Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 10 de noviembre de 1916 nació en Pittsburgh (Pennsylvania) el trompetista, compositor y arreglista de orquesta Billy May. Fue un brillante trompetista en la era de las big bands y más adelante labró su fama como arreglista de grandes cantantes como Frank Sinatra, Nat King Cole, Peggy Lee, Bobby Darin, Matt Monro y Bing Crosby. En los sesenta compuso música para el cine y varias series de TV.
Edwards William May Jr sufría de astma y el médico le recomendó tocar un instrumento de viento en la orquesta del colegio, por lo que Billy eligió la tuba. Más adelante aprendió a dominar el trombón y la trompeta. Junto a amigos de la adolescencia como Billy Strayhorn y Erroll Garner comienza pronto a interesarse por los arreglos y cuando finaliza la high-school, toca en varias orquestas locales. En 1938 Charlie Barnet lo contrata para su orquesta, donde Billy realiza los arreglos de 'Cherokee', una de las melodías emblemáticas de Barnet.
Una de sus sociedades musicales más duraderas fue con Frank Sinatra, a quien conoció ya en 1939 realizando los arreglos de la mayoría de los shows radiofónicos del cantante. Entre 1957 y 1979 se grabaron en Capitol y Reprise Records siete álbumes en los que May y Sinatra trabajaron codo con codo, entre ellos, 'Come Fly With Me' (1957), el ganador de un Grammy 'Come Dance With Me' (1958), 'Come Swing With Me' (1961) y 'Trilogy: Past, Present & Future' (1979).
Por otro lado, May tenía su propia orquesta desde 1951 con la que realizó varias grabaciones en los años cincuenta hasta que se la traspasó en 1954 a su colega Ray Anthony. Antes de eso, con músicos como Conrad Gozzo, Manny Klein, Barney Kessel, Si Zentner y Alvin Stoller, entre muchos otros, grabó para Capitol el tema 'Charmaine', muy popular en 1952. Por su álbum instrumental 'Billy May's Big Fat Brass', obtuvo en 1958 un Grammy y con su versión instrumental del tema de la película 'El hombre del brazo de oro' (protagonizada por Sinatra), Billy logró entrar en 1956 en las listas internacionales de éxitos, en Inglaterra fue incluso un Top10.
Uno de sus modelos fue Jimmy Lunceford, a quien May señaló como su mayor influencia. En 1957 le dedicó el álbum 'Jimmy Lunceford in Hi-Fi'. Su característica como arreglista consistía en una gran adaptabilidad, capacidad de experimentación y un sentido del humor musical, virtudes que se percibían a través de sus inesperados cambios de ritmo, dinámica y tempo, en la utilización de instrumentos exóticos de percusión, trompetas con sordina y glissandos en los saxos, como en 'These foolish things' de Nat King Cole. También era capaz de elegantes arreglos para tempos lentos como el arreglo de cuerdas que escribió para 'April in Paris' de Sinatra.
En los sesenta compuso música para el cine y varias series de TV, como 'Somewhere in the night', tema de la serie 'Naked City' (1960). Arregló con un estilo jazz la pieza de Nikolái Rimsky-Kórsakov 'El vuelo del moscardón', tema musical de otra serie, 'The Green Hornet' (1966), en el que Al Hirt toca la trompeta solista. May también compuso el tema de 'Batgirl' utilizado en 'Batman' (1966), cuando en 1967 se añadió al reparto el personaje, y su versión del tema de 'Misión Imposible', de Lalo Shifrin también fue muy popular.
Prácticamente retirado desde los años ochenta, a finales de los años noventa se apartó definitivamente tras una gira por Europa con su orquesta, aunque continuó trabajando en proyectos de estudio de nuevos valores como Michael Bublé. En otoño de 2003 concedió su última entrevista cuando intervino en un programa especial de TV sobre Peggy Lee. Unas semanas después, en enero de 2004, Billy May murió a los 87 años de insuficiencia cardiaca.
El 10 de noviembre de 1668 nació en París el compositor, organista y clavecinista francés del Barroco, François Couperin, siendo el más destacado representante de una dinastía de músicos galos cuyos orígenes se remontan al siglo XVI. Es uno de los más importantes compositores, junto con Jean-Philippe Rameau, de la música barroca francesa en general y de la música para clave en particular. Se le llamaba “Couperin le Grand” (Couperin el Grande) para distinguirlo de otros miembros de su familia, también músicos. Es el más destacado de todos ellos, por su inmenso virtuosismo al órgano y al clave.
François Couperin
Hijo del organista Charles Couperin, que fue así mismo su primer maestro, a los once años de edad se quedó huérfano de padre, por lo que su madre decidió que ingresara en la Casa de los Organistas de Portour para aliviar un tanto la comprometida situación económica de la familia. En 1679 Delalande le prometió su puesto de organista en San Gervasio, cargo que finalmente le entregó en 1686.
Cuatro años más tarde, y gracias también a un privilegio de Delalande, Couperin obtuvo la licencia para publicar dos misas para órgano — que finalmente no vieron la luz — y por ello fue nombrado organista del rey, cargo en el que alternó su labor de compositor con el de docente para príncipes y princesas. Su maestría en la interpretación facilitó en 1693 su entrada en la corte como organista de la capilla real de Luis XIV, donde tuvo a su cargo, además, la educación musical del sucesor.
Clavecín usado en la corte de Luis XIV
Sus méritos le hicieron ascender rápidamente en la escala social y así, en 1696, Couperin ya poseía escudo de armas y poco más tarde fue nombrado Caballero de la Orden de Letrán. En 1717 Couperin sucedió a D´Anglebert como ordinario de la música para clavecín en Versalles. Allí tuvo la oportunidad de impartir clases a lo más selecto de la nobleza francesa, resumiendo sus enseñanzas en “Régles pour l´accompagnement” y en el tratado “L´Art de toucher le clavecin”. Debido a su frágil estado de salud, en 1730 Couperin se vio obligado a ceder su cargo de organista real a Guillaume Marchand. Finalmente, el 11 de septiembre de 1733 Couperin falleció en París.
François Couperin
Couperin fue el miembro más distinguido de una familia francesa de músicos que llegó incluso a rivalizar con la dinastía de los Bach en Alemania. Aparte de una cierta música religiosa muy bien acabada, Couperin se dedicó principalmente a la música instrumental caracterizada por el estilo de la época aunque mucho más ornamentada y florida que los estilos italiano y alemán, preferidos por compositores como Bach, autor con quien mantuvo una interesante correspondencia epistolar. Sus obras para teclado, consideradas como un tesoro nacional francés, aún hoy en día son básicas en el repertorio y personifican la música instrumental barroca en Francia.
Órgano de Notre-Dame
Sus obras para órgano, clave y distintas agrupaciones camerísticas revelan, por un lado, la asunción de la tradición musical francesa y, por otro, una curiosidad innata reflejada en la influencia de la música italiana, en particular de las sonatas de Arcangelo Corelli.
El género se caracteriza por la reducción de las grandes secuencias del estilo Barroco a frases breves, cuidando delicadamente las líneas melódicas, que aparecen llenas de una vasta ornamentación. Esta ornamentación no tenía un carácter de “añadido” sino que formaba parte del canto y su expresividad, de ahí que el propio Couperin especificara en el prefacio del tercer libro de sus piezas de clavecín que no debía modificarse libremente (costumbre muy extendida en la época): “Yo declaro que mis piezas hay que ejecutarlas como yo las he escrito y que no harán impresión sobre las personas que tengan verdadero gusto en tanto que no se observe al pie de la letra todo lo que yo he indicado, sin aumentar ni disminuir”
Su obra para teclado se concentra en cuatro libros de “Pièces pour clavecin” en los cuales recopila diferentes suites de danzas, a las que el compositor denomina “ordres” (con un total de 27 entre los cuatro libros). Cada “ordre” se componía de un número de piezas “en miniatura” variable (a veces hasta 20) y en ellas Couperin abandonó los nombres de danzas tradicionales por otros de carácter descriptivo, nombres de personajes, etc. Las piezas pertenecientes a cada “ordre” estaban unidas de forma superficial por la tonalidad, aunque con mucha flexibilidad.
Señala McLeis que "Sus ordres son deliciosos esbozos que se presentan como los antecesores de las piezas de piano, a modo de 'postales ilustradas' de Albéniz, o de los Preludios de Debussy", como “Les barricades mystérieuses”del 6º “ordre” (Scott Ross)
Música para clave - "El arte de tocar el clave" (L'art de toucher le clavecin), 8 Preludios (1716); Preludio 5 (Robert Hill, Clavecín) Este famoso libro contiene ejercicios de digitación, pulsación, ornamentación y otros aspectos de la técnica para teclado. Es una valiosa guía para comprender la música de Couperin y el estilo francés de la época, mucho más ornamentado que los estilos italiano y alemán de la época. Influyó en J.S. Bach, que adoptó su sistema de digitación, incluyendo el uso del pulgar, que Couperin explicaba para tocar el clavicémbalo.
- 4 libros de suites (1713, 1716 -1717, 1722 y 1730).
Suites para clavicémbalo “Les Folies Francaises Ou Les Dominos”(Cziffra György, piano, transcripción).
Maestro incontestable del clavicémbalo, François Couperin adapta la "suite de danses" a su sensibilidad poética. El 'ordre' es equiparable a las suites instrumentales de los maestros alemanes de su época.Estas 220 piezas para clavicémbalo las agrupa en veintisiete Ordres :
• Deuxième livre (Segundo libro, 1716-17) : Ordres 6 à 12
-6e ordre, si M : “Les moissoneurs” (Cziffra György, piano) ; Les langueurs-tendres; Le gazoüillement; La Bersan; “Les barricades mystérieuses” (Cziffra, piano transcripción); Les bergeries, rondeau; La commére; Le moucheron.
-7e ordre, sol M/sol m: La Ménetou; Les petits âges: La muse naissante, L’enfantine, “L’adolescente” (Blandine Verlet clavecin), Les délices; La Basque; La Chazé; Les amusemens.
-8e ordre, si m: La Raphaéle; Allemande L’Ausoniéne; [Premiere] courante; “Seconde courante” ; “Sarabande L’unique” (Christophe Rousset, clavicémbalo) ; “Gavotte”; “Rondeau”; “Gigue”; “Passacaille” (Marcelle Meyer, piano);
-9e ordre, la M/ la m: Allemande à deux clavecins; La rafraîchissante; Les charmes; La Princesse de Sens; L’olimpique; L’insinüante; La séduisante; “Le bavolet-flotant” (Pierre Barbizet, piano, transcripción); Le petit-deüil, ou Les trois veuves; Menuet.
-10e ordre, ré M/ré m: La triomphante; La Mézangére; La Gabriéle; “La Nointéle”; “La fringante”; “L’amazône”; “Les bagatelles” (Olivier Baumont, clavicémbalo).
-11e ordre, do m/do M: La castelane; L’etincelante, ou La bontems; Les graces-naturéles; La Zénobie; “Les fastes de la grande et anciénne Ménestrandise (en 5 actes)” (Olivier Beaumont, clavecín).
-12e ordre, mi M/mi m: Les juméles; L’intîme, mouvement de courante; La galante; La coribante; “La Vauvré”; “La fileuse”; “La boulonoise”; “L’Atalante” (Olivier Beaumont, clavecín)
• Troisième livre (Tercer libro, 1722) : Ordres 13 à 19:
- 13e ordre, si m: Les lis naissans; Les rozeaux; L’engageante; “Les folies françoises” (Cziffra, piano transcripción), ou Les dominos; L’âme-en peine.
- 14e ordre, ré M/ré m: “Le rossignol-en-amour” (Ernst Stolz, viola de gamba, transcripción); Double du rossignol; La linote-éfarouchée; Les fauvétes plaintives; Le rossignol-vainqueur; La Julliet; Le carillon de Cithére; Le petit-rien.
-15e ordre, la m/la M: La régente, ou La Minerve; Le dodo, ou “L’amour au berceau” (Alexandre Tharaud, piano, transcripción) ; L’evaporée; Muséte de Choisi; Muséte de Taverni; La douce et piquante; Les vergers fleüris; La Princesse de Chabeüil, ou La muse de Monaco
- 16e ordre, sol M/sol m: Les graces incomparables, ou La Conti; L’himenamour; Les vestales; L’aimable Thérése; Le drôle de corps; La distraite; La Létiville(Blandine Verlet)
- 17e ordre, mi m: “La superbe, ou La Forqueray” (Nicholas Parle, clavecin); Les petits moulins à vent; Les timbres; Courante; Les petites chrémiéres de Bagnolet.
- 18e ordre, fa m/fa M: Allemande La Verneüil; La Verneüilléte; Sœur Monique; Le turbulent; L’atendrissante; “Le tic-toc-choc” (Marcelle Meyer, piano) ou Les maillotins; Le gaillard-boiteux. Completa (Sokolov, piano)
-19e ordre, ré m/ré M: Les Calotins et les Calotines, ou La piéce à tretous ; “Les Calotines" (Alexandre Tharaud, piano); Les Calotines; L’ingénuë; L’artiste; Les culbutes; La muse-Palantine; L’enjouée.
• Quatrième livre (Cuarto libro, 1728) : Ordres 20 à 27:
- 20e ordre, sol M/sol m: La Princesse Marie; La boufonne; “Les chérubins ou L’aimable Lazure" (Alexandre Tharaud); La Croûilli, ou La Couperinéte; La fine Madelon; La douce Janneton; La Sezile; Les tambourins.
- 21e ordre, mi m: "La reine des cœurs; La bondissante; La Couperin; La harpée; La petite pince-sans rire". (Falerno Ducande Arcade, clavecín)
- 22e ordre, ré M/ré m: Le trophée; Le point du jour, allemande; “L’anguille” (Cziffra, transcripción piano); Le croc-en-jambe; Menuets croisés; Les tours de passe-passe.
- 23e ordre, fa M: L’audacieuse (La muchacha valiente); “Les tricoteuses” (Los tejedores); L’arlequine (Arlequín); Les gondoles de Délos (Las góndolas de Delos); Les satires, chevre-pieds (Sátiros).
- 24e ordre, la m/la M: Les vieux seigneurs, sarabande grave; Les jeunes seigneurs; Les dars-homicides; Les guirlandes; Les brinborions; La divine-Babiche, ou Les amours badins; La belle Javotte, autre fois l’infante; L’amphibie, "Mouvement de passacaille" (Pierre Hantaï, clavicémbalo)
- 25e ordre, mi M/do M/do m: La visionnaire; La misterieuse ; La Monflambert; La muse victorieuse; “Les ombres errantes” (Alexandre Tharaud, piano)
-26e ordre, fa m: “La convalescente; Gavote; La Sophie; L’epineuse; La pantomime”. (Falerno Ducande Arcade, clavicémbalo)-27e ordre, si m: “L’exquise, allemande; Les pavots; Les chinois; Saillie”. (Falerno Ducande Arcade, clavicémbalo)
Música para órgano
- Dos misas (1690). Son cuarenta y dos piezas de órgano, agrupadas en dos colecciones llamadas Misas, una à “l'usage ordinaire des paroisses” (a la usanza ordinaria en las parroquias) y otra “propre pour les convents de religieus et religieuses” (apropiada para los conventos de religiosos y religiosas).
Música de cámara
- 5 sonatas en trío (hacia 1690). Couperin reconoció su deuda con el compositor italiano Arcangelo Corelli; introdujo en Francia la forma sonata en trío creada por Corelli. Estas sonatas llevan por nombre: “La Pucelle”, “La Steinkerque”, “La Visionnaire” y “L'Astrée”. La sonata en cuarteto (hacia 1695): “La Superbe” y “La sultane” (Capriccion Stravangante, Dir: Skip Sempé)
- 4 Concert royaux (Conciertos Reales) (1714) “Concierto nº 1” (Le Concert des Nations Dir. Jordi Savall) “Concierto nº 2” (Le Concert des Nations Dir. Jordi Savall)
- "Apothéoses", suites en trío (1724). A una la subtituló “Le Parnasse ou l'Apothéose de Corelli” (el Parnaso, o la Apoteosis de Corelli). (Hespèrion XX , dir. Jordi Savall ). Y la otra recibe el nombre de “Concert en forme d'apothéose à la mémoire de l'incomparable M. de Lully”, conocida como Apoteosis de Lully. (Les Ombres, Margaux Blanchard, Sylvain Sartre)
- 10 “Nouveaux Concerts ou les Goûts reunís” o "Los estilos reunificados" (1724)14ème concert.1. Prélude, 2.Allemande, 3.Sarabande, 4.Fuguète(Stradivaria, Daniel Cuiller). En esta obra fusionó los estilos musicales italiano y francés.
Influyó en la música para piano de Johannes Brahms, quien interpretó la música de Couperin en público y contribuyó a la primera edición completa de las “Pièces de clavecin”, realizada por Friedrich Chrysander en la década de 1880. Richard Strauss orquestó algunas de las piezas para clavicémbalo y Maurice Ravel le homenajeó en "Le Tombeau de Couperin" (La muerte de Couperin) (Pierre Boulez & The Berlin Philarmonic).
El 9 de noviembre de 1941 nació en Berkeley (California) el cantante y guitarrista estadounidense Tom Fogerty, conocido por haber sido miembro del grupo Creedence Clearwater Revival junto a su hermano menor John.
The Blue Velvets
Tom comenzó a cantar en grupos de rock & roll de su high school, asi como su hermano John, tres años menor. Con bandas separadas, Tom era el cantante solista de Spider Webb and the Insects, y con ellos logró firmar un contrato con Del-Fi Records, pero en 1959 se disolvieron sin llegar a grabar. Por otro lado, John lideraba The Blue Velvets, los cuales, cuando Tom se quedó sin grupo, lo ficharon como voz solista. The Blue Velvets grabaron tres singles para Orchestra Records en 1961 y 1962 con temas como 'Have you ever been lonely', 'Come on baby', 'Oh my love' y 'Bonita'.
The Golliwogs
A mediados de los años sesenta, la banda cambió de nombre y como The Golliwogs grabaron varios singles para Fantasy Records como 'Little girl', 'You can't be true', 'Gonna hang around', 'Tell me' o 'Brown eyed girl'. Aquí John ya compartía la voz solista con Tom y, poco a poco el menor de los Fogerty se fue haciendo con el liderazgo del grupo. Cuando en 1968 adoptaron el nuevo nombre de Creedence Clearwater Revival, John ya era claramente la cabeza visible del grupo y su principal compositor.
En el siguiente lustro Creedence Clearwater Revival publicaría una serie de álbumes que son hoy considerados obras clásicas del rock, con temas como 'Suzie Q', 'Green river', 'Bad moon rising', 'Proud Mary' o 'Fortunate son'. El papel de Tom en el grupo quedó relegado a segundas voces, aunque seguía componiendo. Sin embargo, sólo uno de sus temas, 'Walking on the water' llegó a grabarse y, a pesar del enorme éxito de CCR, dolido por no ver reconocida su contribución al grupo, Tom abandona la formación en 1971.
'Tom Fogerty' (1971)
La relación con su hermano permaneció tensa a lo largo de los años. Creedence Clearwater Revival continuó como trío, y John, escarmentado, permitió a Doug Clifford y Stu Cook -los dos miembros restantes- participar más activamente en las composiciones del nuevo álbum, 'Mardi Gras', tras cuya publicación, la banda se separó definitivamente.Tom grabó un primer single en solitario, 'Goodbye media man', que casi entra en el Top100, al que siguió su primer álbum 'Tom Fogerty'(1972), que con un puesto 78, fue el único de sus trabajos que logró entrar en las listas Billboard.
Tom en 1974
El siguiente, 'Excalibur' (1972), contaba con colaboraciones de Jerry García y Merl Saunders, pero ni así lograron levantar un álbum cuyo contenido, aunque no tratara de copiar descaradamente el sonido de CCR, era un rock carente de personalidad con las mismas influencias country y blues de la banda. Tuvo otro hit menor con 'Joyful Resurrection' contenido en su álbum 'Zephyr National' (1974), que volvía a reunir en una grabación a los cuatro componentes del grupo (John grabó su pista por separado en un estudio diferente). Le siguió 'Myopia', también en 1974, cuyas pobres ventas provocaron la salida de Tom de Fantasy Records.
En 1980 los cuatro dejaron por un momento sus diferencias para tocar juntos en la boda de Tom, pero los siguientes años, litigios con Fantasy Records por los royalties de la banda, y nuevas desavenencias personales con su hermano los mantendrían separados. Tom, al contrario que John se alineó con Fantasy y publicó un par de álbumes más durante los años ochenta, 'Deal it Out' (1981) y 'Precious Gems' (1984), ambos sin éxito comercial.
En septiembre de 1990 Tom murió a los 48 años de SIDA que contrajo, al parecer accidentalmente, en una transfusión de sangre.
El 8 de noviembre de 1947 nació en Chicago (Illinois) la cantautora norteamericana Minnie Riperton, poseedora de una prodigiosa voz de cinco octavas y media, que compuso y grabó una de las más bellas baladas del soul, 'Lovin' You'.
Nacida Minnie Julia Riperton como la última de ocho hermanos de la pareja formada por Thelma y Daniel Riperton, demostró pronto sus habilidades artísticas. Aunque comenzó estudiando ballet y danza, sus padres percibieron su talento cantando y la animaron a hacer carrera en la música. En el Chicago Lincoln Center recibió clases de canto lírico de Marion Jeffrey. Practicó con los fraseados y la respiración con un énfasis particular en la dicción. Jeffrey también la entrenó para que hiciera uso de su amplio registro vocal que abarcaba cinco octavas y media. En esa época, Minnie cantaba operetas y canciones de Broadway, preparándose para una carrera en la ópera. Sin embargo, en el camino, Minnie se topó con el soul, el R&B y el rock, que se convirtieron en su prioridad.
Minnie (2ª por la izq.) con The Gems
Debutó profesionalmente a los quince años como miembro del grupo vocal The Gems. Raynard Miller, un pianista ciego, la oyó cantar y se convirtió en su mentor. The Gems tuvieron un éxito comercial muy limitado pero fue una plataforma para mostrar el talento de Riperton. Pronto se convirtieron en un grupo vocal de sesión conocido como Studio Three y fue durante este periodo en el que realizaron los coros del hit de Fontella Bass'Rescue me'. En 1964 publicaron el single 'I can't help myself' que fue un éxito local y su última grabación como The Gems fue en 1965 con 'He makes me feel so good'.
A continuación grabarían diversos singles con nombres diferentes: 'Baby I want you' de 1966 como Girls Three y 'My baby's real' en 1967 como las Starlets, adquiriendo éste último la categoría de disco de culto entre los fans del northern soul. Para entonces Minnie ya se había graduado en la Hyde Park High School e ingresado en el Loop College, donde llegó a ser admitida en la prestigiosa fraternidad estudiantil Zeta Phi Beta, En 1967 conoció al cantautor Richard Rudolph (con el que se casó cinco años después) y dejó los estudios para dedicarse de lleno al música. Su última grabación como miembro de un grupo vocal femenino fue en 1968 con 'Watered down'. Seguidamente graba sus primeros discos como solista y sus primeros éxitos locales son 'Lonely girl' y 'You gave me soul', escritos por otro de sus mentores, el productor Billy Davis, por lo que, en su honor, Minnie adopta el nombre artístico de Andrea Davis.
Rotary Connection en 1970
Unos meses después, Riperton se une a un grupo de funky-soul psicodélico llamado Rotary Connection, fundado por Marshall Chess, hijo del creador del legendario sello, Leonard Chess. El grupo grabó entre 1967 y 1970 cinco álbumes entre los que caben destacar el primero, 'Rotary Connection', 'Peace' (1968) y 'Songs' (1969).
'Come to my Garden' (1970)
En Rotary Connection conoce a Charles Stepney que co-produce, arregla y orquesta su primer álbum en solitario, 'Come To My Garden', publicado en 1970. Aunque resulta un fracaso comercial, está hoy día considerado por numerosos críticos y aficionados una obra maestra. En 1973 Minnie se encontraba semi-retirada. Casada con Rudolph, era ama de casa y madre de dos hijos pero seguía componiendo y realizando grabaciones caseras con su marido. Una de ellas llegó a oídos de Don Ellis, director artístico de Epic Records, quien le firma un contrato.
'Perfect Angel' (1974)
Minnie y su familia se trasladan a Los Angeles y allí bajo producción de Stevie Wonder se grabó 'Perfect Angel' (1974). Había ocho canciones previstas para el álbum pero Wonder pensó que faltaba una más para completar los 40 minutos habituales de un long play de la época. 'Lovin' you' se grabó en el último momento, casi como canción de relleno y era una nana que Minnie le solía cantar a su hija para dormir. Stevie la acompañó al piano eléctrico y se le añadieron sonidos de pájaros de un disco de efectos especiales. Nadie imaginó que llegaría al nº1. Tanto el single como el álbum fueron discos de oro.
Seguidamente, Riperton y Richard Rudolph comenzaron a trabajar en su tercer álbum, 'Adventures in Paradise' (1975) producido por el mismo productor que los Crusaders. Además, Joe Sample era el autor del tema que daba título al álbum.
'Adventures in Paradise' (1975)
Aunque contenía el hit de R&B 'Inside my love', el álbum no repitió el éxito del anterior e incluso algunas emisoras se negaron a radiar el tema debido a una frase en la letra que decía "Will you come inside me?" ('¿Quieres entrar en mi?' o, también: '¿Quieres correrte dentro de mi?'). En la portada del álbum, Minnie aparecía sentada en un sillón con un león tumbado a su lado. Durante una de las sesiones fotográficas, el felino -seguramente con la intención de jugar con ella- se abalanzó sobre la cantante, teniendo que intervenir rápidamente los domadores y responsables del animal. El incidente, que pudo tener un trágico desenlace, quedó en una anécdota que los protagonistas contaron jocosamente en un programa de Sammy Savis Jr.
'Stay in Love' (1977)
En 1976 le fue diagnosticado un cáncer de mama y le practicaron una mastectomía. Esto no paró la enfermedad y le dieron seis meses de vida. Minnie los convirtió en tres años y aún tuvo tiempo de grabar dos álbumes más antes de morir. En su cuarto álbum, 'Stay in Love' (1977), se incluía otra colaboración con Stevie Wonder, 'Stick together' y, aunque seguía componiendo con Minnie, fue el primer álbum en el que Rudolph no intervino en la producción, labor de la que se encargó el veterano productor de la Motown, Freddie Perren.
'Minnie' (1978)
En 1978 Rudolph y Riperton cambiaron de sello y firmaron con Capitol, donde Minnie grabó el que sería su último álbum en vida, 'Minnie'.Contenía 'Memory lane', una de sus mejores canciones que significaba un adiós a su familia y al mundo.Murió en julio de 1979 a los 32 años en brazos de su marido mientras escuchaba una canción que Stevie Wonder había grabado para ella. Su epitafio reza como la primera línea de su más famosa canción: "Lovin' you is easy cause you're beautiful..."
Tras su muerte, diversos artistas ayudaron a Richard Rudolph a completar su tributo a Minnie, 'Love Lies Forever', publicado con una selección de temas cantados por Riperton, en los que se separó su pista vocal y se volvió a grabar desde cero la instrumentación y las voces adicionales, proporcionadas por artistas como Roberta Flack, Peabo Bryson, Michael Jackson y Stevie Wonder. Quincy Jones describió el proceso así: "Mantuvimos el puente y cambiamos el agua".
El 8 de noviembre de 1883 nació en Pendennis Road, Streatham, Londres, el compositor y poeta inglés Sir Arnold Edward Trevor Bax cuyo estilo musical mezcla elementos del romanticismo y el impresionismo, con una marcada influencia celta. Sus partituras orquestales sobresalen por su complejidad y su colorida instrumentación.
Estudió en la Royal Academy of Music, donde fue discípulo de T. Matthay (piano) y F. Corder (composición). La influencia de la novela celta y su amor por Irlanda le llevaron a participar en el movimiento irlandés y a publicar, bajo el seudónimo de Dermot O'Byrne, The Sisters y Green Magic. Bax tenía un espíritu sensible y perspicaz, y se inspiró en una amplia gama de fuentes. Se encaprichó con Irlanda, y comenzó a viajar extensamente por allí descubriendo finalmente el pequeño pueblo de Donegal, Glencolumbkille, al cual regresó anualmente durante casi 30 años. Aquí, Bax se inspiró en el paisaje y en el mar, en la cultura y en la vida de los campesinos irlandeses locales, a muchos de los cuales Bax consideró como amigos cercanos. El encuentro de Bax con la poesía de Yeats y los paisajes de Irlanda, fructificó en muchos trabajos nuevos tanto musicales como literarios.
El Cuarteto de cuerda en Mi (1903), que más tarde fue adaptado al poema sinfónico Cathaleen-Ni-Houlihan (1905) son buenos ejemplos de cómo Bax comenzó a reflejar Irlanda en su música. Bax no sólo resultó un compositor sorprendentemente maduro en estos trabajos, sino que desarrolló en ellos una textura musical impresionística flotante y ondulante, usando técnicas orquestales no conocidas hasta el momento, ni siquiera en Claude Debussy. Muchos de los trabajos que escribió Bax entre 1903 y 1916 pueden ser vistos como los homólogos del resurgimiento literario irlandés.
Los poemas sinfónicos Into The Twilight (1908) (Bryden Thomson & Ulster Orchestra), In The Faery Hills (1909) y Rosc-catha [Battle hymn] (1910), repiten los temas del resurgimiento y especialmente el suave y maravilloso estilo de muchos poemas e historias. La influencia irlandesa es sólo una de las muchas que se encuentran en la música de Bax. Una temprana afinidad hacia Noruega y la literatura de Bjørnstjerne Bjørnson, plasmaron en su música los temas y estilos de los países nórdicos. De 1905 a 1911, alternó constantemente en sus composiciones temas celtas y nórdicos. Incluso intentó aprender algo de noruego, y la canción The Flute (1907), para voz y piano, es una adaptación musical de un poema original de Bjørnson. Buenos ejemplos de la afinidad de Bax hacia lo nórdico, aunque más tardíos, son Hardanger para dos pianos (1927) y el poema sinfónico orquestal The Tale the Pine-Trees Knew (1931) (Bryden Thomson & Ulster Orchestra).
En 1910, una aventura amorosa con la joven ucraniana Natalia Skarginska, le lleva a San Petersburgo, Moscú y Lubny (en las cercanías de Kiev), quedando fascinado por los temas rusos y eslovenos. La relación con Skarginska acabó en una agonía emocional de la que nunca se recuperaría por completo.
Sus sentimientos se reflejaron en la Sonata para piano nº 1 en Fa sostenido (1910, revisada entre 1917-20) (Joyce Hatto - Piano). La influencia de Rusia y Ucrania también se descubre en dos trabajos para piano solo de 1912: Nocturne–May Night in the Ukraine y Gopak (Russian dance). En 1915 aparece In a Vodka Shop (Ashley Wass, piano) también para piano solo. La influencia rusa se encuentra en muchas de las obras posteriores de Bax, y es especialmente predominante en las Sinfonías nº 1 a 3.
Poco después del regreso al Reino Unido, Bax se casó con Elsita Sobrino –una amiga de la infancia– en enero de 1911. Se establecieron en Bushy Park Road, Rathgar, Dublín. Aquí, el hermano de Bax, Clifford, les introdujo en el círculo intelectual que se reunía en la casa del poeta, pintor y místico George William Russell.
Por aquel entonces Bax ya había publicado alguno de sus poemas e historias cortas en Dublín, y en el círculo era conocido simplemente por el pseudónimo Dermot O’Byrne (posiblemente se inspiró en una renombrada familia de músicos tradicionales de Donegal). Como Dermot O’Byrne, Bax era conocido especialmente por 'Seafoam and Firelight', publicado en Londres por “The Orpheus Press” en 1909, y numerosas historias cortas y poemas publicados en diferentes medios de comunicación de Dublín. Fue en casa de Russel donde conoció al republicano irlandés Patrick Pearse. Según Bax se llevaban muy bien, y aunque sólo se viesen una vez, la ejecución de Pearse tras el Alzamiento de Pascua de 1916, le movió a componer varios lamentos. El más conocido es In Memorian Patric Pearse (1916) (The BBC Philharmonic & dir. Vernon Handley)
Harriet Cohen y Arnold Bax
La amenaza de la guerra llevó a la disolución del círculo de Rathgar, ya que muchos de sus miembros volaron por Irlanda y Europa. Bax y su familia regresaron a Londres –fue la pérdida de una vida maravillosa. Bax se libró del servicio militar debido a una insuficiencia cardíaca, y pasó los años de la guerra componiendo profusamente. Aunque la Primera Guerra Mundial desencadenó horrores inimaginables hasta ese momento, fue el Levantamiento de Pascua y la destrucción de Dublín lo que más le perturbó. Como la Irlanda de Bax –su refugio y retiro– se perdió por un conflicto encarnizado y por una guerra brutal, buscó refugio en el vínculo amoroso con la joven pianista Harriet Cohen.
Harriet Cohen en 1920
Lo que comenzó como una relación puramente profesional –Cohen tocando y abogando la música para piano de Bax– se convirtió en una relación apasionada. Su amor aún no podía ser permitido por el código social contemporáneo, lo que hizo que Bax y Cohen sufrieran considerablemente. Irónicamente, pero quizá no inesperadamente, este periodo de dificultad en la vida de Bax le llevó a componer atractivos poemas sinfónicos, incluyendo Summer Music (1916), Tintagel (1917) y November Woods (1914-17) (BBC Philharmonic & Vernon Handley). En Tintagel, se retrotrae a leyendas y sueños, específicamente el del fatal amor de Tristán e Isolda. Tintagel es, indudablemente, el poema sinfónico más conocido de Bax, especialmente por su colorida evocación del mar. La relación de Bax con Cohen indujo a algunos críticos a suponer un vínculo freudiano entre la aducida pasión sexual de Bax y el tema acerca del mar en Tintagel. Sin embargo, los escritos personales de Harriet Cohen y la investigación de los mismos por parte de los eruditos –tal como el musicólogo noruego Thomas Elnaes– indican que tal vínculo es, como mucho, especulativo. Los trabajos de Bax durante este periodo reflejan profundos conflictos psicológicos, como la apasionada y profundamente conflictiva Sinfonía No1 en Mi bemol (Vernon Handley & BBC Philharmonic Orchestra), con la que consiguió una fama considerable.
De 1928 en adelante, Bax dejó de viajar a Glencolumbkille y, en su lugar, comenzó su migración anual a Morar, al oeste de las Highlands escoceses, para trabajar. Bax esbozaría sus composiciones en Londres, y las orquestaría durante el inverno en el Station Hotel de Morar.
En esa época, Bax encontró un nuevo amor en Mary Gleaves, quién le acompañaría a Escocia. Durante el periodo en Morar, que duraría hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Bax redescubrió su interés por Noruega y los países nórdicos, y encontró una nueva inspiración en el compositor finés Jean Sibelius. Bax orquestó las Sinfonías nº 3 a 7 en Morar, pero también varios de sus mejores trabajos orquestales, incluyendo las tres Northern Ballads (Vernon Handley & the London Philharmonic Orchestra).
Las siete sinfonías se compusieron en un breve lapso de tiempo, y quizá son el ciclo de sinfonías más coherente de cualquier compositor. Se distinguen por su estructura en tres movimientos, a diferencia de los usuales cuatro movimientos. Además, reflejan muchas de las influencias de Bax, y son profundas obras de arte, con una honda dimensión psicológica unida a evocaciones paisajísticas. Gracias a sus sinfonías, Bax se ganó la reputación de sucesor de Sir Edward Elgar.
Bax y Mary Greaves en 1953
Bax recibió el título de caballero en 1937 (knight bachelor), pero no estaba enteramente preparado para disfrutar de este honor. Sostuvo que había tenido un duro periodo de crecimiento –el hacerse mayor le deprimió y sucumbió gradualmente al alcoholismo—. También se sentía alienado por los nuevos desarrollos en las composiciones modernas, y se dio cuenta, y lamentó, que su estilo dejaba de estar de moda.
En 1942 fue nombrado “Maestro de la música del rey”, una decisión que no agrado en el ambiente musical británico. Fue considerado por muchos como un atípico compositor inglés, algunos de ellos recalcando la “irlandización” de su música.
De los últimos trabajos de Bax, tan sólo las partituras cinematográficas para Malta y Oliver Twist (1948) (Eric Parkin, piano & dir. Kenneth Alwyn) tuvieron realmente éxito. Aunque le hicieron ganar una renovada aclamación del público, esto éxitos no podían compensar el hecho de ser considerado como un fósil musical por los compositores y críticos contemporáneos. Bax se retiró de la escena pública y vivió tranquilamente en el White Horse Hotel en Storrington, Sussex.
En 1929, el Father Mathew Feis –un competido festival de música organizado por los Padres Capuchinos– invitó a Bax a formar parte del jurado del festival. Fue el pianista irlandés Tilly Fleischmann quién le propuso como jurado, sabiendo que estaba familiarizado con Irlanda y la situación irlandesa. Esta fue la primera vez que Bax conoció músicos irlandeses –aparte de músicos folclóricos—. En Cork, le presentaron a destacados músicos, como al pianista Charles Lynch y a la cantante Maura O’Connor, que interpretarían muchas de sus obras.
Arnold Bax y Aloys Fleischmann en Cork
La primera visita de Bax a Cork supuso el comienzo de 25 años de amistad con la familia Fleischmann. Bax sabía que las interpretaciones de su música cada vez eran menos frecuentes en el Reino Unido y Tilly Fleischmann le demostró que su música tenía mucho atractivo en Irlanda. Sin embargo, Bax hizo muy poco por promover sus composiciones. Por ello su música no se oyó a escala nacional en Irlanda hasta que Aloys Fleischmann Jr. comenzó a dirigir los trabajos orquestales con la Irish Radio Orchestra en Dublín, justo después del final de la guerra. En 1946, Bax llegó a ser examinador externo en el University College Cork y en el University College Dublin, y también dio clases particulares a jóvenes irlandeses aspirantes a compositores.
Recibió un doctorado honorífico de la Universidad Nacional de Irlanda en 1947. En 1953 se le honró con el nombramiento de Knight Commander of the Royal Victorian Order (KCVO), una distinción personal de la reina. Bax falleció durante una visita a los Fleischmann un año después –posiblemente por una insuficiencia cardíaca. Una de sus últimas composiciones fue Coronation March para la reina Elizabeth II. Bax está enterrado en el cementerio de San Finbarr, en la ciudad de Cork.
En los sesenta compuso música para el cine y varias series de TV, como 'Somewhere in the night', tema de la serie 'Naked City' (1960). Arregló con un estilo jazz la pieza de Nikolái Rimsky-Kórsakov 'El vuelo del moscardón', tema musical de otra serie, 'The Green Hornet' (1966), en el que Al Hirt toca la trompeta solista. May también compuso el tema de 'Batgirl' utilizado en 'Batman' (1966), cuando en 1967 se añadió al reparto el personaje, y su versión del tema de 'Misión Imposible', de Lalo Shifrin también fue muy popular.
