Willy DeVille

El 25 de agosto de 1950 nació en Stamford (Connecticut) el músico y cantante norteamericano Willy DeVille. Aunque no es fácil -por no decir imposible- etiquetar su música, a DeVille no le resultó difícil encajar con los artistas punk y new wave de la época con su 'estofado musical' cuyos ingredientes provenían del R&B, rock, cabaret, blues, country, latino y cajun de Nueva Orleans.

DeVille en 1977

En 1974 Willy lideraba Mink DeVille, un grupo habitual en el CBGB, el famoso night-club de Nueva York en el que nació a mediados de los setenta el punk-rock. Mink DeVille como banda se disolvió a mediados de los ochenta tras haber publicado seis álbumes con temas como 'Spanish stroll', 'Cadillac walk', 'Heaven stood still', 'It's so easy', 'Each word's a beat of my heart', 'Love and emotion', e 'Italian shoes'.

Willy en solitario continuó su carrera con éxito -al menos como artista de culto- hasta entrado el milenio. En 1992 logró ser nº1 en España y Francia con su versión mariachi de 'Hey Joe'.  Entre los colaboradores y músicos con los que ha trabajado se cuentan artistas como Doc Pomus, Dr. John, Mark Knopfler y Allen Touissant. Murió en agosto de 2009, a los 58 años.

Leonard Bernstein

El 25 de Agosto de 1918 nació en Lawrence (Massachusetts), en el seno de una familia de judíos rusos emigrados, el compositor, pianista y director de orquesta y educador estadounidense Leonard Bernstein, el primer director de orquesta de Estados Unidos que alcanzó renombre universal.

Ha sido durante muchos años el director de orquesta más famoso en los Estados Unidos, debido a su larga permanencia como director titular de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, desde 1944. Dirigió muchas otras orquestas de las más destacadas del mundo. Compuso tres sinfonías, dos óperas, una misa, cinco musicales (entre los que destaca por su popularidad “West Side Story), y muchas otras piezas.

En 1940 comenzó a estudiar en el instituto de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston, Tanglewood, con el director de orquesta Serge Koussevitzki. Bernstein se hizo después asistente de dirección de Koussevitsky. Más tarde le dedicó su “Sinfonía n.º 2” a Koussevitzki.
Fue nombrado director sustituto de la Orquesta Filarmónica de Nueva York.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la carrera de Bernstein empezó a desarrollarse internacionalmente. En 1949 dirigió el estreno mundial de la “Sinfonía Turangalila” de Olivier Messiaen.

Tras la muerte de Serge Koussevitsky en 1951, Bernstein asumió durante muchos años la jefatura de los departamentos orquestal y de dirección de Tanglewood. Fue nombrado director titular de la Filarmónica de Nueva York desde 1958 hasta 1969. Hasta 1990 fue nombrado director laureado, y dirigió la orquesta hasta cinco días antes de su muerte.

Se convirtió en una figura muy conocida en los Estados Unidos por una serie de cincuenta y tres programas titulado Conciertos para jóvenes llamados “Omnibus”, que se televisaron a través de la CBS, en la que comentaba las obras que después interpretaba. Algunas de sus lecciones musicales se han divulgado en disco, junto a otras grabaciones premiadas con los Grammy. Hasta hoy, estos Conciertos para jóvenes se mantienen como el programa de música clásica que más ha durado en una televisión comercial: se emitieron desde 1958 hasta 1972. Más de treinta años después, se repusieron 25 de estos programas en un canal de cable y se comercializaron en DVD.
En 1947 dirigió en Tel Aviv por primera vez, e inició una larga asociación con Israel.

Como director de orquesta, su actitud en el podio era muy gestual, extrovertida, hasta el punto de haber visto criticados sus gestos exagerados. No obstante, fue un director bien considerado por los músicos, en particular los miembros de la Orquesta Filarmónica de Viena y la Orquesta Filarmónica de Israel, de la que fue un frecuente director invitado.

Bernstein en 1960

Se le consideró particularmente adecuado para dirigir las obras de Gustav Mahler, Aaron Copland, Johannes Brahms, Dmitri Shostakóvich, George Gershwin (especialmente Rhapsody in Blue y Un americano en París), y por supuesto con representaciones de sus propias obras (desafortunadamente, Bernstein nunca dirigió representaciones del Concierto para piano en fa, de Gershwin, ni de Porgy and Bess). Tenía la capacidad de ensayar toda una sinfonía de Mahler interpretando cada frase para la orquesta para expresar el significado preciso, (Sinfonía nº 5 Mahler Adagietto, Bernstein) y de emitir una manifestación vocal del efecto requerido, con un sutil oído perfecto para el que nada pasaba inadvertido.

Los primeros pasos de Bernstein como director de orquesta estuvieron alentados por Serge Koussevitzky, su mentor en su etapa de estudiante en Tanglewood. En esta faceta, su defensa de una interpretación abiertamente subjetiva, dentro de la más pura tradición romántica, le hacía obtener sus mejores frutos en las obras de compositores con un alto componente expresivo en su música, como Franz Liszt (su versión de la Sinfonía Fausto es un clásico de la fonografía), Gustav Mahler o Dimitri Shostakovich, mientras que en el repertorio clásico sus logros, pese a ser apreciables, no alcanzaban idéntica altura. Además, Bernstein fue un entusiasta defensor y divulgador de la nueva música estadounidense: autores como Aaron Copland, Charles Ives y Gershwin formaron parte de sus programas de concierto hasta su muerte.

Fiel reflejo de sus variadas aficiones y gustos, que en música se extendían desde el clasicismo de Haydn hasta el jazz, el estilo del Bernstein compositor se distingue por su eclecticismo siguiendo diversos estilos: atonalidad, dodecafonismo, jazz. Una ópera, “A Quiet Place” (1984), tres sinfonías de amplias proporciones (1942, 1949 y 1963), una “Serenade” (1954) y varias canciones constituyen lo más granado de su catálogo. Sin embargo, a pesar de su apreciable valor, ninguna de estas partituras ha alcanzado el nivel de popularidad de sus comedias musicales. Leonard Bernstein murió cinco días después de retirarse. Fumador durante muchos años, combatió un enfisema desde su juventud. El día de su funeral, el 14 de octubre de 1990, en la comitiva a lo largo de las calles de Manhattan, los obreros de la construcción se quitaron los cascos y saludaron al tiempo que gritaban «Goodbye, Lenny». Bernstein está enterrado en el Green-Wood Cemetery (Brooklyn, Nueva York).

Obras para el teatro

• “Fancy Free” (ballet, 1944)
• “On the Town” (Musical: Un día en Nueva York, 1944), que fue popularizada después como película.
• “Facsimile” (ballet, 1946)
• “Peter Pan” (canciones, música incidental, 1950)
• “Trouble in Tahiti “(ópera en un acto, 1952)
• “Wonderful Town” (musical, 1953) (Berliner Philharmoniker, Simon Rattle)
• “On the Waterfront“ (banda sonora, 1954)
• “The Lark” (música incidental, 1955)
• “Candide” (opereta cómica,1956) Basada en la novela homónima de Voltaire. Nuevo libreto en 1973, revisada en 1989). Su obertura se suele interpretar como pieza de concierto aislada.

• “West Side Story” (musical):
- “Symphonic Dances for two pianos and percusión” (1957)
- "Somewhere"
- “María”
- “Mambo”
• “The Firstborn” (música incidental, 1958)

• “Mass”
- "God Said"
- “Simple song”
(pieza de teatro para cantantes, músicos y bailarines,1971) Gran oratorio escénico compuesto para la inauguración del Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas de Washington
• “Dybbuk” (ballet), 1974
• “1600 Pennsylvania Avenue” (musical), 1976
• “A Quiet Place” (ópera en dos actos), 1983, que incluye la partitura de la previa “Trouble in Tahiti”..
• “The Race to Urga” (musical), 1987

Obras orquestales

• “Sinfonía n.º 1” Jeremiah, 1942
• “Fancy Free” y “Three Dance Variations from Fancy Free",  estreno 1946
• “Three Dance Episodes from On the Town" ("Un día en Nueva York", Stanley Donen y Gene Kelly), estreno 1949
• “Sinfonía n.º 2, The Age of Anxiety” (basado en un poema de W. H. Auden) para piano y orquesta , 1949 (revisado en 1965)
• “Serenade”- Adagio (basada en el Banquete, diálogo de Platón) para violín solo, cuerdas, arpa y percusión, 1954
• “Prelude, Fugue and Riffs” para clarinete solo y conjunto de jazz, 1949
• Suite sinfónica de "On the Waterfront", 1955
• Danzas sinfónicas de "West Side Story", 1961 (Robert Wise y Jerome Robbins)

• “Sinfonía n.º 3, Kaddish”, para orquesta, coro mixto, coro de niños, voz hablada y soprano, 1963 (revisado en 1977)
• “Dybbuk”, Suites No. 1 y 2 para orquesta, estreno 1975
• “Songfest” ciclo de canciones con orquesta, 1977
• “Three Meditations from "Mass" para violonchelo y orquesta, 1977
• “Slava!: Una obertura política para orquesta”, 1977
• “Divertimento for Orchestra”, 1980
• “Halil”, nocturno para flauta, flautín, percusión, arpa y cuerdas, 1981
• “Concerto for Orchestra”, 1989 (originalmente, "Jubilee Games de 1986", revisado en 1989)

Música coral para iglesia o sinagoga

• “Hashkiveinu” para tenor, coro mixto y órgano, 1945
• “Missa Brevis” para coro mixto y contratenor, con percusión, 1988
• “Los salmos de Chichester” para contratenor, coro mixto, órgano, arpa y percusión, encargo del Festival de Chichester de 1965

Música de cámara
• “Trío para violín, violoncello y piano”, 1937
• “Sonata para clarinete y piano”, 1939
• “Brass Music”, 1959
• “Dance Suite”, 1988

Música vocal
• “I Hate Music”: Ciclo de cinco canciones infantiles para soprano y piano, 1943
• “La Bonne Cuisine: Cinco recetas para voz y piano”, 1948
• “Arias y barcarolas” para mezzosoprano, barítono y piano a cuatro manos, 1988
• “A Song Album”, 1988

Juanita Reina

El 25 de agosto de 1925 nació en el barrio de la Macarena en Sevilla, la cantante y actriz española Juanita Reina, conocida como La Reina de la Copla. Su padre, Manuel Reina, fue su empresario y representante. Mediante el préstamo de un familiar (125.000 pesetas de los años 40) montó el primer espectáculo para su hija: 'Los Churumbeles', con el que Juanita se da a conocer por toda España.

Monta un segundo espectáculo para ella buscando a los autores más famosos del momento, Quintero, León y Quiroga, los cuales compusieron las letras de 'Tabaco y Seda', que se presentó en el teatro Reina Victoria, de Madrid. En 1942 se convierte en una de las principales estrellas de la copla, junto con Lola Flores. Actúa en varios espectáculos de Quintero, León y Quiroga, el trío más destacado dentro de estos años, y de Ochaíta, Valerio y el maestro Solano, el más conocido, 'La España de monsieur Dumas', (Madrid, Teatro Calderon, 1945). De estos años son canciones como 'Manuela la de Jerez', 'Compuesta y sin novio', 'La señorita del acueducto' o 'Los churumbeles', que quedaron para siempre asociadas a su nombre. En 1941 debuta en la pantalla con la película 'La Blanca Paloma'.

El cine acrecentó su fama con películas como 'La Lola se va a los puertos' y 'Lola la piconera', de los hermanos Machado y José María Pemán respectivamente. Otros temas de gran éxito en su voz fueron 'Francisco Alegre',  'Capote de grana y oro', 'Y sin embargo te quiero', 'Coplas del burrero', 'Yo soy...esa' y 'Carmen de España'.
Mostró una religiosidad devota concentrada en la Virgen de la Macarena y profesó políticamente un conservadurismo a ultranza, simbolizado por su presencia frecuente y entusiasta ante el general Franco en las fiestas organizadas en el Palacio de Oriente y en los Jardines de la Granja.

Juanita Reina y 'Caracolillo'

En los años sesenta comenzó su retirada de los escenarios. El 15 de junio de 1964 se casó con un bailaor, Federico Casado Algrenti, más conocido como 'Caracolillo', y al año siguiente nació su único hijo, Federico Casado Reina. Puso un restaurante en Madrid y una academia en Sevilla. Tuvo la culminación de su carrera en el 'Azabache' de la Expo de Sevilla de 1992, junto a Rocío Jurado, Nati Mistral, María Vidal e Imperio Argentina. En 1994 el ayuntamiento de Sevilla le dedicó una glorieta en el parque de María Luisa. Murió en marzo de 1999 a los 73 años.

Danny Joe Brown

El 24 de agosto de 1951 nació en Jacksonville (Florida) el compositor y cantante de rock Danny Joe Brown. Cuando aún trabajaba en la Guardia Costera fue diagnosticado con diabetes, lo que no le impidió hacer carrera en el rock & roll como cantante solista de la banda de rock sureño Molly Hatchet (nombre tomado de una famosa prostituta del siglo XVII que decapitaba y mutilaba a sus clientes), formada en 1975.

La banda se formó en Jacksonville, (Florida) en 1975 por los guitarristas Dave Hlubek y Steve Holland y su inspiración básica provenía de grupos de rock sureño como Lynyrd Skynyrd y 38 Special. La primera formación se completó con el también guitarrista Duane Roland, el bajista Banner Thomas, Melvin Powell a los teclados, Bruce Crump a la batería y Danny Joe Brown a la voz solista.

Danny Joe escribió y cantó temas incluidos en sus dos primeros álbumes como 'Bounty hunter', 'Big apple', 'Whiskey man', 'One man's pleasure' y 'Flirtin' with disaster', que ayudaron a catapultar la fama del grupo. En 1980 tuvo que abandonar la banda a causa de su diabetes, que no le permitía seguir el ritmo de las giras. Le sustituyó Jimmy Farrar. Danny formó The Danny Joe Brown Band con los que publicó un sólo álbum para volver a Molly Hatchet en 1982.

Siguieron álbumes como 'No Guts... No Glory' (1983), 'The Deed is Done' (1984) y 'Lightning Strikes Twice' (1989) y durante las sesiones de Grabación para 'Devil's Canyon' (1995), Danny Joe, que para entonces era el único miembro que quedaba de la formación original, tuvo que interrumpir el trabajo a causa de una apoplejía, siendo completadas las partes vocales por Phil McCormack.
Danny Joe Brown murió en marzo de 2005.

Léo Ferré

El 24 de agosto de 1916 nació en Mónaco el poeta, compositor y cantante Léo Ferré, un músico que mezclaba amor y melancolía con anarquía moral, lirismo con lenguaje de la calle, versos rítmicos con monólogos de prosa. Se movía desde el music-hall hasta la música orquestal, rompiendo las estructuras de la canción tradicional, inventando su propio territorio musical dramático, poderoso y único.

También puso música a varios poemas de los así llamados poetas franceses 'malditos' como Villon, Baudelaire, Verlaine y Rimbaud y de poetas galos del siglo XX como Apollinaire y Louis Aragon. Al haber compuesto más de cuarenta álbumes originales en un período de 46 años, Léo Ferré es el compositor-intérprete más prolífico de la lengua francesa. Definiéndose a sí mismo como anarquista, esta forma de pensar inspiró grandemente su obra. Junto con Jacques Brel y Georges Brassens, es considerado uno de los grandes compositores de la chanson.

Léo Albert Charles Antoine Ferré nació en el principado de Mónaco, hijo de Joseph Ferré, director del personal del Casino de Monte Carlo, y de Marie Scotto, costurera de origen italiano. A lo largo de su vida el artista residió y trabajó alternativamente en Francia e Italia, grabando incluso algunos temas en italiano. A los nueve años ingresó en el internado católico de Sán Carlos de Bordighera, donde permaneció por ocho años, una amarga experiencia que marcaría su infancia y que Ferré recordaría en una ficción autobiográfica publicada en 1970:  'Benoît Misère'.

En secreto, Leo lee a los autores considerados subversivos por los Padres del colegio: Voltaire, Baudelaire, Verlaine, Rimbaud, Mallarmé. Aumentó su conocimiento sobre la teoría de la música y, con 14 años, compusó el Kyrie de una misa y la melodía para un poema de Verlaine, 'Soleils couchants'.
Tras la negativa de sus padres a su ingreso en el Conservatorio, Ferre cursa estudios de leyes y se licencia en Ciencias Políticas en 1939. El estallido de la Segunda Guerra Mundial provoca su movilización. Es asignado a la infantería y dirige un grupo de tiradores argelinos. Su vocación como compositor se afirma después de este momento. Cuando París cayo en manos nazis, Ferre se refugió en Monaco, donde en 1943 se casó por primera vez, trabajó en Radio Montecarlo y compuso sus primeras canciones.

Leo y Madeleine

Una vez liberada Francia en 1945, realizó sus primeras actuaciones en los cabarets de Paris. A ello le animaron artistas como Charles Trenet, Edith Piaf y Juliette Greco, que Leo fue conociendo y que terminarían grabando muchas de sus canciones. En 1950 se divorció y poco después conoció a Madeleine Rebereau, que se convertiría en su segunda esposa y que tendría una influencia decisiva en su carrera, animándole constantemente a seguir adelante.

Ferré grabó su primer disco de 78 rpm para Le Chant du Monde y compuso su primera pieza de música 'seria': el oratorio 'La chanson de Mal-Aime'. En 1953 firmó con el sello Odeon y grabó su primer álbum, que contenía el tema 'Paris-Canaille'. A finales de los años cincuenta y principio de los sesenta, Ferré grabó una serie de álbumes dedicados a los poetas franceses, intercalados con discos que contenían sus propias composiciones. Sus letras trataban alternativamente temas románticos o comentarios sociales que cada vez se tornaban más amargas: 'Thank you Satan', 'Mon General' (dedicado a De Gaulle), 'Ni Dieu, ni maitre'.

Cuando tuvieron lugar los acontecimientos de mayo de 1968, Leo Ferré estaba en la cumbre de su carrera artística. Asociado con el movimiento anarquista, las jóvenes generaciones le descubrieron. Ferré abandonó su exagerado y teatral estilo de interpretación que asimismo era característoco de Jacques Brel e incluyó monólogos en sus conciertos y grabaciones, en los que estuvo acompañado durante quince años por el pianista Paul Castanier. En octubre de 1970 se publicó 'Avec le temps', su canción más emblemática.

Otros temas destacables de su repertorio fueron 'Jolie môme', 'L'invitation au voyage', 'Le chant des partisans', 'Paname', 'Le temps du tango',  'Le bateau espagnol',  'Le flamenco de Paris' (estas dos últimas, dedicadas a los anarquistas españoles), 'Monsieur William', 'La vie d'artiste', 'Vingt ans', 'Comme à Ostende', 'Ne chantez pas la mort' y 'Si tu t'en vas'.

A partir de 1975, Leo comenzó una carrera en la música clásica, dirigiendo sus propias obras y las de autores como Beethoven y Ravel. Asimismo continuó grabando discos con sus canciones, pero para 1985 su producción musical había disminuido considerablemente, siendo mayor su protagonismo en sus apariciones en TV y en sus obras escritas.
Leo Ferré murió en julio de 1993 a los 76 años.

Lou Teicher

El 24 de agosto de 1924 nació en Wilkes-Barre (Pensilvania) el pianista norteamericano Lou Teicher que junto a Arthur Ferrante formó un dúo de pianos muy popular en los años sesenta y setenta. Ya actuaban juntos cuando salieron de la Juillard School of Music de Nueva York, donde se conocieron y comenzaron a tocar profesionalmente en 1947 interpretando temas clásicos acompañados de orquesta.

Art Ferrante y Lou Teicher

En los años cincuenta grabaron temas 'easy listening' (música ligera) haciendo versiones de temas populares y del cine. Así llegaron sus mayores éxitos: 'Exodus', 'Theme from The Apartment', 'Midnight Cowboy', 'Tonight'. Durante su carrera publicaron más de 150 álbumes de los que se vendieron más de 88 millones de copias. Aunque dejaron de actuar en 1989, su amistad perduraría toda la vida y se retiraron a la costa oeste de Florida donde residieron, no lejos uno del otro, hasta la muerte de Lou en agosto de 2008. (Ferrante murió un año después).