Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 3 de noviembre de 1933 nació en York (Inglaterra) el compositor de bandas sonoras británico John Barry, ganador de cinco premios Oscar, un Globo de oro y cuatro Grammys. Desde que en 1962 le fue encargada por los productores Albert Broccolli y Harry Saltzman 'arreglar' la partitura del tema para la primera película de la serie 'James Bond' que había iniciado el despedido Monty Norman, Barry escribió la música de once films más del agente 007 y con los años se convirtió en uno de los más grandes compositores de bandas sonoras de la historia.
Su madre fue una mujer con gran talento musical y su padre un carismático irlandés, procedente de Cork, cuya profesión era proyeccionista de cine, llegando a poseer años más tarde varias salas de proyección en el norte de Inglaterra. Desde bien joven, a John le impresionaba el efecto de música que acompañaba a las imágenes en la pantalla y solía tomar notas acerca del buen o mal resultado de una u otra música en los films que visionaba.
Aunque educado como pianista clásico, Barry también aprendió a tocar la trompeta y se interesó en los arreglos y la composición. Durante su servicio militar en Chipre se estrenó como músico en la banda del ejército.
The John Barry Seven en 1959
En 1957, tras haber realizado un curso de jazz por correspondencia (del músico de jazz Bill Russo) y trabajar como arreglista en la orquesta de Ted Heath, formó su propia banda, The John Barry Seven, con los que obtuvo algunos éxitos en el sello Emi Columbia, como 'Hit and miss', un tema compuesto para el programa 'Juke Box Jury' de la BBC; una versión de 'Walk don't run' de los Ventures y una versión de 'Los siete magníficos', tema principal de la película homónima.
'Beat Girl' (1960)
Lo intentó cantando, pero sus limitaciones pronto le hicieron decidirse por la música instrumental. Gracias a varias apariciones e por TV, sus crecientes ventas y la buena mano de su mánager, Eve Taylor, Barry consiguió al fin introducirse en la industría cinematográfica, componiendo su primera banda sonora en 1960 para el film 'Beat Girl', en el que el rock and roll desempeñaba un papel importante. Además la película sirvió para acrecentar la fama del cantante Adam Faith, protagonista del film.
Su gran momento llegó cuando en 1962 le encargaron finalizar un tema musical que había compuesto Monty Norman para los productores de una película basada en una novela de Ian Fleming, 'James Bond contra el Dr. No'. Éstos, insatisfechos con el trabajo de Norman, le despidieron y llamaron a Barry para que finalizara el trabajo. El resultado fue uno de los temas musicales para el cine más famosos de la historia, 'James Bond Theme'. Aunque el trabajo de Barry transformó notablemente la pieza de Monty Norman y figuró como compositor del tema, Monty consiguió treinta años después que un juzgado londinense le concediera los plenos derechos de autor.
A partir de aquí, John Barry colaboró y compuso música hasta 1987 para once de las siguientes catorce películas de la serie 007, como 'Goldfinger' (1964), en la que aparecía por primera vez el 'sonido Bond', basado en arreglos jazzísticos, la utilización de los instrumentos de viento-metal en las escenas de acción y cierto toque de sensualidad.
La canción principal, con letra de Anthony Newley y Leslie Bricusse, fue ofrecida a Shirley Bassey, que consiguió con ella uno de los mayores hits de su vida artística. Barry volvió a recurrir a su voz en 'Diamantes para la eternidad' (1971) y 'Moonraker' (1979).
Para 'From Russia With Love' creó un nuevo tema insignia para Bond, alternativo al famoso 'James Bond Theme', llamado'007', que repetiría en sucesivas entregas. En 'Al servicio secreto de su Majestad'(1969) se utilizó por primera vez un sintetizador en una banda sonora.
Paralelamenta a su maduración como compositor, en las películas de 007 se concentraría más en las melodías exóticas y en el aspecto sinfónico dejando un poco de lado el uso de los metales, como se observa en las bandas sonoras de 'Moonraker' (1979) y 'Octopussy' (1983). Su última colaboración en la serie fue '007: Alta tensión' (1987). A pesar de las numerosas ofertas recibidas, nunca volvió a musicar al agente 007.
También compuso para series de TV, como 'Los Persuasores' (1971), serie protagonizada por Tony Curtis y Roger Moore, muy popular en España. Barry escribió asímismo música para la escena, como los musicales 'Lolita, my love' (1971), con letra de Alan Jay Lerner y basado en la novela de Nabokov, 'Billy' (1974) y 'The little princess and the aviator' (1981), ambas con letras de Don Black. Sólo 'Billy' cosechó cierto éxito en el West End londinense.
Bailando con Lobos (1990)
A mediados de los años setenta -acosado por el fisco británico- se trasladó primero a España y más tarde a EE.UU, donde se estableció en Hollywood. Posteriormente se mudaría a la coste Este en Oyster Bay, en las cercanías de Nueva York.En 1988 Barry sufrió varias intervenciones quirúrgicas, debido a una perforación de esófago, que lo mantuvieron alejado más de dos años del trabajo. Volvió en 1991 con 'Bailando con lobos', por la que obtuvo su última estatuilla.
John Barry recibe su Oscar por 'Bailando con Lobos' de manos de Kim Basinger y Alec Baldwin en la ceremonia de los Oscar en 1990
En la década de los años noventa, la mentalidad en el mundo de Hollywood cambió radicalmente y su música, así como la de otros autores como Maurice Jarre o Elmer Bernstein dejó de interesar al público y se retiró un tiempo.
El año 2004, Barry retomó un proyecto antiguo de un musical basado en la obra de Graham Greene, 'Brighton Rock'. Terminó la obra junto con el letrista Don Black y el musical se estrenó en otoño de 2004 en el teatro Almeida de Londres. Las críticas fueron muy adversas y tras unas pocas representaciones, fue retirada del cartel. En los últimos años se pudo ver a John Barry asistiendo a numerosos homenajes y tributos a su persona, como el concierto celebrado en Dublin en junio de 2008 en el que se interpretaron sus mejores obras. A posteriores celebraciones en honor del compositor británico, celebradas en Viena (2009) y Ginebra (2010), no le fue posible asistir debido a su mal estado de salud.
John Barry murió de un infarto el 30 de enero de 2011 a los 77 años. Cinco meses después se celebró un concierto en su memoria en el Royal Albert Hall en el que participaron la Royal Philarmonic Orchestra, Shirley Bassey, el trompetista Derek Watkins, así como George Martin, Don Black y otros artistas y personalidades que tuvieron relación con él.
El 3 de noviembre de 1943 nació en Glasgow el músico escocés Bert Jansch. Llamado el 'Jimi Hendrix de la guitarra acústica', Jansch grabó su álbum debut en 1965, y desde entonces publicó más de treinta álbumes. Fue miembro del grupo folk Pentangle y ha sido una gran influencia para músicos como Donovan, Nick Drake, Paul Simon, Jimmy Page o Neil Young.
Descendiente de una familia originaria de Hamburgo que emigró a Gran Bretaña en la época victoriana, creció y se educó en Edimburgo, donde asistió a la Ainslie Park Secondary School. Siendo aún adolescente adquirió una guitarra y comenzó a frecuentar un club de folk local, The Howff, regentado por Roy Guest, donde empezó a conocer la música de Big Bill Broonzy, Pete Seeger, Brownie McGhee y Woody Guthrie.
Tras un tiempo trabajando en un vivero, en agosto de 1960, decidió dedicarse enteramente a la música y los siguientes dos años anduvo actuando por los clubs y locales de folk del país.
Entre 1963 y 1965 Jansch viajó por Europa haciendo auto-stop y ganándose la vida tocando en la calle o en pequeño locales. De vuelta en Londres graba en colaboración con el productor Bill Leader una cinta con su música, grabada en supropio apartamento y con una guitarra prestada. La cinta es vendida por 100 libras a Transatlantic Records, que sin producción adicional, publica el álbum 'Bert Jansch' (1965). El disco, que vende 150.000 copias, incluye uno de sus temas más conocidos, 'Needle of death' y la canción protesta 'Do you hear me now', que un poco más tarde popularizaría Donovan en su EP 'Universal Soldier.
Llamado por muchos en los comienzos de su carrera el 'Dylan británico', Jansch publicó dos álbumes más a continuación que aparecieron muy seguidos: 'It Don't Bother Me' y 'Jack Orion', ambos en 1966. Estos ya se grabaron en un estudio profesional y con medios de producción. 'Jack Orion', en el que ya contaba con colaboraciones de John Rebourn, contenía su arreglo del tema tradicional 'Blackwaterside', que Jimmy Page, de Led Zeppelin tomaría 'prestado' para su 'Black Mountain Side'.
Transatlantic puso en marcha a sus asesores legales advirtiendo un posible caso de plagio y, aunque existían numerosas posibilidades de ganar un hipotético pleito, el sello discográfico desistió, ya que los posibles gastos de un proceso ante los tribunales contra Led Zeppelin podrían alargarse demasiado, teniendo además en cuenta que los tendría que sufragar Jansch personalmente.
John Renbourn y Bert Jansch
En Londres, Jansch entró en contacto con otros guitarristas acústicos innovadores, entre ellos, John Renbourn (con quien compartió apartamento), Davey Graham, Wizz Jones, Roy Harper y Paul Simon. Solían tocar en clubs londinenses como el Troubadour y Les Cousins. Renbourn y Jansch actuaban juntos a menudo, desarrollando su
intrincado estilo conjunto con las guitarras, muchas veces denominado
'folk barroco'.
John Renbourn, Danny Thompson, Terry Cox, Jacqui McShee y Bert Jansch
Ambos grabarían un álbum juntos, 'Bert and John' y poco después formarían parte de un quinteto llamado Pentangle, uno de los grupos folk de mayor éxito de los años sesenta. Junto con Renbourn, la cantante Jacqui McShee, y la sección de ritmo formada por el contrabajista Danny Thompson y el batería Terry Cox, Jansch compuso gran parte del mejor material de la banda, cantando la voz solista en ocasiones.
Basket of Light (1969)
Entre 1968 y 1973 grabaron seis álbumes, a destacar entre ellos, el doble 'Sweet Child' (1968) que contenía piezas en estudio y directo y su gran éxito comercial, 'Basket of Light' (1969), gracias al single 'Light flight'. Al año siguiente estaban en la cima de la popularidad en Gran Bretaña, apareciendo una docena de veces en la TV y realizando giras por el Reino Unio y EE.UU. que incluyeron sendas actuaciones en el Royal Albert Hall y el Carnegie Hall.
El éxito comercial de Pentangle no puso fin a la carrera en solitario de Jansch, que alternaba el trabajo con la banda con sus propias grabaciones. 'Nicola' (1967) fue un intento de comercializar su sonido con piezas más orientadas al pop y arreglos orquestales en cinco de sus doce temas. 'Birthday Blues' (1969), fue una entrega folk más consistente que sus trabajos anteriores y contaba con colaboraciones de sus compañeros de Pentangle; y 'Rosemary Lane' (1971) está considerado por sus seguidores uno de sus mejores trabajos.
Rosemary Lane (1971)
Pentangle, por su parte, tras el éxito de 'Basket of Light' publicó dos álbumes más que fueron un fracaso comercial. Esto, añadido a problemas con la discográfica y tensiones internas en el grupo que surgieron debido al stress de las giras, llevó a la disolución del grupo en enero de 1973.
Bert, que se había casado en 1968 con la estudiante de arte Heather Sewell (hoy una famosa escultora británica, famosa por sus caballos construidos con leña y corcho), compró con ella una granja en Gales y se retiró del circuito musical. Heather inspiró varias de las canciones e instrumentales de Jansch. La más obvia,'Miss Heather Rosemary Sewell', del álbum 'Birthday Blues'.
Avocet (1979)
Tras dos años de granjero, Jansch dejó a su esposa y retornó a la música. (Sin embargo, no se divorciaron oficialmente hasta 1988). Publicó el álbum 'A Rare Conundrum' en 1977 con nuevos músicos: Mike Piggott, Rod Clements y Pick Withers. Con ellos formó la banda Conundrum añadiendo a Martin Jenkins (violín) y Nigel Smith (bajo) a la formación, con la que estuvo de gira por Australia, Japón y EE.UU. antes de disolverla. Realizó una gira por los países escandinavos y publicó uno de sus trabajos favoritos 'Avocet' (1979). Seguidamente abrió en Londres una tienda especializada en guitarras acústicas fabricadas artesanalmente, Bert Jansch's Guitar Shop. Tuvo que cerrarla a los dos años y a continuación pasó seis meses en EE.UU. donde grabó el álbum 'Heartbreak' (1982) con Albert Lee.
A principios de los años ochenta el grupo Pentangle se reunió a instancias de un promotor italiano. Lograron -a pesar de ciertas dificultades como un accidente de automóvil poco antes de comenzar la gira del batería Cox, que se rompió una pierna por lo que tuvo que completar los últimos conciertos en silla de ruedas- lograron finalizar la gira por Italia, Australia y Alemania. Aunque Renbourn les dejó de nuevo tres años después, Bert y McShee aguantaron la banda con diferentes cambios en la formación hasta 1995, año en que Jantsch definitivamente dejó Pentangle, que continúa actuando como Jacki McShee's Pentangle. Jansch continuó publicando magníficos álbumes como 'Thirteen Down' (1980), 'From the Outside' (1985), 'When the Circus Comes to Town' (1995), 'Toy Balloon' (1998), 'Crimson Moon' (2000) y 'The Black Swan' (2006), su última grabación.
El año 2010 realizó una gira junto a Neil Young por Norteamérica y unos meses depués Jansch apareció en el festival Crossroads de Eric Clapton. A comienzos del 2011 hubo una reunión de Pentangle, con los que actuó en el Festival de Glastonbury y en el Royal Albert Hall. Esta sería su última aparición pública. Murió el 5 de octubre de 2011.
La música de Jansch, particularmente su estilo a la guitarra acústica, ha influenciado a numerosos músicos muy conocidos. Su primer álbum, Bert Jansch (1965) despertó todo tipo de comentarios de admiración. Jimmy Page dijo en cierta ocasión: "Hubo un momento en el que estaba totalmente obsesionado con Bert Jansch. Cuando escuché su LP por primera vez, no lo podía creer. Estaba tan a años luz de lo que todos estábamos haciendo. Nadie en Norteamérica estaba a su altura". En ese mismo álbum estaba incluido el tema 'Angie', una de las piezas favoritas de Mike Oldfield, con la que practicaba su destreza a la acústica. Paul Simon grabó una versión -allí llamada 'Anji'-, que apareció en el álbum 'Sounds of Silence'. Tanto Nick Drake como Donovan admiraban su música y ambos realizaron versiones de sus canciones. Donovan además le dedicó dos de sus temas, 'Bert's Blues' (de su álbum 'Sunshine Superman' y 'House of Jansch', del álbum 'Mellow Yellow'). Para terminar, Neil Young dijo: "Así como Jimi Hendrix fue un guitarrista extraordinario, así lo es Jansch en la guitarra acústica... y además, mi favorito"
El 3 de noviembre de 1801 nació en Catania, el último representante del “bel canto” que tuvo un destacado papel en la unidad musical de Italia, Vincenzo Bellini. Sabía situar sus mejores melodías tan perfectamente en la garganta humana que todo cantante auténtico deseaba interpretarlas y poseía el don maravilloso de la melodía pura, uno de los más raros regalos de la inspiración.
Vincenzo Bellini
Vivió en un ambiente familiar donde el padre y el abuelo eran músicos, Vincenzo Bellini estudió desde niño el bello arte de los sonidos. Con una beca que le proporcionó el Duque de San Martino ingresó en Colegio de San Sebastián de Nápoles, donde estudió armonía con Giovanni Furno, contrapunto con Giacomo Tritto y composición con el célebre Nicola Zingarelli, que le nombró, como premio, «maestrillo», título que permitió a Bellini ocupar una habitación individual en el Conservatorio y le otorgó una libertad de acción mayor que la concedida a sus compañeros.
Bellini continuó progresando en su formación musical y publicó sus primeras composiciones; se trata de obras religiosas y canciones; a los 20 años escribió una sinfonía y la cantata “Ismene”. Sus músicos preferidos, a cuyo estudio se dedicó, fueron Haydn y Mozart y en el campo de la ópera admiró a Rossini, pero prefería la obra de Pergolesi.
En 1825, seis años después de su ingreso en el Conservatorio napolitano, los alumnos de este centro interpretaron la primera ópera de Bellini, “Adelson e Salvini”, compuesta sobre un libreto de Tottola al que anteriormente había puesto música Fioravanti.
La obra posee momentos de gran belleza en los que aparece la inconfundible vena melódica belliniana, como en el aria “Dopo l'oscuro nembo” (Elīna Garanča) o también el aria de Salvini "Ecco signor, la sposa” (José Carreras, tenor).
Teatro San Carlos de Nápoles
El éxito de su primera ópera le valió a Bellini un encargo del teatro San Carlos de Nápoles para la temporada siguiente. La obra, con libreto de Domenico Gilardoni, fue "Bianca e Fernando" (Youngok Shin, soprano) una historia siciliana con un tirano usurpador y los dos hijos -que dan título a la ópera- del destronado duque, que al fin rescatan a su padre y lo restituyen en sus derechos ayudados por el pueblo de Agrigento. La ópera se estrenó el 20 mayo de 1826 con el título de "Bianca e Gernando", ya que la censura no permitía que la obra llevase el nombre de un soberano de Nápoles. El aria "Sorgi, o padre" (Mirella Freni & Renata Scotto) que canta Bianca en el segundo acto contiene una hermosa melodía en la que puede advertirse la esencia del aria belliniana, la pureza de la línea cantabile y el ámbito melancólico de la expresividad que alcanza momentos muy emotivos.
El paso siguiente en la carrera de Bellini habría de ser decisivo. El empresario de la Scala de Milán, Domenico Barbaja, le encargó una ópera para la temporada de 1827. Bellini compuso "Il Pirata", sobre libreto de Felice Romani, autor con el que colaboraría en sus ópera siguientes.
Il Pirata : -"Col Sorriso D'innocenza " (Angela Gheorghiu, soprano); " Io vivo ancor…Nel furor delle tempeste” (Alfredo Kraus, tenor).
Vincenzo Bellini
Romani se basó en "Bertram" de Charles Maturin, estrenada en 1816, una pieza que tenía todos los ingredientes propios del romanticismo más exaltado: un amor adúltero, un héroe al margen de la ley pero noble y valiente, una heroína que pierde la razón y un final trágico. Felice Romani escribió un libreto en el que conservó la esencia del drama original pero alteró las situaciones, redujo los personajes y adaptó los versos para que Bellini pudiese verter en ellos las excelencias de su prodigiosa vena melódica. "Il Pirata" es una ópera de gran amplitud, con importante intervención coral, teatralidad convencional pero efectiva y, sobre todo, un lenguaje operístico innovador y anticipatorio de la línea que iba a seguir el melodrama italiano.
Giuditta Turina
El éxito fue extraordinario y extendió la reputación de Bellini por toda Italia. Las consecuencias fueron muy importantes también para su vida privada. Se estableció en Milán y entró a formar parte de la crema de la sociedad milanesa. Los principales salones de la aristocracia, los de la princesa Belgioioso, la duquesa Litta o la condesa Appiani le abrieron sus puertas. De esta época data también su relación amorosa con Giuditta Turina, esposa de un acaudalado comerciante y terrateniente. En una carta fechada en septiembre de 1828 dirigida a un amigo le dice: "Giuditta es una maravillosa mujer, muy rica y con todas las cualidades que la hacen deseable para cualquier hombre sensible. Desde que me ha conocido no asiste ya a fiestas y su único deseo es estar conmigo; creo que me ama verdaderamente. Cuando estamos juntos nos encontramos en perfecta armonía y ya no necesito ir, como hasta ahora, de una belleza en otra. Soy muy feliz".
Si las obras de ese período -“La straniera”, febrero de 1829; “Zaira”, mayo del mismo año - son composiciones inmaduras, con residuos todavía de otros modelos, sin definición de estilo y desiguales, no cabe culpar de ello a su actividad amorosa, mientras que sí parece probado que la naturaleza de Bellini no pudo resistir tanta búsqueda de personalidad en el trabajo y de placer en las mujeres y enfermó en la primavera de 1830. Bellini tuvo poco tiempo para componer “I Capuletti e i Monetcchi”, poco menos de dos meses. Si se tiene en cuenta la fama de lento que tenía, sorprende que lo pudiera conseguir. El secreto está en que aprovechó piezas de otra ópera suya que había fracasado con anterioridad, Zaira. Las adaptó, las rehizo y el resultado fue una ópera que triunfó de manera contundente en su estreno veneciano.
Felice Romani, el libretista de Bellini para esta ópera, se inspiró en las narraciones de Luigi Da Porto y de Matteo Bandelli, sobre el drama de Romeo y Julieta pero mucho menos en el drama shakesperian. “Capuleti e i Montecchi”, Dueto (Anna Netrebko, soprano & Joyce DiDonato, mezzo), Aria de Giuletta "Oh, quante volte" (Anna Netrebko, soprano), “Se Romeo l'uccise un figlio / La tremenda ultrice spada” (Anna Netrebko, soprano & Elina Garanca, mezzo) fue estrenada en Venecia en 1830, en España lo hizo en 1832.
Bellini se debatió varios días entre la vida y la muerte, superó diversas crisis y, tras un período de convalecencia en Moltrasio, regresó a Milán.
El manantial inagotable de melodías purísimas presente en el impulso lírico de Bellini se desbordó en 1831 con el estreno de “La sonnambula” , ópera en dos actos con libreto de Felici Romani, basado en un argumento de Eugène Scribe para un ballet-pantomima de Jean-Pierre Aumer "La Somnambule ou l'Arrivée d'un nouveau seigneur". Obtuvo un gran éxito que logró eclipsar el que había alcanzado su más inmediato rival, Donizetti, con el estreno, unos meses antes, de 'Ana Bolena'.
En el argumento, Amina, la protagonista, se lamenta por la pérdida de su amado Elvino, quien la ha abandonado por una combinación de celos y malentendidos. Amina es sonámbula, y en uno de sus episodios, se dirigió hasta la habitación de un joven y amaneció allí dormida, en esa cama ajena, pero con total ingenuidad. Enterado del hecho (aunque sin conocer toda la verdad), Elvino la desprecia, y ella no comprende por qué. “Acto 1, escena 1” (María Callas, soprano); Elvino y Amina - "Prendi, l'anel ti donno"(Cecilia Bartoli - Amina, Juan Diego Florez – Elvino); “Aria” Acto 2 (Anna Netrebko, soprano);
El libretista Felice Romani
El final del segundo acto muestra a Amina nuevamente como sonámbula caminando por una peligrosa cornisa, a la vista de todo el pueblo y del propio Elvino, quien la escucha cantar su célebre versos "Ah! non credea mirarti… Ah! non giunge” (Cecilia Bartoli), mientras ella acaricia con sus manos un antiguo ramo de flores ahora marchitas. Pocos momentos después, todo el enredo se soluciona y, ahora despierta y abrazada a su amor, Amina canta “Ah! Non giunge”, desbordante de felicidad.
La obra parece reflejar la dulce calma de los paisajes lombardos que tan beneficiosos fueron para el artista enfermo, al tiempo que se da en ella la gran eclosión del arte belliniano con una madurez adquirida casi repentinamente. En la música de “La sonnambula” está ya abiertamente expuesta la personalidad del músico, cuya inspiración se traducirá en unas melodías dulcísimas que exigen un canto puro, elegíaco, un estado de gracia insólito para recrear el candor y la delicadeza expresiva de unos sonidos surgidos espontáneamente del alma ingenua y enamorada de Bellini. La frase "Ah! non credea mirarti / Sì presto estinto, o fior" del aria "Ah! non credea mirarti" de La sonámbula está inscrita en la tumba de Bellini en la catedral de Catania, Sicilia.
Giuditta Pasta
Poco menos de un año transcurrió hasta la llegada de la gran obra maestra. El 26 de diciembre de 1831, en La Scala de Milán, con un reparto en el que figuraban Giuditta Pasta, Giuditta Grisi, Domenico Donzelli y Vincenzo Negrini, se estrenó la tragedia lírica en dos actos con libreto en italiano de Felice Romani “Norma”, con un fracaso atribuible sólo a causas ajenas a la valía artística de la ópera: las intrigas de la bella condesa rusa Samoyloff, amiga de Giovanni Pacini, el más claro adversario de Bellini, que tenía también anunciada una ópera en el mismo teatro, surtieron el efecto buscado. No obstante, el compositor no se afectó demasiado, convencido de que su ópera, a cuya gestación no había sido extraña Giuditta Pasta, tenía suficientes méritos para triunfar: «Soy joven y siento en mi alma la fuerza necesaria para tomar revancha.» Los éxitos de las cuarenta representaciones sucesivas de la ópera fueron para Bellini cumplido desquite.
Musicalmente, “Norma” (Maria Callas, soprano) se caracteriza por sus melodías largas, dramáticas, muy ornamentadas e intensamente emocionales. Entre los fragmentos inolvidables de esta ópera, quizá 'Casta diva' sea el aria de soprano más conocida de toda la historia de la música.
Norma:
"Casta Diva, che inargenti
Queste sacre antiche piante,
Al noi volgi il bel sembiante,
Senza nube e senza vel!
Tempra, o Diva,
Tempra tu de’ cori ardenti,
Tempra ancora lo zelo audace.
Spargi in terra quella pace
Che regnar tu fai nel ciel.
Ah! bello a me ritorna
Del fido amor primiero,
E contro il mondo intiero
Difesa a te sarò.
Ah! bello a me ritorna
Del raggio tuo sereno
E vita nel tuo seno
E patria e cielo avrò."
Maria Callas, como Norma, personaje que representó 89 veces en su carrera
A pesar de sus momentos endebles, “Norma” es una obra renovadora en el arte de Bellini, que se muestra casi liberado de la influencia de Rossini y con un admirable afán por llevar a su música los sentimientos humanos con una presencia viva que ninguno de sus predecesores había conseguido.
Vincenzo Bellini
El vuelo lírico de la melodía es más amplio, la invención más distinguida, sin que jamás la armonización, ahora más variada e interesante, oculte la típica ternura del “melos belliniano”. Esta ternura y efusión se agigantan en “Norma” hasta convertirse en arranque apasionado que alcanzará también a los recitativos, penetrados de un vigor y de una concentración que los alejan del concepto convencional típico hasta entonces en la ópera italiana. Vive con ellos toda la tragedia que se sublima en las maravillosas arias o en los tensos diálogos.
Joan Sutherland en el papel de Norma
Norma y Adalgisa son dos personajes enteros: ésta con dulzura y timidez, con una aparición sentimental envuelta en un clima casi irreal; aquélla como una escultura de sonido, solemne, pasional, capaz de amar y de odiar con la misma vehemencia. Bellini ya no es aquí sólo el creador de melodías cristalinas; en “Norma” se desarrolla un movimiento dramático que se mantiene con fuerza en el conflicto de pasiones. El bel canto llegaba a su final, pero antes desarrolló toda su exigencia técnica y expuso su capacidad expresiva en esta ópera tan bella como difícil de interpretar.
“Beatrice di Tenda” (Joan Sutherland, Luciano Pavarotti) fue la siguiente composición de Bellini. La redacción del libreto fue motivo de muchas discusiones entre el compositor y el libretista, Felice Romani, y finalmente resultó un texto forzado y mediocre que originó una música demasiado convencional y no siempre interesante. Su estreno en Venecia, durante el Carnaval de 1833, tuvo una acogida cortés.
Carlo Pepoli
Durante el verano de 1834, Bellini empezó la composición de “I puritani”, que había de ser su última ópera. El libretista sería esta vez el conde Carlo Pepoli. También en este caso las cuestiones con el poeta irritaron al músico, quien en una carta le decía: «El buen drama para música es el que no tiene buen sentido.» La ópera debía estrenarse en el Théátre-Italien de París, ciudad en la que Bellini se instaló para escribir la partitura. El prestigio de que gozaba en la capital francesa le hizo esmerarse en la composición, particularmente en lo referente a la instrumentación y a la armonía, que, si bien resultan menos espontáneas que en Norma, son en cambio más elaboradas y sólidas. “I puritani” es un melodrama romántico trazado sobre los esquemas habituales, pero su construcción musical tiene un toque de excepcionalidad que la hace distinguirse de todas las creaciones similares de la época.
Entre las arias importantes a destacar de “I puritani” encontramos:
• "A Te, o cara" (Acto I, Cuadro III) (Alfredo Kraus, Monserrat Caballé)
• "Ah sì, son vergin vezzosa" (Acto I, Cuadro III) (Joan Sutherland, soprano) aria para soprano con coloraturas extremas donde la soprano tiene que mostrar un gran abanico de tonalidades.
• "Credeasi, misera!" (Acto III) (Juan Diego Flórez Salom, tenor), aria para tenor caracterizada por tener un Fa sobreagudo interpretado por muy pocos tenores. En esta obra, la inspiración belliniana vuelve a fluir espontánea, rutilante, aristocrática y lírica; la melodía es de una pureza exquisita, perfecta en el trazado para el lucimiento de las voces y para la exposición de todas sus facultades expresivas.
Catedral de Sant'Agata, en Catania
Mientras la ópera “I Puritani” tomaba vuelo, Bellini se sintió mal otra vez, y murió unos meses más tarde, a los 34 años de edad y encontrándose en la cima de su poder creativo.
Enterrado en el cementerio del Pere Lachaise, en 1876 se efectuó el traslado de los restos del compositor a la catedral de Sant'Agata en su Catania natal.
La belleza de la melodía belliniana
En “I puritani”, quizás en mayor medida que en “Norma”, nos hallamos con la dificultad de tener que analizar una música sin correr el riesgo de destruir ese encanto mágico, ese algo indefinible y frágil, esa expresión de repente generosa y etérea que reside en la fantasía musical de Bellini. Por supuesto, es poco interesante la referencia a los procesos armónico y orquestal en la obra belliniana, cuestión tantas veces criticada inútilmente, porque ambos procesos deben aceptarse en función de un estilo personalísimo.
Vincenzo Bellini
El arte de Bellini reside en el acento tierno y elegíaco de una melodía infinitamente bella, a la que le resultaría extraño cualquier otro ropaje que no sea el que el propio compositor estableció. Bizet quiso reorquestar “Norma” y hubo de renunciar a ello después del primer acto, porque, si bien su trabajo era superior al original, resultaba extrañamente ajeno al clima general de la ópera. Lo que en “La sonnambula” era un descubrimiento delicioso de personalidad creativa se confirmó con calidades emocionantes en “Norma” e “I puritani”. El matiz de los tonos, el recitativo dramático, el arte de la acentuación y la invención de motivos primorosos encontraron en la devoción por el canto la principal razón de ser de la música de Bellini.
Monumento a Bellini en Catania
En ella se produce una nobleza de sentimiento artístico que va más allá de lo usual, porque ya no se trata sólo de una exhibición de potencia vocal o de habilidades técnicas; el bel canto belliniano no condiciona la potencia dramática al imperativo de la ornamentación, que surge para recrearse en el pasaje estático, cuando al clima contemplativo le conviene, como en el aria «Casta diva», pero nunca interrumpe el desarrollo dramático. Ildebrando Pizzetti, uno de los grandes estudiosos del arte belliniano, dijo: "Buscaremos los caracteres específicos y esenciales del arte de Bellini, del genio belliniano, en la música nacida en aquellos lugares en que el pulso del drama late con más rapidez y más fuerza; allí donde el conjunto más o menos intrincado de acontecimientos y un contraste de sentimientos y acciones más o menos profundos determinan en el personaje dramático un estado anímico singularmente importante."
Esta condición de expresividad fue la gran aportación de la trilogía Rossini-Donizetti-Bellini al bel canto, que no pudo tener continuadores porque el genio de Verdi exigió otro lenguaje.
La canción principal, con letra de Anthony Newley y Leslie Bricusse, fue ofrecida a Shirley Bassey, que consiguió con ella uno de los mayores hits de su vida artística. Barry volvió a recurrir a su voz en 'Diamantes para la eternidad' (1971) y 'Moonraker' (1979). 
Paralelamenta a su maduración como compositor, en las películas de 007 se concentraría más en las melodías exóticas y en el aspecto sinfónico dejando un poco de lado el uso de los metales, como se observa en las bandas sonoras de 'Moonraker' (1979) y 'Octopussy' (1983). Su última colaboración en la serie fue '007: Alta tensión' (1987). A pesar de las numerosas ofertas recibidas, nunca volvió a musicar al agente 007.
