Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
Los textos destacados en rojo son más de 25.000 enlaces a Youtube y Spotify.
El 11 de noviembre de 1930 nació en Cowpens (Carolina del Sur) el guitarrista Hank Garland, que como músico de estudio de Nashville acompañó a artistas como Elvis Presley, Patsy Cline y Roy Orbison, entre muchos otros. Su guitarra se oye en prácticamente todas las grabaciones que realizó Elvis entre 1957 y 1961.
Hank comenzó a tocar la guitarra con sólo 6 años. A los 12 ya aparecía en los shows de radio locales y con 14 años fue descubierto por Frank Howard, de los Arkansas Cotton Pickers y se lo llevó al Grand Ole Opry. Pero su prometedor futuro se vio interrumpido, ya que no se permitía a un menor de edad trabajar como profesional en la música. Cuando cumplió los 16, Howard llamó de nuevo al muchacho y fue entonces cuando comenzó su carrera musical. Se mudó a Nashville, donde compartió habitación con el bajista Bob Moore y el violinista Dale Potter en la pensión de Ma Upchurch y tres años después, en 1949, Hank firmaba con Decca Records y grababa el tema 'Sugarfoot Rag', que vendió más de un millón de copias y se convirtió en un clásico. Los siguientes años, Hank grabó para Decca/Chic varios discos instrumentales en los que mostraba su destreza con la guitarra.
Entre 1957 y 1961 grabó con Elvis Presley temas como 'Little sister', 'A big hunk o'love' y 'I need your love tonight'. No obstante Garland trabajó con otros muchos artistas de country y rock & roll, como Patsy Cline, Brenda Lee, Mel Tillis, Marty Robbins,Everly Brothers, Boots Randolph, Roy Orbison y Conway Twitty. También se dedicó al jazz, siguiendo el estilo de uno de sus ídolos, Charlie Christian. En el Birdland de Nueva York llegó a coincidir con Charlie Parker y en su álbum 'Jazz Winds from a New Direction', grabado en 1961 para Columbia Records, debutó un joven vibrafonista de 17 años llamado Gary Burton.
En septiembre de 1961, cuando regresaba de grabar unas sesiones para la banda sonora del film de Presley 'Follow that dream', sufrió un accidente de automóvil que lo dejó en coma durante una semana por lo que, con la ayuda de su esposa, tuvo que aprender de nuevo a caminar, hablar y tocar la guitarra. Aunque terminó recuperándose, el accidente acabó con su carrera. Su hermano sostiene todavía hoy que el accidente fue provocado y que fue un intento de asesinato de alguien de la escena musical de Nashville. Hank murió en diciembre de 2004 a los 74 años de una intoxicación alimentaria.
El 11 de noviembre de 1929 nació en Chicago (Illinois) la cantante de R&B LaVern Baker, una de las cantantes de R&B de mayor éxito en los años cincuenta. En la tradición de Ma Rainey y Bessie Smith, su voz llena de blues con tintes gospel preparó el camino para futuras cantantes de R&B y R&R, pero LaVern creció en una época en la que los discos grabados por afroamericanos se denominaban 'race records' (discos de raza, término sustituido en 1949 por el de 'Rhythm & Blues') y recibían poca o ninguna cobertura en las emisoras nacionales dirigidas por blancos. Por ello fue muy común entonces el proceso de 'blanquear' las canciones, en el que vocalistas blancos regrababan nota a nota el hit original para hacerlo asequible al mercado blanco. A pesar de todas estas barreras, especialmente la incesante competencia que mantuvo con Georgia Gibbs, Baker permaneció en el negocio, asegurándose con hits como 'Tweedlee Dee', 'I cried a tear', 'Bop-ting-a-ling' y 'Jim Dandy' un puesto en la memoria colectiva del pop.
LaVerne como Bea Baker
Como muchos otros vocalistas de R&B de los años cincuenta, sus raíces musicales estaban en la música gospel. Nacida como Delores Williams, la música corría por sus venas. La legendaria cantante y guitarrista de blues Memphis Minnie era su tía y antes de que la pequeña Delores fuera capaz de hablar, estaba cantando por las esquinas del barrio con sus amigos. En 1941 con sólo 12 años, ingresó en el coro de la iglesia babtista de Chicago. Cuando cumplió los 17 ya cantaba profesionalmente bajo el nombre artístico de Little Miss Sharecropper, con el que grabó algunos discos para RCA en 1949. Aunque su fuerte era el blues, su repertorio estaba compuesto fundamentalmente de música pop. En uno de sus shows en Detroit conoció a Al Green que se convirtió en su mánager y fue el responsable de sus primeras grabaciones en 1951 para Columbia Records, esta vez bajo el nombre Bea Baker. También colaboró cantando en grabaciones de Maurice King y Todd Rhodes.
En 1953 fichó por Atlantic y cuando debutó en el sello con 'Soul on fire', Baker ya era una cantante consumada. Cambió de nuevo su nombre dejándolo en el definitivo LaVerne Baker y su segundo single, 'Tweedle dee', alcanzó en 1955 el Top20 de las listas pop, convirtiéndola en la primera artista del sello Atlantic que triunfaba tanto en las listas negras como blancas. Pero a los pocos días apareció la versión 'blanca' calcada nota por nota de Georgia Gibbs, quien se llevó el mayor éxito alcanzando el puesto nº2 de las listas. Baker, enrabietada por la injusticia, la demandó, pero perdió el caso.
Perseveró con temas como 'Bob-ting-a-ling', 'Fee fi fo fum' y 'Play it fair', todos ellos grandes éxitos en las listas de R&B. Baker no sólo se convirtió en una estrella discográfica del rock. También sus actuaciones en directo atraían a numerosos fans. En enero de 1957, antes de partir hacia Australia en un tour con Bill Haley, Big Joe Turner, los Platters y Freddie Bell and the Bell Boys, LaVerne le envió a Georgia Gibbs una carta con la póliza del seguro de vida de su vuelo. La carta decía "Ya que en mi ausencia no vas a tener oportunidad de copiar nada, espero que esto te sirva a cambio".
Su aspecto físico y su gracia personal la hicieron una perfecta candidata para saltar a la TV y el cine en 1955. Apareció en el segmento de música R&B del show de Ed Sullivan y en los films de Alan Freed, 'Rock rock, rock' y 'Mr Rock & Roll'.
En 1956, Ahmet Ertegun, el productor y fundador de Atlantic Records, encontró mejor material para LaVerne y se publicó 'Jim Dandy', que fue nº1 en las listas R&B y alcanzó el puesto 17 en las listas pop.
Antes de dejar Atlantic para pasarse a Brunswick, ese mismo año, Baker grabó un álbum tributo a Bessie Smith, 'Sings Bessie', que se convirtió en uno de sus álbumes más populares.En Brunswick, su grabación más destacable fue un dúo con Jackie Wilson, 'Think twice' (1966), de la que se conserva una grabación alternativa calificada 'x', con letra muy explícita (incluso para hoy) y mucho cachondeo, pero para entonces su carrera ya se encontraba en declive.
LaVerne en 1970
A finales de los años sesenta, LaVerne fue una de los muchos artistas norteamericanos en viajar a Vietnam para entretener a las tropas allí desplegadas. En 1969 sufrió una pulmonía y tuvo que ser trasladada a Filipinas con el fin de pasar unas semanas en tratamiento. Su pretendida corta estancia se convirtió en dos décadas, en las que se casó y tuvo varios hijos, además de asumir la dirección artística de una sala de fiestas ubicada en la base militar norteamericana en Filipnas. En 1989 volvió a Estados Unidos con motivo del 40 aniversario de Atlantic Records y su carrera se revitalizó cuando grabó el tema 'Slow rolling Mama' que apareció en la banda sonora de la película Dick Tracy.
En 1990 fue honrada con el premio a su carrera por la Fundación del Rhythm & Blues y ese mismo año fue inducida en el salón de la fama del Rock & Roll. Padeció diabetes durante muchos años y en 1994 le fueron amputadas las dos piernas. Tras recuperarse física y emocionalmente, Baker siguió actuando en el circuito de clubs, cantando desde su silla de ruedas. Su última grabación fue 'Jump into the fire', incluida en el CD de tributo a Harry Nilsson, 'For the love of Harry' (1995). Murió de una afección cardiovascular el 10 de marzo de 1997 a los 67 años de edad.
El 10 de noviembre de 1916 nació en Pittsburgh (Pennsylvania) el trompetista, compositor y arreglista de orquesta Billy May. Fue un brillante trompetista en la era de las big bands y más adelante labró su fama como arreglista de grandes cantantes como Frank Sinatra, Nat King Cole, Peggy Lee, Bobby Darin, Matt Monro y Bing Crosby. En los sesenta compuso música para el cine y varias series de TV.
Edwards William May Jr sufría de astma y el médico le recomendó tocar un instrumento de viento en la orquesta del colegio, por lo que Billy eligió la tuba. Más adelante aprendió a dominar el trombón y la trompeta. Junto a amigos de la adolescencia como Billy Strayhorn y Erroll Garner comienza pronto a interesarse por los arreglos y cuando finaliza la high-school, toca en varias orquestas locales. En 1938 Charlie Barnet lo contrata para su orquesta, donde Billy realiza los arreglos de 'Cherokee', una de las melodías emblemáticas de Barnet.
Una de sus sociedades musicales más duraderas fue con Frank Sinatra, a quien conoció ya en 1939 realizando los arreglos de la mayoría de los shows radiofónicos del cantante. Entre 1957 y 1979 se grabaron en Capitol y Reprise Records siete álbumes en los que May y Sinatra trabajaron codo con codo, entre ellos, 'Come Fly With Me' (1957), el ganador de un Grammy 'Come Dance With Me' (1958), 'Come Swing With Me' (1961) y 'Trilogy: Past, Present & Future' (1979).
Por otro lado, May tenía su propia orquesta desde 1951 con la que realizó varias grabaciones en los años cincuenta hasta que se la traspasó en 1954 a su colega Ray Anthony. Antes de eso, con músicos como Conrad Gozzo, Manny Klein, Barney Kessel, Si Zentner y Alvin Stoller, entre muchos otros, grabó para Capitol el tema 'Charmaine', muy popular en 1952. Por su álbum instrumental 'Billy May's Big Fat Brass', obtuvo en 1958 un Grammy y con su versión instrumental del tema de la película 'El hombre del brazo de oro' (protagonizada por Sinatra), Billy logró entrar en 1956 en las listas internacionales de éxitos, en Inglaterra fue incluso un Top10.
Uno de sus modelos fue Jimmy Lunceford, a quien May señaló como su mayor influencia. En 1957 le dedicó el álbum 'Jimmy Lunceford in Hi-Fi'. Su característica como arreglista consistía en una gran adaptabilidad, capacidad de experimentación y un sentido del humor musical, virtudes que se percibían a través de sus inesperados cambios de ritmo, dinámica y tempo, en la utilización de instrumentos exóticos de percusión, trompetas con sordina y glissandos en los saxos, como en 'These foolish things' de Nat King Cole. También era capaz de elegantes arreglos para tempos lentos como el arreglo de cuerdas que escribió para 'April in Paris' de Sinatra.
En los sesenta compuso música para el cine y varias series de TV, como 'Somewhere in the night', tema de la serie 'Naked City' (1960). Arregló con un estilo jazz la pieza de Nikolái Rimsky-Kórsakov 'El vuelo del moscardón', tema musical de otra serie, 'The Green Hornet' (1966), en el que Al Hirt toca la trompeta solista. May también compuso el tema de 'Batgirl' utilizado en 'Batman' (1966), cuando en 1967 se añadió al reparto el personaje, y su versión del tema de 'Misión Imposible', de Lalo Shifrin también fue muy popular.
Prácticamente retirado desde los años ochenta, a finales de los años noventa se apartó definitivamente tras una gira por Europa con su orquesta, aunque continuó trabajando en proyectos de estudio de nuevos valores como Michael Bublé. En otoño de 2003 concedió su última entrevista cuando intervino en un programa especial de TV sobre Peggy Lee. Unas semanas después, en enero de 2004, Billy May murió a los 87 años de insuficiencia cardiaca.
El 10 de noviembre de 1668 nació en París el compositor, organista y clavecinista francés del Barroco, François Couperin, siendo el más destacado representante de una dinastía de músicos galos cuyos orígenes se remontan al siglo XVI. Es uno de los más importantes compositores, junto con Jean-Philippe Rameau, de la música barroca francesa en general y de la música para clave en particular. Se le llamaba “Couperin le Grand” (Couperin el Grande) para distinguirlo de otros miembros de su familia, también músicos. Es el más destacado de todos ellos, por su inmenso virtuosismo al órgano y al clave.
François Couperin
Hijo del organista Charles Couperin, que fue así mismo su primer maestro, a los once años de edad se quedó huérfano de padre, por lo que su madre decidió que ingresara en la Casa de los Organistas de Portour para aliviar un tanto la comprometida situación económica de la familia. En 1679 Delalande le prometió su puesto de organista en San Gervasio, cargo que finalmente le entregó en 1686.
Cuatro años más tarde, y gracias también a un privilegio de Delalande, Couperin obtuvo la licencia para publicar dos misas para órgano — que finalmente no vieron la luz — y por ello fue nombrado organista del rey, cargo en el que alternó su labor de compositor con el de docente para príncipes y princesas. Su maestría en la interpretación facilitó en 1693 su entrada en la corte como organista de la capilla real de Luis XIV, donde tuvo a su cargo, además, la educación musical del sucesor.
Clavecín usado en la corte de Luis XIV
Sus méritos le hicieron ascender rápidamente en la escala social y así, en 1696, Couperin ya poseía escudo de armas y poco más tarde fue nombrado Caballero de la Orden de Letrán. En 1717 Couperin sucedió a D´Anglebert como ordinario de la música para clavecín en Versalles. Allí tuvo la oportunidad de impartir clases a lo más selecto de la nobleza francesa, resumiendo sus enseñanzas en “Régles pour l´accompagnement” y en el tratado “L´Art de toucher le clavecin”. Debido a su frágil estado de salud, en 1730 Couperin se vio obligado a ceder su cargo de organista real a Guillaume Marchand. Finalmente, el 11 de septiembre de 1733 Couperin falleció en París.
François Couperin
Couperin fue el miembro más distinguido de una familia francesa de músicos que llegó incluso a rivalizar con la dinastía de los Bach en Alemania. Aparte de una cierta música religiosa muy bien acabada, Couperin se dedicó principalmente a la música instrumental caracterizada por el estilo de la época aunque mucho más ornamentada y florida que los estilos italiano y alemán, preferidos por compositores como Bach, autor con quien mantuvo una interesante correspondencia epistolar. Sus obras para teclado, consideradas como un tesoro nacional francés, aún hoy en día son básicas en el repertorio y personifican la música instrumental barroca en Francia.
Órgano de Notre-Dame
Sus obras para órgano, clave y distintas agrupaciones camerísticas revelan, por un lado, la asunción de la tradición musical francesa y, por otro, una curiosidad innata reflejada en la influencia de la música italiana, en particular de las sonatas de Arcangelo Corelli.
El género se caracteriza por la reducción de las grandes secuencias del estilo Barroco a frases breves, cuidando delicadamente las líneas melódicas, que aparecen llenas de una vasta ornamentación. Esta ornamentación no tenía un carácter de “añadido” sino que formaba parte del canto y su expresividad, de ahí que el propio Couperin especificara en el prefacio del tercer libro de sus piezas de clavecín que no debía modificarse libremente (costumbre muy extendida en la época): “Yo declaro que mis piezas hay que ejecutarlas como yo las he escrito y que no harán impresión sobre las personas que tengan verdadero gusto en tanto que no se observe al pie de la letra todo lo que yo he indicado, sin aumentar ni disminuir”
Su obra para teclado se concentra en cuatro libros de “Pièces pour clavecin” en los cuales recopila diferentes suites de danzas, a las que el compositor denomina “ordres” (con un total de 27 entre los cuatro libros). Cada “ordre” se componía de un número de piezas “en miniatura” variable (a veces hasta 20) y en ellas Couperin abandonó los nombres de danzas tradicionales por otros de carácter descriptivo, nombres de personajes, etc. Las piezas pertenecientes a cada “ordre” estaban unidas de forma superficial por la tonalidad, aunque con mucha flexibilidad.
Señala McLeis que "Sus ordres son deliciosos esbozos que se presentan como los antecesores de las piezas de piano, a modo de 'postales ilustradas' de Albéniz, o de los Preludios de Debussy", como “Les barricades mystérieuses”del 6º “ordre” (Scott Ross)
Música para clave - "El arte de tocar el clave" (L'art de toucher le clavecin), 8 Preludios (1716); Preludio 5 (Robert Hill, Clavecín) Este famoso libro contiene ejercicios de digitación, pulsación, ornamentación y otros aspectos de la técnica para teclado. Es una valiosa guía para comprender la música de Couperin y el estilo francés de la época, mucho más ornamentado que los estilos italiano y alemán de la época. Influyó en J.S. Bach, que adoptó su sistema de digitación, incluyendo el uso del pulgar, que Couperin explicaba para tocar el clavicémbalo.
- 4 libros de suites (1713, 1716 -1717, 1722 y 1730).
Suites para clavicémbalo “Les Folies Francaises Ou Les Dominos”(Cziffra György, piano, transcripción).
Maestro incontestable del clavicémbalo, François Couperin adapta la "suite de danses" a su sensibilidad poética. El 'ordre' es equiparable a las suites instrumentales de los maestros alemanes de su época.Estas 220 piezas para clavicémbalo las agrupa en veintisiete Ordres :
• Deuxième livre (Segundo libro, 1716-17) : Ordres 6 à 12
-6e ordre, si M : “Les moissoneurs” (Cziffra György, piano) ; Les langueurs-tendres; Le gazoüillement; La Bersan; “Les barricades mystérieuses” (Cziffra, piano transcripción); Les bergeries, rondeau; La commére; Le moucheron.
-7e ordre, sol M/sol m: La Ménetou; Les petits âges: La muse naissante, L’enfantine, “L’adolescente” (Blandine Verlet clavecin), Les délices; La Basque; La Chazé; Les amusemens.
-8e ordre, si m: La Raphaéle; Allemande L’Ausoniéne; [Premiere] courante; “Seconde courante” ; “Sarabande L’unique” (Christophe Rousset, clavicémbalo) ; “Gavotte”; “Rondeau”; “Gigue”; “Passacaille” (Marcelle Meyer, piano);
-9e ordre, la M/ la m: Allemande à deux clavecins; La rafraîchissante; Les charmes; La Princesse de Sens; L’olimpique; L’insinüante; La séduisante; “Le bavolet-flotant” (Pierre Barbizet, piano, transcripción); Le petit-deüil, ou Les trois veuves; Menuet.
-10e ordre, ré M/ré m: La triomphante; La Mézangére; La Gabriéle; “La Nointéle”; “La fringante”; “L’amazône”; “Les bagatelles” (Olivier Baumont, clavicémbalo).
-11e ordre, do m/do M: La castelane; L’etincelante, ou La bontems; Les graces-naturéles; La Zénobie; “Les fastes de la grande et anciénne Ménestrandise (en 5 actes)” (Olivier Beaumont, clavecín).
-12e ordre, mi M/mi m: Les juméles; L’intîme, mouvement de courante; La galante; La coribante; “La Vauvré”; “La fileuse”; “La boulonoise”; “L’Atalante” (Olivier Beaumont, clavecín)
• Troisième livre (Tercer libro, 1722) : Ordres 13 à 19:
- 13e ordre, si m: Les lis naissans; Les rozeaux; L’engageante; “Les folies françoises” (Cziffra, piano transcripción), ou Les dominos; L’âme-en peine.
- 14e ordre, ré M/ré m: “Le rossignol-en-amour” (Ernst Stolz, viola de gamba, transcripción); Double du rossignol; La linote-éfarouchée; Les fauvétes plaintives; Le rossignol-vainqueur; La Julliet; Le carillon de Cithére; Le petit-rien.
-15e ordre, la m/la M: La régente, ou La Minerve; Le dodo, ou “L’amour au berceau” (Alexandre Tharaud, piano, transcripción) ; L’evaporée; Muséte de Choisi; Muséte de Taverni; La douce et piquante; Les vergers fleüris; La Princesse de Chabeüil, ou La muse de Monaco
- 16e ordre, sol M/sol m: Les graces incomparables, ou La Conti; L’himenamour; Les vestales; L’aimable Thérése; Le drôle de corps; La distraite; La Létiville(Blandine Verlet)
- 17e ordre, mi m: “La superbe, ou La Forqueray” (Nicholas Parle, clavecin); Les petits moulins à vent; Les timbres; Courante; Les petites chrémiéres de Bagnolet.
- 18e ordre, fa m/fa M: Allemande La Verneüil; La Verneüilléte; Sœur Monique; Le turbulent; L’atendrissante; “Le tic-toc-choc” (Marcelle Meyer, piano) ou Les maillotins; Le gaillard-boiteux. Completa (Sokolov, piano)
-19e ordre, ré m/ré M: Les Calotins et les Calotines, ou La piéce à tretous ; “Les Calotines" (Alexandre Tharaud, piano); Les Calotines; L’ingénuë; L’artiste; Les culbutes; La muse-Palantine; L’enjouée.
• Quatrième livre (Cuarto libro, 1728) : Ordres 20 à 27:
- 20e ordre, sol M/sol m: La Princesse Marie; La boufonne; “Les chérubins ou L’aimable Lazure" (Alexandre Tharaud); La Croûilli, ou La Couperinéte; La fine Madelon; La douce Janneton; La Sezile; Les tambourins.
- 21e ordre, mi m: "La reine des cœurs; La bondissante; La Couperin; La harpée; La petite pince-sans rire". (Falerno Ducande Arcade, clavecín)
- 22e ordre, ré M/ré m: Le trophée; Le point du jour, allemande; “L’anguille” (Cziffra, transcripción piano); Le croc-en-jambe; Menuets croisés; Les tours de passe-passe.
- 23e ordre, fa M: L’audacieuse (La muchacha valiente); “Les tricoteuses” (Los tejedores); L’arlequine (Arlequín); Les gondoles de Délos (Las góndolas de Delos); Les satires, chevre-pieds (Sátiros).
- 24e ordre, la m/la M: Les vieux seigneurs, sarabande grave; Les jeunes seigneurs; Les dars-homicides; Les guirlandes; Les brinborions; La divine-Babiche, ou Les amours badins; La belle Javotte, autre fois l’infante; L’amphibie, "Mouvement de passacaille" (Pierre Hantaï, clavicémbalo)
- 25e ordre, mi M/do M/do m: La visionnaire; La misterieuse ; La Monflambert; La muse victorieuse; “Les ombres errantes” (Alexandre Tharaud, piano)
-26e ordre, fa m: “La convalescente; Gavote; La Sophie; L’epineuse; La pantomime”. (Falerno Ducande Arcade, clavicémbalo)-27e ordre, si m: “L’exquise, allemande; Les pavots; Les chinois; Saillie”. (Falerno Ducande Arcade, clavicémbalo)
Música para órgano
- Dos misas (1690). Son cuarenta y dos piezas de órgano, agrupadas en dos colecciones llamadas Misas, una à “l'usage ordinaire des paroisses” (a la usanza ordinaria en las parroquias) y otra “propre pour les convents de religieus et religieuses” (apropiada para los conventos de religiosos y religiosas).
Música de cámara
- 5 sonatas en trío (hacia 1690). Couperin reconoció su deuda con el compositor italiano Arcangelo Corelli; introdujo en Francia la forma sonata en trío creada por Corelli. Estas sonatas llevan por nombre: “La Pucelle”, “La Steinkerque”, “La Visionnaire” y “L'Astrée”. La sonata en cuarteto (hacia 1695): “La Superbe” y “La sultane” (Capriccion Stravangante, Dir: Skip Sempé)
- 4 Concert royaux (Conciertos Reales) (1714) “Concierto nº 1” (Le Concert des Nations Dir. Jordi Savall) “Concierto nº 2” (Le Concert des Nations Dir. Jordi Savall)
- "Apothéoses", suites en trío (1724). A una la subtituló “Le Parnasse ou l'Apothéose de Corelli” (el Parnaso, o la Apoteosis de Corelli). (Hespèrion XX , dir. Jordi Savall ). Y la otra recibe el nombre de “Concert en forme d'apothéose à la mémoire de l'incomparable M. de Lully”, conocida como Apoteosis de Lully. (Les Ombres, Margaux Blanchard, Sylvain Sartre)
- 10 “Nouveaux Concerts ou les Goûts reunís” o "Los estilos reunificados" (1724)14ème concert.1. Prélude, 2.Allemande, 3.Sarabande, 4.Fuguète(Stradivaria, Daniel Cuiller). En esta obra fusionó los estilos musicales italiano y francés.
Influyó en la música para piano de Johannes Brahms, quien interpretó la música de Couperin en público y contribuyó a la primera edición completa de las “Pièces de clavecin”, realizada por Friedrich Chrysander en la década de 1880. Richard Strauss orquestó algunas de las piezas para clavicémbalo y Maurice Ravel le homenajeó en "Le Tombeau de Couperin" (La muerte de Couperin) (Pierre Boulez & The Berlin Philarmonic).
El 9 de noviembre de 1941 nació en Berkeley (California) el cantante y guitarrista estadounidense Tom Fogerty, conocido por haber sido miembro del grupo Creedence Clearwater Revival junto a su hermano menor John.
The Blue Velvets
Tom comenzó a cantar en grupos de rock & roll de su high school, asi como su hermano John, tres años menor. Con bandas separadas, Tom era el cantante solista de Spider Webb and the Insects, y con ellos logró firmar un contrato con Del-Fi Records, pero en 1959 se disolvieron sin llegar a grabar. Por otro lado, John lideraba The Blue Velvets, los cuales, cuando Tom se quedó sin grupo, lo ficharon como voz solista. The Blue Velvets grabaron tres singles para Orchestra Records en 1961 y 1962 con temas como 'Have you ever been lonely', 'Come on baby', 'Oh my love' y 'Bonita'.
The Golliwogs
A mediados de los años sesenta, la banda cambió de nombre y como The Golliwogs grabaron varios singles para Fantasy Records como 'Little girl', 'You can't be true', 'Gonna hang around', 'Tell me' o 'Brown eyed girl'. Aquí John ya compartía la voz solista con Tom y, poco a poco el menor de los Fogerty se fue haciendo con el liderazgo del grupo. Cuando en 1968 adoptaron el nuevo nombre de Creedence Clearwater Revival, John ya era claramente la cabeza visible del grupo y su principal compositor.
En el siguiente lustro Creedence Clearwater Revival publicaría una serie de álbumes que son hoy considerados obras clásicas del rock, con temas como 'Suzie Q', 'Green river', 'Bad moon rising', 'Proud Mary' o 'Fortunate son'. El papel de Tom en el grupo quedó relegado a segundas voces, aunque seguía componiendo. Sin embargo, sólo uno de sus temas, 'Walking on the water' llegó a grabarse y, a pesar del enorme éxito de CCR, dolido por no ver reconocida su contribución al grupo, Tom abandona la formación en 1971.
'Tom Fogerty' (1971)
La relación con su hermano permaneció tensa a lo largo de los años. Creedence Clearwater Revival continuó como trío, y John, escarmentado, permitió a Doug Clifford y Stu Cook -los dos miembros restantes- participar más activamente en las composiciones del nuevo álbum, 'Mardi Gras', tras cuya publicación, la banda se separó definitivamente.Tom grabó un primer single en solitario, 'Goodbye media man', que casi entra en el Top100, al que siguió su primer álbum 'Tom Fogerty'(1972), que con un puesto 78, fue el único de sus trabajos que logró entrar en las listas Billboard.
Tom en 1974
El siguiente, 'Excalibur' (1972), contaba con colaboraciones de Jerry García y Merl Saunders, pero ni así lograron levantar un álbum cuyo contenido, aunque no tratara de copiar descaradamente el sonido de CCR, era un rock carente de personalidad con las mismas influencias country y blues de la banda. Tuvo otro hit menor con 'Joyful Resurrection' contenido en su álbum 'Zephyr National' (1974), que volvía a reunir en una grabación a los cuatro componentes del grupo (John grabó su pista por separado en un estudio diferente). Le siguió 'Myopia', también en 1974, cuyas pobres ventas provocaron la salida de Tom de Fantasy Records.
En 1980 los cuatro dejaron por un momento sus diferencias para tocar juntos en la boda de Tom, pero los siguientes años, litigios con Fantasy Records por los royalties de la banda, y nuevas desavenencias personales con su hermano los mantendrían separados. Tom, al contrario que John se alineó con Fantasy y publicó un par de álbumes más durante los años ochenta, 'Deal it Out' (1981) y 'Precious Gems' (1984), ambos sin éxito comercial.
En septiembre de 1990 Tom murió a los 48 años de SIDA que contrajo, al parecer accidentalmente, en una transfusión de sangre.
El 8 de noviembre de 1947 nació en Chicago (Illinois) la cantautora norteamericana Minnie Riperton, poseedora de una prodigiosa voz de cinco octavas y media, que compuso y grabó una de las más bellas baladas del soul, 'Lovin' You'.
Nacida Minnie Julia Riperton como la última de ocho hermanos de la pareja formada por Thelma y Daniel Riperton, demostró pronto sus habilidades artísticas. Aunque comenzó estudiando ballet y danza, sus padres percibieron su talento cantando y la animaron a hacer carrera en la música. En el Chicago Lincoln Center recibió clases de canto lírico de Marion Jeffrey. Practicó con los fraseados y la respiración con un énfasis particular en la dicción. Jeffrey también la entrenó para que hiciera uso de su amplio registro vocal que abarcaba cinco octavas y media. En esa época, Minnie cantaba operetas y canciones de Broadway, preparándose para una carrera en la ópera. Sin embargo, en el camino, Minnie se topó con el soul, el R&B y el rock, que se convirtieron en su prioridad.
Minnie (2ª por la izq.) con The Gems
Debutó profesionalmente a los quince años como miembro del grupo vocal The Gems. Raynard Miller, un pianista ciego, la oyó cantar y se convirtió en su mentor. The Gems tuvieron un éxito comercial muy limitado pero fue una plataforma para mostrar el talento de Riperton. Pronto se convirtieron en un grupo vocal de sesión conocido como Studio Three y fue durante este periodo en el que realizaron los coros del hit de Fontella Bass'Rescue me'. En 1964 publicaron el single 'I can't help myself' que fue un éxito local y su última grabación como The Gems fue en 1965 con 'He makes me feel so good'.
A continuación grabarían diversos singles con nombres diferentes: 'Baby I want you' de 1966 como Girls Three y 'My baby's real' en 1967 como las Starlets, adquiriendo éste último la categoría de disco de culto entre los fans del northern soul. Para entonces Minnie ya se había graduado en la Hyde Park High School e ingresado en el Loop College, donde llegó a ser admitida en la prestigiosa fraternidad estudiantil Zeta Phi Beta, En 1967 conoció al cantautor Richard Rudolph (con el que se casó cinco años después) y dejó los estudios para dedicarse de lleno al música. Su última grabación como miembro de un grupo vocal femenino fue en 1968 con 'Watered down'. Seguidamente graba sus primeros discos como solista y sus primeros éxitos locales son 'Lonely girl' y 'You gave me soul', escritos por otro de sus mentores, el productor Billy Davis, por lo que, en su honor, Minnie adopta el nombre artístico de Andrea Davis.
Rotary Connection en 1970
Unos meses después, Riperton se une a un grupo de funky-soul psicodélico llamado Rotary Connection, fundado por Marshall Chess, hijo del creador del legendario sello, Leonard Chess. El grupo grabó entre 1967 y 1970 cinco álbumes entre los que caben destacar el primero, 'Rotary Connection', 'Peace' (1968) y 'Songs' (1969).
'Come to my Garden' (1970)
En Rotary Connection conoce a Charles Stepney que co-produce, arregla y orquesta su primer álbum en solitario, 'Come To My Garden', publicado en 1970. Aunque resulta un fracaso comercial, está hoy día considerado por numerosos críticos y aficionados una obra maestra. En 1973 Minnie se encontraba semi-retirada. Casada con Rudolph, era ama de casa y madre de dos hijos pero seguía componiendo y realizando grabaciones caseras con su marido. Una de ellas llegó a oídos de Don Ellis, director artístico de Epic Records, quien le firma un contrato.
'Perfect Angel' (1974)
Minnie y su familia se trasladan a Los Angeles y allí bajo producción de Stevie Wonder se grabó 'Perfect Angel' (1974). Había ocho canciones previstas para el álbum pero Wonder pensó que faltaba una más para completar los 40 minutos habituales de un long play de la época. 'Lovin' you' se grabó en el último momento, casi como canción de relleno y era una nana que Minnie le solía cantar a su hija para dormir. Stevie la acompañó al piano eléctrico y se le añadieron sonidos de pájaros de un disco de efectos especiales. Nadie imaginó que llegaría al nº1. Tanto el single como el álbum fueron discos de oro.
Seguidamente, Riperton y Richard Rudolph comenzaron a trabajar en su tercer álbum, 'Adventures in Paradise' (1975) producido por el mismo productor que los Crusaders. Además, Joe Sample era el autor del tema que daba título al álbum.
'Adventures in Paradise' (1975)
Aunque contenía el hit de R&B 'Inside my love', el álbum no repitió el éxito del anterior e incluso algunas emisoras se negaron a radiar el tema debido a una frase en la letra que decía "Will you come inside me?" ('¿Quieres entrar en mi?' o, también: '¿Quieres correrte dentro de mi?'). En la portada del álbum, Minnie aparecía sentada en un sillón con un león tumbado a su lado. Durante una de las sesiones fotográficas, el felino -seguramente con la intención de jugar con ella- se abalanzó sobre la cantante, teniendo que intervenir rápidamente los domadores y responsables del animal. El incidente, que pudo tener un trágico desenlace, quedó en una anécdota que los protagonistas contaron jocosamente en un programa de Sammy Savis Jr.
'Stay in Love' (1977)
En 1976 le fue diagnosticado un cáncer de mama y le practicaron una mastectomía. Esto no paró la enfermedad y le dieron seis meses de vida. Minnie los convirtió en tres años y aún tuvo tiempo de grabar dos álbumes más antes de morir. En su cuarto álbum, 'Stay in Love' (1977), se incluía otra colaboración con Stevie Wonder, 'Stick together' y, aunque seguía componiendo con Minnie, fue el primer álbum en el que Rudolph no intervino en la producción, labor de la que se encargó el veterano productor de la Motown, Freddie Perren.
'Minnie' (1978)
En 1978 Rudolph y Riperton cambiaron de sello y firmaron con Capitol, donde Minnie grabó el que sería su último álbum en vida, 'Minnie'.Contenía 'Memory lane', una de sus mejores canciones que significaba un adiós a su familia y al mundo.Murió en julio de 1979 a los 32 años en brazos de su marido mientras escuchaba una canción que Stevie Wonder había grabado para ella. Su epitafio reza como la primera línea de su más famosa canción: "Lovin' you is easy cause you're beautiful..."
Tras su muerte, diversos artistas ayudaron a Richard Rudolph a completar su tributo a Minnie, 'Love Lies Forever', publicado con una selección de temas cantados por Riperton, en los que se separó su pista vocal y se volvió a grabar desde cero la instrumentación y las voces adicionales, proporcionadas por artistas como Roberta Flack, Peabo Bryson, Michael Jackson y Stevie Wonder. Quincy Jones describió el proceso así: "Mantuvimos el puente y cambiamos el agua".
En los sesenta compuso música para el cine y varias series de TV, como 'Somewhere in the night', tema de la serie 'Naked City' (1960). Arregló con un estilo jazz la pieza de Nikolái Rimsky-Kórsakov 'El vuelo del moscardón', tema musical de otra serie, 'The Green Hornet' (1966), en el que Al Hirt toca la trompeta solista. May también compuso el tema de 'Batgirl' utilizado en 'Batman' (1966), cuando en 1967 se añadió al reparto el personaje, y su versión del tema de 'Misión Imposible', de Lalo Shifrin también fue muy popular.
- "El arte de tocar el clave" (L'art de toucher le clavecin), 8 Preludios (1716); Preludio 5 (Robert Hill, Clavecín) Este famoso libro contiene ejercicios de digitación, pulsación, ornamentación y otros aspectos de la técnica para teclado. Es una valiosa guía para comprender la música de Couperin y el estilo francés de la época, mucho más ornamentado que los estilos italiano y alemán de la época. Influyó en J.S. Bach, que adoptó su sistema de digitación, incluyendo el uso del pulgar, que Couperin explicaba para tocar el clavicémbalo.
- 21e ordre, mi m: "La reine des cœurs; La bondissante; La Couperin; La harpée; La petite pince-sans rire". (Falerno Ducande Arcade, clavecín)
