Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 13 de septiembre de 1925 nació en Chicago Mel Tormé, uno de las grandes voces de jazz de la historia. Llamado familarmente 'The velvet fog' (neblina de terciopelo), apodo que siempre detestó, Mel grabó en los cincuenta numerosos discos de jazz vocal bastante populares y compuso más de 250 canciones de las cuales muchas son ya clásicos como 'The Christmas song'(Canción de Navidad), un gran éxito en la voz de Nat King Cole.
Hijo de emigrantes rusos, con cuatro años ya se mostró como niño prodigio, cantando con la Coon-Sanders Orchestra. Trabajó junto con Mickey Rooney y Sammy Davis Jr, como estrella infantil en las series raidofónicas. Con siete años flirteó con la batería para volver a cantar poco después. Con 15 años realizó sus primeras grabaciones con la orquesta de Harry James.
Los Mel-Tones
En 1943 debutó en el cine junto a Frank Sinatra en el film 'Higher and higher' y, tras cumplir con sus obligaciones militares con el país, forma en 1947 el grupo vocal Mel-Tones, con el que Tormé realizó grabaciones en Decca y Musicraft Records, generalmente acompañados por la orquesta de Artie Shaw.
Cuando irrumpió el rock and roll su popularidad menguó, pero con el resurgimiento del jazz vocal en los 70 tuvo una época fértil en actuaciones -llegó a realizar una media de 200 al año- que consagró su fama como vocalista. En los ochenta continuó grabando espléndidos álbumes para Concord Jazz con versiones de standards pop como 'Walk between the raindrops' y 'The goodbye look'de Donald Fagen o 'New York state of mind' de Billy Joel. Mel murió de un ictus cerebral en 1999 a los 73 años.
El 13 de septiembre de 1924 nació en Lyon el compositor y director de orquesta francés Maurice Jarre nominado ocho veces al premio de la Academia y ganador del Oscar en tres ocasiones por las bandas sonoras de 'Lawrence de Arabia' (1962), 'Dr Zhivago' (1965) y 'Pasaje a la India' (1984), todas ellas del director británico David Lean.
Contra los deseos de su padre, Maurice abandonó los estudios de ingeniería en la Sorbona y se matriculó en el Conservatorio de París para estudiar composición y armonía, eligiendo la percusión como instrumento. Llegó a ser director del Théâtre National Populaire y produjo su primera banda sonora en 1951. Su vida cambió radicalmente cuando el director David Lean le pidió en 1961 que escribiera la música de su siguiente film 'Lawrence de Arabia'. Con ella Jarre obtuvo su primer Oscar y seguiría componiendo la música de toda la filmografía de Lean.
Jarre recoge su Oscar en 1985 por su banda sonora de 'Pasaje a la India'
Uno de sus hijos, Jean-Michel, es un afamado músico pionero de la música electrónica. Maurice se retiró definitivamente de la dirección y composición en el año 2003 y seis años después, en marzo de 2009, murió a los 84 años.
El 13 de septiembre de 1922 nació en Texas City el pianista y cantante de blues Charles Brown, recordado principalmente por sus éxitos 'Driftin' blues' y 'Please come home for Christmas'. Contribuyó con un tono más relajado y tranquilo al blues vocal de los cuarenta, década en la que grabó una serie de hits de R&B en el sello Aladdin Records.
Ya de niño, Brown manifestó su amor por la música y asistió a clases de piano clásico en su Texas natal. Poco más tarde se trasladó a Los Angeles, donde los vocalistas negros habían suavizado las rudas formas del blues y desarrollado un estilo más del gusto de los blancos, abanderado en California por Nat King Cole y su famoso trío. Cuando Cole dejó Los Angeles para actuar a nivel nacional, su lugar lo tomó el trío Johnny Moore's Three Blazers, con Charles Brown a la voz y el piano.
Johnny Moore's Three Blazers
En 1945 firmó con Aladdin Records y 'Driftin' blues' -su primer éxito-, fue una muestra de lo que ofrecían en los night-clubs de la Central Avenue de Los Angeles, donde Brown fue una gran influencia en artistas como Ray Charles, Floyd Dixon, Ivory Joe Hunter y Johnny Ace. Continuó grabando para Aladdin y Modern Records temas como 'Trouble blues', 'Get yourself another fool', 'Black night', 'Hard times' y 'Merry Christmas baby'.
Cuando apareció el rock and roll, la música de Brown se pasó de moda y, aunque tuvo otro éxito navideño en 1960 con 'Please come home for Christmas', el pianista se apartó del primer plano unos años hasta que en los ochenta, Bonnie Raitt le ayudó a regresar a la escena, grabando algunos álbumes más, varios de ellos nominados para un Grammy. Entre ellos destacan 'Let's Have a Ball' (1989), 'All My Life' (1990), 'These Blues' (1995) y 'Honey Dripper' (1996). Murió de insuficiencia cardíaca en enero de 1999 a los 77 años.
El 13 de septiembre de 1916 nació en Buenos Aires el actor y cantante argentino Dick Haymes que desarrolló toda su carrera en Estados Unidos. Se convirtió en vocalista de numerosas big-bands y trabajó asimismo en no menos numerosas películas durante las décadas de los 40 y 50 rivalizando en ambos campos, e incluso en número de 'fans', con el mismísimo Sinatra.
Nunca solicitó la ciudadanía estadounidense, hecho que le permitió evitar tener que prestar servicio militar durante la Segunda Guerra Mundial, pues tenía la nacionalidad de un estado neutral, Argentina. Esto le valió críticas de periodistas de Hollywood que cuestionaron su patriotismo. También tuvo problemas a causa de su decisión de no obtener ciudadanía estadounidense en 1955, cuando viajó de California a Hawáii, -estado que no era todavía técnicamente parte de los Estados Unidos- sin haber avisado previamente a las autoridades de inmigración.
Haymes y Rita Hayworth
Tras este suceso casi fue deportado a Argentina, lo que desató nuevamente una ola de críticas. Se especuló en ese momento con que la poderosa cabeza de Columbia Studios, Harry Cohn, quien desaprobaba el matrimonio de Haymes con Rita Hayworth, estrella de Columbia, estaba detrás de todo aquello con el objeto de dinamitar la boda, que finalmente se celebró, siendo una de las seis que el argentino contrajo. Como curiosidad, señalar que Stephanie Haymes, una de sus hijas, se casó con Bernie Taupin, el letrista preferido de Elton John. Dick Haymes murió a los 61 años en marzo de 1980.
El 13 de septiembre de 1911 nació en Jerusalem Bridge (Kentucky) Bill Monroe, músico estadounidense, llamado con frecuencia el padre del bluegrass, un estilo de música country que ayudó a desarrollar. Tomó el nombre de su grupo, los Blue Grass Boys, así bautizados en honor de su estado natal. Su carrera como cantante, instrumentista, compositor y líder de grupos duró más de 60 años.
En 1929, con dieciocho años, formó un grupo junto con sus hermanos Birch y Charlie, con los que interpretaba música tradicional en fiestas y bailes locales, mientras trabajaban en una refinería del estado de Indiana. En 1934 Birch dejó el grupo, y Bill y Charlie formaron el dúo Monroe Brothers. Sus canciones empezaron a alcanzar gran difusión en radios de Iowa, Nebraska, Carolina del Norte y Carolina del Sur. En 1936 grabaron un total de 60 canciones para la compañía RCA.
Blue Grass Boys
Ya en solitario, en 1939, Bill formó el grupo Blue Grass Boys, que a partir de octubre de ese mismo año se convirtió en un habitual del Grand Ole Opry. Como intérprete de mandolina, Monroe hizo gala de un virtuosismo desconocido hasta entonces en la música country. En 1945 contrató a Earl Scruggs, quien potenció de la misma forma el papel del banjo. Esta formación de los Blue Grass Boys, en la que también se integraban el cantante Lester Flatt, el violinista Chubby Wise y el bajista Cedric Rainwater, realizó las primeras grabaciones que incorporaban todos los elementos de lo que después sería conocido como bluegrass.
En esta época grabó uno de los clásicos más importantes de este subgénero musical, la conocida canción 'Blue moon of Kentucky'. Flatt y Scruggs dejaron la banda en 1948 para formar su propio grupo, los Foggy Mountain Boys, pero los Blue Grass Boys continuaron. A lo largo de la historia del grupo, han pasado por él más de 150 músicos, muchos de los cuales son estrellas por derecho propio en el ámbito del bluegrass. Monroe murió en septiembre de 1996, cuatro días antes de cumplir 85 años.
El 13 de septiembre de 1874 nació en Viena, el compositor, teórico musical y pintor austriaco Arnold Schönberg, reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del s. XX. Además fue fundador de la Segunda Escuela de Viena.
Nació en el seno de una familia judía y fue autodidacta en la composición musical. Tuvo como profesor de contrapunto al compositor austriaco Alexander Zemlinsky. En 1901 se casó con la hermana de Zemlinsky, Matilde, con la que tuvo dos hijos. La pareja se trasladó a Berlín, donde durante dos años se mantuvieron con el trabajo de Schoenberg como orquestador de operetas y director de una orquesta de cabaret. En 1903 Schoenberg regresó a Viena para dar clases. Allí conoció a dos compositores que se convirtieron en sus mejores amigos y sus alumnos más aventajados: Anton Webern y Alban Berg.
En sus composiciones utilizaba complejas armonías, que posteriormente le llevaron a la atonalidad. Por esta causa, los estrenos de sus primeros dos cuartetos de cuerda en 1897, no fueron bien recibidos, y se sintió perseguido por un público que no entendía su música.
Alexander Zemlinsky
Durante estos años Schoenberg también pintaba y junto con varios artistas exhibió sus cuadros en el círculo del pintor ruso Wassily Kandinsky. En 1911 aceptó una plaza de profesor en Berlín y en 1915 volvió a Viena. La I Guerra Mundial, junto con su búsqueda de un método que proporcionara lógica y unidad a la música atonal, no le permitió componer muchas obras entre 1914 y 1923. En 1923 la muerte de su mujer supuso un duro golpe para él, pero en 1924 conoció a Gertrud Kolisch, hermana de un violinista austriaco, con quien más tarde contrajo matrimonio. La oferta en 1925 de un puesto de profesor de composición en la Academia de Artes de Berlín le proporcionó por último una posición prestigiosa, una seguridad económica y una vida familiar estable.
Schoenberg, su esposa Gertrud y la hija de ambos, recién llegados a Nueva York el 31 de octubre de 1933
En 1932 nació su hija Nuria Dorothea, y en 1933 Schoenberg y su familia huyeron de la Alemania nazi a París. Emigraron a Estados Unidos y el músico aceptó una plaza de profesor en Boston.
En la Universidad de California
Al año siguiente, a causa de su salud, se trasladaron a Los Ángeles, donde nacieron sus dos hijos más pequeños. Después de un año como lector en la University of Southern California (1935), trabajó como profesor en la University of California, Los Ángeles, desde 1936 hasta 1944. En 1941 adoptó la nacionalidad estadounidense. En 1946 cayó gravemente enfermo. Retirado, continuó impartiendo lecciones y componiendo. Como curiosidad comentar que Schoenberg sufría de triscaidecafobia, es decir, de temor al número 13. Paradójicamante nació un trece y murió en Los Angeles un viernes, 13 julio de 1951 a los 76 años.
El estilo musical de Schoenberg evolucionó desde el romanticismo tardío del siglo XIX al horizonte musical europeo a comienzos del siglo XX, con su dodecafonismo. La innovación no se restringe al mundo llamado de vanguardia. Todo gran músico fue siempre innovador. Así, "música quiere decir música nueva". Por lo que Schoenberg continúa manifestando:
"No existe nunca obra de arte portentosa que no lleve un nuevo mensaje a la humanidad; ningún gran artista deja de cumplir esto. Es el código de honor de todos los grandes en el arte, y, como consecuencia, en todas las grandes obras de los grandes encontraremos esa novedad imperecedera".
Sus primeras composiciones tonales tienen reminiscencias de la música del compositor alemán Johannes Brahms, aunque pronto asimiló el cromatismo del compositor alemán Richard Wagner. En algunas composiciones, como en “Verklärte Nacht” (Noche transfigurada), Schoenberg consiguió una gran intensidad en la expresión de sentimientos a través de ricas armonías y largas melodías románticas que se elevan soportadas por una densa textura contrapuntística de motivos cortos y constantes.
Estos rasgos, que se inician en 1907, se hacen más acusados en sus composiciones expresionistas, donde abandona la tonalidad y condensa la forma. El ejemplo principal de este periodo es “Pierrot Lunaire”; en este conjunto de versos patéticos la orquesta de cámara acompañante utiliza una combinación de instrumentos distinta para cada una de las 21 canciones del ciclo y el solista vocal utiliza el “Sprechstimme” (en alemán, 'voz hablada') o el “Sprechgesang” (canción hablada), una mezcla de discurso y canción.
Hacia 1920 empezó a formular su técnica dodecafónica (a menudo denominada "serialismo" puesto que está basada en series de tonos) en un intento de hallar un sustituto a formas musicales como la sonata, base de la música tonal. Estas formas funcionaban correctamente sólo en la música tonal porque estaban basadas en la oposición y resolución de diferentes tonos. Sin embargo, todos sus estilos están condensados en su mayor logro, “Moses und Aron”. Aunque Schoenberg a veces regresaba a la composición tonal, en la mayor parte de sus composiciones de las décadas de 1930 y 1940 intentó sintetizar la técnica dodecafónica con los principios formales que había empleado durante su periodo expresionista. Esta síntesis se aprecia en su “Concierto para piano Opus 42” (1942) (Mitsuko Uchida, piano. Rotterdams Philharmonisch Orkest & dir. Jeffrey Tate) de un solo movimiento.
Dirigiendo la Sinfónica de L.A en 1937
Schönberg empleó el método dodecafónico en sus obras principales hasta el final de su vida. En obras esporádicas, como la “Suite en estilo antiguo” (en Sol mayor para orquesta de cuerdas, 1934), o en las “Variaciones para orquesta de viento en Sol menor op. 43” (1943), volvió a emplear el sistema tonal.
El “Método de composición con doce sonidos”, estudiado por Schoenberg nació independientemente del desarrollado por el compositor Josef Matthias Hauer, quien desarrollara también una técnica de composición dodecafónica que tiene poco en común con el método de Schönberg. Con este nuevo sistema Schönberg creyó ser capaz de plantear una estructura interna teórica para cada obra. Concebido inicialmente como una solución personal para un conflicto personal, el método dodecafónico fue aplicado por sus discípulos con entusiasmo, a pesar de que Schönberg nunca lo había enseñado en sus clases teóricas. Sus discípulos directos lo explotaron a través del análisis de sus obras. Fue sólo con la publicación de los libros de texto de otro compositor (Krenek) a partir de 1940, y gracias a la vehemente recomendación de Theodor W. Adorno, que el método fue adoptado rápidamente por muchos compositores, entre los que se encontraba Igor Stravinsky.
Alban Berg y Schoenberg
Para Schoenberg la modernidad radicaliza la persecución de la novedad. Un valor que suele empantanarse en la esterilidad de un atrayente, pero vacío, ejercicio formal. Lo esencial no es la búsqueda de la novedad por sí misma, sino la continuidad de una pulsión tensa, problemática y creadora. Este ideal de una incómoda inseguridad creadora fue transmitida por Schoenberg a sus discípulos: Anton Webern y Alban Berg.
Su influencia se vertió también sobre Kandinsky, con quien un Schoenberg que se inició en la pintura, realizó una de las exposiciones pioneras del expresionismo. Y también recibió su influjo el notable pensador y músico Theodor Adorno, esencial referente de la Escuela de Frankfurt.
Schönberg fue íntimo amigo del arquitecto vienés Adolf Loos, al que había conocido en el salón de Eugenie Schwarzwald. Loos se dedicó de por vida a la representación de las composiciones de Schönberg, algunas de las cuales subvencionaba en secreto, entre las que se encontraba, probablemente, el famoso “Concierto del escándalo de 1913” (Concierto de la bofetada). Adolf Loos fue de mucha influencia en la posición de Schönberg frente a preguntas sobre moral y verdad artística. La demanda de Schönberg, “la música no debe adornar, sino ser verdadera”, puede situarse en relación directa con la estética de Loos, que decía "La ausencia de ornamentos es signo de fuerza espiritual”.
Su obra
Óperas
• “Erwartung” (Expectación) op. 17 (1909). Monodrama en un acto. Libreto: Marie Pappenheim. Estreno 6 de junio de 1924 en Praga (Deutsches Theater; Director: Alexander von Zemlinsky; con Marie Gutheil-Schoder [1874-1935] [La Mujer])
• “Die glückliche Hand” (La Mano Afortunada) op. 18 (1910-1913). Drama con música. Libreto: Arnold Schönberg. Estreno 14 de octubre de 1924 (Ópera Popular de Viena, Director: Fritz Stiedry)
• “Von Heute auf Morgen” (De hoy a mañana) op. 32 (1928-1929). Ópera en un acto. Libreto: Max Blonda (= Gertrud Schönberg). Estreno 1º de febrero de 1930 en Fráncfort (Ópera; Director: William Steinberg; Director escénico: Herbert Graf [1903-1973])
• “Moses und Aron” (Moisés y Aarón) Ópera en 3 actos (Fragmento; 1926-1932). Libreto: Arnold Schönberg. Estreno (en concierto) 12 de marzo de 1954 (salón Musikhalle Hamburg; radio Nordwestdeutscher Rundfunk; Director: Hans Rosbaud), (escénico) 6 de junio de 1957 en Zurich (Teatro municipal; Director: Hans Rosbaud)
Música vocal
• “Zwei Gesänge” (Dos Cantos) op. 1 para un barítono y piano (1898). Texto: Karl von Levetzow (1871-1945)
• “Vier Lieder” (Cuatro canciones) op. 2 para una voz y piano (1899)
• “Brettl-Lieder” (Canciones Brettl) (1901) para canto y piano
• “Sechs Lieder” (Seis canciones) op. 3 para una voz media y piano (1899-1903)
• “Deinem Blick mich zu bequemen” (1903). Canción para una voz y piano. Texto: Johann Wolfgang von Goethe
• “Acht Lieder” (Ocho Canciones) op. 6 (1903-1905) para una voz y piano
• “Sechs Orchesterlieder” (Ocho canciones con orquesta) op. 8 (1903-1905)
• “Drei kanonische Chöre” (Tres coros canónicos) para 4 voces (1905). Textos: Johann Wolfgang von Goethe (Habl)
• “Friede auf Erden” (Paz en la Tierra) op. 13 para coro mixto a capella (1907). Texto: Conrad Ferdinand Meyer
• “Zwei Lieder” op. 14 (1907-1908) para voz y piano “Gurre Lieder” (1900-1911). Cantata para solista, coro y orquesta. Textos: Jens Peter Jacobsen (de En cactus springer ud), en alemán por Robert Franz Arnold. Estreno: 23 de febrero de 1913 en Viena (Sociedad musical, Gran salón; Anna Bahr-Mildenburg [Paloma silvestre], Marya Freund [Tove], Franz Nachod [Waldemar]; Coro Filarmónico. Director: Franz Schreker). Textos
• “Pierrot Lunaire” op. 21 (1912 para voz y orquesta de cámara (Piano, flauta [también Piccolo], clarinete [también clarinete bajo], violín [también viola] y violoncelo). Textos: Dreimal sieben Gedichte por Albert Giraud (1860-1929), en alemán por Otto Erich Hartleben.
• “Kol Nidre” (Sol menor) op. 39 (1938) para orador (rabino), coro mixto y orquesta. Estreno 4 de octubre de 1938 en Los Angeles (en la víspera del Yom Kipur; Director: Arnold Schönberg)
• “Herzgewächse”, op. 20 (1911) para soprano, celesta, armonio y arpa.
• “Three Songs for Low Voice and Piano”, Opus 48
Carlos Gastel, el descubridor de Nat King Cole y Peggy Lee lo trajo a Capitol Records y MGM, que le querían lanzar como estrella pop, pero Tormé prefería la escena del jazz y a los dos años volvió de nuevo a los sellos pequeños grabando numerosos álbumes durante los años cincuenta y sesenta como 'It's a blue world' (1955), 'Lulu's back in town' (1956), 'Sings Fred Astaire' (1956), 'Back in town' (1959), 'Mel Tormé swings Shubert Alley' (1960) y 'The Duke Ellington and Count Basie Songbooks' (1961)
