Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 10 de noviembre de 1928 nació en Roma el compositor y director de orquesta italiano Ennio Morricone, uno de los más prolíficos e influyentes compositores de bandas sonoras de su era. Considerado uno de los más grandes autores de música para el cine de todos los tiempos, escribió partituras para más de 500 films y producciones televisivas. Su producción, eminentemente cinematográfica, es vastísima y sumamente heterogénea, siempre centro de polémicas, objeto de odios y amores.
Hijo de un trompetista y de una ama de casa, Ennio Morricone fue el mayor de cinco hermanos. Su familia, de clase media y afincada en el barrio del Trastevere, vivió durante mucho tiempo sin penurias, pero también sin lujos, únicamente con el sueldo del padre, hasta que la madre probó fortuna trabajando en una tienda de ropa. Curiosamente, en la escuela coincidió con Sergio Leone, quien con el tiempo se convertiría en realizador y para el que el futuro compositor escribiría bandas sonoras.
Con sólo diez años, y tras foguearse en la orquestina aficionada de Constantino Ferri, Morricone se matriculó en el Conservatorio de Santa Cecilia para estudiar trompeta bajo la tutela de Umberto Semproni, y tres años más tarde fue escogido entre otros estudiantes jóvenes para formar parte de la orquesta de la institución, con la que realizó una gira por el Véneto bajo la dirección de Carlo Zecchi.
En 1943, viendo las impresionantes dotes de Ennio Morricone para la armonía, el profesor Roberto Caggiano lo animó a iniciar seriamente los estudios de esta disciplina. Al completar el curso en sólo seis meses, le sugirió que encaminase su formación hacia la composición. Esto fue lo que hizo al año siguiente, al estudiar con Carlo G. Gerofano y Antonio Ferdinandi. El director Alberto Flamini lo escogió como segundo trompa para su orquestina, en la que doblaba las líneas del primer trompeta, que no era otro que Mario Morricone, su propio padre. Con esta formación se acostumbró a los escenarios profesionales, tocando en diversos hoteles de Roma para las tropas americanas establecidas en territorio italiano al término de la II Guerra Mundial.
Después de obtener el título de trompetista, inició su carrera como compositor, dedicándose particularmente a la música vocal y de cámara. Su producción “culta” abarca piezas corales, lied, música incidental y de cámara. Durante la década de 1950 completó su formación compositiva de la mano del gran Godofredo Petrassi. En 1955 comenzó a arreglar música para películas, actividad que interrumpió por su servicio militar. Un año después se casó con Maria Travia, y al siguiente tuvo a su primer hijo, Marco. Por motivos exclusivamente crematísticos, en 1958 aceptó un empleo como asistente de dirección para la RAI, pero el primer día de trabajo abandonó. En lugar de eso, y todavía influido por el vanguardismo de su maestro Petrassi, se matriculó en un seminario impartido por John Cage en Darmstadt. El dinero venía de un lado bien distinto: sus arreglos para series de televisión.
Es difícil imaginar qué hubiera sido de la posterior carrera de Morricone si las circunstancias lo hubieran convertido en otro de los compositores italianos de vanguardia (Berio, Nono…) que triunfaron en el entorno de Darmstadt durante la década de 1960. Pero la historia quiso que en 1961, el mismo año en que nació su hija Alessandra, compusiera su primera banda sonora para el cine. Se trataba de la música para el filme “Il Federale”, de Luciano Salce. En 1964 comenzaron sus colaboraciones para Bernardo Bertolucci y Sergio Leone.
Curiosamente, fue el cine de este último el que le dio fama: la pegadiza melodía de “Por un puñado de dólares” le reportó una inmensa popularidad y un montón de nuevos encargos: Pier Paolo Pasolini y Giulio Pontecorvo, entre otros, reclamaron sus servicios. Al mismo tiempo, formaba parte del Gruppo Internazionale d’Improvvisazione.La creciente actividad cinematográfica le haría abandonar a finales de la década la faceta “culta” de su producción, sobre todo a raíz del estruendoso éxito de la música para “El bueno, el feo y el malo” (1966), de Sergio Leone.
La fórmula de Morricone era tan sencilla como efectiva: orquestaciones poco densas, pero con un sonido seco y transparente que años más tarde inspiraría a muchas bandas de rock, temas que se clavaban inmediatamente en la memoria del oyente, y un enorme respeto por la trama y los personajes del filme. Músico de gran intuición, Morricone dejaba “hablar a la historia” y huía de divismos de autor. No olvidemos que una curiosa teoría de Morricone es la de que la música de una banda sonora no pertenece al compositor, sino al filme: “Lo que prima es la necesidad de la historia que cuenta la película”.
A partir de 1970 inició una nueva actividad, la pedagógica. Maestro de composición en el Conservatorio de Frosinone, tuvo como alumnos a Luigi de Castris y Antonio Poce, entre otros. Esta etapa favoreció un cierto retorno a su faceta de autor, en forma de una colaboración con el Studio R7 de Música Electrónica. Un año más tarde, después de trabajar siempre en Europa, aceptó un encargo americano, concretamente del gran Edward Dmytryk, para quien compuso la música de “El factor humano”. Su relación con Estados Unidos nunca fue positiva: el estilo de vida estadounidense no le atraía en absoluto, se negó a instalarse en Los Ángeles y más aún a aprender inglés.
Aun así, fue nominado cinco veces al Oscar, la primera en 1979 por el western “Días del cielo”. Después de veinte años de una actividad monstruosa, lo que implicaba una producción de calidad harto desigual, en 1983 se convirtió en miembro del Consejo de Administración de la asociación Nuova Consonanza, dedicada a la música contemporánea, y redujo drásticamente su producción para el cine. A pesar de ello, tuvo tiempo de firmar en 1984 la que muchos consideran su mejor partitura: la banda sonora de “Érase una vez en América”, el último filme de su amigo Sergio Leone.
En 1986 fue nominado por la banda sonora de “La misión”, de Roland Joffé, pero sorprendentemente tampoco se llevó el Oscar, una decisión por parte de los miembros de la Academia de las Artes y las Ciencias de Hollywood que a día de hoy aún le resulta incomprensible a muchos.
Dos años más tarde volvió a quedarse a las puertas de la gloria con una tercera nominación, por “Los intocables de Elliot Ness”, de Brian de Palma. En 1988, compuso la banda sonora de la película “Cinema Paradiso” (Love theme), dirigida por Giuseppe Tornatore, que ha despertado tanta admiración entre sus espectadores precisamente por el trascendental papel que desempeña su música, convirtiéndose además en una de las bandas sonoras más populares en el campo de la música cinematográfica,
Aún volvería a ser nominado en otras dos ocasiones: en 1992, por “Bugsy”, de Barry Levinson y en 2001, por “Malena”, de Giuseppe Tornatore. Esta reticencia siempre se ha interpretado como un voto de castigo de la crítica estadounidense por la actitud de un artista de reconocida militancia europeísta. Volcado hacia finales de la década de 1980 y la primera mitad de la década de 1990 en su producción culta, Morricone recibió un auténtico rosario de premios, homenajes y reconocimientos en forma de programaciones y ciclos de conciertos a lo largo y ancho de toda la geografía italiana. La culminación fue la concesión, por iniciativa del primer ministro Oscar Luigi Scalfaro, del título de Commendatore dell’Ordine Al Merito della Reppublica Italiana en 1995.
Sorprendentemente, en la edición de los Oscar de 2007, Ennio Morricone recibió por fin una estatuilla por parte de la Academia, en reconocimiento a su inmensa carrera. Un premio que llegó cuando Morricone ya no lo necesitaba, pero que, según reconoció, “finalmente me lo quedaré”.Otra composición más reciente de carácter notable fue la banda sonora de la película “Baarìa” (2009).
Morricone, continuó trabajando a su ritmo para el cine y la televisión, fue siempre un personaje de trato difícil, seco y hostil con la prensa e implacable con el diletantismo. Aseguraba no comprender el éxito de su música, que atribuía a la claridad temática y a la simplicidad armónica de muchas de sus composiciones, y afirmó estar convencido de que no volvería a trabajar jamás en Estados Unidos. Crítico con todos los sectores, incluidos los de su medio, afirmaba que “como los realizadores no saben demasiado de música, preparo siempre tres orquestaciones diferentes para mis temas”.
Siguió componiendo y en 2013 se estrenó 'La mejor oferta' de Giuseppe Tornatore, cuya banda sonora fue obra de Morricone. Asimismo le fue encargada la música para una nueva versión animada de el 'El fantasma de Canterville' (2014) dirigida por Kim Burdon. El año 2015 fue autor de la banda sonora del western de Tarantino 'The hateful eight', por la que recibió un Globo de oro y un Premio de la Academia por mejor banda sonora original. Falleció en julio de 2020 a los 91 años
El 9 de noviembre de 1944 nació en Dartfoird, Kent, el cantante y letrista británico Phil May. Phil es conocido por ser el fundador en 1963 y cantante solista del grupo inglés The Pretty Things, que en su día fueron bautizados por la prensa como 'los primos feos de los Rolling Stones'. De hecho, para muchos aficionados, Phil y sus muchachos no tenían nada que envidiarle a los Stones sino que incluso los superaban. Su lema consistía en provocar y May se jactaba en 1964 de llevar el 'pelo más largo' de Gran Bretaña. Cuando en 1973, Bowie irrumpió en la escena, Van Morrison comentó: "David Bowie hace exactamente lo mismo que solía hacer Phil May de los Pretty Things, sólo que con otra ropa".
The Pretty Things en 1964
Los orígenes de la banda se remontan a 1962, cuando el joven bajista Dick Taylor abandona la formación Little Boy Blue & the Blue Boys (una versión temprana de los Rolling Stones en la que militaban Mick Jagger y Keith Richards) para formar junto a Phil May el grupo Pretty Things, nombre inspirado en el tema 'Pretty thing' de Bo Diddley. Phil era la voz solista y el letrista del grupo, Dick se encargaba de la guitarra y como sección rítimica reclutaron a Brian Pendleton como segundo guitarrista, John Stax al bajo y Vivian 'Viv' Prince a la batería.
Comenzaron a ofrecer conciertos por los alrededores de Londres y pronto atrajeron la atención de la audiencia, no sólo por su sonido, también por su apariencia y comportamiento despreocupados, demostrando bastante más agresividad y provocación escénica que sus contemporáneos Animals, Stones o Yardbirds. Firman contrato con Fontana Records y su single debut, 'Rosalyn', se publica en junio de 1964 y alcanza el puesto 41 de las listas británicas. Unos meses más tarde aparece 'Don't bring me down', que alcanza el Top10 y en 1965 se publica su primer álbum, 'The Pretty Things'.
Phil May en 1966
La agresividad que mostraban en el escenario se trasladó a otros lugares y The Pretty Things comenzaron a ser vetados en numerosas cadenas de hoteles, compañías aéreas e incluso países como Australia y Nueva Zelanda por sus constantes escándalos. El más notorio en esta faceta fue el baterista Prince, que dejó la banda en 1965 tras una pelea que provocó a bordo de un avión en pleno vuelo. Su segundo álbum, 'Get the Picture?' se publicó a finales de 1965. Con más material original que su primer álbum, su sonido pasó de un R&B a un rock acústico y a pesar de contener el hit británico 'Midnight to six man', no tuvo éxito comercial. Hubo cambios en la formación y a Skip Alan, que había reemplazado a Prince en la batería, se le añadieron Wally Allen al bajo, sustituyendo a John Stax y John Povey a los teclados.
Su nuevo intento, 'Emotions' era un trabajo más maduro que daba más protagonismo a la guitarra acústica y a las armonías vocales, pero desafortunadamente -según los miembros de la banda- la discográfica añadió arreglos de violines sin su aprobación y el disco despertó nulo interés, por lo que el grupo dejó Fontana y ficharon por Harvest.
'S.F. Sorrow' (1968)
Con el nuevo sello publican su siguiente trabajo 'S.F. Sorrow' en 1968. Basado en una historia corta de May y grabado a lo largo de un periodo de 18 meses en los estudios de Abbey Road, en una época en la que Pink Floyd grababa 'A Saucerful of Secrets' y los Beatles andaban enfrascados en su 'White Album', el álbum está considerado como la verdadera primera ópera rock de la historia, en la que se inspiró Townshend para componer 'Tommy' poco después. Con los temas unidos a través de una narración, éstos contenían efectos psicodélicos muy alejados de la raíces musicales de R&B de la banda. De nuevo la desgracia hizo que su trabajo tardara en publicarse un año en Estados Unidos -cuando ya se había publicado allí 'Tommy'- y fueron injustamente tachados de imitadores, por lo que 'S.F. Sorrow', que en Inglaterra tampoco alcanzó las listas de éxitos, también fracasó.
The Pretty Things en 1972
A finales de 1969 Taylor deja la banda, por lo que sólo permanece May de la formación original. Con Victor Unitt como su sustituto a la guitarra, los Pretty Things graban 'Parachute' en 1970. Continuando con la línea de experimentación psicodélica de la banda, el álbum es nombrado 'disco del año' por la revista Rolling Stone, pero a pesar de las buenas críticas y de sus constantes conciertos en directo, las ventas continúan siendo pobres, abocando al banda a la disolución en junio de 1970. En 1972 May lo intentó con una nueva formación, y publicó 'Freeway Madness' bajo Warner Records, de nuevo sin respuesta comercial.
The Pretty Things en 1974
Las cosas parecieron mejorar cuando Peter Grant, mánager de Led Zeppelin, se interesó por ellos y los fichó para el sello Swan Song. Aquí se aventuraron hacia un sonido hard rock más comercial y publicaron 'Silk Torpedo', cuyos temas 'Joey' y 'Singapore silk' fueron muy emitidos por las FMs y les dio la oportunidad de realizar una gira por Estados Unidos. Pero nuevamente, tanto este álbum, como su continuación 'Savage Eye' (1976) fueron un fracaso de ventas, lo que lleva a una segunda disolución del grupo. May forma un nuevo grupo llamado los Fallen Angels, mientras el resto continúa bajo el nombre Metropolis. Ninguno de los dos proyectos logran llamar la atención.
The Pretty Things en 1980
En 1980 May y Taylor vuelven a unir fuerzas para relanzar los Pretty Things. Los frenéticos ritmos y los parcos arreglos del rock new wave influyen en el álbum 'Cross Talk', publicado en Warner Bros. A pesar de demostrar que sabían adaptarse a los nuevos tiempos, el trabajo tampoco encontró mucha respuesta. Sin embargo la sociedad May-Taylor permaneció unida a lo largo de los años ochenta, realizando conciertos con diferentes formaciones.
The Pretty Things en 1999
A finales de los años noventa, May y Taylor lograron adquirir los derechos de sus primeras grabaciones y reeditaron sus cinco primeros álbumes en el sello británico Snapper. Al mismo tiempo, la formación de 1966 (May, Taylor, John Povey, Skip Allen y Wally Waller) se había reunido de nuevo para una serie de conciertos, uno de los cuales se celebró en 1998 en los estudios de Abbey Road, donde interpretaron el álbum 'S.F.Sorrow' en su totalidad con la ayuda de David Gilmour y Arthur Brown, concierto publicado más tarde como 'Resurrection'. Toda esta actividad les llevó a grabar en 1999 un nuevo álbum con nuevas composiciones. '...Rage Before Beauty', que fue muy bien recibido por la crítica. Posteriormente se editaron varios recopilatorios de la banda y en 2007 publicaron su undécimo álbum de estudio, 'Balboa Island'.El año 2013 celebraron su 50 aniversario como banda con una gira europea y su trabajo más reciente, 'The Sweet Pretty Things (Are in Bed Now, Of Course)' se publicó en julio de 2015. En 2018 la banda comunicó que a finales del año se retiraban de los escenarios y los conciertos programados se anunciaron como parte de una gira de despedida. May falleció en mayo de 2020 por complicaciones surgidas en una intervención quirúrgica de la cadera a consecuencia de un accidente de bicicleta.
El 29 de octubre de 1946 nació en Londres el guitarrista de blues-rock británico Peter Green, conocido por haber sido miembro fundador, voz y guitarra solista del grupo Fleetwood Mac desde 1967 hasta 1970.
Su primera actuación como profesional la tuvo en 1966 como bajista de Peter B's, grupo en el que militaba también Mick Fleetwood a la batería. Peter era un gran admirador de Eric Clapton y, cuando éste dejó a los Bluesbreakers de John Mayall para pasar unas largas vacaciones en Grecia, Peter fue llamado por Mayall para cubrir su puesto. Peter encajó bien en la banda y se llevo una gran desilusión cuando Clapton volvió y tuvo que dejarle de nuevo el puesto de guitarra solista. No obstante, seis meses después, Clapton dejó el grupo definitivamente para formar Cream y Peter ocupó su puesto también de forma definitiva.
Los fans de los Bluesbreakers, e incluso su productor, Mike Vernon, recibieron el cambio con mucho escepticismo. Vernon lo recuerda así: "Cuando entré en el estudio, vi que había un amplificador nuevo que no había visto nunca antes, así que pregunté a Mayall: '¿Dónde está Eric?', a lo que me contestó: 'Ya no está con nosotros. Nos dejó hace una semana'. Yo estaba aterrado, pero John Mayall intentó tranquilizarme diciendo: 'No te preocupes. Tenemos a alguien mejor'. -Yo repliqué: 'Aguarda un segundo, no seas ridículo. ¿Que tienes a alguien mejor? ¿Mejor que Clapton????', y John dijo: 'Bueno, es probable que no lo sea ahora mismo, pero espera unos años y lo será.' A continuación me presentó a Peter Green." Peter hizo su debut discográfico con los Bluesbreakers en el álbum 'Hard Road', que incluía dos temas suyos, 'The supernatural', uno de sus primeros instrumentales, que se convertirían en característicos, y 'The same way'
Fleetwood Mac en 1968
En 1967 decide formar su propio grupo de blues y junto con Mick Fleetwood, John McVie, (ambos también procedentes de los Bluesbreakers) y el también guitarrista Jeremy Spencer, forma Fleetwood Mac. Su álbum debut, 'Fleetwood Mac'(1968) contiene una serie de temas de blues tanto clásicos como compuestos por Green o por Spencer, los cualestambién se repartían la voz solista.
La aparición del disco supone un éxito rotundo e instantáneo, y alcanza el puesto nº 4 de las listas británicas, permaneciendo 37 semanas, a pesar de no publicarse un single promocional. El tema de Green 'Black magic woman', publicado como single en 1968 tuvo mínima repercusión en Inglaterra (unos años más tarde la versión de Santana llevaría el tema a las listas de todo el mundo). En el segundo álbum, 'Mr Wonderful' continúan con la misma fórmula, añadiendo arreglos de vientos y colaboraciones de otros músicos como Christine Perfect (amiga del grupo y futura señora de McVie y teclista del grupo) al piano y voces. Le siguen al año siguiente 'Albatros' (nº1 en Inglaterra que inspiró a los Beatles para la composición de 'Sun King' de 'Abbey Road'), 'Oh well' y 'Man of the world', todos temas compuestos y cantados por Peter Green.
La inexistente relación creativa entre Green y Spencer (Spencer se negaba a tocar en las canciones de Green), hizo que Peter introdujera un nuevo guitarrista en el grupo, Danny Kirwan, cuyo protagonismo en el siguiente trabajo de la banda, 'Then Play On', publicado bajo su nueva compañía Warner Bros. fue mucho mayor que el de Spencer, firmando el 50% del material.
En 1970 sus compañeros empiezan a notar profundos cambios de personalidad en Peter, agravados por su intenso consumo de LSD. En la letra de 'Man of the world' ya se intuía que algo no iba bien en el mundo interior de Green:
Shall I tell you about my life They say I'm a man of the world I've flown across every tide And I've seen lots of pretty girls I guess I've got everything I need I would't ask for more And there's no one I'd rather be But I just wish that I'd never been born
And I need a good woman to make me feel like a good man should I don't say I'm a good man Oh, but I would be if I could I could tell you about my life And keep you amused I'm sure About all the times I've cried And how I don't want to be sad anymore And how I wish I was in love.
Quieres que te cuente sobre mi vida Dicen que soy un hombre de mundo He fluido por todas las corrientes y he visto numerosas chicas bellas Creo que tengo todo lo que necesito No pediría nada más Y no hay nadie que quisiera ser Pero deseo no haber nacido jamás
Necesito una buena mujer que me haga sentir como un buen hombre debiera Y no digo que yo sea un buen hombre Pero, ¡ah! lo sería si pudiera Te contaría cosas de mi vida que te mantendrían entretenida sobre los tiempos en los que lloré y de cómo no quiero volver a sentir tristeza y de cómo me gustaría estar enamorado
Peter y Mick Fleetwood
Un día apareció vestido con un viejo abrigo y con un crucifijo diciendo que en un sueño, se le había aparecido un ángel con un niño de Biafra desnutrido en los brazos. Aquella visión le hizo reflexionar. Decidió que tenía demasiado dinero para ser feliz y propuso a la banda conservar sólo el dinero imprescindible y donar el resto a organizaciones caritativas. Mick Fleetwood -que consideraba que tampoco tenían tanto dinero- no le hizo ni caso. John McVie, sin embargo, pensó que no era tan mala idea, aunque la olvidó rápidamente cuando se dio cuenta del exceso de LSD que ingería Peter.
Uschi Obermaier y Rainer Langhans
Durante una gira por Alemania en marzo de 1970 sucedieron los hechos que, según Clifford Davies -el mánager de la banda- fueron determinantes para el defnitivo deterioro mental del guitarrista británico. Rainer Langhans y la modelo Uschi Obermaier invitaron a Peter Green a una fiesta en una comuna muniquesa con el fin de -a través de Green- poder contratar a Jimi Hendrix y a los Rolling Stones para un concierto tipo Woodstock proyectado en Baviera.
Peter acudió con uno de los roadies de Fleetwood Mac, Dennis Keane. En la fiesta se consumió mucho LSD, y cuando terminó, Green prefirió quedarse en la comuna. Cuando Keane volvió de nuevo a la fiesta acompañado por Mick Fleetwood para intentar llevárselo, Green se negó en rotundo. Había encontrado el paraíso. Años más tarde comentaría: "Allí toqué como nunca. Fue fantástico. Improvisábamos y el que quería se unía a nosotros. La atmósfera general fue increíble y allí toqué la música más espiritual de mi vida". Tras un concierto final con la banda el 20 de mayo de 1970, Green abandonó el grupo que él mismo habia fundado.
El último tema publicado con el grupo fue 'The Green Manalishi', en el que reflejaba su lucha interior tratando de detener su descenso a la locura. Según sus propias palabras: "Tuve un viaje, y no regresé". Tras dejar la banda, grabó el confuso álbum en solitario 'The End of the Game', haciendo una doble referencia a la extinción de la naturaleza y a su propia retirada del mundo del espectáculo.
Peter en 1980
Le vendió por 110 libras su Les Paul a Gary Moore y desempeñó todo tipo de trabajos modestos como celador de hospital, portero de hotel o enterrador. En 1977 fue arrestado por amenazar a su contable con una escopeta para que dejara de enviarle dinero. Tras este incidente fue internado en un centro psiquiátrico de Londres. En 1979 animado por sus amigos a que siguiera tocando y con la ayuda de su hermano Mike Green (que compuso la mayoría de los temas) resurgió con una serie de álbumes como 'In the skies' (1979), 'Little Dreamer'(1980), 'White Sky' (1982) y 'Kolors' (1983). Aunque de calidad irregular, contenían guiños del inigualable estilo del blues de Peter Green.
Peter en 1998
En 1990 vuelve a la carga con Peter Green Splinter Group, grupo en el que contaba con la ayuda de Nigel Watson y Cozy Powell. Con ellos Green publicó entre 1997 y 2004 nueve álbumes entre los que destaca 'The Robert Johnson Songbook' (1998). En sus últimos años actuaba de forma esporádica con su nueva formación, Peter Green and Friends, aunque según Peter, la medicación que debía tomar para sus problemas psicológicos también mermaba su capacidad de concentración y el deseo de tocar. Murió en julio de 2020 a los 73 años.
El 25 de octubre de 1941 nació en Melbourne la cantante australiana Helen Reddy, famosa en los años setenta, sobre todo en Estados Unidos, donde vendió más de 15 millones de álbumes y posicionó quince singles en el top40, tres de los cuales fueron nº1.
Helen Reddy nació en el seno de una familia bien acomodada en el ámbito de los negocios del espectáculo. Sus padres (actriz y comediante) eran artistas de vodevil conocidos en Australia, por lo que Helen comenzó a interpretar papeles junto a ellos a los cuatro años de edad. Cuando alcanzó la adolescencia surgió la rebeldía: ella no estaba dispuesta a vivir una vida de artista. Quería una familia tradicional, un hogar e hijos. Se casó con un músico amigo de la familia mucho mayor que ella. El matrimonio duró poco y unos meses tras el divorcio nació su hija Traci.
Helen no tuvo más remedio que volver al espectáculo, donde comenzó su carrera en la radio y televisión australiana. Allí ganó un concurso de talento en el popular programa televisivo Bandstand lo que le permitió emigrar a los Estados Unidos en 1966. Fijando su residencia en Nueva York, conoció a Jeff Wald, un agente de la 'William Morris Agency'; después de vivir juntos 4 días, Reddy y Wald contrajeron matrimonio; consecuentemente él se convertiría en su administrador.
Después de una temporada en Chicago, la familia se mudó a Los Angeles, California, donde Reddy intentó establecerse como cantante. Veintisiete sellos discográficos la rechazaron antes de firmar contrato con Capitol Records en 1970. Allí, Ward tras cinco meses de llamadas insistentes consiguió del ejecutivo Artie Mogull la promesa de una grabación para Helen a cambio de que no llamara más en un mes. Reddy cantó 'I don't know how to love him', de la opera rock 'Jesucristo Superstar' y el tema alcanzó el puesto nº13 en las listas de junio de 1971.
Helen, que pertenecía al Movimiento de Liberación de la Mujer, quería grabar una canción que reflejara la seguridad en sí misma y el orgullo positivo que sentía por ser mujer. "Todo lo que encontraba era del tipo 'Soy mujer y tu eres mi hombre, soy débil y protégeme...' así que me dí cuenta que la canción no existía, por lo que decidí escribirla yo".
Yo soy mujer, escúchame rugir Son números demasiado grandes para ignorarlos Y sé demasiado como para volver la espalda y fingir Porque ya lo he oído todo tantas veces Y he estado allí en el suelo Nadie nunca me va a mantener de nuevo oprimida.
Oh sí, yo soy sabia Pero es la sabiduría que nace del dolor Sí, he pagado el precio Pero mira lo mucho que he ganado Si he de hacerlo, soy capaz de cualquier cosa Soy fuerte (fuerte) Soy invencible (invencible) Soy una mujer
Podrán doblarme, pero nunca me romperán Porque sólo servirá para hacerme más decidida a lograr mi objetivo final Y volveré más fuerte Dejaré de ser una novata porque habréis fortalecido la convicción en mi alma.
Yo soy mujer, obsérvame crecer mírame, de pie, cara a cara cómo extiendo mis brazos amorosos a todo el país Pero sigo siendo un embrión con un largo camino por recorrer hasta que pueda hacer entender a mi hermano
Soy fuerte (fuerte) Soy invencible (invencible) Soy una mujer
Helen en 1973
Un amigo músico australiano le puso música y Helen grabó 'I am woman' (1972), no sin reticencias del productor que consideraba la canción un tema 'marimacho'. El tema 'marimacho' llegó al nº1, y con él fue la primera australiana en conseguir un Grammy. Famosas y controvertidas fueron sus palabras de agradecimiento en la ceremonia de entrega: "Quiero agradecer a todo el mundo en Capitol Records, también dar las gracias a mi marido y mánager Jeff Wald, que ha hecho posible mi éxito personal, y sobre todo, dar las gracias a Dios porque ELLA lo hace todo posible".
A pesar de la dificultad que tuvieron para que la radiaran (la mayoría de disc-jockeys del país odiaba la canción), 'I am woman', además de vender más de un millón de copias se convirtió en el himno del movimiento feminista y Helen cedió los derechos de la canción por el simbólico precio de un dólar a Naciones Unidas para que lo usaran en el Día Internacional de la Mujer. El tema sigue vigente ya que sonó hace unos años en la ceremonia de entrega de los Oscar, cuando en 2008 Kathryn Bigelow (primera mujer en conseguir la estatuilla de 'mejor dirección') abandonaba el escenario.
Los cinco años siguientes al éxito de 'I am woman', Reddy continuó cosechando éxitos -entre ellos, otros dos nº1, 'Delta dawn' (1973) y 'Angie baby' (1975)-, como 'Leave me alone (Ruby red dress)', 'Emotion', 'Peaceful', 'Ain't no way to treat a lady','Somewhere in the night' o 'You're my world', su último Top40 en 1977. A finales de la década, Reddy era cabeza de cartel con un gran coro y numerosos bailarines como acompañantes en The Strip, en las Vegas y tenía al entonces incipiente Barry Manilow y Joan Rivers como artistas teloneros. Asímismo, Helen animó a su paisana Olivia Newton John a dar el salto a los EE.UU a principios de los setenta. Fue en una fiesta celebrada en casa de Reddy, donde Olivia conoció al productor Allan Carr, quien le ofrecería el papel para 'Grease'.
A lo largo de toda la década, Helen apareció en numerosos shows de TV, como el 'Late night show' los shows de Bobby Darin y Carol Burnett y el de los 'Teleñecos' (The Muppet Show). Interpretó a una monja en la película 'Aeropuerto 1975', papel que le valió una nominación a los Globos de Oro por 'mejor actriz novel'.
En los ochenta, a causa de las bajas ventas de sus discos -que ella consideró debidas a la falta de compromiso y promoción de Capitol Records, su sello durante diez años- cambió a MCA Records, pero tampoco con ellos consiguió volver al primer plano. Su última entrada importante en una lista nacional fue en 1981, con el tema 'I can't say goodbye to you', que alcanzó el puesto 16 en Irlanda.
En 1990 -ya en su propio sello- publicó el álbum 'Feel so young', en el que interpretaba nuevas versiones de sus favoritos de siempre. Actuó en varias obras de Broadway y el West End como 'Blood Brothers' (1995) y 'Shirley Valentine' (1995). Su última grabación fue en 2000 con el álbum de villancicos 'The best Christmas ever'. En el año 2002 Helen se retiró del 'show business' y regresó a Australia, donde trabajó como hipnoterapista clínico en Sydney y fue jefa de la Australian Society of Clinical Hypnoterapists.
El año 2012 no obstante, actuó en un concierto benéfico en San Diego y el gran éxito que obtuvo la animó a reconsiderar su decisión de retirarse y volvió a los escenarios. Desde enero de 2013 volvió a residir en Estados Unidos, concretamente en Los Angeles, y aquel año realizó varios shows por todo el país y en 2014 actuó en el Sidney Opera House. En 2015 la familia de Helen anunció que se retiraba de los escenarios debido a problemas de salud, lo que no le impidió en 2017 asistir a la Marcha de las Mujeres en Washington, la concentración más multitudinaria celebrada en Estados Unidos desde la guerra de Vietnam. Murió en septiembre de 2020 a los 78 años.
El 25 de octubre de 1927 nació en Philadelphia el saxofonista de jazz norteamericano Jimmy Heath. Hermano de Percy (contrabajo) y Al Heath (batería), Jimmy se decidió por el saxofón alto a los 14 años. Sus primeras experiencias las tuvo con Calvin Todd, Mel Melvin y, a partir de 1946 con Nat Towles.
El salto a la división de honor fue gracias a la ayuda de Howard McGhee, que lo contrató durante todo un año, y a su pertenencia a la big band de Dizzy Gillespie entre 1949 y 1950. Su temprana devoción por Charlie Parker le ganó el sobrenombre de 'Little Bird', pero se pasó al saxo tenor y desarrolló su propio estilo. En los años cincuenta tocó en los combos de Miles Davis (1953-55/59) y Gil Evans (1959) con un paréntesis de cinco años alejado de la escena por una estancia en prisión. Antes de eso también compuso, realizó arreglos y tocó para colegas como Chet Baker ('Chet Baker Bigband', 1954), Clifford Brown y Jay Jay Johnson. Sus composiciones 'CTA' y 'Gingerbread boy' pertenecen ya al repertorio standard del jazz.
En 1976 se reunió con sus hermanos Percy y Al y formaron de modo informal The Heath Brothers, con los que publicó el álbum 'Endurance' en 2009. Desde los años sesenta sin embargo, Heath estuvo más dedicado a la composición y a la enseñanza. Así, escribió temas para Blue Mitchell, Milt Jackson, Yusef Lateef y Clark Terry y dio clases en el New Yorker City College (1973), el Community College en Bridgeport (1976-78), la New York School (1985) y el Queens College, donde permaneció 20 años desde 1987. Publicó como líder 18 álbumes desde 1959 y una decena más con sus hermanos. Jimmy pertenece a las figuras importantes del bebop, aunque nunca pudo desligarse del todo de las influencias de Charlie Parker y John Coltrane. Murió en enero de 2020 a los 93 años.
El 6 de octubre de 1947 nació en Madrid el cantautor español de raíces vascas Patxi Andión. Fue uno de los nombres básicos de la canción de autor desde su debut en 1969 con el disco 'Retratos', en el que ya destacaba esa voz profunda que indefectiblemente va unida a la canción ‘Una, dos y tres’ y a la década de los 70.
Francisco José Andión empezó a tocar en su adolescencia con grupos de rock que pasaron sin pena ni gloria por la historia de la música española. Más tarde se pasó a la canción de autor. Ya entonces poseía ese vozarrón que ha sido el rasgo característico de toda su carrera. En su juventud llega a militar en el FRAP (Frente Revolucionario Antifascista Patriótico), que le llevó a exiliarse en París. Allí es testigo del mayo francés del 68, que le impresiona profundamente y, mientras se dedica a la vida bohemia en París, hace sus pinitos cantando en los cafés del barrio latino hasta su regreso a España para cumplir con el servicio militar. Conoce, a través de Luis Eduardo Aute a Mari Trini, y empieza a componer para ella en colaboración con Carlos Montero, lo que le ofrece la oportunidad de que le escuchen diversos directivos de sellos discográficos que confían más en su talento de compositor que en sus posibilidades como cantante.
Consigue por último que Sonoplay edite su primer sencillo, que apenas escucha nadie debido a la censura, que prohibió las dos canciones a las dos semanas de la publicación del single. Poco después se publica 'Retratos', su primer álbum, con temas como 'Rogelio', 'La Jacinta', 'La zagala', 'El Pipo (nana a un perro que murió solo)' y 'A quien corresponda'. La voz ronca y rota de Patxi y los temas de sus canciones, poco apropiados para evitar el 'ojo' de la dictadura, contribuyen poco para ayudar a la difusión de su música, que cuando logra sortear la censura es considerada poco comercial por las emisoras de radio.
Y es que él no le buscaba tanto como otros el doble sentido o la metáfora social a sus canciones, ni escondía sus aspiraciones y frustraciones, ni éstas estaban tan lejanas de las del hombre de la calle... Pero lo hacía con una voz tan sincera, no exenta de un tono de irónica mala leche, que había quien pensaba que le podían haber censurado hasta el mismísimo 'Avemaría', de haberlo grabado con aquel, su inimitable estilo... Pero Patxi es testarudo y no se doblega a las imposiciones del mercado, de modo que publica un disco tras otro, con sus retratos de seres marginados, incómodos para la sociedad de la época, como hilo conductor de sus trabajos.
A mediados de los años 80 fue profesor en la Universidad Complutense, participó en la gestación de la Universidad Camilo José Cela y continuó en la docencia dando clases de comunicación audiovisual, producción, realización y operaciones artísticas y producción audiovisual práctica en la Escuela Universitaria Politécnica de Cuenca de la Universidad de Castilla-La Mancha. Y cuando nadie lo esperaba, Andión regresó a la música con 'Porvenir' (2010), un disco producido por Javier Monforte. El año 2013, Patxi volvió a Argentina 43 años después de su última visita para presentar 'Porvenir' en una gira y en 2014 publicó '4DM' (Cuatro días de mayo). Murió el 18 de diciembre de 2019 a causa de un accidente de tráfico.
En 1943, viendo las impresionantes dotes de Ennio Morricone para la armonía, el profesor Roberto Caggiano lo animó a iniciar seriamente los estudios de esta disciplina. Al completar el curso en sólo seis meses, le sugirió que encaminase su formación hacia la composición. Esto fue lo que hizo al año siguiente, al estudiar con Carlo G. Gerofano y Antonio Ferdinandi. El director Alberto Flamini lo escogió como segundo trompa para su orquestina, en la que doblaba las líneas del primer trompeta, que no era otro que Mario Morricone, su propio padre. Con esta formación se acostumbró a los escenarios profesionales, tocando en diversos hoteles de Roma para las tropas americanas establecidas en territorio italiano al término de la II Guerra Mundial.
