y aguantó como uno de los grandes y legendarios pioneros del rock and roll. Su vida parece como si hubiera ido siempre de un extremo a otro. En 1964 volvió a los escenarios grabando nuevas versiones de sus éxitos; en los años 70 sus excesos sexuales y con las drogas hicieron que su iglesia lo rechazara. Finalmente, tras la muerte de uno de sus hermanos, Little Richard reorganizaría su vida: limpiaba su organismo de drogas, se hacía vendedor de biblias a domicilio y volvía a su iglesia.
Vendiendo biblias en 1981
Fue cuando por su boca se oyeron perlas como "Rock n Roll is evil, because Rock n Roll makes you take drugs, and drugs turn you into a homosexual" (El Rock'n 'Roll es malvado, porque hace que tomes drogas y las drogas te convierten en homosexual). Esto fue después de su polémica renuncia a su propia homosexualidad, renuncia que fue atribuida a las presiones del público y al clima predominante de homofobia en la comunidad negra.
Regresó con dedicación plena al final de los años 80, manifestando que venía para realizar lo que Dios le tenía destinado ser: Little Richard. Sin embargo, conservó su licencia de ministro, y ocasionalmente celebraba bodas (entre las que caben destacar las de Cyndi Lauper y Bruce Willis y Demi Moore). Nadie mejor que Little Richard merece un mayor crédito como artífice de la metamorfosis del R&B negro hacia el rock & roll, género al que dotó de significado y profundidad, inspirando las carreras de numerosos grandes artistas que le siguieron: James Brown, Elvis, Gene Vincent, Jerry Lee Lewis y Joe Tex, entre ellos.
Murió en mayo de 2020 a los 87 años.
El 10 de noviembre de 1928 nació en Roma el compositor y director de orquesta italiano Ennio Morricone, uno de los más prolíficos e influyentes compositores de bandas sonoras de su era. Considerado uno de los más grandes autores de música para el cine de todos los tiempos, escribió partituras para más de 500 films y producciones televisivas. Su producción, eminentemente cinematográfica, es vastísima y sumamente heterogénea, siempre centro de polémicas, objeto de odios y amores.
Hijo de un trompetista y de una ama de casa, Ennio Morricone fue el mayor de cinco hermanos. Su familia, de clase media y afincada en el barrio del Trastevere, vivió durante mucho tiempo sin penurias, pero también sin lujos, únicamente con el sueldo del padre, hasta que la madre probó fortuna trabajando en una tienda de ropa. Curiosamente, en la escuela coincidió con Sergio Leone, quien con el tiempo se convertiría en realizador y para el que el futuro compositor escribiría bandas sonoras.
Con sólo diez años, y tras foguearse en la orquestina aficionada de Constantino Ferri, Morricone se matriculó en el Conservatorio de Santa Cecilia para estudiar trompeta bajo la tutela de Umberto Semproni, y tres años más tarde fue escogido entre otros estudiantes jóvenes para formar parte de la orquesta de la institución, con la que realizó una gira por el Véneto bajo la dirección de Carlo Zecchi.
En 1943, viendo las impresionantes dotes de Ennio Morricone para la armonía, el profesor Roberto Caggiano lo animó a iniciar seriamente los estudios de esta disciplina. Al completar el curso en sólo seis meses, le sugirió que encaminase su formación hacia la composición. Esto fue lo que hizo al año siguiente, al estudiar con Carlo G. Gerofano y Antonio Ferdinandi. El director Alberto Flamini lo escogió como segundo trompa para su orquestina, en la que doblaba las líneas del primer trompeta, que no era otro que Mario Morricone, su propio padre. Con esta formación se acostumbró a los escenarios profesionales, tocando en diversos hoteles de Roma para las tropas americanas establecidas en territorio italiano al término de la II Guerra Mundial.
Después de obtener el título de trompetista, inició su carrera como compositor, dedicándose particularmente a la música vocal y de cámara. Su producción “culta” abarca piezas corales, lied, música incidental y de cámara. Durante la década de 1950 completó su formación compositiva de la mano del gran Godofredo Petrassi. En 1955 comenzó a arreglar música para películas, actividad que interrumpió por su servicio militar. Un año después se casó con Maria Travia, y al siguiente tuvo a su primer hijo, Marco. Por motivos exclusivamente crematísticos, en 1958 aceptó un empleo como asistente de dirección para la RAI, pero el primer día de trabajo abandonó. En lugar de eso, y todavía influido por el vanguardismo de su maestro Petrassi, se matriculó en un seminario impartido por John Cage en Darmstadt. El dinero venía de un lado bien distinto: sus arreglos para series de televisión.
Es difícil imaginar qué hubiera sido de la posterior carrera de Morricone si las circunstancias lo hubieran convertido en otro de los compositores italianos de vanguardia (Berio, Nono…) que triunfaron en el entorno de Darmstadt durante la década de 1960. Pero la historia quiso que en 1961, el mismo año en que nació su hija Alessandra, compusiera su primera banda sonora para el cine. Se trataba de la música para el filme “Il Federale”, de Luciano Salce. En 1964 comenzaron sus colaboraciones para Bernardo Bertolucci y Sergio Leone.
Curiosamente, fue el cine de este último el que le dio fama: la pegadiza melodía de “Por un puñado de dólares” le reportó una inmensa popularidad y un montón de nuevos encargos: Pier Paolo Pasolini y Giulio Pontecorvo, entre otros, reclamaron sus servicios. Al mismo tiempo, formaba parte del Gruppo Internazionale d’Improvvisazione.La creciente actividad cinematográfica le haría abandonar a finales de la década la faceta “culta” de su producción, sobre todo a raíz del estruendoso éxito de la música para “El bueno, el feo y el malo” (1966), de Sergio Leone.
La fórmula de Morricone era tan sencilla como efectiva: orquestaciones poco densas, pero con un sonido seco y transparente que años más tarde inspiraría a muchas bandas de rock, temas que se clavaban inmediatamente en la memoria del oyente, y un enorme respeto por la trama y los personajes del filme. Músico de gran intuición, Morricone dejaba “hablar a la historia” y huía de divismos de autor. No olvidemos que una curiosa teoría de Morricone es la de que la música de una banda sonora no pertenece al compositor, sino al filme: “Lo que prima es la necesidad de la historia que cuenta la película”.
A partir de 1970 inició una nueva actividad, la pedagógica. Maestro de composición en el Conservatorio de Frosinone, tuvo como alumnos a Luigi de Castris y Antonio Poce, entre otros. Esta etapa favoreció un cierto retorno a su faceta de autor, en forma de una colaboración con el Studio R7 de Música Electrónica. Un año más tarde, después de trabajar siempre en Europa, aceptó un encargo americano, concretamente del gran Edward Dmytryk, para quien compuso la música de “El factor humano”. Su relación con Estados Unidos nunca fue positiva: el estilo de vida estadounidense no le atraía en absoluto, se negó a instalarse en Los Ángeles y más aún a aprender inglés.
Aun así, fue nominado cinco veces al Oscar, la primera en 1979 por el western “Días del cielo”. Después de veinte años de una actividad monstruosa, lo que implicaba una producción de calidad harto desigual, en 1983 se convirtió en miembro del Consejo de Administración de la asociación Nuova Consonanza, dedicada a la música contemporánea, y redujo drásticamente su producción para el cine. A pesar de ello, tuvo tiempo de firmar en 1984 la que muchos consideran su mejor partitura: la banda sonora de “Érase una vez en América”, el último filme de su amigo Sergio Leone.
En 1986 fue nominado por la banda sonora de “La misión”, de Roland Joffé, pero sorprendentemente tampoco se llevó el Oscar, una decisión por parte de los miembros de la Academia de las Artes y las Ciencias de Hollywood que a día de hoy aún le resulta incomprensible a muchos.
Dos años más tarde volvió a quedarse a las puertas de la gloria con una tercera nominación, por “Los intocables de Elliot Ness”, de Brian de Palma. En 1988, compuso la banda sonora de la película “Cinema Paradiso” (Love theme), dirigida por Giuseppe Tornatore, que ha despertado tanta admiración entre sus espectadores precisamente por el trascendental papel que desempeña su música, convirtiéndose además en una de las bandas sonoras más populares en el campo de la música cinematográfica,
Aún volvería a ser nominado en otras dos ocasiones: en 1992, por “Bugsy”, de Barry Levinson y en 2001, por “Malena”, de Giuseppe Tornatore. Esta reticencia siempre se ha interpretado como un voto de castigo de la crítica estadounidense por la actitud de un artista de reconocida militancia europeísta. Volcado hacia finales de la década de 1980 y la primera mitad de la década de 1990 en su producción culta, Morricone recibió un auténtico rosario de premios, homenajes y reconocimientos en forma de programaciones y ciclos de conciertos a lo largo y ancho de toda la geografía italiana. La culminación fue la concesión, por iniciativa del primer ministro Oscar Luigi Scalfaro, del título de Commendatore dell’Ordine Al Merito della Reppublica Italiana en 1995.
Sorprendentemente, en la edición de los Oscar de 2007, Ennio Morricone recibió por fin una estatuilla por parte de la Academia, en reconocimiento a su inmensa carrera. Un premio que llegó cuando Morricone ya no lo necesitaba, pero que, según reconoció, “finalmente me lo quedaré”.Otra composición más reciente de carácter notable fue la banda sonora de la película “Baarìa” (2009).
Morricone, continuó trabajando a su ritmo para el cine y la televisión, fue siempre un personaje de trato difícil, seco y hostil con la prensa e implacable con el diletantismo. Aseguraba no comprender el éxito de su música, que atribuía a la claridad temática y a la simplicidad armónica de muchas de sus composiciones, y afirmó estar convencido de que no volvería a trabajar jamás en Estados Unidos. Crítico con todos los sectores, incluidos los de su medio, afirmaba que “como los realizadores no saben demasiado de música, preparo siempre tres orquestaciones diferentes para mis temas”.
Siguió componiendo y en 2013 se estrenó 'La mejor oferta' de Giuseppe Tornatore, cuya banda sonora fue obra de Morricone. Asimismo le fue encargada la música para una nueva versión animada de el 'El fantasma de Canterville' (2014) dirigida por Kim Burdon. El año 2015 fue autor de la banda sonora del western de Tarantino 'The hateful eight', por la que recibió un Globo de oro y un Premio de la Academia por mejor banda sonora original. Falleció en julio de 2020 a los 91 años
El 9 de noviembre de 1944 nació en Dartfoird, Kent, el cantante y letrista británico Phil May. Phil es conocido por ser el fundador en 1963 y cantante solista del grupo inglés The Pretty Things, que en su día fueron bautizados por la prensa como 'los primos feos de los Rolling Stones'. De hecho, para muchos aficionados, Phil y sus muchachos no tenían nada que envidiarle a los Stones sino que incluso los superaban. Su lema consistía en provocar y May se jactaba en 1964 de llevar el 'pelo más largo' de Gran Bretaña. Cuando en 1973, Bowie irrumpió en la escena, Van Morrison comentó: "David Bowie hace exactamente lo mismo que solía hacer Phil May de los Pretty Things, sólo que con otra ropa".
The Pretty Things en 1964
Los orígenes de la banda se remontan a 1962, cuando el joven bajista Dick Taylor abandona la formación Little Boy Blue & the Blue Boys (una versión temprana de los Rolling Stones en la que militaban Mick Jagger y Keith Richards) para formar junto a Phil May el grupo Pretty Things, nombre inspirado en el tema 'Pretty thing' de Bo Diddley. Phil era la voz solista y el letrista del grupo, Dick se encargaba de la guitarra y como sección rítimica reclutaron a Brian Pendleton como segundo guitarrista, John Stax al bajo y Vivian 'Viv' Prince a la batería.
Comenzaron a ofrecer conciertos por los alrededores de Londres y pronto atrajeron la atención de la audiencia, no sólo por su sonido, también por su apariencia y comportamiento despreocupados, demostrando bastante más agresividad y provocación escénica que sus contemporáneos Animals, Stones o Yardbirds. Firman contrato con Fontana Records y su single debut, 'Rosalyn', se publica en junio de 1964 y alcanza el puesto 41 de las listas británicas. Unos meses más tarde aparece 'Don't bring me down', que alcanza el Top10 y en 1965 se publica su primer álbum, 'The Pretty Things'.
Phil May en 1966
La agresividad que mostraban en el escenario se trasladó a otros lugares y The Pretty Things comenzaron a ser vetados en numerosas cadenas de hoteles, compañías aéreas e incluso países como Australia y Nueva Zelanda por sus constantes escándalos. El más notorio en esta faceta fue el baterista Prince, que dejó la banda en 1965 tras una pelea que provocó a bordo de un avión en pleno vuelo. Su segundo álbum, 'Get the Picture?' se publicó a finales de 1965. Con más material original que su primer álbum, su sonido pasó de un R&B a un rock acústico y a pesar de contener el hit británico 'Midnight to six man', no tuvo éxito comercial. Hubo cambios en la formación y a Skip Alan, que había reemplazado a Prince en la batería, se le añadieron Wally Allen al bajo, sustituyendo a John Stax y John Povey a los teclados.
Su nuevo intento, 'Emotions' era un trabajo más maduro que daba más protagonismo a la guitarra acústica y a las armonías vocales, pero desafortunadamente -según los miembros de la banda- la discográfica añadió arreglos de violines sin su aprobación y el disco despertó nulo interés, por lo que el grupo dejó Fontana y ficharon por Harvest.
'S.F. Sorrow' (1968)
Con el nuevo sello publican su siguiente trabajo 'S.F. Sorrow' en 1968. Basado en una historia corta de May y grabado a lo largo de un periodo de 18 meses en los estudios de Abbey Road, en una época en la que Pink Floyd grababa 'A Saucerful of Secrets' y los Beatles andaban enfrascados en su 'White Album', el álbum está considerado como la verdadera primera ópera rock de la historia, en la que se inspiró Townshend para componer 'Tommy' poco después. Con los temas unidos a través de una narración, éstos contenían efectos psicodélicos muy alejados de la raíces musicales de R&B de la banda. De nuevo la desgracia hizo que su trabajo tardara en publicarse un año en Estados Unidos -cuando ya se había publicado allí 'Tommy'- y fueron injustamente tachados de imitadores, por lo que 'S.F. Sorrow', que en Inglaterra tampoco alcanzó las listas de éxitos, también fracasó.
The Pretty Things en 1972
A finales de 1969 Taylor deja la banda, por lo que sólo permanece May de la formación original. Con Victor Unitt como su sustituto a la guitarra, los Pretty Things graban 'Parachute' en 1970. Continuando con la línea de experimentación psicodélica de la banda, el álbum es nombrado 'disco del año' por la revista Rolling Stone, pero a pesar de las buenas críticas y de sus constantes conciertos en directo, las ventas continúan siendo pobres, abocando al banda a la disolución en junio de 1970. En 1972 May lo intentó con una nueva formación, y publicó 'Freeway Madness' bajo Warner Records, de nuevo sin respuesta comercial.
The Pretty Things en 1974
Las cosas parecieron mejorar cuando Peter Grant, mánager de Led Zeppelin, se interesó por ellos y los fichó para el sello Swan Song. Aquí se aventuraron hacia un sonido hard rock más comercial y publicaron 'Silk Torpedo', cuyos temas 'Joey' y 'Singapore silk' fueron muy emitidos por las FMs y les dio la oportunidad de realizar una gira por Estados Unidos. Pero nuevamente, tanto este álbum, como su continuación 'Savage Eye' (1976) fueron un fracaso de ventas, lo que lleva a una segunda disolución del grupo. May forma un nuevo grupo llamado los Fallen Angels, mientras el resto continúa bajo el nombre Metropolis. Ninguno de los dos proyectos logran llamar la atención.
The Pretty Things en 1980
En 1980 May y Taylor vuelven a unir fuerzas para relanzar los Pretty Things. Los frenéticos ritmos y los parcos arreglos del rock new wave influyen en el álbum 'Cross Talk', publicado en Warner Bros. A pesar de demostrar que sabían adaptarse a los nuevos tiempos, el trabajo tampoco encontró mucha respuesta. Sin embargo la sociedad May-Taylor permaneció unida a lo largo de los años ochenta, realizando conciertos con diferentes formaciones.
The Pretty Things en 1999
A finales de los años noventa, May y Taylor lograron adquirir los derechos de sus primeras grabaciones y reeditaron sus cinco primeros álbumes en el sello británico Snapper. Al mismo tiempo, la formación de 1966 (May, Taylor, John Povey, Skip Allen y Wally Waller) se había reunido de nuevo para una serie de conciertos, uno de los cuales se celebró en 1998 en los estudios de Abbey Road, donde interpretaron el álbum 'S.F.Sorrow' en su totalidad con la ayuda de David Gilmour y Arthur Brown, concierto publicado más tarde como 'Resurrection'. Toda esta actividad les llevó a grabar en 1999 un nuevo álbum con nuevas composiciones. '...Rage Before Beauty', que fue muy bien recibido por la crítica. Posteriormente se editaron varios recopilatorios de la banda y en 2007 publicaron su undécimo álbum de estudio, 'Balboa Island'.El año 2013 celebraron su 50 aniversario como banda con una gira europea y su trabajo más reciente, 'The Sweet Pretty Things (Are in Bed Now, Of Course)' se publicó en julio de 2015. En 2018 la banda comunicó que a finales del año se retiraban de los escenarios y los conciertos programados se anunciaron como parte de una gira de despedida. May falleció en mayo de 2020 por complicaciones surgidas en una intervención quirúrgica de la cadera a consecuencia de un accidente de bicicleta.
El 29 de octubre de 1946 nació en Londres el guitarrista de blues-rock británico Peter Green, conocido por haber sido miembro fundador, voz y guitarra solista del grupo Fleetwood Mac desde 1967 hasta 1970.
Su primera actuación como profesional la tuvo en 1966 como bajista de Peter B's, grupo en el que militaba también Mick Fleetwood a la batería. Peter era un gran admirador de Eric Clapton y, cuando éste dejó a los Bluesbreakers de John Mayall para pasar unas largas vacaciones en Grecia, Peter fue llamado por Mayall para cubrir su puesto. Peter encajó bien en la banda y se llevo una gran desilusión cuando Clapton volvió y tuvo que dejarle de nuevo el puesto de guitarra solista. No obstante, seis meses después, Clapton dejó el grupo definitivamente para formar Cream y Peter ocupó su puesto también de forma definitiva.
Los fans de los Bluesbreakers, e incluso su productor, Mike Vernon, recibieron el cambio con mucho escepticismo. Vernon lo recuerda así: "Cuando entré en el estudio, vi que había un amplificador nuevo que no había visto nunca antes, así que pregunté a Mayall: '¿Dónde está Eric?', a lo que me contestó: 'Ya no está con nosotros. Nos dejó hace una semana'. Yo estaba aterrado, pero John Mayall intentó tranquilizarme diciendo: 'No te preocupes. Tenemos a alguien mejor'. -Yo repliqué: 'Aguarda un segundo, no seas ridículo. ¿Que tienes a alguien mejor? ¿Mejor que Clapton????', y John dijo: 'Bueno, es probable que no lo sea ahora mismo, pero espera unos años y lo será.' A continuación me presentó a Peter Green." Peter hizo su debut discográfico con los Bluesbreakers en el álbum 'Hard Road', que incluía dos temas suyos, 'The supernatural', uno de sus primeros instrumentales, que se convertirían en característicos, y 'The same way'
Fleetwood Mac en 1968
En 1967 decide formar su propio grupo de blues y junto con Mick Fleetwood, John McVie, (ambos también procedentes de los Bluesbreakers) y el también guitarrista Jeremy Spencer, forma Fleetwood Mac. Su álbum debut, 'Fleetwood Mac'(1968) contiene una serie de temas de blues tanto clásicos como compuestos por Green o por Spencer, los cualestambién se repartían la voz solista.
La aparición del disco supone un éxito rotundo e instantáneo, y alcanza el puesto nº 4 de las listas británicas, permaneciendo 37 semanas, a pesar de no publicarse un single promocional. El tema de Green 'Black magic woman', publicado como single en 1968 tuvo mínima repercusión en Inglaterra (unos años más tarde la versión de Santana llevaría el tema a las listas de todo el mundo). En el segundo álbum, 'Mr Wonderful' continúan con la misma fórmula, añadiendo arreglos de vientos y colaboraciones de otros músicos como Christine Perfect (amiga del grupo y futura señora de McVie y teclista del grupo) al piano y voces. Le siguen al año siguiente 'Albatros' (nº1 en Inglaterra que inspiró a los Beatles para la composición de 'Sun King' de 'Abbey Road'), 'Oh well' y 'Man of the world', todos temas compuestos y cantados por Peter Green.
La inexistente relación creativa entre Green y Spencer (Spencer se negaba a tocar en las canciones de Green), hizo que Peter introdujera un nuevo guitarrista en el grupo, Danny Kirwan, cuyo protagonismo en el siguiente trabajo de la banda, 'Then Play On', publicado bajo su nueva compañía Warner Bros. fue mucho mayor que el de Spencer, firmando el 50% del material.
En 1970 sus compañeros empiezan a notar profundos cambios de personalidad en Peter, agravados por su intenso consumo de LSD. En la letra de 'Man of the world' ya se intuía que algo no iba bien en el mundo interior de Green:
Shall I tell you about my life They say I'm a man of the world I've flown across every tide And I've seen lots of pretty girls I guess I've got everything I need I would't ask for more And there's no one I'd rather be But I just wish that I'd never been born
And I need a good woman to make me feel like a good man should I don't say I'm a good man Oh, but I would be if I could I could tell you about my life And keep you amused I'm sure About all the times I've cried And how I don't want to be sad anymore And how I wish I was in love.
Quieres que te cuente sobre mi vida Dicen que soy un hombre de mundo He fluido por todas las corrientes y he visto numerosas chicas bellas Creo que tengo todo lo que necesito No pediría nada más Y no hay nadie que quisiera ser Pero deseo no haber nacido jamás
Necesito una buena mujer que me haga sentir como un buen hombre debiera Y no digo que yo sea un buen hombre Pero, ¡ah! lo sería si pudiera Te contaría cosas de mi vida que te mantendrían entretenida sobre los tiempos en los que lloré y de cómo no quiero volver a sentir tristeza y de cómo me gustaría estar enamorado
Peter y Mick Fleetwood
Un día apareció vestido con un viejo abrigo y con un crucifijo diciendo que en un sueño, se le había aparecido un ángel con un niño de Biafra desnutrido en los brazos. Aquella visión le hizo reflexionar. Decidió que tenía demasiado dinero para ser feliz y propuso a la banda conservar sólo el dinero imprescindible y donar el resto a organizaciones caritativas. Mick Fleetwood -que consideraba que tampoco tenían tanto dinero- no le hizo ni caso. John McVie, sin embargo, pensó que no era tan mala idea, aunque la olvidó rápidamente cuando se dio cuenta del exceso de LSD que ingería Peter.
Uschi Obermaier y Rainer Langhans
Durante una gira por Alemania en marzo de 1970 sucedieron los hechos que, según Clifford Davies -el mánager de la banda- fueron determinantes para el defnitivo deterioro mental del guitarrista británico. Rainer Langhans y la modelo Uschi Obermaier invitaron a Peter Green a una fiesta en una comuna muniquesa con el fin de -a través de Green- poder contratar a Jimi Hendrix y a los Rolling Stones para un concierto tipo Woodstock proyectado en Baviera.
Peter acudió con uno de los roadies de Fleetwood Mac, Dennis Keane. En la fiesta se consumió mucho LSD, y cuando terminó, Green prefirió quedarse en la comuna. Cuando Keane volvió de nuevo a la fiesta acompañado por Mick Fleetwood para intentar llevárselo, Green se negó en rotundo. Había encontrado el paraíso. Años más tarde comentaría: "Allí toqué como nunca. Fue fantástico. Improvisábamos y el que quería se unía a nosotros. La atmósfera general fue increíble y allí toqué la música más espiritual de mi vida". Tras un concierto final con la banda el 20 de mayo de 1970, Green abandonó el grupo que él mismo habia fundado.
El último tema publicado con el grupo fue 'The Green Manalishi', en el que reflejaba su lucha interior tratando de detener su descenso a la locura. Según sus propias palabras: "Tuve un viaje, y no regresé". Tras dejar la banda, grabó el confuso álbum en solitario 'The End of the Game', haciendo una doble referencia a la extinción de la naturaleza y a su propia retirada del mundo del espectáculo.
Peter en 1980
Le vendió por 110 libras su Les Paul a Gary Moore y desempeñó todo tipo de trabajos modestos como celador de hospital, portero de hotel o enterrador. En 1977 fue arrestado por amenazar a su contable con una escopeta para que dejara de enviarle dinero. Tras este incidente fue internado en un centro psiquiátrico de Londres. En 1979 animado por sus amigos a que siguiera tocando y con la ayuda de su hermano Mike Green (que compuso la mayoría de los temas) resurgió con una serie de álbumes como 'In the skies' (1979), 'Little Dreamer'(1980), 'White Sky' (1982) y 'Kolors' (1983). Aunque de calidad irregular, contenían guiños del inigualable estilo del blues de Peter Green.
Peter en 1998
En 1990 vuelve a la carga con Peter Green Splinter Group, grupo en el que contaba con la ayuda de Nigel Watson y Cozy Powell. Con ellos Green publicó entre 1997 y 2004 nueve álbumes entre los que destaca 'The Robert Johnson Songbook' (1998). En sus últimos años actuaba de forma esporádica con su nueva formación, Peter Green and Friends, aunque según Peter, la medicación que debía tomar para sus problemas psicológicos también mermaba su capacidad de concentración y el deseo de tocar. Murió en julio de 2020 a los 73 años.
En 1963 la revista Down Beat lo declaró vencedor en la categoría de 'nueva estrella' y sus discos para Impulse!, son todos excepcionales, destacando 'Night of Ballads & Blues' y 'Live at Newport' (1963). En 1966 funda su propio trío, e inicia una carrera como freelance que lo conduce a los confines del mundo y a tocar con los músicos mas diversos. Tras dejar el grupo de Coltrane, Tyner comenzó una serie de álbumes post-bop editados en el sello Blue Note Records, en el período 1967-1970 ('The Real McCoy', 1967; 'Tender Moments', 1967; 'Expansions', 1968; 'Extensions', 1970). 
Poco después, se pasó al sello Milestone y grabó varios álbumes bastante influyentes, incluyendo 'Sahara' (1972) considerado por Down Beat 'el mejor disco de jazz del año', 'Enlightenment' (1973), y 'Fly With The Wind' (1976), que incluía al flautista Hubert Laws, el batería Billy Cobham y una orquesta de cuerda. En 1978 forma parte de una gira de 'All Stars' del sello Milestone junto a Sonny Rollins, Ron Carter y Al Foster, y graba uno de los grandes discos en directo del jazz moderno, 'Milestone Jazzstars in Concert'. 
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