Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 6 de noviembre de 1946 nació en Glasgow, el músico, compositor y productor escocés George Young, hermano de Malcolm y Angus, componentes ambos del grupo AC/DC. En 1963 sus padres emigraron a Australia, permaneciendo en Inglaterra el hermano mayor Alex, que más tarde sería miembro del grupo londinense Grapefruit (1967-69).
The Easybeats
Tras finalizar sus estudios de secundaria en la Sefton High School de Sydney, en 1965 entró como guitarra rítmico en el grupo The Easybeats. En él Young compuso la gran mayoría de sus canciones, primero con el cantante Stevie Wright, más tarde, a partir de 1966 con el guitarra solista, Harry Vanda. El año 2007, la revista Australian Musician seleccionó este encuentro de Vanda y Young como el momento más significativo de la historia del pop-rock australiano. El mayor éxito de The Easybeats fue 'Friday in my mind' (1966), tema de Vanda-Young, que fue nº1 en Australia, nº6 en el Reino Unido y nº16 en EE.UU.
George Young
Ambos fueron autores también de temas como 'Come in you'll get pneunomia','Good times' y 'Falling off the edge of the world' o 'Bring a little lovin', del que el grupo español Los Bravos hizo una versión muy popular. The Easybeats, gracias a su éxito consiguieron firmar un contrato con United Artists y se trasladaron a Londres. Acompañaron en su gira europea y norteamericana a los Rolling Stones pero una falta de promoción y problemas de difusión en las emisoras de radio estadounidense por una supuesta referencia sexual en el tema 'Heaven and hell', no ayudaron a afianzar la banda en el mercado.
George Young y Harry Vanda
Posteriormente Vanda y Young formaron un tándem de compositores y alquilaron un apartamento en Londres que había servido como estación pirata de radio. Realizaron unos cambios y lo reconvirtieron en un pequeño estudio de grabación de cuatro pistas. En él escribieron y grabaron maquetas que serían los temas que se publicaron como últimos singles de The Easybeats. Aunque no hubo anuncio oficial, la banda se separó en 1970. El dúo permaneció tres años en Inglaterra, grabando bajo diferentes nombres como Paintbox o Band of Hope.
Flash and the Pan
En 1973 volvieron a Australia y trabajaron como productores fijos del sello Albert Productions de Ted Albert, en el que compusieron y produjeron temas para Stevie Wright, Rose Tattoo, Cheetah y The Angels. Para John Paul Young también escribieron y produjeron más de un hit como 'Yesterday's hero'(1975) y 'Love is in the air' (1977). Asimismo publicaron bajo varios seudónimos, el más conocido Flash and the Pan, con el que hasta 1992 editaron seis álbumes con temas como 'Hey St. Peter' (1978), 'Walking in the rain' (1979), 'Welcome to the universe' (1980) y 'Waiting for a train' (1983)
George Young tocó el bajo en la banda de sus hermanos, AC/DC durante un tiempo (1974-75) y junto con Harry Vanda produjo sus primeros álbumes, 'T.N.T.' (1975), 'High Voltage', 'Dirty Deeds Done Dirt Cheap' (1976), 'Let There Be Rock' (1977), 'Powerage' (1978) así como 'Stiff Upper Lip' (2000). Se retiró a finales de los noventa y residió con su familia en Portugal hasta su muierte el 23 de octubre de 2017 a los 71 años.
El 2 de noviembre de 1944 nació en Todmorden (Inglaterra). el compositor y teclista británico Keith Emerson. De formación clásica, cuando escuchó 'Rock candy' del organista de jazz Jack McDuff, decidió que el Hammond sería su instrumento principal. Considerado uno de los mejores teclistas de rock progresivo de su generación, formó parte de The Nice (1967-1970), Emerson, Lake & Palmer (1971-1979, 1991-1998) y Emerson, Lake & Powell (1985-1986).
Ya con 14 años Keith era conocido en su ciudad natal gracias a su talento con el piano, antes de que se trasladara unos años más tarde a Londres, donde buscó abrirse camino en el mundillo del rock. Perteneció a grupos como los V.I.P.s (futuros Spooky Tooth) o Gary Farr and the T-Bones. En esa época sus mayores influencias musicales eran los músicos de jazz Fats Waller, Oscar Peterson, Dave Brubeck, Jack McDuff y Big John Patton, así como clásicos como Bach, Copland, Schostakowitsch, Béla Bartok o Alberto Ginastera.
A comienzos de 1967 entró a formar parte de un grupo creado para acompañar a la cantante de soul norteamericana P.P. Arnold, que había logrado tener más éxito en el Reino Unido que en su país natal. Tras acompañarla durante el verano, la banda -que ya se había ganado una reputación por sí sola-, decidió seguir como grupo y en octubre del mismo año nace The Nice con Keith Emerson a los teclados, el cantante y bajista Lee Jackson, el batería Brian Davison y el guitarrista David O'List.
En sus temas fusionaban géneros como jazz, blues y rock con elementos de la música clásica. Considerados por muchos el primer grupo de rock progresivo de la historia, en 1967 publican el álbum 'The Thoughts of Emerlist Davjack' (Los pensamientos de 'Emerlist Davjack', pseudónimo creado combinando los apellidos de los músicos). El álbum contiene principalmente temas de blues-rock psicodélico, pero ya se vislumbraban elementos más ambiciosos en su música, como el arreglo de 'Blue Rondo a la turk' de Dave Brubeck, que en su caso llamaron simplemente'Rondo', cambiando la medida del original 9/8 a un 4/4.
Para su segundo single, The Nice creó un arreglo de 'America'de Leonard Bernstein, que Emerson describió como "la primera canción protesta instrumental". No sólo usaron la pieza de 'West Side Story', también incluyeron fragmentos de la 'Sinfonía del Nuevo Mundo' de Dvorák.
El tema concluye con un niño (según la biografía de Emerson se trata del hijo de tres años de P.P. Arnold) pronunciando las palabras: "America está preñada de promesas y expectativas de ilusión, pero es asesinada por la mano de lo inevitable". Una desafortunada portada mostrando a los miembros de la banda con niños sentados en sus rodillas, cuyas cabezas habían sido sustituidas por las de John y Robert Kennedy y Martin Luther King, y la protesta de Leonard Bernstein, manifestando que nadie le había pedido permiso para hacer una versión de su tema, aconsejaron no editar el disco en EEUU.
Keith y sus sintetizadores
Cuando Emerson escuchó el álbum 'Switched on Bach' de Walter Carlos, en el que introdujo el sintetizador 'Moog', también él comenzó a experimentar con el nuevo instrumento electrónico inventado por Robert Moog. Fue uno de los primeros músicos de rock en incorporarlo a sus actuaciones.
El segundo álbum del grupo, 'Ars Longa Vita Brevis' (1968) ya pondría de relieve su faceta de fusión de los cánones clásicos con el rock. Para ello optan por dos vías claramente diferenciadas: por un lado se incluye una versión del 'Intermezzo' de la suite Karelia, op.11, del compositor finlandés Jean Sibelius (1893); por el otro, la monumental pieza 'Ars longa vita brevis', concebida como obra-concerto para grupo y orquesta (con la ayuda del director Robert Stewart) y dividida en 4 movimientos, más un preludio y una coda e incluyendo un arreglo del Allegro Moderato inicial del Concierto de Brandenburgo Nº3 (1721) de Johann Sebastian Bach.
Davison, Jackson y Emerson
Por otro lado, Dave O’List se marcha del grupo a poco de iniciarse la grabación quedando así configurada la estructura clásica de trío, preludiando ya lo que será ELP y con el protagonismo absoluto de Emerson. 'Daddy where did I come from?','Little Arabella' y 'Happy freuds' continúan la tónica psicodélica del trabajo anterior aunque con mayor profundización en los registros jazzísticos y blueseros marcados por el piano de Emerson.
Keith comenzó en ésta época a labrarse su fama de showman sobre el escenario que le valdría el apodo de el 'Jimi Hendrix del órgano'. Inspirado por Jerry Lee Lewis y Don Shinn, (organista de los Soul Agents, un grupo en el que militó Rod Sewart), se subía encima del teclado y lo tocaba del revés, lo maltrataba violentamente, clavaba cuchillos entre las teclas para mantener sostenida una nota y prendía fuego a objetos a su alrededor, incluida -en una actuación en el Royal Albert Hall-, una bandera estadounidense, lo que casi provocó un conflicto diplomático internacional.
En 1969 publicaron su tercer álbum, 'Nice', pero fue su siguiente trabajo 'Five Bridges' (1970) el que ha sido considerado su obra maestra. Fue un encargo del comité del Festival de las Artes de Newcastle haciendo referencia a los cinco puentes existentes en la ciudad sobre el río Tyne (desde entonces se han construido dos más).
Five Bridges Suite (1970)
'Five bridges' es una composición de Keith Emerson a modo de Suite para grupo y orquesta (algo que ya habían experimentado previamente). Fue grabada e interpretada en directo en el Fairfield Hall de Croydon, sala habitual de numerosas grabaciones orquestales de la BBC, preludiando claramente montajes como 'Pictures at an Exhibition' por EL&P. La orquesta elegida fue la London Symphony Orchestra dirigida por Joseph Eger.
Además de la 'suite', el disco se completó con las interpretaciones en directo de 'Intermezzo Karelia Suite' para grupo y orquesta (que ya había sido grabada en el disco 'Ars longa vita brevis' de 1968 sin orquesta) y de 'Patethique (Symphony Nº6 3rd movement)', del compositor ruso Tchaikovsky, original de 1893, en versión para grupo y orquesta.
Elegy (1971)
Los otros temas son un medley tan explosivo como 'Country pie', de Bob Dylan con el Allegro inicial del Concierto de Brandenburgo Nº 6 de J.S. Bach, como interludio instrumental central, mientras que 'One of those people' es una canción con tintes psicodélicos y mucho trabajo de Hammond. Estos dos últimos temas fueron publicados en single ese mismo año. Sin embargo, la falta de éxito comercial llevó a la disolución de la banda, que ofreció su último concierto en marzo de 1970 en Berlin. Tras la ruptura se publicó un nuevo álbum, 'Elegy' (1971), que contenía diferentes versiones de temas ya publicados anteriormente por The Nice. Este álbum constituirá un interesante legado de buen material del grupo en estudio (con la versión del 'My back pages' de Bob Dylan) y en directo. Fue grabado entre los últimos meses de 1969 y los primeros de 1970, siendo su material seleccionado por Jackson y Davison, sin la participación de Emerson.
Greg Lake, Keith Emerson y Carl Palmer
Cuando apareció 'Elegy', Emerson se encontraba ya inmerso en su siguiente proyecto. Hacía unos años que conocía a Greg Lake, en aquel momento bajista de King Crimson, con el que coincidía en gustos musicales y cuyos estilos parecían complementarse. Con la idea de formar un trío de teclados/bajo/batería, emprendieron la búsqueda de un batería. El primer elegido fue Mitch Mitchell, pero cuando éste se presentó a la audición acordada armado y rodeado de guardaespaldas, la elección definitiva recayó en Carl Palmer, entonces con Atomic Rooster.
Emerson, Lake & Palmer
Jimi Hendrix, que había oído los trabajos de Emerson, estuvo interesado en hacer una jam con ellos. En eso quedaron cuando coincidieron en el Festival de Wight, pero Hendrix murió 26 días más tarde, por lo que un hipotético supergrupo llamado HELP (Hendrix, Emerson, Lake & Palmer), no llegó a materializarse. Su álbum 'Emerson Lake & Palmer' incluía su primer single, 'Lucky man', un tema de Greg Lake escrito a los doce años, quizás el primer tema con un solo de moog que entró en las listas y que se incluyó en el álbum más por rellenar que por otra cosa. El éxito tomó al grupo por sorpresa, sobre todo a Emerson, que participó en ella a regañadientes. La cara B del single, 'Knife edge' estaba basada en la Sinfonietta de Janacek con una parte central instrumental que recuerda a la suite francesa en Re menor BWV 812 de Bach, tocada en un órgano en vez de un clavicordio o piano.
El segundo trabajo, 'Tarkus' fue su primer álbum conceptual descrito como una historia acerca de la 'evolución inversa'. El lanzamiento coincidió con la inauguración en Oslo de la Conferencia Internacional de Crímenes de Guerra y el armadillo/tanque de la portada apoyaba el mensaje que contenía el álbum acerca de la inutilidad de las guerras y la hipocresía de las religiones.
Tarkus (1971)
El tema principal, una 'suite' rock de siete partes que ocupaba una cara
del vinilo y se grabó en solo cuatro días, contenía medidas complejas
(como 10/8) y giros sonoros sorprendentes. Emerson recordaba en una entrevista: "Carl estaba muy obsesionado por utilizar ritmos diferentes. Me dijo que le gustaría hacer algo en 5/4 y le dije que lo tendría en cuenta y empecé a escribir Tarkus a partir de ahí. Greg no estaba muy seguro al respecto. Le parecía demasiado raro. Pero accedió a intentarlo, y después le encantó".
La apertura de la obra se caracteriza por teclados como sirenas y descargas de percusión entre 'Tarkus' y tres adversarios (desarrolladas en el melancólico 'Stones of years', 'Iconoclast' y el díscolo 'Mass') antes de ser derrotado por el malvado 'Manticore'de la mitología persa (órgano de iglesia y batería sinfónica).
Esas batallas terminan con 'Eruption' (sintetizadores, Hammond y moog de Emerson, combinados con los explosivos toques de Palmer), y después el veloz 'Battlefield' y el dramático 'Aquatarkus'. Emerson Lake & Palmer habían presentado su versión rock de la obra 'Pictures at an exhibition' del compositor ruso Modeste Mussorgsky en el Festival de Wight de 1970. Disfrutaron tanto de la experiencia que el mes de marzo siguiente grabaron una actuación en el City Hall de Newcastle, con la intención de lanzar un álbum.
Pictures at an Exhibition (1971)
La casa discográfica, escéptica ante su publicación para el mercado pop,
no lo sacó al mercado hasta que comprobaron el éxito de 'Tarkus'. 'Pictures at an Exhibition' salió a la venta con un precio reducido de 1,49 libras, lo que ayudó a la difusión y popularidad del grupo. Hay cuatro cortes que no
tienen que ver con la obra de Mussorgsky: 'The Sage', composición de
Lake; 'Blues Variation', un veloz
tema inspirado en un blues; el rockero 'The curse of Baba Yaga' y
'Nutrocker', inspirada en una pieza del ballet 'Cascanueces' del ruso
Pyotr Tchaikovsky.
En 1972 se publicó 'Trilogy', el álbum favorito de los músicos y que contenía su single más vendido, 'From the beginning'. Otro tema contenido en 'Trilogy', fue una versión de 'Hoedown', parte de la obra 'Rodeo' de Aaron Copland.
Brain Salad Surgey (1973)
El éxito de la banda cosechado hasta ese momento les permitió emprender giras internacionales que tras 'Brain Salad Surgery' -cuyo diseño de portada corrió a cargo de H.R.Giger-, se hicieron cada vez más multitudinarias, logrando en 1974 superar a Deep Purple como cabezas de cartel en un show conjunto.
Para su cuarta entrega contaron con la colaboración de Peter Sinfield, que ayudó a Lake con las letras. Destacaron los temas 'Karn Evil 9', una pieza de 30 minutos en tres movimientos, que contiene la frase "Welcome back my friends to the show that never ends...", con la que abrían sus últimos shows, 'Jerusalem', una adaptación del himno de Hubert Parry y 'Still... you turn me on', un tema característico de Greg Lake con la guitarra acústica.
Keith Emerson no estuvo exento de críticas en su época de EL&P: "esa forma prepotente de darse importancia hizo que EL&P se transformara en muy pocos años de un grupo muy interesante y tremendamente prometedor a la definición del exceso masturbatorio musical y el autoensalzamiento", escribía John Kelman.
Se tomaron entonces un periodo sabático de tres años para reinventar su propuesta musical, pero EL&P habían perdido la perspectiva de la cambiante escena musical. Se publicaron los álbumes 'Works Vol 1' un doble álbum en el que cada uno de los miembros daba rienda suelta a su creatividad en una de las caras del álbum, concluyendo en una cuarta común, y 'Works Vol 2', que más bien parecía una recopilación de descartes anteriores. De ambos trabajos se extrajeron sendos temas de Lake con letra de Peter Sinfield. Del primero,'Cest la vie' y del segundo, un tema navideño, 'I believe in father Christmas'.
En 1977 y 1978 realizaron exhaustivas giras por Norteamérica, algunas acompañados de una orquesta completa, en las que trabajaron más duro que nunca para mantener su audiencia, pero la música disco, el punk y la new wave ya estaban cambiando el escenario del mundo discográfico, por lo que EL&P dejaron de ser los precursores de la innovación en este campo. Su última entrega 'Love Beach' (1978) grabada por obligaciones de contrato con la compañía discográfica y denostada por los mismos miembros de la banda (sobre todo, por la foto de portada), no hizo más que confirmar que sus ideas habían llegado a un callejón sin salida, por lo que en 1979, Keith Emerson, Greg Lake y Carl Palmer, tomaron su camino por separado.
Keith Emerson destacó componiendo música para el cine contándose entre sus mejores bandas sonoras la que realizó para la producción de Sylvester Stallone'Night Hawks' (1981) y la música para el film 'Inferno' (1980), obra de culto del italiano Dario Argento, entre otras.
Emerson, Lake & Powell
En 1985, Emerson y Greg Lake planearon volver a formar el trio, pero Carl Palmer andaba muy ocupado con su trabajo en Asia. Keith llamó entonces a su viejo amigo Cozy Powell para que ocupara el lugar de Palmer. La coincidencia de la inicial del apellido de ambos músicos -que les facilitaba seguir con la denominación EL&P-, fue estrictamente casual, como Lake se encargaba de repetir a los escépticos periodistas. "Aunque estuvimos considerando contratar a Ringo Parr, Phil Pollins o Gene Prupa", añadía jocoso.
El álbum que surgió de la reunión fue un retorno a los sonidos familiares de EL&P con largas suites de rock progresivo como 'The Score', power-ballads a cargo de Lake como 'Vacant possession' y una pieza clásica, 'Mars the bringer of war' de Gustav Holst. El single extraido, 'Touch and go', tuvo cierto éxito y fue muy emitido por las FMs y el canal MTV. A continuación surgieron viejas disputas entre Emerson y Lake y un segundo álbum de Emerson Lake & Powell nunca vio la luz. Un nuevo intento de trío se produjo en 1988, esta vez Emerson, Palmer y el multiinstrumentista estadounidense Robert Berry, bajo el nombre de '3', aunque sus conciertos se anunciaban como Emerson & Palmer. El grupo duró un año y produjo el poco memorable álbum 'To the Power of Three'.
Emerson, Lake & Palmer (1992)
En 1991 la formación original (incluido Palmer) se volvio a reunir y grabaron un álbum, 'Black Moon'bajo el sello JVC, al que siguieron giras mundiales de gran éxito en 1992 y 1993. Sin embargo, el trabajo que siguió, 'In the hot seat', no cumplió las expectativas creadas con 'Black Moon', lo que, añadido al síndrome del túnel carpiano y a la lumbalgia causada por el stress profesional de Emerson, llevaron al trío de nuevo a dejar la actividad. Recuperados en 1996, siguieron con los conciertos, pero las salas en las que actuaban eran cada vez más pequeñas, y en agosto de 1998 ofrecieron su último concierto del siglo XX como EL&P.
En 2002 Keith publicó el álbum 'Emerson plays Emerson', en el que cambió los sintetizadores y el Hammond por el piano, con grabaciones realizadas en diferentes localizaciones y épocas. La gran mayoría son composiciones de Emerson e incluye versiones de 'Creole Dance' de Ginastera, 'Summertime' de Gershwin y un increíble dueto al piano con Oscar Peterson, interpretando 'Honky Tonk Blues'.
Keith Emerson en 2010
El 25 de julio de 2010 se celebró en Londres bajo el título 'High Voltage' un único concierto de Emerson, Lake & Palmer para celebrar su 40 aniversario en octubre de 2010. Tras superar una delicada intervención quirúrgica, Keith siguió trabajando con su banda Keith Emerson Band, con Marc Bonilla y la Munich Radio Orchestra con quienes interpretaba versiones orquestales de clásicos de EL&P, así como nuevas composiciones.
Keith Emerson murió en marzo de 2016 a los 71 años en Santa Monica, California.
El 20 de octubre de 1950 nació en Gainesville, Florida, el músico, compositor y multi-instrumentista estadounidense Tom Petty. Era el líder y cantante de Tom Petty and the Heartbreakers y fue uno de los fundadores a finales de los ochenta del supergrupo Traveling Willburys. Tom Petty & the Heartbreakers fue desde 1976 uno de los grupos de rock'n'roll más selectos de América, haciendo un maridaje con las guitarras acústicas de los Byrds y los descarnados ritmos de Rolling Stones.
El interés de Tom Petty por el rock'n'roll comenzó cuando contaba sólo 10 años de edad. Un tío suyo trabajaba en el equipo de montaje del rodaje de una de las películas de Elvis, 'Follow that dream', en Ocala (Florida) y le invitó al rodaje. Se convirtió ese mismo día en un furibundo fan de Elvis Presley y cambió su magnífico tirachinas 'Wham-O' por una caja de singles del 'rey'. Cuando unos años más tarde además vio a los Beatles en el Ed Sullivan Show, supo que quería formar parte de un grupo. Uno de sus primeros profesores de guitarra fue Don Felder, un vecino de su barrio, que más tarde sería uno de los Eagles.
Mudcrutch en 1975
De adolescente trabajó como jardinero en la universidad de Florida, aunque nunca la visitó como estudiante. Su relación con el padre no fue fácil ya que a este le costaba admitir que su hijo fuera un 'amanerado e interesado en las artes'. Acosado física y verbalmente por él, Tom se sentía más seguro junto a su madre. Su primera banda se llamaba The Epics, que más tarde adoptaria el nombre de Mudcrutch, consistente en Tom Petty al bajo y voces, Tom Leadon a la guitarra y voces, Randall Marsh a la batería y Mike Campbell a la guitarra. Mudcrutch fue la banda local del Dub' Lounge en Gainesville (Florida).
En 1974 firmaron un contrato con Shelter Records y se instalaron en California. Grabaron un single, 'Depot street' en 1975, pero no logró entrar en las listas. Un año después, la compañía discográfica quebró y el grupo se disolvió. Petty, Campbell y el teclista Benmont Tench fundaron entonces los Heartbreakers junto con los músicos locales Stan Lynch y Ron Blair. El primer álbum del grupo, llamado 'Tom Petty & the Heartbreakers' (1976), tuvo una repercusión fugaz en EEUU, obteniendo más éxito en el Reino Unido. Tras una gira por Europa tocando de teloneros con Nils Lofgren, el single 'Breakdown', fue reeditado en 1978, alcanzando el Top40 del Hot100. Su segundo álbum 'You're Gonna Get It' fue su primer álbum en las listas y contenía los singles 'I need to know' y 'Listen to her heart'.
Damn the Torpedoes (1979)
La publicación de 'Damn The Torpedoes' (1979) significó el espaldarazo comercial definitivo, vendiendo más de dos millones de copias, con temas como 'Don't do me like that' y 'Refugee'. No pudo haber llegado en mejor momento, pues Tom se encontraba al borde de la bancarrota: Unos meses antes su compañía discográfica fue vendida con su catálogo de artistas a MCA Records. A Tom no le gustó nada la jugada y rehusó ser transferido de compañía en compañía sin su consentimiento. Su firme y consecuente mantenimiento de principios casi lo lleva a la ruina.
Hard Promise (1981)
Aunque el éxito les sonreía, volvieron a tener problemas con MCA Records. Esta vez el tema de la disputa fue el precio: la compañía había decidido lanzar el siguiente álbum de la banda al precio de $9,98, un dólar más que el habitual precio entonces de $8,98. Petty manifestó su disgusto por ello en la prensa y fue un tema muy polémico entre los fans de la época. Se pensó en no entregar el álbum o llamarlo 'ocho con noventa y ocho', pero, finalmente, MCA cedió y lo puso a la venta al precio habitual. 'Hard Promise' (1981) fue Top10 e incluía los temas 'The waiting' y el dúo con Stevie Nicks, 'Insider'.
Para el siguiente trabajo, 'Long After Dark' (1982) hubo cambio en las filas de la banda: el bajista Ron Blair abandonó el grupo siendo sustituido por Howie Epstein. Esta formación se mantendría hasta 1994.Seguirían los álbumes 'Southern Accents' (1985) y 'Let me up (I've had enough)' (1987) con temas como 'Don't come around here no more', producido por Dave Stewart y 'Jammin me', escrita por Petty con Bob Dylan, quien les invitó a acompañarle en una gira.
Ese mismo año un pirómano prendió fuego a su casa de Encino (California). El fuego causó daños por más de un millón de dólares, pero los bomberos fueron capaces de salvar su estudio de grabación donde se encontraban los masters de sus grabaciones así como su guitarra acústica Gibson Dove. La casa fue reconstruida poco después con materiales ignífugos.
Dylan, Lynne, Petty, Harrison y Orbison
Al año siguiente Tom fue uno de los fundadores junto con Bob Dylan, George Harrison, Roy Orbison y Jeff Lynne del grupo Traveling Wilburys. El primer tema de la banda, 'Handle with care'estaba pensado en principio para ser cara B de un nuevo single de George Harrison. Como les pareció demasiado bueno para ello, acabaron grabando un álbum completo, 'Traveling Wilburys Vol 1', en el que Tom contribuyó con los temas 'Last night' y 'Margarita'. La repentina muerte de Roy Orbison en 1988 hizo que se plantearan sustituirlo por Del Shannon, pero éste se suicidó dos años después. En 1990 apareció 'The Traveling Wilburys Vol 3', de menor repercusión.
Full Moon Fever (1989)
En 1989 Petty publicó 'Full Moon Fever', con los hits 'I won't back down','Free fallin' y 'Runnin' down a dream'. Fue su primer álbum en solitario, nominalmente, porque colaboraron en él varios miembros de los Heartbreakers además de otros músicos conocidos. Mike Campbell co-produjo el álbum junto con Petty y Jeff Lynne. Los otros músicos incluían a Roy Orbison y George Harrison. (Aunque Ringo Starr aparecía en el video de 'I wont back down', la batería la tocó Phil Jones). Como participaron en el disco todos los integrantes de los Traveling Wilburys menos Bob Dylan, muchos consideran este álbum, el 'Traveling Wilburys Vol2' no oficial.
El año 2002 Tom participó en el concierto homenajecelebrado en Londres en el primer aniversario de la muerte de George Harrison. En agosto de 2007, Tom Petty invitó a los miembros originales de Mudcrutch, Randall Marsh y Tom Leadon a reunirse con Benmont Tench y Mike Campbell de los Heartbreakers para refomar Mudcrutch. Antes de que su casa discográfica quebrara en 1975, habían grabado varias maquetas que nunca habían tenido la oportunidad de registrar en disco. En 2008 publicaron el álbum 'Mudcrutch' con estos viejos temas y algunos más de reciente composición.
Hipnotic Eye (2014)
El mes de junio de 2010 apareció el 12º álbum de Tom Petty & the Heartbreakers, 'Mojo', el primer álbum de la banda en ocho años y en el que recuperaron al bajista Ron Blair. En mayo de 2014 apareció la segunda entrega de Mudcrutch, 'II' y su último trabajo en solitario, 'Hypnotic Eye' se publicó en julio de 2014 y debutó en las listas de Billboard 200 directamente en el nº1. En sus últimos días, Petty conducía un programa de radio llamado 'Buried treasure' en la emisora por satélite Sirius XM, en el que presentaba y comentaba oldies de roots rock. Murió de un infarto el 2 de octubre de 2017 a los 66 años.
El 18 de octubre de 1926 nació en St. Louis (Missouri) el guitarrista, compositor y cantante de rock and roll Charles Edward Berry más conocido por Chuck Berry, uno de los pioneros del rock & roll.
Chuck Berry fue una influencia principal en el desarrollo de la música, la actitud y el modo de vida asociados al género. Llevó el R&B a nuevos caminos definiendo los elementos distintivos del rock and roll: Letras dirigidas a un público muy joven, usando divertidas y gráficas expresiones de los bailes adolescentes, coches veloces, la vida en los institutos y la sociedad de consumo. Sus solos de guitarra y el carisma que mostraba en escena, fueron también determinantes en el desarrollo posterior de la música pop.
El cuarto de seis hermanos, Chuck creció en el norte de San Luis, en un barrio de clase media conocido como 'The Ville'. Su padre era diácono de una iglesia baptista cercana y su madre profesora en un instituto. Se interesó pronto por la música y, estando todavía en la escuela, dio su primer concierto en 1941. Tres años más tarde es arrestado y encarcelado por robo a mano armada en tres tiendas de Kansas City y robo a punta de pistola de un coche junto con unos amigos. Fue enviado al reformatorio para jóvenes en Algoa (Missouri), donde pasó el tiempo practicando boxeo y formando un grupo vocal.
El hogar de Berry en 1950
Fue liberado el día que cumplió 21 años, y pocos días después se casó con Themetta 'Toddy' Suggs, que dio a luz a Darlin Ingrid Berry el 3 de octubre de 1950. Berry mantuvo la famila trabajando en dos plantas de montaje de automóviles, además de ser el conserje del edificio de apartamentos en el que vivía con Toddy. Poco después se formó como esteticista en el Poro College of Cosmetology en St Louis, una institución fundada en 1917 por la emprendedora y filántropa afroamericana Annie Turnbo Malone, con el fin de investigar los cosméticos para mujeres de raza negra. Le fue tan bien con ello, que en 1950 fue capaz de comprarse una pequeña casa de ladrillo con tres habitaciones y baño en Whittier Street, casa que pertenece actualmente al Registro Nacional de Lugares Históricos de EE.UU.
A comienzos de los años cincuenta, Chuck tocaba con algunas bandas locales de los clubes de St Louis para ingresar un dinerillo extra. Había estado tocando blues desde niño y tomó prestados algunos riffs de guitarra y la actitud escénica de T-Bone Walker. También recibió clases de guitarra de su amigo Ira Harris, las cuales ayudaron a perfeccionar y definir su propio estilo con el instrumento. En 1953 formaba parte del trio de Johnnie Johnson, un pianista al que le uniría una larga relación profesional. Aunque la banda tocaba predominantemente blues y baladas, la música más popular entre la clientela blanca de la zona era el country & western.
Berry escribió en su autobiografía: "Sentí curiosidad por ver que pasaba si comenzaba a introducir temas con un toque country en nuestro repertorio, que tocábamos ante una audiencia predominantemente negra. Sucedió que algunos de ellos preguntaban '¿quién es ese hillbilly negro del Cosmo?'. Tras reírse de mí unas cuantas veces, comenzaron a pedírme ellos mismos esas canciones hillbilly e incluso les encantaba bailarlas"
En mayo de 1955 Berry viajó hasta Chicago, donde conoció a Muddy Waters. Este le recomendó que fuera a ver a Leonard Chess, propietario de Chess Records. Berry pensó que su material de blues podía ser lo que más interesara a Chess, pero ante su sorpresa, éste eligió un viejo tema de country & western que había grabado Bob Wills, titulado 'Ida Red'. Chess había visto cómo el mercado de R&B estaba cayendo y buscaba ir más allá. Quizás había encontrado al fin el artista adecuado para su propósito.
Así el 21 de mayo de 1955, Berry grabó una adaptación de 'Ida Red' -'Maybelline'-, con Johnnie Johnson al piano, Jerome Green (de la banda de Bo Diddley) a las maracas, Jasper Thomas a la batería y Willie Dixon al bajo. El disco vendió más de un millón de copias y fue nº1 en las listas de R&B.
Le siguió 'Roll over Beethoven' en junio de 1956, alcanzando el puesto 29 del Top100 de Billboard y Berry fue promocionado como uno de los 'top acts' del 58. Conoció a Carl Perkins y se hicieron grandes amigos. Perkins comentó en una ocasión: "Cuando oí su música por primera vez, supe al instante que había recibido influencias country. Sus canciones me parecían extraordinarias". Perkins descubriría en las giras que realizó con Berry, que Chuck conocía prácticamente las mismas canciones que él y que Jimmie Rodgers era su cantautor country favorito.
En 1957 Berry fue incluído en el show 'Las más grandes estrellas de 1957', junto con Everly Brothers, Buddy Holly y otros. Los hits continuaron hasta 1959, consiguiendo por lo menos una docena de ellos, que incluían los Top10 'School days', 'Rock and roll music','Sweet little sixteen' y 'Johnny B. Goode'. Apareció en dos películas cuyo tema era el rock and roll:'Rock Rock Rock' (1956) y'Go, Johnny Go!' (1959). Chuck logró romper las barreras de popularidad entre la música blanca y negra de su tiempo, y tuvo una gran influencia posterior, tanto en compositores (Dylan, Lennon/McCartney), como en guitarristas (Keith Richards, Eric Clapton).
Su manera de tocar nerviosa, frenética, y su famoso 'baile del pato', formaban parte de un estilo único que subió su cotización espectacularmente y en muy poco tiempo. Berry era ya una estrella establecida y además de poseer un night-club en St. Louis, Berry's Club Bandstand, invertía su dinero adquiriendo propiedades inmobiliarias.
Pero a finales de los cincuenta todo parecía haberse confabulado para acabar con el rock: murió Buddy Holly; Elvis se fue a la mili; a Jerry Lee Lewis se le hundió la carrera por el escándalo que supuso entonces estar casado con su prima de trece años; Little Richard había descubierto a Dios, abandonando el escenario y Chuck Berry fue encarcelado, por tener trabajando en su club a una menor de edad mexicana "con propósitos inmorales", aunque Berry siempre afirmó que "lo que único que hacía esa chica de 14 años en el Bandstand era trabajar en el guardarropa".
Chuck Berry en 1959
Tras varios juicios y apelaciones tuvo que pasar un año y medio en prisión. Cuando salió, sus temas eran más conocidos que los de las nuevas bandas que por aquel entonces iban surgiendo (sus canciones fueron versionadas por los Beatles y los Rolling Stones en sus primeros álbumes) y recogió buen número de éxitos hasta 1965, cuando cambió de sello y fichó por Mercury, para el que editó tres álbumes con poca incidencia. Volvió a Chess Records en 1970; el regreso le dio un número uno -el único de su carrera- 'My ding-a-ling' (1972) a ambos lados del Atlántico y volvió a ser admirado por una nueva generación de aficionados.
Berry y Michael Jackson en 1980
Grabó esporádicamente y siguió actuando a lo largo de los setenta, siendo encarcelado de nuevo (esta vez por cien días) por evasión de impuestos. En los años 80 y 90 siguió girando, sin embargo sus actuaciones en directo casi nunca han estado a la altura de su prestigio debido a una dejadez general del guitarrista, añadida a su conocida tacañería que implica no contar con una banda de acompañamiento fija. Solía contratar a músicos locales de las poblaciones donde acudía a tocar, lo que a menudo provocaba una discordancia sonora entre Berry y sus acompañantes en escena. Según Berry, todo guitarrista de rock que se precie debe conocer sus canciones y ser capaz de interpretarlas sin necesidad de ensayos. Muchas veces no ha querido pagar a los músicos, porque consideraba que suficiente privilegio habían disfrutado tocando con él.
Berry y Richards en 1986
El día de su sesenta cumpleaños, Keith Richards le organizó un magnífico concierto homenaje en el que participaron , entre otros, Johnnie Johnson, Bobby Keys, Steve Jordan, Eric Clapton, Robert Cray, Etta James, Linda Ronstadt y Julian Lennon. El concierto fue grabado y filmado. (Hail! Hail! Rock'n'Roll). A finales de los años ochenta adquirió un restaurante en Wentzille (Missouri), llamado The Southern Air. Unos años después, Chuck fue denunciado por varias mujeres que le acusaban de haberlas espiado con una videocámara instalada en el servicio de señoras.
Berry alegó que se había instalado para vigilar a una empleada sospechosa de robar. Aunque no lograron probar nada en el juicio, Berry aceptó indemnizar a 59 mujeres. Según Bruce Pegg, biógrafo de Chuck Berry, esta jugada le costó al músico entre unas cosas y otras más de 1,2 millones de dólares. De nuevo, en noviembre de 2000, se enfrentó a nuevos problemas legales cuando Johnnie Johnson -su pianista durante los años cincuenta- reclamó derechos de autor de varias de sus canciones, acreditadas a Berry como único compositor. El juez desestimó la demanda ya que consideró que habia pasado demasiado tiempo para atender cualquier reclamación al respecto.
George Young tocó el bajo en la banda de sus hermanos, AC/DC durante un tiempo (1974-75) y junto con Harry Vanda produjo sus primeros álbumes, 'T.N.T.' (1975), 'High Voltage', 'Dirty Deeds Done Dirt Cheap' (1976), 'Let There Be Rock' (1977), 'Powerage' (1978) así como 'Stiff Upper Lip' (2000). Se retiró a finales de los noventa y residió con su familia en Portugal hasta su muierte el 23 de octubre de 2017 a los 71 años.
El tema concluye con un niño (según la biografía de Emerson se trata del hijo de tres años de P.P. Arnold) pronunciando las palabras: "America está preñada de promesas y expectativas de ilusión, pero es asesinada por la mano de lo inevitable". Una desafortunada portada mostrando a los miembros de la banda con niños sentados en sus rodillas, cuyas cabezas habían sido sustituidas por las de John y Robert Kennedy y Martin Luther King, y la protesta de Leonard Bernstein, manifestando que nadie le había pedido permiso para hacer una versión de su tema, aconsejaron no editar el disco en EEUU.
Keith Emerson no estuvo exento de críticas en su época de EL&P: "esa forma prepotente de darse importancia hizo que EL&P se transformara en muy pocos años de un grupo muy interesante y tremendamente prometedor a la definición del exceso masturbatorio musical y el autoensalzamiento", escribía John Kelman.
A comienzos de los años cincuenta, Chuck tocaba con algunas bandas locales de los clubes de St Louis para ingresar un dinerillo extra. Había estado tocando blues desde niño y tomó prestados algunos riffs de guitarra y la actitud escénica de T-Bone Walker. También recibió clases de guitarra de su amigo Ira Harris, las cuales ayudaron a perfeccionar y definir su propio estilo con el instrumento. En 1953 formaba parte del trio de Johnnie Johnson, un pianista al que le uniría una larga relación profesional. Aunque la banda tocaba predominantemente blues y baladas, la música más popular entre la clientela blanca de la zona era el country & western.
En 1957 Berry fue incluído en el show 'Las más grandes estrellas de 1957', junto con Everly Brothers, Buddy Holly y otros. Los hits continuaron hasta 1959, consiguiendo por lo menos una docena de ellos, que incluían los Top10 'School days', 'Rock and roll music', 'Sweet little sixteen' y 'Johnny B. Goode'. Apareció en dos películas cuyo tema era el rock and roll: 'Rock Rock Rock' (1956) y 'Go, Johnny Go!' (1959). Chuck logró romper las barreras de popularidad entre la música blanca y negra de su tiempo, y tuvo una gran influencia posterior, tanto en compositores (Dylan, Lennon/McCartney), como en guitarristas (Keith Richards, Eric Clapton).
Su manera de tocar nerviosa, frenética, y su famoso 'baile del pato', formaban parte de un estilo único que subió su cotización espectacularmente y en muy poco tiempo. Berry era ya una estrella establecida y además de poseer un night-club en St. Louis, Berry's Club Bandstand, invertía su dinero adquiriendo propiedades inmobiliarias.
