Marlene Dietrich

El 27 de diciembre de 1901 nació en Berlin la actriz y cantante alemana Marlene Dietrich que se mantuvo en lo alto de la popularidad durante su larga vida reinventándose constantemente. La carrera discográfica de Marlene se extendió más allá del medio siglo. Sus primeras canciones se grabaron en 1928 para la revista alemana 'Es liegt in der Luft' y la banda sonora de su última película, 'Just a Gigolo' se publicó en 1978 con las últimas grabaciones realizadas por ella. 

Aunque su voz no era nada del otro mundo (su tesitura no abarcaba más allá de octava y media), pudo superar el bache que se produjo en los años cincuenta en su carrera cinematográfica, aprovechando al máximo su imagen de 'femme fatale' en los escenarios de teatros y night clubs de todo el mundo. Con una estudiada puesta en escena que incluía vestuarios e iluminaciones espectaculares, Marlene emanaba además una sexualidad andrógina que ayudó a convertirla en un prototipo de mujer moderna e independiente bastante alejada del esteorotipo de la época. Por otro lado fue una artista extraordinariamente versátil. No muchos saben que practicó boxeo en su juventud y otra de sus poco conocidas habilidades consistía en interpretar melodías con una sierra y un arco de violín...

Nació como Marie Magdalene Dietrich en el seno de una familia acomodada y recibió buena educación. Su padre, Louis, un oficial de la guardia real prusiana, murió siendo ella una niña. Su madre, Wilhelmina, volvió a casarse pero su nuevo marido, el coronel Eduard von Losh acabó fallecindo de las heridas sufridas en la Primera Guerra Mundial. Para entonces, Dietrich contaba diecisiete años y ya había acuñado su nombre artístico, Marlene, juntando sus nombres de pila.

En 1919 ingresó en el Conservatorio de Weimar y comenzó a estudiar violín. Amaba la música de Bach y practicó sus sonatas día y noche pero una lesión de cadera truncó su carrera de concertista. Regresó a Berlin y se introdujo en la escena teatral donde le llamó la atención una artista lesbiana, Claire Waldoff que solía vestir ropa de hombre en sus actuaciones. Con 21 años Dietrich se casó con Rudolf Sieber, director de casting de una película alemana en la que ella interpretaba un pequeño papel. Un año después dio a luz a su hija María.

Marlene realizó pequeños papeles en 17 películas antes de que el director Josef von Sternberg la eligiese para coprotagonizar con Emil Jannings la producción germano-estadounidense 'El Ángel Azul'. Su interpretación de Lola-Lola, una seductora cantante de cabaret que embauca a un maestro de escuela hasta llevarlo a la ruina, plantó la semilla de su futura imagen como actriz y como persona. En él interpreta entre otras piezas, 'Ich bin von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt', compuesta por Frederick Hollander que Dietrich también grabó en su versión inglesa, 'Falling in love again', uno de los temas más emblemáticos de su carrera. 

Sternberg reconoció en ella un nuevo modelo de símbolo sexual en potencia y la invitó a acompañarle a Hollywood, donde fue contratada por la Paramount. Allí aprendió de Sternberg todo lo que pudo acerca de la realización de películas y de la importancia de su propia imagen. Fue una sensación instantánea en Norteamérica. Películas como 'La Dama de Shanghai' y 'Deseo' cimentaron su glamour y su exotismo convirtiéndola en una de las actrices mejor pagadas de la era. 

Como ya lo hacía habitualmente en Berlín, allí seguía vistiendo ropa de hombre, lo que en principio fue considerado escandaloso por la mayoría. No obstante, no tardó en convertirse en una moda que siguieron numerosas mujeres americanas. Dietrich recibió una nominación al Oscar por su papel en 'Morocco', otra producción de Sternberg y siguió trabajando para él en seis películas más, hasta 1935. Dos años después, Paramount rescindía su contrato.

En 1939 adoptó la nacionalidad estadounidense y cuando el país entró en la Segunda Guerra Mundial, Dietrich cuyo antinazismo era público y notorio, se ofreció para actuar ante las tropas aliadas, primero en las que se estaban preparando en el país y en 1944 y 1945 para los soldados desplegados en Europa y África, donde ofreció numerosos shows en los que interpretaba las canciones de sus películas. 

En abril de 1945 entró en Berlin con el ejército aliado y se reencontró con su madre que murió unos meses después. Por su entrega y trabajo durante los años de guerra, Marlene recibió la medalla de la Legión de Honor francesa y la medalla de la Libertad, la mayor condecoración que el departamento de Defensa norteamericano concede a un civil. Tras una etapa floja en su carrera, grabó varios discos para Decca, Elektrola, EMI y Columbia, entre ellos 'Quand l'amour meurt' del film 'Morocco', varios temas acompañada de la orquesta de Victor Young como 'Yo do something to me', 'You've got that look', una nueva versión de 'Falling in love again',  una famosa versión de 'Lili Marleen', así como unos duetos con Rosemary Clooney. 

Protagonizó alguna película más en los años de postguerra, entre las que destacan 'Pánico en la escena' (1950), 'Testigo de cargo' (1957) y 'Vencedores o vencidos' (1961).

Marlene se dedicó a partir de entonces a dar conciertos por todo el mundo hasta bien entrados los años setenta. Continuó grabando discos, la mayoría de ellos, con arreglos y producción de Burt Bacharach, como 'Sag mir wo die Blumen sind' o 'Bitte geh nicht fort'. Su retorno a los escenarios alemanes en 1960 provocó reacciones encontradas. Muchos alemanes la veían aún como una traidora a su patria; otros, como el alcalde Willy Brandt, otro antinazi que también vivió exiliado durante la guerra, la recibieron calurosamente en su gira que fue un éxito artístico y un fracaso comercial. En algunos teatros era recibida con gritos de "Marlene go home".

En una entrevista a Newsweek, Dietrich comentó: "Ellos sabían que yo estuve allí con el uniforme aliado cuando el ejército americano irrumpió en Alemania. Si eso significa que soy una traidora, entonces dejémosles que me lo sigan llamando. Yo me convertí en ciudadana americana por culpa de Hitler... y vuelvo a Alemania como artista, no como política". Su carrera en el espectáculo terminó en 1974, cuando se rompió una pierna en el escenario. Apareció brevemente en la película 'Gigoló (Just A Gigolo)', en 1979, junto a Kim Novak y David Bowie, donde cantó su última grabación, 'Just a Gigolo'.

En los ochenta escribió y contribuyó con sus reuerdos a varios libros. Sus memorias, tituladas, parafraseando la famosa frase de Kennedy: 'Ich bin, Gott sei Dank, Berlinerin' (Yo soy, gracias a Dios, berlinesa) aparecieron en 1987 y tras su muerte, su hija publicó un libro llamado 'Marlene Dietrich' que no la dejó bien parada y ponía en entredicho su papel como madre. Vivió sola y retirada en Paris hasta que murió a los noventa años el 6 de mayo de 1992. Dietrich dijo al amigo que le acompañaba en el dormitorio de su lujosa vivienda en la capital francesa, justo antes de morir: «Lo quisimos todo, y lo conseguimos, ¿no es verdad?». El American Film Institute la nombró en 1999 la 9ª mejor actriz de todos los tiempos.

Imperio Argentina

 

 El 26 de diciembre de 1910 nació en el típico barrio porteño de San Telmo en Buenos Aires, la actriz y cantante hispano-argentina Magdalena Nile del Río, más conocida por Imperio Argentina.

Hija de guitarrista y bailarina españoles, comienza muy joven a cantar y bailar. Coincidiendo con una gira de sus padres por España, debuta en el Teatro Romea de Madrid en 1924 y, Jacinto Benavente, impresionado con su actuación la rebautiza como Imperio Argentina. Debuta en el cine de la mano de Florián Rey y en 1932 protagoniza dos películas junto a Carlos Gardel, cantando a dúo con el rey del Tango. Imperio Argentina fue el mayor mito del cine español desde finales de los años veinte hasta finales de los cuarenta. Un cuarto de siglo en el que no tuvo rival. Sus canciones, intemporales ('Los piconeros', 'Antonio Vargas Heredia', 'Falsa monea', 'Rocío', 'El día que nací yo', 'Nena', 'El relicario'), son el núcleo de la historia de la copla española. 

Mucho se ha hablado de sus simpatías por el régimen de Hitler cuando fue invitada por Goebbels a actuar ante el Führer. Su idea cambió tras la violenta 'noche de los cristales rotos' (1938), en la que los nazis arrasaron y masacraron a los comerciantes judíos. Aún así sus actuaciones fueron boicoteadas en numerosos teatros de Nueva York, Buenos Aires y Mexico DF, lo que no evitó que siguiera mostrando sus tendencias falangistas y su simpatía por el régimen autoritario que imperaba en España y contaba entre sus más fervientes admiradores a los hermanos Primo de Rivera y al mismo general Franco. Murió en Benalmádena (Málaga) en agosto de 2003 a los 92 años.

 

Franz Waxman

El 24 de diciembre de 1906 nació en Könighshütte el compositor alemán de origen judío Franz Waxman, autor de numerosas bandas sonoras de films rodados en Hollywood entre los años 1935 y 1966. Fue doce veces nominado a un Oscar, obteniéndolo en dos años consecutivos, 1950 y 1951.

Nacido como Franz Wachsman, a los seis años, su familia se trasladó con él a Oppeln, donde recibió clases de piano. Sin embargo, su padre prefería que su hijo comenzara a trabajar en un banco y Franz estuvo empleado dos años como cajero. Su sueldo lo invertía en seguir con sus clases de piano, armonía y composición. En 1922, con 16 años dejó su trabajo en el banco y se dirigió primero a Dresden y más tarde a Berlin con el fin de seguir estudiando música. Se ganaba la vida tocando el piano en night clubs y a finales de los años veinte se unió a una popular banda de jazz llamada los Weintraub Syncopators.
Por esta época Waxman comenzó a escribir arreglos para películas alemanas. Uno de sus primeros trabajos que llego a ser más conocido fue la orquestación yla dirección musical del film de Josef von Sternberg 'El ángel azul' (1930) con Marlene Dietrich de protagonista.

Gracias al éxito de la película, Franz consiguió más encargos de Eric Pommer, el director de los estudios UFA en Berlin, entre ellos la música para 'Liliom' (1934) de Fritz Lang, película rodada en Paris con Charles Boyer. Su condición de judío le obligó a huir con su esposa de la Alemania nazi y se refugió en Paris. No obstante, tal y como se pusieron las cosas en Europa, Waxman prefirió emigrar a Estados Unidos, concretamente a Hollywood, donde había recibido ofertas del director James Whale quien, impresionado con su trabajo para 'Liliom', lo contrató para musicar su película 'La novia de Frankenstein'.

Fue nombrado director musical de Universal Studios pero Waxman, más interesado en la composición que en la dirección, dejó Universal para incorporarse a los estudios MGM como compositor. En sus obras, Waxman, en lugar de elegir el concepto de una melodía principal, prefería una estructura general sinfónica con temas paralelos y largas prolongaciones melódicas. Auque sus obras se pueden clasificar claramente en 'temas', éstos se entienden más como leitmotivs en la tradición de Richard Wagner. Waxman se inspira también en el jazz al modo de George Gershwin así como en la música romántica de Wagner y Mahler. Los siguientes años compuso varias bandas sonoras, entre ellas 'The Young in heart' en 1938, por la que recibió sus dos primeras nominaciones al Oscar.

Pero fue su música para 'Rebecca', la primera película de Hitchcock rodada en América, la que le dio el espaldarazo definitivo en la industria con una bella e inquietante banda sonora que definía la atmósfera de las escenas y se convirtió, como dijo Jack Sullivan, en "una caja de resonancia del subconsciente". Destaca el 'tema de Rebecca' que simboliza con misticismo a la difunta propietaria de la mansión, interpretado con un nuevo instrumento, el Novachord. Como contraste está el alegre tema de amor y los valses ligeros que expresan en el film el amor despreocuado y naiv. En los momentos dramáticos los armónicos violines se vuelven más duros y ásperos y Waxman pone el peso en la sección de viento.
En 1943 Waxman abandona MGM y firma con Warner Brothers donde entra en contacto con grandes compositores como Max Steiner y Erich Wolfgang Korngold y disfruta de un periodo componiendo más música para films como 'Mr Skeffington' (1944) y 'Objetivo Birmania' (1945).

Sin embargo, su etapa con Warner no duró mucho y para el año 1947 Waxman ya era un compositor freelance, aceptando solo los trabajos que le apetecían en vez de seguir las directrices de un estudio.

Ese año culminó otro logro de su la carrera fundando el Los Angeles Music Festival, para el que sirvió como director musical hasta su muerte en 1967. Su objetivo con el festival era elevar la vida cultural de la ciudad a 'estándares europeos'. Además de interpretar las obras de grandes maestros como Stravinsky, Vaughan Williams, Shostakovitch, William Walton y Arnold Schoenberg, colaboró con colegas como Miklos Rosza, para quien condujo su Violin Concerto.
En 1946 compuso 'Carmen Fantasie', una obra para violín y orquesta con música basada en piezas de la opera 'Carmen' de Bizet y una adaptación de la obra con título similar de Pablo de Sarasate. Fue parte de la banda sonora de 'Humoresque' (1946), en la que aparece un joven Isaac Stern dirigiendo la orquesta y ya es parte habitual del repertorio de muchas porquestas.

En 1950 logró ganar su primera estatuilla dorada por su trabajo en el film de Billy Wilder 'Sunset Boulevard' (El crepúsculo de los dioses), en el que recurre a diversas técnicas para reflejar musicalmente la locura de Norma Desmond, como notas graves intermitentes (ya usó este recurso en 'La novia de Frankenstein') y frecuentes trinos. Según Mervyn Cooke, autor de 'A History in Film Music' (2008) fue la ópera 'Salome' de Richard Strauss la que le inspiró para componer los salvajes trinos que se oyen durante el monólogo final de la loca protagonista.

Un año después se convirtió en el primer compositor ganador de un Oscar en dos años consecutivos gracias a su trabajo en la película 'A Place in the Sun' (Un lugar en el sol). En 1954 repitió colaboración con Hitchcock y, aunque el director británico no quedó satisfecho del resultado final, Waxman compuso para 'La ventana indiscreta' (1954) otra de sus mejores obras, para la cual, además de usar temas de otros autores y reutilizar pasajes de sus bandas sonoras para 'Elephant Walk' y 'A place in the sun', compuso la canción 'Lisa', (nombre del personaje que encarna Grace Kelly), cuya melodía se sugiere en diversos momentos del film bajo diversos arreglos y orquestaciones y que oimos al final de la película completa.

En los años cincuenta también comenzaron a ver la luz sus obras destinadas a las salas de conciertos como la 'Sinfonietta for strings and timpani' (1955) o el oratorio 'Joshua', finalizado en 1959 y compuesto para conmemorar la muerte de su esposa. Otros trabajos de concierto de Waxman son 'Obertura para Trompeta y Orquesta',  basada en temas de 'The Horn Blows at Midnight' y un ciclo de canciones dramáticas 'La Canción de Terezin' (1964-65).
En 1962 compuso lo que para muchos es otra de sus obras maestras, la banda sonora para 'Taras Bulba', con Yul Brynner y Tony Curtis como protagonistas.

Siguió trabajando para la TV en series como 'Gunsmoke' (La ley del revólver) y en el cénit de su creatividad según Christopher Palmer, uno de sus biógrafos, murió en febrero de 1967 dejando un legado de más de 150 bandas sonoras y una abundante colección de obras para salas de conciertos.

Otras bandas sonoras destacables:

Furia (1936)
Capitanes intrépidos (1937)
Un cuento de Navidad (1938)
Historias de Filadelfia (1940)
Sospecha (1941) (nominada al Oscar)
Dr. Jekyll y Mr. Hyde (1941) (nominada)
El caso Paradine (1947)
Ciudad en sombras (1950)

Las furias (1950)
Yo amé a un asesino (1951)
La mujer pirata (1951)
Llamada de un extraño (1952)
Stalag 17 - Traidor en el infierno (1953)
Demetrius y los gladiadores (1954)
El cáliz de plata (1954) (nominada)
El príncipe valiente (1954)

Escala en Hawai (1955)
Peyton Place - Vidas borrascosas (1957)
Sayonara (1957)
El héroe solitario (1957)
Torpedo (1958)
Historia de una monja (1959) (nominada)
Regreso a Peyton Place (1961

Tim Hardin

El 23 de diciembre de 1941 nació en Eugene (Oregon) el cantautor de bues y folk Tim Hardin, autor de varios hits de artistas como Bobby Darin, Joan Baez, Johnny Cash o los Four Tops. Por otro lado mantuvo una interesante y discreta carrera en solitario truncada por su adicción a la heroína.

Los padres de Tim poseían ambos educación musical y su madre, Molly Small Hardin fue una de las más respetadas violinistras del país, habiendo ejercido como primer violín en la orquesta sinfónica de Portland, cuando Tim era un niño. Su padre había tocado en grupos de jazz durante su estancia en la Universidad y en el ejército, antes de dedicarse al negocio inmobiliario. Su casa recibía numerosas visitas de eminentes músicos pero ninguno de ellos fue el que animó a Tim a comenzar sus pasos en la música. "Simplemente comenzé a tontear con la guitarra y cantanba en el coro del instituto. Nunca pensé ir a la universidad. Si tienes cualquier tipo de talento, lo único que consigues yendo es restringirlo."

Tratando de encontrar su identidad, una vez terminada la high school, se alistó en el cuerpo de marines. Durante sus misiones en Laos y Camboya, pulió su técnica con la guitarra y montó un repertorio de canciones folk. Tras licenciarse, se dirigió a la ciudad de Nueva York y asistió un tiempo a clases de interpretación, antes de viajar a Cambridge (Massachusetts), donde se introdujo en la escena folk. No tardó mucho en convertirse en uno de los artistas favoritos en los cafés y clubes locales. En 1964 logró un seguimiento similar en el Greenwich Village de Nueva York. Por aquel tiempo Tim residió en Woodstock, en la misma época en la que Dylan y los miembros de The Band también vivían por allí.

Hardin en Newport 66

Uno de sus primeros fans fue Erik Jacobsen, un productor que había trabajado con Lovin' Spoonful. Jacobsen ayudó a Hardin a grabar unas maquetas para Columbia Records, que consistían principalmente en temas de blues. Hardin estaba interesado también en el R&B por entonces, pero poco a poco fue moldeando su estilo folk que sentaría su reputación, afianzada tras una gran actuación en el Newport Folk Festival de 1966. Por otro lado, en 1965 Tim había conocido Susan Morss, actriz de cierta fama conocida profesionalmente como Susan Yardley, con quien inició un tormentoso romance que conllevaría un giro radical en su producción. Ocurre todo en apenas un año, mientras el cantante vive en el apartamento del cómico Lenny Bruce (a quien dedicará 'Lenny’s tune') y firma un contrato con Verve Forecast tras su breve e improductiva estancia en Columbia.

Empiezan a fluir composiciones magistrales, la mayor parte de las cuales aparecerán en su primer álbum, 'Tim Hardin 1' (1966) desmenuzando en un nuevo estilo intimista todas las fases de su aventura tóxico-amorosa: 'Don’t make promises', 'While you’re on your way', 'It’ll never happen again' y 'How can we hang on to a dream?', son infinitas vueltas de tuerca al mismo tema. En ellas, su voz adquiere nuevos matices, una combinación irresistible entre masculinidad convencida y fragilidad siempre a punto de romperse, enfatizada por su magistral paso de notas agudas a graves en un mismo verso. Si como compositor era brillante, como cantante era inimitable.

A la grabación de su debut contribuyeron John Sebastian a la armónica y el vibrafonista de jazz Gary Burton. En el álbum aparecen la mayoría de las canciones que han perdurado en la memoria colectiva desde entonces y por las que se ganó el aplauso generalizado de la crítica, entre ellas, 'Misty roses', 'How can we hang on to a dream' y la muy versionada 'Reason to believe'. Sin embargo, a pesar de la respuesta positiva de su primer trabajo, Hardin no estaba muy satisfecho con los arreglos de violines que añadieron sin su permiso. Varios testigos recuerdan que Tim lloró cuando escuchó la mezcla final.

El éxito del álbum provocó la edición de sus grabaciones anteriores recogidas en el álbum 'This is Tim Hardin'.

En 1967 se publicó 'Tim Hardin 2' que contenía otra de sus canciones más famosas, 'If I were a carpenter', un tema que Bobby Darin llevó al Top10. También resultó un éxito para los Four Tops y Johnny Cash y June Carter. De nuevo Hardin se queja amargamente de la producción, pero más allá de que en esta ocasión no acredita los músicos, el disco es una maravilla de equilibrio instrumental y nos regala diez miniaturas de romanticismo imposible.

Están los  temas de corte country-folk y atractivo universal como la mencionada 'If I were a carpenter', 'Black sheep boy' y 'The Lady came from Baltimore', pero su arte llega a un máximo de intimidad casi incómoda en piezas de folk-jazz (con un trabajo de bajo y batería suave pero magistral) como 'Red balloon' (que relata la incompatibilidad entre heroína y amor) y 'Speak like a child' (una canción terrible sobre el desamparo). Hardin se guarda 'Tribute to Hank Williams' para el final, una pieza estremecedora dedicada al desaparecido mito del country, que podría servir perfectamente como epitafio de su propia muerte.

A continuación Tim, cuyas actuaciones estaban muy solicitadas en los circuitos folk, realizó los siguientes meses numerosas giras por Estados Unidos y Europa. Pero la falta de éxito comercial como artista, su adicción a la heroína y el alcohol le llevaron a una falta de creatividad en el estudio y a un deterioro artístico en el escenario cada vez más evidente, dejando de atender algunos conciertos por motivos de salud y llegando a quedarse dormido durante una actuación en el Royal Albert Hall en 1968. Ese año, se publicó 'Tim Hardin 3 Live in Concert'.

Con Karen Dalton en Woodstock

Irritado por su falta de éxito, y cada vez más emponzoñado en sus delirios tóxicos, el cantante se encierra en una cabaña en Woodstock para grabar de manera errática 'Suite For Susan Moore And Damion: We Are One, One, All In One' (1969), un álbum conceptual sobre su familia que paradójicamente fue acompañado del enésimo abandono de Susan Moors. Tim participa en el famoso festival de Woodstock pero no aparece ni en la película ni en los discos que se publicaron.

'Painted Head' (1973)

En 1971, tras ponerse a la venta 'Bird on a Wire', en el que comenzó a interpretar temas compuestos por otros, se trasladó al Reino Unido con la intención de seguir una terapia de desintoxicación con metadona. Permaneció allí siete años, durante los cuales actuó por toda Europa, pero los álbumes que publicó en los setenta no alcanzaron el nivel de sus primeros trabajos. En 1973, con la publicación de 'Painted Head', álbum compuesto por canciones de otros autores, demostró su falta de creatividad. En 1974 aparecía en el sello GM su último disco de estudio con temas originales, 'Nine'.

En uno de sus regresos a Estados Unidos, se estableció en California donde trató de encontrar nuevas audiencias para sus canciones. Continuó viajando a Inglaterra y actuando por la costa Oeste americana mientras seguía arrastrando problemas psicológicos y de salud, causados en gran parte por sus adicciones.

Tras su primer y único concierto en su ciudad natal, Eugene, (se publicó en 1981 bajo el nombre 'The Homecoming Concert') un breve instante de emotiva rehabilitación, continuó con su camino de autodestrucción hasta su muerte de una sobredosis de morfina y heroína el 29 de diciembre de 1980.

Pero el hombre que en el círculo de Andy Warhol conocían como Tim 'Heroin' se había ganado su condición mítica por otros motivos. Más allá de que su repertorio clásico conociera mil versiones (desde Bobby Darin y Scott Walker hasta Paul Weller), Hardin había creado un estilo único dentro del folk-rock norteamericano; lejos de la protesta acústica, de la electricidad histérica o de la orquestación desmesurada, mucho más cerca del equilibrio y el toque impecable de un crooner de jazz.

Pero en contrapartida, también había creado un personaje imposible de analizar sin realizar un tratado psicológico sobre el amor, los sueños imposibles, la mentira, la adicción y el desamparo. De ello tratan la mayor parte de sus canciones, y él vivía literalmente en ellas, en una especie de juego de espejos romántico llevado al extremo. Como ocurre con el trompetista Chet Baker, su figura engrandece o empequeñece dependiendo del ángulo de visión. En 1981 se publicó su último trabajo, inacabado, 'Unforgiven'.

Chet Baker

El 23 de diciembre de 1929 nació en Yale (Oklahoma) el cantante y trompetista norteamericano Chet Baker, uno de los músicos de jazz más populares de la historia: imagen, biografía, leyenda y cualidades artísticas conformaron un artista sumamente atractivo para el gran público, desbordando los habituales círculos restringidos del género. Su música es sumamente accesible y delicada, casi siempre vinculada a la balada intimista, tanto en su vertiente instrumental como vocal.

Su padre, que tocaba el banjo como aficionado era un devoto de Jack Teagarden y viendo las cualidades del joven Baker le regaló un trombón. Pero Chet prefería a Harry James y lo cambió por la trompeta. Durante su etapa en el ejército, estuvo destinado en 1946 en Berlin, donde tomó contacto con el jazz moderno. En 1948 estudió en  El Camino College de Los Angeles y dos años después volvió  alistarse en el ejército y tocó con la Presidio Army Band de San Francisco. Problemas disciplinarios llevaron a su salida prematura del ejército en 1952, por suerte para él pues, de nuevo en Los Angeles, tiene la oportunidad de tocar en la banda de Charlie Parker, que consideraba por aquel entonces instalarse en la costa Oeste.

De como surgió esta colaboración está llena de leyendas la historia del jazz, la mayoría propagadas por el mismo Baker. Así, según una de ellas, Parker le dijo a Miles Davis: "There's a young cat on the West Coast who's gonna eat you up" (Hay un chavalín en la costa oeste que te va a devorar). Más probable es sin embargo, que Parker reconociera y apoyara la musicalidad de Baker, así como lo hizo años atrás con el talento de Miles. De esta magnífica sociedad surgió la grabación 'Inglewood Jam: Bird and Chet Live at the Trade Winds'

Mulligan, Whitlock, Hamilton y Baker

En 1953, la sensación de la temporada fue su cuarteto con el saxo baritono Gerry Mulligan, el bajista Bob Whitlock y el batería Chico Hamilton, sin piano, que atrajo la atención durante sus actuaciones en el nightclub Haig. El tema 'My Funny Valentine', publicado un año antes en Fantasy Records, se convierte en un hit y a partir de entonces será uno de sus temas más emblemáticos que tocaría en innumerables versiones hasta sus últimos días. Por otro lado, Chet con su ensoñadora voz y su delicado estilo a la trompeta enternecía los corazones de centenares de chicas.

Aunque Baker -a causa de su asociación con Mulligan, quien junto a Lennie Tristano está considerado uno de los padres del cool- muchas veces aparece calificado como representante del estilo, sus grabaciones demuestran sin embargo su gran capacidad de adaptación a diversos estilos jazzísticos.

Chet en 1954

Tensiones en el seno interno de la banda llevan a la salida de Mulligan y a la creación de un nuevo cuarteto con Russ Freeman (1953/54). Posteriormente Baker hizo giras por Europa y permaneció algunos meses en los países escandinavos e Italia. A pesar de sus repetidos problemas con las drogas, fueron los años cincuenta sus años más creativos, que dieron lugar a grabaciones en Pacific y Riverside con Phil Urso, Art Pepper ('For minors only', 1956) y Bud Shank ('Chet', 1959). Muy adicto a la heroína, sus huesos acababan cada vez más a menudo entre rejas, primero en Harlem, más tarde, entre 1959 y 1961 en Lucca (Italia).

Celebró su regreso grabando en 1962 'Chet Is Back!' para RCA Records. A finales de año, sin embargo, fue arrestado en Alemania y expulsado a Suiza, luego a Francia y, finalmente, a Inglaterra. Pero fue deportado de nuevo a Francia a causa de otro problema con las drogas en 1963. Vivió en París y durante todo el año siguiente actuó en Francia y España, pero tras ser arrestado una vez más en Alemania, fue deportado en 1964 a Estados Unidos.

Tocó en Nueva York y en Los Ángeles a mediados de los sesenta, cambiando temporalmente la trompeta por el fliscorno. En el verano de 1966, sufrió una gran paliza en San Francisco durante una compra de droga.. Como consecuencia de ella, perdió varios dientes lo que le llevó a llevar dentadura postiza y modificar su embocadura en la trompeta. Hacia finales de los sesenta, grababa y actuaba sólo de forma ocasional y a comienzos de los setenta, se retiró casi por completo. Retomó cierto control sobre su vida gracias a la metadona con la que lograba controlar su adicción a la heroína, y con la inestimable ayuda de su colega Dizzy Gillespie, Baker regresó fundamentalmente con dos actuaciones: una en un importante club neoyorkino en 1973 y otra en un concierto con Gerry Mulligan en el Carnegie Hall en 1974.

Hacia mediados de los setenta, Baker regresó a Europa donde seguiría actuando de forma regular, con viajes ocasionales a Japón y regresos a Estados Unidos.

Desde 1978 hasta 1988 tuvo otra etapa discográfica prolífica. Sin embargo, su extenso catálogo de estos años está desperdigado en numerosos sellos pequeños, en su mayoría europeos, por lo que estos discos no alcanzaron una gran audiencia a pesar de estar muy bien respaldados por los críticos, que mantienen que ésta fue la etapa más madura y rica. Particular importancia tienen el cuarteto que Baker formó en 1978 con el pianista Phil Markowitz y su trío con el guitarrista Philip Catherine y el bajista Jean-Louis Rassinfosse (1983-85). Asímismo realizó giras con Stan Getz durante este periodo.

Atrajo también la atención de los músicos de rock, con quienes llegó a actuar, por ejemplo con Elvis Costello en 1983, que incluyó un solo de Baker en su tema 'Shipbuilding' de su álbum 'Punch the clock'. En 1987, el fotógrafo y director de cine Bruce Weber emprendió la grabación de un documental sobre Baker. Al año siguiente, en mayo de 1988, Baker moriría a los 58 años al caer por la ventana de un hotel en Amsterdam tras haber consumido heroína y cocaína. La película de Bruce Weber, 'Let's Get Lost', estrenada en 1988, consiguió una nominación a los óscar.

Hawkshaw Hawkins

El 22 de diciembre de 1921 nació en Huntington (Virgina Occidental) el cantante de country Hawkshaw Hawkins, muy popular en Norteamérica durante los años cincuenta y principio de los sesenta.

Su primera guitarra la consiguió a cambio de cinco conejos que él mismo atrapó en el monte y con 16 años ya ganaba un concurso de aficionados en una emisora de su ciudad. A continuación formó un grupo, Hawkshaw and Sherlock with Clarence Jack, con el que se trasladó a Charleston a finales de los años treinta. En 1941 Hawkins formó parte de una revista musical con la que recorrió el país y dos años más tarde se alistó en el ejército. Sirvió primero en una base cercana a Paris (Texas), donde él y sus amigos tocaban en los clubes locales. Más tarde fue destinado a Francia, donde entró en combate y permaneció 15 meses. Su último destino fue Manila, donde también actuó por la radio.

De vuelta en casa, fue uno de los artistas habituales del programa WWVA Jamboree desde 1945 hasta 1954. En 1948 firmó un contrato con King Records en Cincinnati (Ohio) y sus primeras grabaciones alcanzaron el Top10 de las listas country, 'Pan american' y 'Dog house boogie'. A estas siguieron -todas en 1951- 'I love you a thousand ways', 'I'm waiting just for you' y 'Slow poke', que fue Top40 en las listas pop. Sin embargo, fue un hit menor, 'Sunny side of the mountain', la que se convirtió en su canción más emblemática.

En 1953 abandona el sello y tras unos años bajo contrato con Columbia y RCA, accede al Grand Ole Opry en 1955. En 1962 vuelve con King Records y graba su mayor éxito, 'Lonesome 7-7203', que debutó en las listas tres días antes de su trágica muerte el 5 de marzo de 1963 a bordo de la misma avioneta en la que perdieron la vida Cowboy Copas y Patsy Cline. Hawkins contaba 42 años y su segunda mujer, Jean Shepard -también cantante de country- esperaba el segundo hijo de ambos. Al mes siguiente, 'Lonesome 7-7203' se encontraba en lo más alto de las listas, donde permaneció cuatro semanas.