Jack Nitzsche

El 22 de abril de 1937 nació en Chicago el compositor, arreglista, productor y músico de sesión Jack Nitzsche, que participó en las grabaciones de muchos de los grandes hits de la costa oeste en los años sesenta y setenta. Su primera contribución a la música pop fue cuando coescribió con Sonny Bono en 1955 la canción 'Needles and pins', que sería un éxito en versiones de Jackie DeShannon, Searchers, Cher y Ramones.

Jack, Darlene Love y Phil Spector (1963)

A principios de los años sesenta, Nitzsche trabajó con Phil Spector, ayudándole a construir su famoso 'muro de sonido' en temas como 'River deep mountain high' de Ike & Tina Turner. Jack también formaba parte del famoso Wrecking Crew, un grupo de músicos de estudio (incluía a Glen Campbell, Barney Kessel, Leon Russell, Larry Knechtel, Hal Blaine y Jim Gordon, entre otros) que, como sus homólogos de Motown en Detroit, The Funk Brothers, estaban detrás de numerosos éxitos de los sesenta que se publicaron en Los Angeles. Se les puede oir en los hits de los Monkees y de los Beach Boys.

Jack Nitzsche y Mick Jagger

El año 1963 publicó un instrumental de música surf, 'The lonely surfer' que fue el único Top40 de su carrera. Seguidamente se publicó el álbum del mismo nombre, con más temas en el mismo estilo, en un intento de afianzar su carrera en solitario que resultó infructuoso. En 1964, mientras ayudaba a organizar el T.A.M.I. Show, un especial musical de TV, conoció a los Rolling Stones y Jack contribuyó con su piano a varios de sus primeros álbumes, así como los singles 'Paint it black' y 'Let's spend the night together' y el arreglo coral de 'You can't always get what you want'.

Jack como miembro de los Crazy Horse

En 1967 realizó los arreglos y la producción del tema de Neil Young 'Expecting to fly', incluido en el segundo álbum de Buffalo Springfield y considerado por muchos uno de los que dio lugar al rock psicodélico surgido en California. Nitzsche trabajó también como pianista del grupo Crazy Horse en algunos álbumes clásicos de Young, como 'After the Goldrush' y 'Harvest'. Como productor se encargó, entre otros muchos, de 'Squeezing Out Sparks' de Graham Parker y de tres álbumes de Willy DeWille: 'Cabretta', 'Return to Magenta' y 'Coup de Grâce'.

Durante los años setenta dejó un poco de lado el mundillo pop y se centró más en sus composiciones para el cine. A él se deben las bandas sonoras de películas como 'El Exorcista', 'Alguien voló sobre el nido del cuco', 'Starman', 'A la Caza', '9 semanas y media', 'La séptima profecía' y 'Oficial y caballero', con la que ganó un Oscar en 1983 a la mejor canción con 'Up where be belong', coescrita con Buffy Sainte-Marie y Will Jennings. Jack Nitzsche murió a los 63 años en agosto de 2000.

Charles Mingus

El 22 de abril de 1922 nació en la base militar de Nogales (Arizona) el músico Charles Mingus, uno de los más respetados compositores, directores de banda y bajistas de jazz y una de las figuras más influyentes de la historia del género. Difícil de clasificar, su música bebe del hard bop y el free jazz. Extraordinariamente prolífico, sólo en los sesenta publicó mas de 30 álbumes de los más de 60 que grabó en su carrera. A lo largo de ella Mingus ha tocado, entre otros, con Louis Armstrong, Lionel Hampton, Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Bud Powell. Fue apodado el 'hombre enfadado del jazz' por su fuerte temperamento y sus poderosos principios de integridad musical, que más de una vez le llevaron a discusiones y rupturas con varios músicos (incluso en escena).

La música siempre tuvo una gran consideración en la familia Mingus. Criado en Watts, el ghetto negro de Los Angeles, Mingus estuvo expuesto a la música clásica a través de las clases de violín y piano que cursaban sus dos hermanas mayores. Otra importante influencia temprana -ésta permanecería con él toda su vida- sería el juego pregunta-respuesta que se practicaba en los cánticos gospel de la Holiness Church a la que acudía junto a su abuela. Sus padres le regalaron un trombón al cumplir los ocho años, pero no se sintió cómodo con él por lo que se pasó al violonchelo, instrumento que amaba. Cambió al contrabajo -el instrumento con el que construiría su gran reputación- en su etapa de high school, donde tuvo como compañeros en la orquesta del instituto a futuros grandes músicos como Dexter Gordon y Chico Hamilton.

Mingus amplió sus estudios tomando clases particulares. Entre sus tutores se encontraban los jazzmen Joe Comfort y Red Callender, así como el ex-bajista de la orquesta filarmónica de Nueva York, Herman Rheinschagen. También estudió composición con Lloyd Reese y por lo menos dos de los temas que compuso en estos días, 'What Love' (1939) y 'Half-mast Inhibitions' (1940) se grabarían unos veinte años más tarde. La actividad de Mingus en la escena del jazz de Los Angeles y San Francisco comenzó incluso antes de graduarse en la high school.

En 1940 reemplazó a su profesor Red Callender en la banda de Lee Young. El año siguiente trabajó para Louis Armstrong con quien permaneció hasta 1943. Lideró varios combos como 'Baron Mingus' pero fue como miembro de la banda de Lionel Hampton donde comenzó a revolucionar la técnica del contrabajo de jazz con sus emotivos y endiabladamente rápidos solos.
Presiones económicas obligaron a Mingus a abandonar temporalmente la música y aceptar un trabajo con el servicio postal hasta el 1950, año en el que el vibrafonista Red Norvo le invita a formar parte de un trío con el guitarrista Tal Farlow. El Red Norvo Trio atrajo la atención de todo el país introduciendo el 'cool jazz' de la costa Oeste a una audiencia mayor.

En 1951 Mingus se estableció en Nueva York donde trabajó regularmente con músicos como Art Tatum, Bud Powell, Dizzy Gillespie y Charlie Parker. En 1953 se unió a la banda de su ídolo, Duke Ellington, pero cuando Mingus tuvo enfrentamientos personales y un violento episodio en escena con Juan Tizol, trombonista de la orquesta, el bajista fue uno de los poquísimos músicos que Duke despidiría en su vida.

A mediados de los años cincuenta, Mingus maduró como compositor, modificando las formas convencionales añadiendo sorprendentes contrastes rítmicos que se convertirían en su sello personal. Su meta fue siempre expandir las fronteras del jazz y, con este fin, experimentó frecuentemente con la atonalidad y las disonancias. Algunos oyentes encontraban su música inquietante y perturbadora, para otros representaba un desafío estimulante. Cuando el swing dio paso al bop y éste a su vez dio lugar al jazz avant garde, Mingus fue capaz de mantener el paso con cada nueva tendencia, manteniendo siempre su individualidad y evitando ser identificado con cualquier estilo o escuela concreta.

Mingus y Max Roach

Su energía le llevó a embarcarse en diversas actividades durante los años cincuenta, además de componer y mantener su reputación como uno de los más grandes contrabajistas de todos los tiempos. Disgustado por el injusto trato que recibían los músicos por parte de las grandes compañías discográficas, fundó junto a Max Roach el sello Debut Records en 1952 y su primera grabación fue formando parte de un quinteto con Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Bud Powell y Max Roach en el concierto de 1953 en el Massey Hall de Toronto, considerado como el canto del cisne del bebop.

Asimismo en 1954 fundó su propio Taller de Jazz, donde dictaba cada línea compuesta a cada intérprete para que se captaran todos los matices pretendidos por el autor. Mingus sostenía que la notación tradicional no era suficiente para describir su estilo de composición. Muchas de sus composiciones están consideradas -incluso por los mejores músicos- extremadamente difíciles de interpretar. En 1956 su suite en cuatro partes 'Pithecantropus Erectus' confirmó su fama de compositor de estéticas extravagantes.

Añadió nuevos hitos al jazz moderno como 'The Clown' (1957), 'A Modern Jazz Symposium Of Music And Poetry' (19567), 'Blues And Roots', 'Ah Um' (1959) y 'Mingus Dynasty' (1960)
Otro de sus talentos, el de formar combos únicos y sacar lo mejor de sus músicos se hizo patente también durante estos años. J.J. Johnson, Kai Winding y Thad Jones fueron algunos de los que florecieron bajo su dirección. Al final de la década, sus continuas frustraciones con la industria discográfica le llevaron a fundar la efímera Asociación de Artistas de Jazz y a promover conciertos.

A comienzos de los años sesenta, Mingus experimentó con el free jazz y compuso algunas de sus piezas de mayor complejidad rítmica y ricas texturas como en 'The Black Saint and the Sinner Lady' y 'Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus' (1963). Su influencia en los bajistas contemporáneos fue inestimable pero, irónicamente dejó de tocar el contrabajo y en su lugar, eligió el piano ('Mingus Plays Piano'), con el que -según el crítico Whitney Balliet se asemejaba a un "lacrimoso Thelonious Monk".

Tanto su gira junto a Eric Dolphy, Clifford Jordan, Jaki Byard y Dannie Richmond como su aparición en el Festival de Monterey en 1964 ('Mingus at Monterey') fueron muy celebrados. Sin embargo, a continuación, el comportamiento de Mingus se tornó errático. Ignoraba frecuentemente los contratos, terminaba antes de tiempo sus conciertos o pasaba más tiempo quejándose de la ignorancia y falta de atención de su público que tocando su música. Los miembros de su banda eran abroncados e incluso atacados físicamente cuando cometían un error o no mostraban la actitud adecuada. Afectado por sus profundos problemas psicológicos, Mingus se retiró de la escena musical y se concentró en escribir su autobiografía.

En 1968 fue desahuciado de su apartamento neoyorquino y en este episodio perdió numerosas partituras que había escrito. Tuvo que volver a la música (y al contrabajo) por motivos económicos y ante su sorpresa, su retorno fue celebrado por el mundo del jazz que lo consideraba una leyenda viva. Su autobiografía, 'Beneath the Underdog' se publicó en 1971 y el mismo año recibió una beca Guggenheim de composición. Impartió clases en la Universidad del estado de Nueva York en Buffalo, compuso música para películas y realizó numerosas giras con su taller de músicos.

En 1974 Mingus organizó lo que fue definido por el crítico y autor Leroy Ostransky como "la más grande jam session desde que se inventó el término", grabada y publicada como 'Mingus at Carnegie Hall'. En 1977 enfermó de gravedad y sus últimos álbumes, 'Three or Four Shades Of A Blues' (1978) y 'Me, Myself and Eye' (1979) los tuvo que supervisar desde la silla de ruedas. El 5 de enero de 1979 Charles Mingus murió a los 56 años.

Su viuda formó el grupo Mingus Dynasty con formaciones cambiantes y que solían incluir sidemen habituales del contrabajista con el fin de mantener viva su música. En 1989, diez años después de su muerte, se celebró el estreno en el Lincoln Center de Nueva York de 'Epitaph', una obra que fue descubierta tras su fallecimiento. "Es la composición de jazz más larga y la más rica en texturas", escribió el colaborador de Time John Elson, añadiendo que la pieza era "una suite de 18 secciones, comprendiendo cerca de 4.000 compases de música, con una duración de más de dos horas". El compositor Ghunther Schuller, que dirigió la orquesta de 31 músicos que interpretó 'Epitaph', describió la obra como "un resumen musical de uno de los más grandes compositores de jazz del siglo XX que abarca desde el Mingus dulce y amable hasta el Mingus rabioso y enfadado"

Giuseppe Torelli

El 22 de abril de 1658 nació en Verona el compositor, violinista y maestro de música italiano del Barroco, Giuseppe Torelli, que destacó por sus múltiples dotes como violista, violinista, pedagogo y compositor, y tuvo entre sus discípulos más reconocidos a Francesco Manfredini. Aunque se desconocen los nombres de sus primeros maestros de violín, se especula que fue alumno de Leonardo Brugnoli o Bartolomeo Laurenti, aunque sí está comprobado que estudió composición con Giacomo Antonio Perti. Los primeros estudios musicales los recibió en su ciudad natal con el maestro Giuliano Massaroti. 

Jorge Federico II

En 1684 se trasladó a Bolonia para estudiar con Giacomo Antonio Perti y en junio de 1684, a los 26 años, Torelli se incorporó a la prestigiosa Accademia Filarmonica en calidad de “suonatore di violino” (violinista). Y fue tan productivo su desempeño en la agrupación y acumuló tanta experiencia en la misma, que en el año 1697 había ascendido a la categoría de “maestro di concerto” en la corte de Jorge Federico II, Margrave de Brandenburgo-Ansbach, donde estuvo al frente de la orquesta en un acontecimiento histórico: la interpretación de “Le pazzie d’amore e dell’interesse” (“La locura del amor y el interés”) (Dixie Lacuesta, soprano & Mikhail Lastrilla, pianista), idea dramática compuesta por el maestro de capilla de la orquesta, el castrato Francesco Antonio Pistocchi.

Tu lo sai

Tu lo sai quanto t'amai,

Tu lo sai, lo sai crudel!

Io non bramo altra mercè,

Ma ricordati di me,

E poi sprezza un infedel.

En 1698 publicó en Augsburgo sus Conciertos musicales, opus 6: “Concierto Nº 3 Opus 6” en Si menor (Charivari Agréable / Kah-Ming Ng) y al poco tiempo viajó a Viena en 1700 para presentar un oratorio. Aunque Torelli permaneció por algún tiempo en Viena, decidió regresar a Boloña en 1701. Sus biógrafos atribuyen la brevedad de sus estancias en el extranjero a una hipocondría progresiva, que se agudizaba enormemente cada vez que viajaba. Su regreso a Boloña implicó su incorporación a la capilla musical de San Petronio, que acababa de reformarse a iniciativa de su antiguo maestro, Giacomo Antonio Perti, y donde trabajó hasta su fallecimiento. A principios de 1700 organizó numerosos conciertos junto a Francesco Antonio Pistocchi, que les reportaron apreciables ingresos a ambos músicos.

Al igual que ocurre con los primeros años de su carrera, poco se sabe acerca de Torelli durante la última parte de su vida, con la excepción de que, debido probablemente al recrudecimiento de su dolencia, su creación fue limitada.

Su única obra significativa en esta década fueron los “Doce conciertos grossos Opus 8 con una Pastoral” (Collegium Musicum 90 & dir. Simon Standage), los cuales cuentan con una de las piezas que le hicieron merecedor de gran popularidad: el “Concierto de Navidad Nº 6”. Giuseppe Torelli fue el promotor de los conciertos de solista como ya se adivina en algunas piezas pertenecientes al Opus 6. En estas obras ya se advierte un cierto tratamiento virtuosístico del violín y adoptan una escritura de tipo modulante, buscando efectos de color y dinámica sonora. El conjunto de su obra resulta muy valioso por su riqueza inventiva, la expresividad de sus tiempos lentos y la vivacidad de los rápidos.

Torelli dejó a su muerte siete colecciones de conciertos, sinfonías y sonatas en estricto orden cronológico, obras entre las que se destacan sus treinta conciertos para trompeta, otro de los rasgos distintivos que lo caracterizan como el compositor barroco más prolífico de piezas para este instrumento. Gracias a esa cronología se puede seguir su transición del estilo bastante convencional de sus primeros conciertos y sonatas, orientados hacia el formato de cámara, a los esfuerzos más amplios y sólidos que florecieron finalmente en los “12 Concerti musicali”, compuestos con mayor virtuosismo y habilidad que los anteriores, otorgándole a los ritornellos un sitio más prominente; y los “12 Concerti grossi con una pastorale”, mencionados anteriormente, donde Torelli logra un absoluto dominio de la estructura, y el equilibrio crucial del papel de los solistas y de la orquesta. Y precisamente en las dos obras anteriores reside parte del principal aporte de Torelli a la historia de la música barroca: el concierto con solista y el concerto grosso tienen en él a uno de sus principales artífices.

• 10 Sonatas con bajo continuo, opus 1 (1686, Bolonia)
“Sonata para trompeta” G 1 y otros instrumentos (Thomas Hammes trompeta & European Chamber Soloists)
“Sonata para trompeta en Re mayor” Parte 1 Andante  Parte 2 Allegro  Parte 3 Grave  Parte 4 Allegro (Nikkas Eklund, Trumpet & The Drottningholm Baroque Ensemble Trumpet)
• 12 Conciertos de cámara, para violines y bajo, opus 2 (1686, Bolonia)
- Concierto para cuatro violines en La menor (Música Antique Koln, dir. Reinhard Goebel)

• 12 Sinfonías a dos, tres y cuatro instrumentos, opus 3 (1687, Bolonia)
- “Sinfonía para Trompetas, cuerdas y bajo continuo G 33” (Orchestra della Cappella Musicale di San Petronio & dir. Sergio Vartolo)
- “Sinfonía con Trompeta” G 11 (Thomas Hammes: trompeta & European Chamber Soloists)
- “Sinfonía con Trompeta” G 9  (Thomas Hammes, trompeta & European Chamber Soloists)

• 12 Sinfonías a tres y concierto a cuatro, opus 5 (1692, Bolonia)
- "Sinfonía prima" para dos violines, violonchelo y bajo continuo en La menor Opus 5 (Insieme Strumentale di Roma, dir. Giorgio Sasso)

• “12 Conciertos musicales a cuatro, opus 6” (1698, Augusta).
Esta colección apareció por primera vez en Augsburgo en 1698 y consta de doce conciertos que suponen una serie de transición entre las colecciones que van del Opus 1 al Opus 8:
- Concierto Nº 1 para cuerdas y bajo continuo en Sol mayor
- Concierto Nº 3 para cuerdas y bajo continuo en Si menor
- Concierto Nº 4 para dos violines, cuerdas y bajo continuo en Re mayor
- Concierto Nº 7 para dos violines, cuerdas y bajo continuo  (Charivari Agréable & Kah-Ming Ng)

• 12 Concerti grossi, opus 8 formados por:
Seis conciertos para 2 violines y Seis conciertos para un violín :
- Concierto Nº 5 en sol mayor (Croatian Baroque Ensemble)
- Concierto Nº 6 a cuatro en forma de Pastoral por el Santo Natale en Sol menor (St James Baroque Players & dir. Ivor Bolton)
- Concierto Nº 8 (Sydney Camerata, violín solista Liz Gormley).
• 30 Conciertos para 1, 2 o 4 trompetas y orquesta (sinfonía para trompeta)
- Concierto para trompeta, cuerdas y bajo continuo en Re menor (St James Baroque Players & dir. Ivor Bolton).

Don Cornell

El 21 de abril de 1919 nació en el Bronx de Nueva York el cantante norteamericano Don Cornell, que con su poderosa voz de barítono logró vender más de 50 millones de discos en los años cuarenta y cincuenta con temas como 'It isn't fair', 'I'm yours', 'I'll walk alone' y 'Hold my hand', nº1 en 1954. Durante los años sesenta fue una figura muy popular en la TV americana. Murió en febrero de 2004 a los 84 años.

Nikolai Miaskovsky

El 20 de abril de 1881 nació en Novogueórguiyevsk (en lo que actualmente es Lomze), ciudad ubicada cerca de Varsovia al noreste de Polonia, el más grande compositor ruso sinfonista y polifonista que vivió durante el periodo soviético, Nicolai Miaskovsky.

Nikolái y sus padres

Compositor prolífico, 26 sinfonías en su producción. También compuso numerosas canciones, trece cuartetos para cuerdas, dos conciertos para violonchelo y violín, y música para el piano, “Concierto para violonchelo y piano Nº 2” (Emil Rovner, cello & Suguru Ito, piano). Por mucho tiempo fue considerado uno de los tres compositores soviéticos más importantes de su tiempo junto a su amigo Sergei Prokofiev y Dmitri Shostakovich. Sus primeros siete años transcurrieron en una casa situada en Novo Georgiyevsk donde nacieron dos hermanas: Vera (1885) y Valentina (1887). Sus padres y abuelos habían sido militares, siendo su padre un ingeniero militar que trabajó en las fortalezas de la frontera con Prusia. Mostró una temprana inclinación por las artes, iniciando sus estudios de piano instruido por su tía Yelikonida, hermana de su padre, que tenía formación musical. Esta tía se haría cargo del niño cuando mas tarde falleció la madre. En 1888, la familia se mudó a Orenburgo, y en 1889 a Kazán.

Fue en Kazán en 1891 donde comenzó Nikolai su formación musical más seriamente. Aquí también fue inscrito en una Escuela Militar para sus estudios medios, donde iniciaría su carrera militar. Una de sus primeras experiencias musicales que dejaron en él una profunda impresión fue la audición de un dueto de piano de un popurrí de “Don Giovanni” de Mozart y la asistencia junto a su hermano a una representación de “Iván Susanin” de Glinka.

Tchaikovsky

Hacia 1893 Nikolai empezó a desarrollar una gran independencia artística e intelectual que le caracterizaría el resto de su vida. Se convirtió en un gran lector de la literatura, del arte y corrientes intelectuales que se publicaba en revistas de la época. En 1895 la familia se mudó a San Petersburgo, donde además de sus estudios en el Colegio de Cadetes, comenzó a frecuentar los conciertos alrededor de la ciudad. En diciembre de 1896, asistió a un concierto de la “Sexta Sinfonía” de Tchaikovsky dirigida por el famoso Arthur Nikisch. Sería esta otra experiencia extraordinaria para el joven Nikolai que atesoraría entre sus más preciados recuerdos de juventud y que dejaría una huella profunda en su camino artístico.

Rimsky-Korsakov

Después de la graduación en la escuela secundaria militar en 1899, Nikolai se matriculó la Escuela de Ingeniería Militar, en contra de su inclinación y deseos. Entre su círculo de amigos en la Universidad encontró a fanáticos seguidores de una Rusia progresista y orientada a sus raíces. Sentimientos que se reflejaban en una música nacionalista que en ese momento lideraban cinco grandes de la música rusa: Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Cui y Balakirev, el ahora históricamente famoso Grupo de los Cinco. Rimsky-Korsakov era el gran compositor del momento y un gigante cultural de San Petersburgo, con quien tenía en común los estudios militares que le habían restado independencia para dedicarse profesionalmente a la música.

Miaskovski

En adelante, el joven Nikolai trató de equilibrar sus estudios de ingeniería militar que le dictaban su tradición familiar, con su creciente compromiso y amor por la música. En esta época conoce a otro joven que llegaría a ser otro famoso compositor ruso: Reinholdt Gliere. Por su continua búsqueda de la música, fuera de sus estudios militares, se convirtió en un asistente regular de la sociedad de la música moderna. En una de estas reuniones se entrevistó con Rimsky-Korsakov, quien le recomienda uno de sus alumnos para el estudio de composición. Ya en los primeros años del siglo XX, Myaskovsky comienza a componer, a la vez que continúa participando en la Sociedad de Música Moderna y mostrando un renovado interés por la literatura rusa moderna, participando también en un círculo de poetas modernistas. Fue especialmente un aficionado de la poesía de Zinaida Gippius de quien musicalizó algunos de sus trabajos.

Conservatorio de San Petersburgo

Pero, sus estudios militares lo habían hecho ingresar al servicio activo como ingeniero en Zaraysk y luego en Moscú. Afortunadamente, tuvo la suerte de ser enviado de vuelta a San Petersburgo. En 1905 quiso solicitar su ingreso a la Academia de Derecho como una forma de alejarse de la carrera militar. En 1906 se había decidido a ingresar al Conservatorio de San Petersburgo y, aunque todavía servía en el Ejército, dedicó todos sus esfuerzos a la preparación del examen de ingreso para después del año 1907 cuando expiraría su obligación de servicio en el Ejército. Tenía 25 años cuando se presentó en el Conservatorio. Sus exámenes fueron realizados por Rimsky-Korsakov, Lyadov y Glazunov, todos ellos compositores de gran fama por ese entonces no sólo en Rusia. En verdad, fue una experiencia muy intimidante para Nikolai. Estos grandes personajes serían en adelante sus propios profesores en el Conservatorio.

Myaskovsky y Prokoviev

Había en el Conservatorio muchos jóvenes que se convertirían en notable músicos en el futuro, pero la relación más cercana fue con su Sergei Prokoviev, que era diez años menor que Myaskovsky. En el verano de 1907, después de su admisión en el conservatorio y su definitiva renuncia al cuerpo de ingenieros del ejército, Nikolai se embarcó en su primer período de composición llevando a cabo un prolífico trabajo. También en ese verano fue candidato para dar lecciones de armonía en el conservatorio, comenzando así su larga carrera en la pedagogía musical. En el invierno de 1908, comenzó a escribir su “Primera Sinfonía”.
Cuando se graduó en 1911, había compuesto una serie de sonatas para piano y otra sinfonía. En esa época comenzó también una larga y fructífera amistad con el director de orquesta Sarajev siendo este director quien presentó la “Segunda Sinfonía” en un Concierto en Moscú.

La guerra y la revolución fueron una interrupción en su trabajo musical. Fue llamado de nuevo al ejército. Pasó 1917 en Revel con la marina y sólo regresó convaleciente a San Petersburgo a principios de 1918. Mientras se recuperaba escribió su “Cuarta Sinfonía”. Transferido a Moscú en 1919, escribió su “Quinta Sinfonía”. Ese año obtuvo un nombramiento en el Conservatorio de Moscú.

Sin embargo, 1919 fue un año oscuro para Myaskovsky. Su padre, que había sido un general de la Rusia zarista al servicio de la nobleza, fue abatido en una estación de trenes por un revolucionario. Nikolai y sus hermanas, tuvieron que sobrevivir en este nuevo orden político y social tratando de ocultar sus sentimientos y sus orígenes. Su trabajo en el Conservatorio le ayudó en esta nueva vida, trabajando con tesón en la composición y la enseñanza. Tal vez fueron su carácter y la férrea dedicación a su arte, los que impidieron que contrajera matrimonio. En la década de 1920 y 30 Myaskovsky trató de mantenerse alejado y fuera de las intrigas políticas que asolaron el ambiente cultural soviético, dedicándose por entero a su trabajo. Además de su labor en el conservatorio y su dedicación a la composición (escribió otras cinco sinfonías durante este período), se desempeñó como asistente de dirección del departamento de música en el Ministerio de Educación durante un año, además de otras actividades relacionadas con el arte en el ámbito de la educación estatal.

En el Conservatorio, fue muy admirado y querido por sus alumnos (entre otros, Kabalevsky, Shebalin y Kachaturian). Muchos veían en él a un filósofo de la música. Como compositor, se vio sí mismo como un descendiente directo de los grandes compositores rusos que le antecedieron, pero también reconoció una deuda muy grande a Glazunov y Scriabin. En 1926, se le concedió a Myaskovsky el título de Artista de Mérito de la República Soviética de Rusia. En 1940 le fue concedido el grado honorífico de Doctor en Letras, y en marzo de 1941, el Premio Stalin en reconocimiento de su 21a Sinfónica, por el cual fue ampliamente considerado uno de los más grandes sinfonistas de la Unión Soviética, y uno de los tres más grandes de Rusia y la Unión Soviética junto a Prokofiev y Shostakovich.

Durante la segunda guerra mundial, se refugió en el Cáucaso (Kabardino-Balkaria y Tbilisi) y luego enviado a Funze (ahora Bishkek) hasta mediados de 1943. En este período completó tres sinfonías (22, 23, 24), cuartetos para cuerda, una Sonatina, y varias marchas como una contribución patriótica.
Después de la guerra, Myaskovsky, ya en sus sesenta, fue galardonado como Artista del Pueblo de la URSS en 1946. Tras la celebración del 30º aniversario de la revolución de octubre, algunos envidiosos colegas del Conservatorio denunciaron su contribución como demasiado oscura y pesimista, lo que tuvo su efecto en 1948 al alejarlo de su carrera y retirar sus obras de las salas de conciertos de la Unión Soviética.

En los dos últimos años de su vida, trabajó duro en la intimidad de su apartamento en Sivtsev Vrazhek tratando de ordenar su obra y terminar una última sinfonía, la “Sinfonía nº 27” (Warren Cohen, dir. & MusicaNova Orchestra).  Hacia finales de 1949 había enfermado severamente. El gran compositor murió en su casa en la noche del 8 de agosto de 1950, a los 69 años de edad. Es sepultado en el cementerio Novodevichi, cerca de las tumbas de los dos grandes compositores de Moscú, Scriabin y Taneyev. Una placa conmemorativa fue puesta en su casa y una calle en el Viejo Arbat fue denominada con su nombre.

La obra de Miaskovsky se puede dividir en tres periodos:
1) Temprano (1908 – 1927). En ese periodo el compositor crea su estilo único, combinando las tradiciones del tardío romanticismo clásico ruso de los Rimsky - Korsakov, Tchaikovski y los elementos del modernismo (Sergei Prokofiev, Igor Stravinsky) y impresionismo (Claude Debussy y Alejandro Scriabin). Las más célebres fueron las sinfonías № 3, 5 y La gran sinfonía monumental - Trágica № 6.
2) Medio. (1931- 1940). Ese periodo es mas biunívoco. Miaskovski cambió de estilo bajo la opresión del régimen soviético, casi negando sus acostumbradas tonalidades grises e influencias del modernismo. La nueva música correspondía a las exigencias de la falsa soviética concepción del realismo socialista. En este periodo abundan las tonalidades claras, melodías de bailes, los elementos de folclores de las poblaciones diferentes de la URSS, que debían expresar un carácter internacional. Las sinfonías № 11 - 20 se caracterizan por la estructura simple y concepción positiva. Las Sinfonías № 13 у 16 fueron excepciones.

3) Tardío. (1940 – 1950) Miascovsky regresó al estilo romanticismo clásico ruso. Las sinfonías se distinguen por una estructura politonal. La polifonía transparente y su música se llenan imágenes de la natureza natal: abetos, abedules y robles, los campos de las flores y el gran cielo. Miaskovski logra las cimas de la melodía y la maestría polifónica:
“Sonata para violonchelo y Piano No 2” Op. 81 en La menor: Allegro moderato; II andante Cantabile; III allegro con spirito
(Alexander Rudin - Cello & Victor Ginsburg - Piano)

Obras por orden de Opus:
• Opus 1: "Meditations", siete poemas para Baratynski, voz y piano (1907)
• Opus 2: "The Days of Youth", doce romanzas para voz piano, textos K. Balmont (1903-1906)
• Opus 3: Sinfonía Nº 1 en Do menor, tres movimientos (1908, rev 1921)
• Opus 4: "On the Border", 18 romanzas para baja y media voz, y piano (1904-1908)

• Opus 5: "Unseen", tres piezas para voz y piano. Textos Zinaida Gippius (1905-1908)
• Opus 6: Sonata para piano Nº 1 en Re menor (1907-1909) 1. Moderato assai ed espressivo 2. Allegro Affanato 3. Largo espresivo (Murray McLachlan, Piano.)
• Opus 7: "Madrigal", suite de cinco piezas para voz y piano, poemas Balmont (1908-1909) 1. Prelude 2. Romance 3. Interlude 4. Romance 5. Postlude (Natalia Shiller – soprano & Naum Walter – piano)
• Opus 8: Tres ensayos para voz y piano, textos de Viatchelav Ivanov (1908)
• Opus 8B: Soneto para Michelangelo para voz y piano (1909)
• Opus 8C: "Frolics" (Part V), tres ensayos para piano (1908)

• Opus 9: "Silence", Poema sinfónico, letra Edgar Allan Poe (1909-1910) (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 9A: Oberture en sol mayor para orquesta sinfónica(1909)
• Opus 9B: "Frolics (Part VI), tres ensayos para piano (1909-1912)
• Opus 10: Sinfonieta en La mayor (1910-1911)
• Opus 11: Sinfonía Nº 2 en Do # menor 1910-1911)
• Opus 12: Sonata Nº 1 en Re mayor para violoncelo y piano (1911) 1. Adagio 2. Andante 3. Allegro passionato (Emil Rovner, cello & Suguru Ito, piano).
• Opus 13: Sonata para piano Nº 2 en Mi bemol menor (1912) (Lydia Jarson, piano)

• Opus 14: "Alastor", Poema sinfónico en Do menor, Shelley (1912-1913)
• Opus 15: Sinfonía Nº 3 en La menor (1914) 1. Non troppo vivo, vigoroso 1/2, 2/2  2. Deciso e sdegnoso 1/2, 2/2  (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 16: "Premonitions", seis ensayos para voz y piano, textos Zinaida Gippius (1913-1914)
• Opus 16A: "Frolics" (Part VII), 19 ensayos para (1917-1919)
• Opus 17: Sinfonía Nº 4 en Mi menor (1917-1918) 1. Andante, mesto e con sentimento 1/2, 2/2  2. Allegro appassionato ma non troppo vivo 3. Largo, Freddo e senza espressione 4. Allegro energico e marcato  (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 18: Sinfonía Nº 5 en Re mayor (1918-1919) 1. Allegro amabile  2. Lento  3. Allegro burlando  4. Allegro risoluto e con brio  (Konstantin Ivanov, & USSR Radio Symphony Orchestra
• Opus 19: Sonata para piano Nº 3 en Do menor, en un movimiento (1920) 1. Con desiderio, improvisato 2. Molto meno mosso, con languidezco (Sviatoslav Richter, piano)
• Opus 20: Seis Poemas para voz y piano, textos Alexander Blok (1921)
• Opus 21: "At the Close of the Day", Tres ensayos para voz y piano, textos Tyutchev (1922)
• Opus 22: "Faded Garland", ocho piezas para voz y piano, textos A. Delwig (1925)

• Opus 23: Sinfonía Nº 6 en Mi b menor con coros y libitum (1921-1923) 1. Poco Largamente. Allegro feroce 1/2, 2/2 2. Presto tenebroso 3. Andante appassionato 1/2, 2/2 4. Molto vivace 1/2, 2/2 (Svetlanov, State Academic Orchestra)

• Opus 24: Sinfonía Nº 7 en Si menor (1922) 1. Andante sostenuto calmo. Allegro minaccioso, poco stravagante  2. Andante. Allegro scherzando e tenebroso (Svetlanov & State Academic Orchestra)
• Opus 25: "Eccentricities", seis ensayos para piano (1917-1922)
• Opus 26: Sinfonía N. 8 en La mayor (1924-1925)
• Opus 27: Sonata para piano Nº 4 en Do menor (1924-1925) 1. Allegro moderato 2. Andante non troppo 3. Allegro con brio (Lydia Jardon)
• Opus 28: Sinfonía Nº 9 en Mi menor (1926-1927) 1. Andante sostenuto 2. Presto 3. Lento Molto 4. Allegro con grazia (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 29: "Reminiscences", seis piezas para piano (1927)
• Opus 30: Sinfonía Nº 10 en Fa menor en un movimiento (1926-1927) Un poco sostenuto. Allegro tumultuoso (Orchestra Sinfonica della Federazione Accademica Russa & dir. Evgeny Svetlanov).
• Opus 31: "Yellowed Leaves", siete bagatelas para piano (1928)
• Opus 33.1: Cuarteto de cuerdas Nº 1 en La menor (1930) 1. Poco rubato ed agitato 2. Allegro tenebroso 3. Andante sostenuto 4. Assai allegro (Taneyev Quartet)
• Opus 33.3: Cuarteto de cuerdas Nº 3 en Re menor (1930) 1. Allegro non troppo, malinconico 2. Theme et Variations (Taneyev Quartet)

• Opus 33.4: Cuarteto de cuerdas Nº 4 en Fa menor (1937) 1. Andante 2. Allegretto risoluto 3. Andante 4. Allegro Molto (Taneyev Quartet)
• Opus 34: Sinfonía Nº 11 en Si b menor (1931-1932) 1. Lento. Allegro agitato 2. Andante. Adagio, ma non troppo 3. Precipitato. Allegro (Veronika Dudarova & Moscow Symphony Orchestra)
• Opus 35: Sinfonía Nº 12 en sol menor "October" (1931-1932) Dedicado al 15º aniversario de la revolución de Octubre 1. Andante. Allegro giocoso. Andante 2. Presto agitato 3. Allegro festivo maestoso (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 36: Sinfonía Nº 13 en si b menor (1933)
• Opus 37: Sinfonía Nº 14 en Do mayor(1933)
• Opus 38: Sinfonía Nº 15 en re menor (1933-1934) 1. Andante. Allegro appassionato 2. Moderato assai 3. Allegro molto ma con garbo 4. Poco pesante. Allegro ma non troppo (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 39: Sinfonía Nº 16 en Fa mayor (1933-1934)
• Opus 40: Doce Romanzas para voz, textos Lermontov (1935-1936)
• Opus 41: Sinfonía Nº 17 in Sol # menor (1936-1937) 1. Lento. Allegro molto agitato 1/2, 2/2 2. Lento assai. Andantino, ma non troppo 1/2, 2/2 3. Allegro,poco vivace 4. Andante. Allegro molto animato (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)

• Opus 42: Sinfonía Nº 18 en Do menor (1937) Dedicado al 20º aniversario de la revolución de Octubre. 1. Allegro risoluto 2. Lento ma non troppo. Andante narrante 3. Allegro giocoso (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 43.1: Diez piezas fáciles para piano (1938)
• Opus 44: Concierto en Re menor para violín y orquesta (1938) 1. Allegro - 2. Adagio - 3. Allegro giocoso (St Petersburg Kirov Orchestra, Vadim Repin & Valery Gergiev)
• Opus 45: Tres ensayos para voz y piano, textos S. Shchipashev y L. Kvitko (1939)
• Opus 46: Sinfonía Nº 19 en Mi b mayor para orquesta de vientos (1939) 1. Maestoso. Allegro giocoso 2. Moderato 3. Andante serioso 4. Poco Maestoso – Vivo  (Taiwan Wind Ensemble & dir. Akiyama)
• Opus 47: Cuarteto de cuerdas Nº 5 en Mi menor (1938-1939)
• Opus 48: “Greetingsoverture” en Do mayor (1939)
• Opus 49: Cuarteto de cuerdas Nº 6 en Sol menor (1939-1940) 1. Moderato con anima 2. Allegro vivo giocoso 3. Adagio – Andante lúgubre 4. Allegro con fuoco (Taneyev Quartet)
• Opus 50: Sinfonía Nº 20 en Mi mayor (1940) 1. Allegro con spirito 2. Adagio 3. Allegro inquieto (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)
• Opus 51: Sinfonía Nº 21 en Fa # menor en un movimiento (1940) 1. Andante sostenuto 2. Allegro non troppo ma con impeto 3. Andante 1/2  2/2  (Evgeny Svetlanov, State Academic Orchestra)

• Opus 52: Diez Romanzas para media y baja voz y piano, textos Stepan Shchipachev, (1940)
• Opus 53: Dos Marchas para orquesta de viento (1941)
• Opus 54: Sinfonía Nº 22 en si menor "Ballade" (1941) 1. Lento. Allegro non troppo 2. Andante con duolo 3. Allegro energico, ma non troppo vivo (Evgeny Svetlanov, dir. & State Academic Orchestra)

• Opus 55: Cuarteto de cuerdas Nº 7 en Fa mayor (1941) 1. Andantino 2. Vivace e Fantastico 3. Andante con moto 4. Vivacissimo (Taneyev Quartet)
• Opus 56: Sinfonía Nº 23 en La menor (1941) 1. Lento. Allegro alla marcia. Lento 1/2, 2/2  2. Andante molto sostenuto  3. Allegro vivace
(Evgeny Svetlanov, Orcheste Symphonique de l´URSS)
• Opus 57: Sonatina para piano en Mi menor (1942) 1. Moderato (Murray McLachlan, Piano)
• Opus 58: "Song and Rhapsody" (Preludio y Rondó-Sonata) en Si b mayor para piano (1942) (Grigory Ginzburg)
• Opus 59: Cuarteto de cuerdas Nº 8 en Fa # menor (1942)
• Opus 60: Dramática Obertura en sol menor para orquesta de vientos (1942)

• Opus 61: "Kirov is With Us", cantata en Re menor para mezzo-soprano, barítono, coro y orquesta, texto N. Tichonov (1942-1943)
• Opus 62: Cuarteto de cuerdas Nº 9 en Re menor (1943) 1. Allegro inquieto 2. Andante appassionato 3. Allegro con brio (Taneyev Quartet)
• Opus 63: Sinfonía Nº 24 en Fa menor (1943) 1. Allegro deciso 2. Molto sostenuto 3. Allegro appassionato (Evgeny Svetlanov & State Academic Orchestra)
• Opus 64.1: Piano Sonata No. 5 "After Ancient Sketches" en Si mayor (1944)
• Opus 65: "Links of a chain", seis ensayos para orquesta sinfónica (1944-1945)
• Opus 66: Concierto en Do menor para violoncelo y orquesta (1944), (Mstislav & Rostropovich)