Albert Ayler

El 13 de julio de 1936 nació en Cleveland Heights (Ohio) el cantante y saxofonista de jazz Albert Ayler, una figura fundamental entre los músicos de free jazz de los 60. Nació en una familia negra de clase media. Su padre tocaba el saxo tenor en la banda municipal y Albert tuvo sus primeras experiencias musicales en entierros y desfiles.

Con siete años ya tocaba el saxo alto y con diez tocaba regularmente en la iglesia local durante los cultos. Con influencias de Wardell Gray y Charlie Parker estudió, ya con dieciséis años, con Benny Miller en la Academy of Music, más tarde con Lloyd Pearson en la John Adams High School, para unirse a Little Walter en 1952 a una banda de R&B, que no tuvo mucha repercusión. En 1959 ingresa en el ejército dos años. En ese tiempo se cambia al saxo tenor y conoce países como Francia, Dinamarca y Suecia, además de tocar en la banda del regimiento, donde coincide con Stanley Turrentine. De vuelta en Cleveland, ya licenciado, su estilo iconoclasta, alejado de las tradicionales armonías del jazz, no le facilita conseguir trabajo en el difícil y tradicional mercado americano del jazz, por lo que en 1962, se instala en Suecia donde el clima para el avant-garde era más favorable.

Es aquí donde comienza su carrera discográfica. Pronto grabaría trabajos como 'I'll remember April' (1962). El contacto con el pianista McToy Tyner, en la misma onda musical que Ayler, le ayudó a mantenerse firme en su estilo libre. En sus grabaciones, las improvisaciones incluían los 'pitidos' de los metales -que hasta el momento se habían suprimido cuidadosamente de las grabaciones- así como la respiración y tecleado de los músicos. El sonido pasa a ser más importante que las notas y el timbre prevalece sobre melodía y armonía, rompiendo las formas clásicas occidentales del jazz.

El álbum 'My Name is Albert Ayler' (1963) grabado junto a Niles-Henning Orsted Pedersen, Niels Bronsted y Ronnie Gardiner en la radio nacional danesa, despertó entusiasmo en la crítica especializada. A pesar de ello, siguió sin tenerlo fácil en su país, donde por fin consiguió un contrato con ESP para su trío con Gary Peacock y Sunny Murray, con los que graba 'Spiritual Unity' (1964), 30 minutos de improvisación de intenso free-jazz.

Los hermanos Ayler en 1966

Arropado por varios líderes del jazz neoyorquino (como Eric Dolphy que, según se dice, lo calificó como el mejor interprete que había visto en su vida), Ayler empezó a encontrar respeto y audiencia. También comenzó a influir en la nueva generación de músicos de jazz que se estaba gestando, así como en veteranos músicos, como John Coltrane, que se mostró impresionado cuando lo vio en un concierto en Suecia. En 1964, dio una gira de conciertos por Europa, con su trío habitual, pero ampliándolo con Don Cherry y su hermano pequeño Donald Ayler a las trompetas. De la gira, se grabaría el disco 'The Hilversum Session'. Álbumes como 'Bells' (1965) y 'Truth is Marching In' (1966) marcan su listón más alto y libre de la creatividad individual en el free jazz.

Ayler y M. Sampson en Newport, 1967

En 1966 los hermanos Ayler forman un quinteto con el que actúan con gran éxito en grandes festivales, como el de Newport, en 1967 y, tras la muerte de Coltrane, a Ayler se le consideró por un tiempo su heredero musical. Siguió actuando por Europa e integró a su mujer Mary Parks en la banda, algo que no entendieron los críticos. En julio de 1970 actuó en sendos memorables conciertos en la fundación Maeght de Saint-Paul de Vence (Francia).

El modo poco convencional con el que trataba Ayler la composición musical y las misteriosas causas de su muerte le han convertido en una de las pocas figuras de culto en el jazz. En noviembre de 1970, Albert desapareció y veinte días más tarde fue encontrado muerto flotando en el East Side River de Nueva York. Aunque hubo sospechas de asesinato, la investigación oficial concluyó que fue suicidio.

Ernest Gold

El 13 de julio de 1921 nació en Viena el compositor austríaco nacionalizado estadounidense Ernest Gold, que entre 1945 y 1992 escribió cerca de 100 bandas sonoras para el cine y la televisión.

Nacido como Ernst Gold, era hijo de un violinista austríaco y una cantante clásica. Ya con cinco años empezó a componer música y poco después estudiaba en la Academia de Música de Viena. Cuando en 1938 el Tercer Reich se anexionó Austria, emigró con su familia a EEUU y siguió su formación en Nueva York con Otto Cesena. En 1945 modificó su nombre a Ernest y se trasladó a Los Angeles donde trabajó como arreglista y componiendo música para westerns y films de serie B hasta que, en 1958, comienza con 'Fugitivos' una larga relación profesional con el director Stanley Kramer.

Un año después, la melodía popular australiana 'Waltzing Matilda', incluida en la banda sonora de 'La hora final', fue conocida en todo el mundo. Recibió un Oscar y un Grammy en 1961 por la banda sonora de 'Exodo', su obra más conocida. También compuso un musical, 'I'm Solomon' (1968) y varias obras clásicas como un concierto y una sonata para piano, y una obra para cuarteto de cuerdas. Murió en marzo de 1999 a los 77 años.

Fue compositor, entre otras, de las siguientes bandas sonoras:

- 'The Falcon's Alibi' (1946) - Ray McCarey
- 'Mundo desconocido' (1951) - Terry O. Morse
- 'The Screaming skull' (1958) - Alex Nicol
- 'Demasiado pronto para vivir' (1958) - Art Napoleon

- 'Fugitivos' (1958) - Stanley Kramer
- 'La hora final' (1959) - Stanley Kramer
- 'La ciudad frente a mi' (1959) - Vincent Sherman
- 'Herencia del viento'  (1960) - Stanley Kramer
- 'Exodo' (1960) - Otto Preminger
- 'El último atardecer'  (1961) - Robert Aldrich

- '¿Vencedores o vencidos?'  (1961) - Stanley Kramer
- 'Ángeles sin paraíso' (1963) - John Cassavetes
- 'El mundo está loco, loco, loco' (1963) - Stanley Kramer
- 'El Secreto de Santa Victoria' (1969) - Stanley Kramer
- 'Roba bien sin mirar a quien' (1977) - Ted Kotcheff
- 'La cruz de hierro' (1977) - Sam Peckinpah
- 'Tom Horn' (1980) - William Wiard

Muchos artistas han grabado versiones y remezclas del tema principal de la película ("Theme of Exodus"), entre ellos Ferrante y Teicher, cuya versión ocupó la posición número 2 en la lista de sencillos de Billboard.

Otras versiones grabadas fueron las del director de orquesta anglo-italiano Mantovani, el saxofonista brasileño Bob Fleming (en su álbum 'Mr. Sax'), Peter Nero, Connie Francis y las Duprees, con letra escrita por Pat Boone. La cantante Édith Piaf también interpretó el tema con letra en francés.

Mari Trini

El 12 de julio de 1947 nació en Caravaca de la Cruz (Murcia) la cantante y compositora española Mari Trini. Pasó su juventud entre Madrid, Londres y París, donde residió seis años y grabó sus primeras canciones en francés.

Una larga enfermedad sufrida de niña, motivó que Mari Trini comenzara a investigar con una guitarra. Así surgieron los primeros acordes y con ellos, las primeras canciones. Con catorce años, conoció al director de cine estadounidense Nicholas Ray, que se convirtió en su representante, y la convenció para viajar a Londres, con el objetivo de prepararse para rodar una película, aunque ésta nunca llegó a realizarse. Allí permaneció un año, estudiando con Peter Ustinov y participando en algunos programas de radio.

Mari Trini y su madre decidieron cruzar el Canal de la Mancha y establecerse en Paris, ciudad que acogería a la cantautora los siguientes cinco años y donde grabaría sus primeras canciones en francés. Cuando regresó a España la chanson se había instalado en su alma. Se había enamorado de Brel, Brassens, Becaud, y su estilo denotaba la clara influencia del país vecino.

Firmó con RCA y sus primeros trabajos, integrados por canciones de otros compositores (Patxi Andión, Aute o Juan Carlos Calderón), tuvieron escasa repercusión.. Convencida de sus aptitudes como autora, logró interesar al equipo creativo de Hispavox y en 1969 grabó un sencillo, 'Mañana', que se convirtió en su primer éxito. En su segundo álbum, 'Amores', despliega todo su talento como cantautora y graba 'Un hombre marchó', 'Amores', 'Cuando me acaricias' y 'Vals de otoño', clásicos de su repertorio.

Le siguió el álbum 'Escúchame' de 1971, que contenía dos de sus temas más representativos, 'Yo confieso' y 'Yo no soy esa'.

Durante los años siguientes, Mari Trini compagina sus actuaciones en directo por todo el país con nuevas grabaciones discográficas: 'Ventanas' (1973), '¿Quién?' (1974), 'Transparencias' (1975) o 'Como el rocío' (1976), son discos en los que la artista confirma su personal estilo. Al mismo tiempo, continúa grabando en francés adaptaciones de sus propias canciones, así como versiones de sus autores preferidos como 'Ne me quitte pas'. En la segunda mitad de la década de los setenta, Mari Trini comienza a acercarse más a los planteamientos musicales del pop del momento. Con sus discos 'Sólo para ti' (1978) y 'A mi aire' (1979), la artista ofrece una nueva imagen renovada, tanto en lo personal como en lo musical, al incorporar novedosos y arriesgados arreglos a sus composiciones.

La década de los ochenta comienza para Mari Trini con la publicación de su disco 'Oraciones de amor' (1981), al que seguirá un año más tarde 'Una estrella en mi jardín' (1982). Con éste nuevo disco, y más concretamente con la canción que da título al mismo, obtuvo uno de los mayores éxitos de su carrera.
En 1984 publica dos discos, 'Diario de una mujer' y 'Mari Trini', titulado en México 'Mari Trini interpreta Grandes Autores Mexicanos', álbum de homenaje a la canción mexicana, en el que destacan: 'Contigo aprendi', 'Échame a mi la culpa', 'Fallaste corazón', 'Farolito', 'Noche de ronda', 'El jinete' y 'Cuando vuelva a tu lado'.

Un año después grabó 'En Vivo', un doble en directo en el que repasa toda su trayectoria musical. 'Quién me venderá' (1986) y 'En tu piel' (1987), supondrían el final de casi veinte años de colaboración con la discográfica Hispavox. A partir de entonces comenzó a descender su popularidad. Sin embargo, Mari Trini no dejó de grabar y actuar hasta 2001, año en el que se publicó su último trabajo con Los Panchos. Murió a los 61 años en abril de 2009 cuando estaba preparando un concierto de despedida de su carrera.

Thurston Harris

El 11 de julio de 1931 nació en Indianápolis el cantante norteamericano de R&B Thurston Harris. A comienzos de los años cincuenta lideraba el grupo vocal de Los Angeles, The Lamplighters, con los que llegó a grabar una docena de discos que no entraron en las listas.

Harris con The Lamplighters en 1952

Unos años después grabó el tema 'Little bitty pretty one', una versión de un tema que ya había grabado Bobby Day. La versión de Harris fue su único gran éxito y está considerado uno de los discos más populares de los cincuenta, éxito que no fue capaz de repetir aunque los que grabó a continuación, 'Do what you did', 'Over and over', 'Be-Baba-Leba', 'Over somebody's shoulder' y 'Runk Bunk', eran tan buenos o mejores que el hit. Murió a los 58 años en abril de 1990.

Reveriano Soutullo Otero

El 11 de julio de 1880 nació en Ponteareas, Galicia, el importante compositor de pasodobles y zarzuelas español Reveriano Soutullo Otero. Su padre dirigía la banda de Redondela, por lo que Reveriano tuvo la música cerca desde pequeño. A los 19 años, fue a estudiar al conservatorio de Madrid y, mientras tanto, se ganaba la vida tocando el cornetín. Sufrió una infección en el oído que lo dejó medio sordo.

Reveriano Soutullo Otero

En Madrid hizo la prueba de acceso y entró directamente en el primer curso de armonía. Estudió tres años de armonía y composición, asignatura en la que le dieron el premio extraordinario. En el conservatorio de Madrid le dieron clase profesores famosos como Arín y Fontanilla. Entre 1906 y 1907 volvió a Vigo, donde le dieron una beca para estudiar música en el extranjero. Gracias a ello entró en contacto con músicos italianos o alemanes; pero los músicos que más le marcaron los encontró en París: Debussy y Ravel. Volvió a Madrid donde empezó a componer zarzuela. Compuso varias zarzuelas famosas, entre ellas, “Amores de aldea”.

Juan Vert

Entre 1919 y 1931 forma un famoso tándem con Juan Vert, con quien compuso grandes éxitos como: "La Leyenda del Beso" (Una fracción de esta obra fue utilizada por el grupo Mocedades en la canción Amor de hombre"), “El último romántico”, “La caída de la tarde”, “La Venus de Chamberí”, “El regalo de boda” y “La del Soto del Parral”.
Murió en 1932 a causa de una complicación en el postoperatorio de una operación de oído.

Giorgio Federico Ghedini

El 11 de Julio de 1892 nació el compositor italiano Giorgio Federico Ghedini en Cuneo. Durante su infancia recibió lecciones de piano y órgano, y en 1905 se trasladó a Turín, donde estudió violonchelo, piano, armonía, órgano y contrapunto en el Liceo Musical de la ciudad. Recibió clases particulares de composición de Giovanni Cravero y de M. E. Bossi en el Liceo Musical de Bolonia, donde consiguió su diploma en 1911.

Tras un periodo de once años (1909-20) en el que intentó desarrollar su carrera como director orquestal siendo director asistente del Teatro Regio de Turín, volvió a la docencia en la Escuela municipal de canto coral y después en el Liceo musical de esta misma ciudad, transformado en Conservatorio en 1935. Allí se mantuvo en contacto con las principales figuras de la vida musical turinesa: Alfano, Della Corte y R. Giani. A continuación impartió clases en el Conservatorio de Parma en el periodo comprendido entre 1938 y 1941. En 1951 se hizo cargo de la dirección del Conservatorio de Milán, puesto que ocupó hasta 1962. También fue asesor del Teatro de la Scala de dicha ciudad.

Ghedini fue un estudioso de la polifonía italiana del siglo XVI, lo que le llevó a realizar transcripciones de obras de Monteverdi y Gabrieli entre otros. A partir de la década de los treinta empezó a dar a conocer sus composiciones, en un primer momento centradas en la música vocal. La partitura que le hizo destacar como compositor moderno fue la pieza orquestal "Architetture", escrita en 1940. Se trata de una serie de “edificios sonoros” con clara influencia de Igor Stravinsky. Estaba particularmente interesado en las "paredes de sonidos".

Guido Cantelli y Ghedini en 1954

En Italia es considerado un compositor muy significativo, si bien no goza de fama debido a que su música es difícil de encasillar estilísticamente. Comenzó influido por Maurice Ravel y por su compatriota Ildebrando Pizzetti. Luego entró en un período neobarroco, muy al estilo de Ígor Stravinski, pero más unido a los antiguos maestros italianos. Luego giró hacia un frío misticismo en los años 40, y pronto jugó con el serialismo, si bien nunca adoptó del todo sus técnicas. En sus obras se mezclan toda esta multitud de estilos, a veces en detrimento de la unidad de estilo de la composición. Murió en marzo de 1965 a los 72 años.

Ghedini fue además un importante autor de música escénica. Buena muestra de ello son sus óperas "Maria d´Alessandria" (1936), "Re Hassan" (1939) y "Concerto dell'Albatro, per voce recitante, trio e orchestra" (1945) o "Le baccanti" (1948).

Otras obras orquestales destacadas:

• - "Marinaresca e Baccanale", para orquesta (1933)
• - "Sicut Cervus", para pianoforte (1944)
• - "Canoni per violino e violoncello" (1946)
• - "Contrappunti per violino, viola, violoncello e orchestra" (1962)
• - "Musica Concertante per violoncello e archi" (1962)