Anita O'Day

El 18 de octubre de 1919 nació en Chicago la cantante de jazz Anita O'Day. Llamada por el crítico de jazz Scott Yanow "una de las cantantes más elegantes de la era del swing", Anita tuvo una de las voces más inconfundibles de la historia del jazz. Aunque su manera de cantar estaba inspirada en cantantes como Mildred Bailey, Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Martha Raye, O'Day desarrolló su propio estilo que otras encontraban muy difícil de imitar.

Anita Belle Colton comenzó su carrera como cantante de una forma accidental sustituyendo cuando aún era adolescente a una de las cantantes de un espectáculo de variedades. Más tarde, durante los años de la Depresión, participó en numerosos maratones de baile, donde adquirió su nombre artístico O'Day. Con 19 años trabajó como camarera-cantante en bares y casas de juego hasta que logró entrar como cantante en diversos grupos de Chicago. Uno de los locales en los que solía actuar era el Off-Beat, frecuentado por muchos músicos de la época, entre ellos el legendario baterista y director de banda Gene Krupa, que le prometió llamarla si se quedaba sin cantante. O'Day conoció por entonces al también batería Don Carter, con quien se casó y con quien aprendió teoría musical.

Con Krupa en 1941

Tras dos años cantando con el combo de Max Miller en el club Three Deuces en Chicago, Anita estaba preparada para sustituir a Irene Daye en la banda de Krupa. Al mismo tiempo entró en la formación el trompetista y cantante Roy Aldridge con el que O'Day compartió una poderosa química en escena. Ambos aparecen como cantantes en los créditos de 'Let me off uptown', uno de los primeros duetos interraciales grabados en disco. Este single y la versión que realizó Anita de 'That's what you think' ayudó a elevar a la joven cantante a la categoría de estrella en los primeros años cuarenta. En 1941 la revista Down Beat la nombró la 'nueva estrella del año' y un año después, Anita figuraba entre las cinco mejores cantantes de big band.

Se casó de nuevo en 1942, ésta vez con el profesional del golf Carl Hoff. A continuación O'Day dejó la orquesta de Krupa y se trasladó a California para explorar otras opciones en su carrera. Cantó con la orquesta de Woody Herman por un tiempo pero lo tuvo que dejar por no poder cumplir con la agotadora agenda de actuaciones de la banda. Posteriormente, en 1944 y siguiendo los consejos de su manager, entró en la formación de Stan Kenton. Para entonces ya lideraba el ranking de cantantes de big band y le llovían los elogios de todo el país. Aunque su fama creció junto a Stanton con temas como 'As her tears flewed like wine', O'Day no estaba satisfecha con la disciplina que este imponía en su orquesta y no se sentía a gusto con aquellas rígidas estructuras musicales ejecutadas por estirados músicos que la miraban por encima del hombro.

Su deseo de respirar una atmósfera creativa más libre la llevó a volver a integrarse en la banda de Krupa en 1945. Para entonces también estaban en la formación el pianista bop Dodo Marmaros y el clarinetista Buddy DeFranco. Un año después, Anita lo intentó en solitario y firmó con Signature en 1947 donde, con sus primeras grabaciones como solista demostró su extraordinaria versatilidad. Tratando de conseguir popularidad sin perder su identidad de cantante de jazz Anita grabó temas como 'Hi ho trailus boot whip', 'Key Largo', 'How high the moon' y 'Malagueña'.

Fue en 1947 cuando comenzaron sus problemas con las drogas y la ley. Su marido Carl Hoff y ella fueron arrestados por posesión de marihuana y condenados a pasar 90 días en prisión. En 1948 su carrera se reavivó cuando apareció con la orquesta de Count Basie en el Royal Roost de Nueva York. Sin embargo, lo que aseguró a O'Day un sitio entre las grandes del jazz, fue su trabajo para Norman Granz. La serie de casi veinte discos para Verve Records durante los años cincuenta y sesenta convirtieron a Anita O'Day en una de las más distintivas, seguidas y exitosas vocalistas de su tiempo, solo superada por Frank Sinatra y Ella Fitzgerald. Trabajó con múltiples arreglistas y en muy variados estilos, incluyendo una colaboración llena de swing con Billy May ('Anita O'Day Swings Cole Porter with Billy May'), un disco íntimo con The Oscar Peterson Quartet ('Anita Sings the Most'), varios tradicionales con la Buddy Bergman Orchestra ('Pick Yourself Up', 'Anita'), uno de orientación cool con Jimmy Giuffre ('Cool Heat') e incluso uno con ritmos latinos con Cal Tjader ('Time for Two').

Actuó en numerosos festivales y conciertos junto a artistas como Louis Armstrong,  Oscar Peterson, Dinah Washington, George Shearing, Cal Tjader y Thelonious Monk. Su aparición en el documental de Bert Stern, 'Jazz on a Summer's Day', filmado en el Newport Jazz Festival de 1958, incrementó más aún su popularidad. Más tarde Anita admitió que en aquella ocasión se encontraba bajos los efectos de la heroína.

Cuando en 1962 expiró su contrato con Verve, grabó esporádicamente y realizó varias actuaciones en Tokyo, donde el público japonés estaba descubriendo el jazz, hasta que en 1968 casi pierde la vida a causa de una sobredosis de heroína. Dos años después, desenganchada y recuperada, reapareció en el Berlin Jazz Festival y en los films 'False Witness' (1970) y 'The Outfit' (1974). Durante esos años grabó nuevos álbumes bajo el nuevo management de Alan Eichler, la mayoría de ellos registrados en Japón y publicados en su propio sello, Emily Records, llamado así por el nombre de su perra. Entre ellos destacan 'I Get a Kick Out Of You' (1975), 'Live' (1976) y 'In a Mellow Tone' (1989)

En 1981 publicó su libro de memorias 'High times, hard times', en el que hablaba sin tapujos sobre su adicción a la heroína. Esto le trajo numerosas invitaciones para entrevistarla en prácticamente todos los talk-shoes de las televisiones norteamericanas. Unos años después, en 1985, celebró su 50 aniversario como cantante con una actuación en el Carnegie Hall demostrando que su voz había soportado bien el paso del tiempo. Sin embargo, en los años siguientes, sus actuaciones se tornaron erráticas y tras una actuación en Nueva York a la edad de 75 años, el crítico John Holdung de Back Stage escribió: "Su voz, aunque sigue siendo puro jazz, es una leve memoria de lo que fue y debería olvidarse de las actuaciones en directo y quedar relegada a los estudios de grabación." Chris Albertson fue más allá en su comentario sobre el álbum 'Rules of the Road' de 1993: "O'Day nos hubiera hecho mejor servicio, dejándonos imaginar hace tiempo cómo sería su sonido en nuestros días."

Anita en 2005

No obstante, trece años después, Anita publicó su último álbum, 'Indestructible' (2006), el cual contenía el tema 'Is you is or is you ain't my baby', que aparece al principio del film 'Shortbus' (2006) de John Cameron Mitchell. Siete meses después de su publicación O'Day falleció en su casa, el día de Acción de Gracias de 2006 a los 87 años.

Laura Nyro

El 18 de octubre de 1947 nació en el Bronx de Nueva York la pianista y cantautora estadounidense Laura Nyro. No sólo tuvo éxito comercial como intérprete publicando importantes álbumes en los años setenta; también compuso numerosos clásicos del pop llevados al éxito por artistas como Barbra Streisand, Peter, Paul & Mary, Three Dog Night y Blood, Sweat & Tears.

Nacida como Laura Nigro del matrimonio formado por Louis Nigro, un trompetista de jazz y afinador de pianos de origen italiano y Gilda Mirsky, bibliotecaria judía de origen ruso, Laura aprendió piano de forma autodidacta a la vez que leía poesía y escuchaba los discos de su madre de Leontyne Price, Billie Holiday, Maurice Ravel y Claude Debussy. A los ocho años compuso sus primeras canciones y más adelante, asistió a la High Scool of Music and Art en Manhattan. Allí se reunía con compañeros de clase para cantar juntos en las esquinas y en las estaciones de metro y además descubrió la música de John Coltrane, Nina Simone, Pete Seeger, Curtis Mayfield y Van Morrison. También los grupos de chicas como The Supremes, Martha and the Vandellas y las Shirelles contaban entre sus favoritos. Nyro comentó al respecto: "Siempre me interesó el impacto social de ciertas canciones. Mi madre y mi abuelo eran de pensamiento progresista por lo que me sentí como en casa en el movimiento pacifista y en el de la liberación de la mujer, lo que terminó influyendo en mi música".

A través de su padre logró contactar con los ejecutivos discográficos Artie Mogull y su socio Paul Barry que se convirtieron en sus primeros managers. Su primera actuación profesional -ya como Laura Nyro- fue en el hungry i de San Francisco y Mogull negoció un contrato con Verve Folkways, bajo cuyo sello apareció en enero de 1967 su primer álbum, 'More Than a New Discovery'. El álbum contenía una de sus primeras composiciones, 'And when I die', que Nyro vendió a Peter, Paul & Mary por 5.000$. Otros temas del álbum como 'Wedding bell blues' y 'Blowin' away' serían grabados y llevados al éxito por el grupo 5th Dimension, así como 'Stoney end', un hit en la voz de Barbra Streisand.

Laura en Monterey (1967)

Unos meses después realizó su segunda actuación profesional en el Festival Pop de Monterey de cuyo escenario bajó deprimida y convencida de que el público la había abucheado. Posteriores publicaciones y revisiones de las imágenes grabadas en el festival desmienten este hecho, pero Laura, a partir de ese momento, no volvió a ponerse ante las cámaras y concedió contadas entrevistas. Lo cierto es que su aspecto, en cierto modo siniestro, con su vestido negro hasta los tobillos -su amiga Janis Ian la describía como una pequeña Morticia Adams- no encajaba del todo en la soleada y hippie California del 67.

David Geffen y Laura Nyro

Poco después David Geffen se interesó por ella y le propuso ser su manager. Afortunadamente, como el primer contrato que había firmado Laura con Mogull y Berry fue cuando ella aún era adolescente, no fue difícil romper el acuerdo y firmar un nuevo contrato con Geffen en el que se comprometían a fundar una editora, Tuna Fish Music, en la que compartirían al 50% los derechos de sus canciones. Asimismo, Geffen consiguió que Nyro firmara por Columbia Records y recompró los derechos de sus antiguas canciones. Por esta época, Laura consideró entrar a formar parte como voz solista de Blood Sweat & Tears, cuando estos perdieron a Al Kooper, pero Geffen la disuadió de ello. Aún así la banda versionó con éxito uno de sus temas, 'And when I die'.

Con mayor libertad artística para decidir los arreglos y dirigir sus grabaciones en estudio, Laura publica su segundo álbum, 'Eli and the Thirteenth Confession' (1968) al que siguió en 1969 'New York Tendaberry', ambos muy bien tratados por la crítica que certificó la credibilidad artística de la cantautora neoyorquina. A finales de 1970 apareció su cuarto álbum, 'Christmas and the Beads of Sweat', en el que colaboró Duane Allman, entre otros músicos de Muscle Shoals, que incluía por primera vez una canción no escrita por Laura, 'Up on the roof' de Carole King y Gerry Goffin, la cual editada en single, fue paradójicamente su mayor éxito comercial como intérprete.

En 1971 le tomó el gusto a las versiones y publicó junto al grupo vocal LaBelle el álbum 'Gonna Take a Miracle', en el que Laura repasa sus canciones favoritas de juventud, como 'Jimmy Mack', 'Nowhere to run' o 'Spanish harlem'. Para entonces, Nyro se había casado con el veterano de Vietnam David Biancini y con 24 años anunció su retirada del mundo musical, trasladándose a vivir a una pequeña localidad de Massachussets.

Cinco años después su matrimonio se había roto y volvió al negocio publicando el álbum 'Smile' tras lo cual formó una banda de acompañamiento y se embarcó en una gira de cuatro meses, recogida en el disco en directo de 1977 'Season of Lights'. En 1978, embarazada de su único hijo, grabó 'Nested', tras lo cual se tomó un nuevo descanso de cuatro años.
En 1984 publicó 'Mother's Spiritual' y en 1988 volvió a la carretera dando sus primeros conciertos en diez años. La gira estuvo dedicada a los derechos de los animales y una selección de los shows se publicó como 'Laura: Live at the Bottom Line', que incluía seis nuevas composiciones.

Desde mediados de los años ochenta Laura compartía su vida con la pintora Maria Desiderio a quien dedicó el tema 'Desiree' y apareció en varios festivales actuando sólo con mujeres. Su último álbum de material propio fue 'Walk the Dog and Light the Light' en 1993, que también fue su último trabajo para Columbia. Estuvo co-producido por Gary Katz, conocido por su labor con Steely Dan. Este álbum la devolvió a la élite musical y Laura comenzó a recibir nuevas proposiciones comerciales. Declinó varias ofertas lucrativas para componer música para el cine aunque contribuyó con un tema al documental 'Broken Rainbow', nominado a un Oscar, que trataba sobre la injusta relocalización forzosa del pueblo Navajo.

Por esta época tanto el Tonight Show como David Letterman se rifaban su presencia en los estudios, pero Nyro se negó a aparecer ante las cámaras. Asimismo, no consintió en grabar videos promocionales de sus canciones. El mes de abril de 1997, Laura Nyro murió a los 49 años, a la misma edad y por la misma enfermedad que lo había hecho su madre en 1975. Unos meses antes logró ver con satisfacción la publicación del recopilatorio 'Stoned Soul Picnic: The Best of Laura Nyro', cuya selección corrió a cargo de ella misma.

Jeanine Deckers (Soeur Sourire)

El 17 de octubre de 1933 nació en Bruselas (Bélgica) la hermana Jeanine Deckers, religiosa de un convento de la orden Dominicana, cuya superiora, viendo las aptitudes musicales de Jeanine le permitió grabar un disco negociando un contrato con el sello Philips.

Ni su nombre, ni su imagen podrían aparecer en las portadas. Una de las canciones del disco, 'Dominique' (1963), dedicada a su orden y que Jeanine publicó bajo el seudónimo de 'Soeur Sourire' (Sor sonrisa) se hizo tremendamente popular en Europa y más tarde en todo el mundo. En Estados Unidos acababa de ser asesinado John F. Kennedy y las emisoras de radio radiaron el tema hasta la saciedad como tributo al presidente desaparecido. Fue nº1 durante cuatro semanas, desbancando del puesto de honor al mismísimo Elvis.

Esto llevó a que el famoso presentador de TV Ed Sullivan se trasladara al convento en Bélgica para dar a conocer el fenómeno y la inmensaa popularidad que adquirió 'Dominique' en todo el planeta hizo que se grabaran versiones en los idiomas más inimaginables. Incluso Hollywood se sumó al acontecimeinto, estrenando en 1966 'The singing Nun', con Debbie Reynolds en el papel de la religiosa y cuyo argumento, aunque ligeramente basado en la vida de Jeanine, era pura ficción.

Ese mismo año, Jeanine sufrió una crisis de fe y tras muchos tiras y aflojas con las directoras del convento, en los que estaban por medio la fama y el dinero, abandona el convento para continuar su carrera como cantante. Tuvo que comprometerse a no usar el nombre Soeur Sourire, ni traducido a otro idioma. Jeanine, contenta por poder marcharse a vivir su vida, firmó un documento de renuncia, y a partir de entonces Volvió a grabar discos, ésta vez bajo el nombre Luc Dominique. Su primer disco fue 'Soeur Sourire', en el que proclamaba que "Sor Sonrisas ha muerto".

Annie Pescher y Jeanine

Jeanine empezó a escribir canciones muy controvertidas. En ellas ponía en cuestión a las madres, a los hombres -a los que consideraba violentos y dominadores- y a la propia Iglesia católica, a la que además escandalizaba con su vida privada, ya que vivía con su pareja Annie Pescher. En 1967 grabó 'La pilule d'or', una oda a la píldora y al control de natalidad. Se apasionó por las nuevas concepciones de la Teología (entre el Concilio Vaticano II y los sucesos de mayo del 68) y buscó para ella misma y para su compañera, una nueva vía religiosa, situada entre la vida regular y la vida seglar. Llegó a secundar la afirmación de John Lennon en el sentido de sus declaraciones sobre la popularidad de Jesús de Nazareth.

Sin embargo, su nivel de vida fue muy irregular, encontró su sustento diario a través de sus escritos, sus discos, cursos de guitarra y sobre todo a través de su trabajo con niños autistas. En 1976 intentó un retorno a los Estados Unidos, pero nadie se interesó por ella. Los servicios fiscales de Bélgica reclamaron entonces las fortunas que debía haber ganado como Sor Sonrisa y permanecieron sordos a sus protestas en las que manifestaba haber entregado -cuando renunció-, todos los derechos al convento. Requirió entonces la ayuda de su antiguo convento y de la casa Philips. Las hermanas le dieron lo que consideraban que debía ser su parte pero la casa Philips, cuyos dividendos eran el 95% del total (el resto era para el convento) no quiso ayudarla.

Las autoridades religiosas fueron generosas y le ayudaron a adquirir su vivienda en Wavre, siempre que dejara de denigrar a la congregación y firmara un documento como que ya no le debían nada, cosa que hizo. Poder recuperar su nombre de Sor Sonrisa y un nuevo intento con una versión disco de 'Dominique', no le sirvió de mucho. Frente a la situación kafkiana de la deuda, monstruosa al fin (con intereses acumulados) Jeannine y su pareja Annie se sumieron en una profunda depresión que el alcohol y los medicamentos agravaron, y juntas, se suicidaron el 29 de marzo de 1985.
Por una ironía del destino, el día de su suicidio, y sin que ellas lo supieran, la SABAM (Sociedad Belga de Autores, Compositores y Editores) había recogido en una colecta para Jeanine, 571.658 francos belgas, mucho más que su deuda con el fisco que ascendía a 99.000 francos belgas.

Luiz Bonfá

El 17 de octubre de 1922 nació en Rio de Janeiro el guitarrista y compositor brasileño Luiz Bonfá, conocido sobre todo, por las canciones que escribió para la película 'Orfeo negro'

Desde muy pequeño, Bonfá aprendió solo a tocar la guitarra. Con doce años recibió clases del maestro uruguayo de la guitarra clásica Isaías Savio, clases que le obligaban a realizar largos y tediosos viajes en tren y caminando desde su hogar en los suburbios de Rio de Janeiro hasta la residencia del uruguayo, en los montes de Santa Teresa. Savio, viendo el increíble talento y dedicación del muchacho, decidió seguir enseñándole, aún cuando Luiz ya no estaba en condiciones de pagar las lecciones.

Jobim y Bonfá

Su estreno profesional fue el año 1947 en la Radio Nacional de Rio, entonces una importante plataforma para los nuevos valores de la música brasileña. Algunas de sus composiciones fueron grabadas algo más tarde por el crooner nacional Dick Farney, quien puso en contacto a Luiz con Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, el tándem de compositores estrella del país. Colaboró con ellos y con otros músicos de la vanguardia brasileña en la obra 'Orfeu da Conceiçao', que años después daría lugar al legendario film de Marcel Camus, 'Orfeu negro'.

En la floreciente escena jazz de Rio de Janeiro era habitual que músicos, artistas y dramaturgos colaboraran entre sí. Bonfá compuso parte de la música original que se mostró en 'Orfeu negro', incluidos los temas 'Samba de Orfeu' y su composición más famosa, 'Manha de carnaval' (publicada en inglés como 'A day in the life of a fool'), que según el libro de récords Guinness es una de las diez canciones más interpretadas del mundo. Como intérprete y compositor, Bonfá fue un sincero exponente del estilo samba-cançao lírico, atrevido y con arreglos exuberantes, que precedió la llegada de Joao Gilberto y su más refinada y tenue bossa-nova.  

Jobim, João Donato, Dorival Caymmi y otros contemporáneos también fueron músicos esencialmente practicantes de la samba-cançao, hasta que la repentina y masiva popularidad adquirida por el particular estilo a la guitarra de Joao Gilberto y su voz tenue transformaron la música del día en música del futuro. El impacto del film de Camus y las colaboraciones de Gilberto y Jobim con jazzmen norteamericanos como Stan Getz y Charlie Byrd, terminaron de dar el espaldarazo para que la bossa-nova fuera conocida en todo el mundo. En 1959 Luiz grabó el magnífico 'Solo in Rio' y Bonfá se convirtió en otro embajador más de la música brasileña en EEUU, comenzando con el famoso concierto de 1962 en el Carnegie Hall de Nueva York.

Luiz trabajó asímismo con numerosos músicos norteamericanos como Quincy Jones, George Benson, Stanley Clarke, Stan Getz y Frank Sinatra, grabando varios álbumes en EEUU, como 'The New Face of Bonfá' (1970), 'Introspection' (1972), 'Jacaranda' (1973), 'Non stop to Brazil' (1989) y 'The Bonfá Magic' (1992). Elvis cantó una composición suya, 'Almost in love' en la película 'Live a little, love a little' de 1968. Otros temas conocidos de Bonfá incluyen 'De cigarro em cigarro', 'Correnteza' (con Tom Jobim), 'The gentle rain', 'Menina flor', 'Mania de Maria' y 'Sem esse céu'. Bonfá murió en enero de 2001 a los 78 años.

Barney Kessel

El 17 de octubre de 1923 nació en Muskogee (Oklahoma) el guitarrista de jazz norteamericano Barney Kessel. Con 12 años compró su primera guitarra en una casa de empeños. En un cursillo de verano aprendió los fundamentos del instrumento. Todo lo demás lo fue aprendiendo solo, inspirándose en Charlie Christian, de quien se sentía discípulo confeso.

En 1941 se traslada a Los Ángeles donde entra en 1943 en la banda de Chico Marx y se establece como músico de estudio. En 1944 tocó junto a uno de sus ídolos, Lester Young en el legendario corto 'Jammin' the Blues'. En el film, que mostraba a más de una docena de músicos de jazz, Barney era el único músico blanco de la sesión y, para que no desentonara, se le mostró siempre entre sombras. Para los primeros planos, a sus manos se les aplicó un tinte de zumo de cerezas.
Fue un músico muy solicitado para las big-bands que andaban de gira y trabajó durante un tiempo con Charlie Barnet así como con Artie Shaw (1945), con el que registró sus primeras grabaciones.

En 1947 actuó por primera vez en Jazz at the Philarmonic y allí conoció a Charlie Parker, a quien acompañó, entre otros, en 'Relaxin' at Camarillo'. Participó en grabaciones de Ella Fitzgerald, Sonny Rollins y Billie Holiday. Entre 1952 y 1954 perteneció al trío de Oscar Peterson, hasta que dejó el puesto a Herb Ellis, para formar su propia banda.

Barney Kessel con The Wrecking Crew

Grabó con su nombre cerca de una decena de discos para los sellos, Verve y Contemporary entre los años 1953 y 1961, como 'Easy like, Vol 1' (1953) 'To swing or not to swing' (1955) y 'Some like it hot' (1959). En la década de los sesenta fue uno de los guitarristas de sesión más solicitados. Para muchos 'la primera opción', Kessel fue uno de los músicos clave de The Wrecking Crew, banda formada por grandes músicos de sesión que se puede oír en numerosas grabaciones pop de Phil Spector, Beach Boys y The Monkees, entre muchos otros.

En 1968 viaja a Europa de gira con el grupo del pianista George Wein y en Londres graba varios discos en directo liderando sus propias formaciones. entre ellos un homenaje a Django Reinhardt junto con Stephane Grapelli. En 1973, de vuelta en los EE.UU, participa en el concierto de los 'All Stars' y en el encuentro de 'Great Guitars' junto a Charlie Byrd y Herb Ellis. Con Ellis seguiría actuando unos años como dúo. Una enfermedad le apartó de los escenarios a primeros de los años noventa, cuando ya estaba consolidado como uno de los grandes guitarristas de la segunda mitad del siglo XX, a la altura de otros guitarrista coetáneos como, Joe Pass o Jim Hall. Un tumor cerebral acabó con su vida el 4 de mayo de 2004.

Cozy Cole

El 17 de octubre de 1909 nació en East Orange (New Jersey) el baterísta de jazz Cozy Cole que, a finales de los años cincuenta, consiguió un nº1 en las listas de R&B con su single 'Topsy, part 2'. El instrumental, que contenía un largo solo de batería, fue asimismo top5 en las listas pop y fue uno de los poquísimos temas con la batería como solista en la historia de la música popular que logró entrar en las listas de éxitos estadounidenses.

Cozy Cole en 1939

Comenzó su carrera con Wilbur Sweatman en 1928. En 1930 tocó con los Red Hot Peppers de Jelly Roll Morton, donde grabó sus primeros discos, e incluso, un solo de batería ('Load of Cole'). A comienzos de los años treinta tocó en las bandas de Blanche Calloway, Benny Carter, Willie Bryant y Stuff Smith, con los que adquiríó experiencia suficiente que más tarde le sería de gran utilidad para su versatilidad de estilos. Su fama legendaria se la ganó con Cab Calloway en la sección de ritmo que formaba con Bennie Payne, Danny Barker y Milt Hinton. Más tarde mientras tocaba en la banda de Raymond Scott, estudió piano, clarinete, vibráfono y percusión en la Juilliard School of Music.

Gene Krupa y Cozy Cole

En 1945 tocó en las representaciones en Broadway de 'Carmen Jones' y 'Seven lively arts', así como en la banda sonora del film de animación 'Make mine music'. También tocó para Benny Goodman y desde 1947 con Louis Armstrong and his All Stars, a quienes acompañó en sus giras europeas de 1949 y 1952. En 1954 fundó una academia de batería en Nueva York con su colega Gene Krupa. Otras apariciones suyas en el cine en la década de los cincuenta incluyen 'The Strip' (1951) film en el que Cozy dobla a Mickey Rooney, que interpreta el papel del baterista de la banda de Louis Armstrong y 'The Glenn Miller Story' (1953) en la que Cole realiza un duelo de baterías con Gene Krupa, duelo que repetirían varias veces más en su vida.

En 1957 acompañó a Jack Teagarden y a Earl Hines en sus giras por Europa. Al año siguiente, con su nuevo combo, consiguió un sorpresivo hit en las listas pop con el tema 'Topsy part 2', que incluía un largo solo de batería y que ya había sido un éxito en las listas de R&B en 1938 por Benny Goodman. 'Topsy II' logró vender más de un millón de copias y su 'Topsy, part 1' y 'Turvy', también lograron entar en el top40 americano. En los setenta volvió a tocar con Cab Calloway y Benny Carter. Murió en enero de 1981 a los 71 años.