Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 17 de noviembre de 1938 nació en Orillia, Ontario, el cantautor canadiense Gordon Lightfoot, quizás el más importante de su país y una leyenda viva del folk-rock de los años sesenta y setenta. Favorito de músicos como Robbie Robertson y Bob Dylan, a pesar de que en 2010 una falsa información de Twitter anunciaba su muerte -que él mismo se encargó de desmentir llamando a una emisora de radio-, siguió en activo hasta 2023 y en marzo de 2020 apareció su última publicación: 'Solo'
Lighfoot mostró su talento cantando a muy temprana edad, y su madre le animaba a cantar en los clubs de mujeres y en los festivales Kiwanis, concursos musicales para amateurs que se celebraban habitualmente en los centros urbanos de Canadá. Más tarde recibió clases de piano, participó en obras de teatro, en grupos vocales y tocó la batería. Finalmente, aprendió los fundamentos de la guitarra folk. En el Westlake College de Los Ángeles estudió orquestación, ganándose la vida realizando arreglos vocales, maquetas y jingles comerciales.
En 1960, el creciente movimiento folk le enganchó y animado por su paisano y amigo Ian Tyson (de Ian and Sylvia), Gordon perfeccionó su estilo con la guitarra y comenzó a actuar en pequeños cafés del Este de Canadá, donde por primera vez se pudieron escuchar su voz y sus canciones. Algunos de sus temas, como 'Early mornin' rain' o 'For lovin' me', comenzaron a recibir versiones de músicos de folk y country como Peter, Paul & Mary, Judy Collins y Johnny Cash, además de lograr un éxito moderado en las listas canadienses con sus propias grabaciones: 'Remember me', 'I'm not saying' y 'Black day in july'.
Lighfoot había escrito alrededor de 75 canciones, la mayoría de las cuales "no significaron nada", tras oir por primera vez a Bob Dylan. Su estilo de composición cambió notablemente y en sus letras, más personales, se reflejaba su propia identidad. Cuando debutó en Nueva York en 1965, el New York Times hablaba de su "rico y cálido registro vocal y una gran técnica guitarrística". La crítica concluia con: "Si presta un poco más de atención a su imagen escénica, puede convertirse en un artista muy popular". El año siguiente, United Artists publicó su primer álbum, 'Lightfoot!', que lo convirtió directamente en el cantautor folk nº1 de su país.
En 1967 lo eligieron mejor cantante masculino y tres años después se le concedía la Medalla al Servicio por su contribución a la cultura canadiense. En ese tiempo Gordon publicó cuatro trabajos más: 'The Way I Feel' (1967), 'Did She Mention My Name', 'Back Here on Earth' (1968) y el directo 'Sunday Concert' (1969). En 1970 firmó con Warner Bros. y en su sello filial Reprise, Gordon publicó a lo largo de la década de los setenta, sus mejores trabajos. Comenzó el mismo año con 'If You Could Really Read My Mind'.
Siguieron 'Summer Side of Life' (1971), 'Don Quixote', 'Old Dan's Records' (1972), y 'Sundown'
(1974), que vendió el primer año más de un millón y medio de copias,
recibiendo la calificación de disco de platino. Tanto el álbum como el
single que le daba título fueron nº1 en las listas Billboard
estadounidenses.
Durante los años ochenta y noventa, Lighfoot siguió grabando álbumes: 'Dream Street Rose' continuaba con el sonido de folk-pop característico del cantautor, mientras que en 'Shadows' introdujo sonidos de AOR. Siguieron 'Salute' (1983), 'East of Midnight' (1986) y su segunda compilación con nuevas versiones de sus viejos éxitos: 'Gold's Gold Vol 2'.
En los noventa, Lightfoot retornó a sus raíces acústicas y grabó un par de álbumes: 'Waiting For You' (1993) y 'A Painter Passing Through' (1998). Siguió actuando ofreciendo unos 50 shows al año. El año 2000 dió un concierto de una hora en Reno (Nevada) que fue grabado en video y emitido por las grandes cadenas de Norteamérica.En enero de 2002, cuando estaba trabajando en su nuevo álbum, Lighfoot cayó enfermo y estuvo ingresado en la Unidad de Cuidados Intensivos del McMaster Medical Centre de Hamilton (Ontario). Sufrió una traqueotomía y varias intervenciones quirúrgicas y pasó todo el año 2003 recuperándose. Ese mismo año, Borealis Records editó un álbum llamado 'Beautiful: A Tribute to Gordon Lighfoot' en el que varios artistas, entre ellos, The Cowboy Junkies, Bruce Cockburn, Jesse Winchester, Maria Muldaur y The Tragically Hip, interpretaban temas de Lighfoot.
En enero de 2004 completó el álbum que había quedado a medias, 'Harmony' y en julio del mismo año apareció de nuevo en los escenarios tras su larga recuperación. Su última entrega hasta la fecha fue el álbum en directo 'All Live', publicado por Rhino en 2012. El año 2015 se anunció su primera gira por el Reino Unido en 35 años que se llevó a cabo en 20 ciudades de Inglaterra, Escocia e Irlanda entre mayo y junio de 2016. En 2017 y 2018 continuó la gira por Estados Unidos y Canadá y en 2020 publicó 'Solo', sin músicos acompañantes. Murió en mayo de 2023 a los 84 años.
El 14 de octubre de 1952 nació en Helsinki la compositora finlandesa Kaija Saariaho, que se dio a conocer internacionalmente gracias a sus trabajos musicales en los que exploraba las posibilidades de la electrónica. Habiendo inicialmente estudiado artes visuales en la Universidad del Arte Industrial (actualmente conocida como la Universidad de Arte y Diseño) en Helsinki, pasa posteriormente a estudiar Composición con Paavo Heininen en la Academia Sibelius de 1976 a 1981 - "amo la música de Sibelius, pero no estoy segura de su influencia en mi música".
Más tarde estudia en la Escuela Superior de Música de Friburgo con Brian Ferneyhough y Klaus Huber, y se diploma allí en 1983. El año anterior sigue un curso de música por ordenador en el IRCAM (Institut de Recherche Et Coordination Acoustique / Musique) en París, y desde entonces ha incorporado el ordenador a sus creaciones musicales como una parte esencial de su técnica.
Con su peculiar uso del ordenador, Kaija analiza los colores tonales y los cambia lentamente a algo nuevo, consiguiendo así una "fría belleza propia del firmamento nórdico" en sus composiciones, según la han definido algunos críticos musicales. Ello se refleja en cierto modo en los títulos de algunos de sus trabajos, como por ejemplo, “Io”, en clara referencia a una de las lunas de Júpiter, o “Lichtbogen”, inspirada en las bellas auroras boreales.
Kaija Saariaho ante el ordenador
Kaija decía: "Lo verdaderamente difícil es descartar el millón de posibilidades que tienes a la hora de tratar una idea musical, escoger un solo camino y saber con certeza lo que no se hará, hasta lograr que cada nota que escribas tenga su razón de ser". "Empecé a imaginar música de niña, no sólo a estudiarla. Tocaba el violín y acariciaba la idea de ser organista. Curiosamente, no me sentía muy dotada como solista, pero las habilidades físicas no son muy importantes para un músico. Decidí ser compositora a los 20 años, cuando sentí que iba a desperdiciar la vida si no me dedicaba a la composición".
Preparado el equipo (1986)
La música de esta experta compositora se interpreta en todo el mundo desde los años ochenta, y numerosas instituciones, como por ejemplo la Ópera Nacional Finlandesa, la BBC, el propio IRCAM donde cursó los estudios antes mencionados, el Lincoln Center de Nueva York e incluso los organizadores del Festival de Salzburgo, le encargaron diversas composiciones a lo largo de su carrera. Aunque afincada en París desde 1982, Kaija recibía su salario del gobierno finlandés por su trabajo como polifacética compositora y artista.
Kaija en Amsterdam (1985)
Sus obras más importantes incluyen “Verblendungen” (para orquesta y cinta magnetofónica, 1982-84), “Lichtbogen”, para una ensemble de cámara e instrumentos electrónicos (1985-86), “Jardin Secret I”(en cinta magnetofónica, 1984), “Jardin Secret II” (para clavicordio y cinta magnetofónica, 1984-86), la ya comentada “Io” (para una ensemble, cinta magnetofónica e instrumentos electrónicos, 1986-87), “Nymphea” (para cuarteto de cuerda e instrumentos electrónicos, 1987, obra encargada por el Lincoln Center), su también premiada obra radiofónica, “Stilleben”, (1987-88) y diversas piezas orquestales, agrupadas bajo el nombre genérico “Du Cristal”(1989-90), obra encargada por la Orquesta Filarmónica de Los Angeles y el Festival de Helsinki. Otra espléndida obra de tres partes es "...a la fumee"(1990) para flauta, cello, y orquesta.Parte I.
Al margen de su propia producción musical, Kaija Saariaho participó en diversas producciones multimedia en las que se entrelazan distintos géneros artísticos, como por ejemplo el ballet “Maa” (1991).
Otras obras que han resultado de su prolífico genio creativo son: “Noa-Noa” (1992) pieza para flauta y sonidos electrónicos, “Amers” (1992), para violoncelo, ensemble e instrumentos electrónicos, un encargo conjunto del Centro Barbican y el IRCAM, “Solar” (1993), para ensemble y teclados electrónicos, obra encargada por la Ciudad de Amberes para Champ d'Action, y “Trois Riviéres” (1994), para cuarteto de percusión e instrumentos electrónicos, un encargo realizado por la organización del Festival de Salzburgo. Sus dos últimos trabajos son, la composición para el Festival de Salzburgo de 1996, “Château de l'âme”, un bellísimo ciclo de canciones con orquesta (1995) cantadas por Dawn Upshaw, y la pieza para soprano y la electrónica. “Lonh” (1996).
Hans Zender y Kaija Saariaho (1996)
Influida por la tradición post-serial, pronto se cansó de las múltiples limitaciones propias de esta tradición. Rehusando componer mediante negaciones, ya que no se permitía ritmo, ni armonías al estilo tonal, ni melodías definidas en esta escuela, pronto la abandonó, ya que en su opinión todos los medios son lícitos para componer, siempre que se utilicen adecuadamente. Pese a todas estas ideas que forjaron la mayor parte de su obra, Kaija fue abandonando los instrumentos electrónicos en favor de los acústicos, y perfiló sus composiciones hacia el campo de las grandes orquestas, cultivando asimismo un lenguaje musical más abierto y dramático, como reflejan las piezas mencionadas bajo el epígrafe “Du Cristal” y su ya comentado concierto para violín, “Graal Theatre”.
En los últimos años, su cotización internacional subió como la espuma, especialmente desde que el Festival de Salzburgo catapultara su nombre al estrenar, en 2000, su primera ópera, “L'amour de loin”, Escena del Peregrino (Monica Groop) con Clémence, Condesa de Tripoli (Dawn Upshaw). Opera-escena: Parte 1, Parte 2 ( English National Opera).
Desde entonces, la lista de encargos y estrenos de sus nuevas partituras fue creciendo a ritmo vertiginoso, convirtiéndola en la compositora de su generación más interpretada en los grandes auditorios, desde el Lincoln Center de Nueva York a la Philharmonie de Berlín, el Barbican de Londres o el IRCAM de París, ciudad donde residía.
Aún es reciente el impacto que causó la primera audición en el Auditorio de Barcelona de “Orion” (un encargo de la Orquesta de Cleveland, estrenado en 2003), bajo la dirección de Ernest Martínez Izquierdo, en un concierto de la temporada de la Orquesta Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña (OBC)
"La ópera es una gran forma, hay muchos recursos en juego, muy excitantes para un creador, pero conviene no olvidar que lo esencial en la ópera es que se oigan bien las voces. En mi caso, trabajo pensando en voces concretas, porque cada voz tiene unas características especiales. Lo que me interesa en la ópera es crear personajes musicales, y cada voz exige un tratamiento especial".
Peter Sellars y Saariaho
Kaija continuó en 2006 con el estreno de su segunda ópera, “Adriana Mater”, en la Ópera de París -encargo, nuevamente, de Mortier- que no despertó el mismo entusiasmo. En ambos casos firmó la puesta en escena el dramaturgo Peter Sellars.
Una de sus últimas aventuras escénicas, también con libreto de Maalouf y dirección escénica de Sellars, fue un oratorio, “La pasión de Simone Weill”, estrenado en Viena. "Sellars insistió en tratarlo escénicamente, como si fuera una ópera, pero es un oratorio, una obra de concierto, y no acaba de funcionar teatralmente".
Falleció en junio de 2023 a los 70 años, víctima de glioblastoma.
Premios y distinciones:
-1986 - Gana el Premio Kranichsteiner en Darmstadt.
-1989 - Gana el Premio Ars Electronica por Stilleben and Io; y se traslada un año a la Universidad de San Diego.
-1991 - Compone la música para el ballet Maa, y consigue el premio del Ballet Nacional de Finlandia.
-2001 - Premio Schock, otorgado por un comité de la Real Academia Sueca de Música
-2003 - Gana el Premio Grawemeyer de Composición por su obra L’amour de loin (ópera estrenada con un montaje de Peter Sellars)
-2011 - Premio Musical Léonie Sonning.
-2013 - Premio Polar de Música (concedido ex aequo a Youssou N'Dour)
-2017 - Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento
-2021 - León de Oro en Venecia, Biennale della Musica Contemporanea
El 14 de octubre de 1976 nació en Durnfermline (Escocia) el vocalista Dan McCafferty, conocido por haber sido el cantante del grupo de hard rock escocés Nazareth, desde su fundación en 1968 hasta 2013.
Nazareth en 1970
Pese a su origen británico, Nazareth es considerada una banda pionera del hard rock estadounidense y uno de esos grupos cuyas canciones son conocidas por miles de personas, aunque no siempre puedan relacionar el tema con ellos. También es una de las contadísimas bandas clásicas que se mantiene vigente a pesar de los constantes cambios en el gusto musical de las nuevas generaciones.
Nazareth se formó en diciembre de 1968 de los restos de una banda amateur formada en 1961 por Dan McCafferty, el guitarrista Manny Charlton, el bajista Pete Anew y el batería Darrell Sweet. Tomaron el nombre de la primera frase del clásico de The Band, 'The Weight' ("...I pulled into Nazareth, I was feelin' about half past dead..."). En 1970 se trasladan a Londres y graban su álbum debut, 'Nazareth', al que siguió 'Exercises' (1972), que logró despertar cierto interés.
Seguidamente actuaron de teloneros en una gira de Deep Purple, en la que trabaron amistad con Roger Glover, que les produjo el siguiente álbum, 'Razamanaz'. Este fue su primer trabajo que entró en las listas y contenía dos temas que fueron Top10 en Inglaterra: 'Broken down angel' y 'Bad bad boy'. Al año siguiente apareció 'Loud'n'Proud', también producido por Roger Glover con otro single de éxito, 'This flight tonight', una versión hard rock del tema de Joni Mitchell. En 1974 vio la luz 'Rampant', que contenía como tema inicial una larga pieza pre-heavy metal, 'Silver dollar forger' y dos baladas,'Loved and lost' y 'Sunshine'. Como single se publicó 'Shanghaid in Shanghai'.
Para su siguiente álbum, prescindieron de productor y fue el guitarrista Manny Charlton quien se puso a los mandos de la grabación de lo que en principio se iba a llamar 'Son of a bitch' (Hijo de perra/puta), pero a la discográfica no le pareció adecuado y hubo que cambiarlo por 'Hair Of The Dog' (1975), a cuyo estribillo se quedó relegado el título original. Fue su disco de mayor éxito y sus letras repletas de alusiones a bandas callejeras, crímenes y violencia así como a todo tipo de vicios inconfesables, contrastaba con sus apariciones en público en las que desplegaban una simpatía y cercanía con sus fans poco habitual en las bandas de rock. Además del single 'Hair of the dog', muy radiado en EE.UU, en la copia americana del disco se incluyó una versión de los Everly Brothers, 'Love hurts', un tema que también grabó Roy Orbison. Fue editada en single y además de en el Reino Unido, fue un hit en EE.UU, siendo el único Top10 americano de la banda. Tiene además el récord de permanencia en las listas noruegas con 60 semanas.
En septiembre de 1978 se les añadió el guitarrista Zal Cleminson a la formación, que permaneció con ellos el tiempo suficiente de grabar dos álbumes, 'No Mean City' y 'Malice in Wonderland', contribuyendo con varias composiciones.
Se extrajo el single 'Holiday', su segunda y última entrada en las listas USA. En 1981 contribuyeron a la banda sonora de 'Heavy Metal' con el tema 'Crazy (A suitable case for treatment)'. McCafferty, que fue tentado en 1973 por Ritchie Blackmore para que entrara en Deep Purple sustituyendo a Ian Gillan, rechazó la oferta por fidelidad a sus compañeros. De hecho es el único miembro de la banda, junto con el bajista Pete Agnew que ha permanecido en ella hasta nuestros días.
Durante los años ochenta y noventa continuaron actuando y grabando discos, aunque su popularidad había disminuido bastante. Algunos de sus álbumes ya no se publicaban en EE.UU. y su popularidad se limitó a Europa, especialmente Alemania, donde siguen siendo muy valorados. Durante una gira en 1999 por EE.UU, el batería Darrell Sweet murió a los 51 años de un infarto, por lo que fue sustituido por Lee Agnew, hijo de Pete. Actualmente, tras 22 álbumes publicados, siguen activos y celebraron su cuarenta aniversario como banda en 2008 con una gira
europea. En abril de 2011 se publicó 'Big Dogz', y su entrega más reciente fue el álbum 'Rock 'n' Roll Telephone', aparecido el mes de junio de 2014. Unos meses antes, Dan McCafferty anunció que abandonaba la formación debido a problemas de salud.
El 29 de septiembre de 1935 nació en Ferriday, Louisiana, el pianista y cantante estadounidense de rock & roll y country Jerry Lee Lewis, hasta 2022 el último superviviente de la primera generación del rock & roll. Si Elvis era escandaloso, Jerry Lee Lewis era directamente un inadaptado social. Fue el primer rockstar de la historia. Rebelde, provocador, impertinente, blasfemo, sexual y tremendamente polémico en su vida personal, este rubio de Ferriday (Louisiana), personificó el salvajismo del rock'n'roll en los años cincuenta.
A los 21 años, cuando se presentó a una audición en los estudios Sun, Jerry Lee había sido expulsado de una escuela religiosa, se había casado dos veces, había intentado trabajar (sin éxito) como vendedor de máquinas de coser y había pasado una temporada en prisión. Tocaba el piano desde los 10 años y carecía de toda clase de complejos: estaba seguro de que era el mejor, y no lo ocultaba. Su primer single fue una versión de un viejo tema llamado 'Crazy arms'. Las ventas funcionaron aceptablemente, por lo que Sam Phillips (dueño del estudio) convocó a Lewis para grabar más canciones.
Más seguro de sí mismo -si cabe- sus presentaciones comenzaron a dar muestra de una energía que rondaba lo maniático, parándose en medio de las canciones para tocar con los codos o los pies e incluso, como lo hizo una vez en una fecha compartida con Chuck Berry, incendiar su piano al final del show. Su siguiente single fue su verdadero salto al estrellato, tanto que Sam Phillips pasó a considerarlo como el único artista capaz de disputarle el trono a Elvis Presley. El tema se llamaba 'Whole lotta shakin' goin' on'. Y luego llegó la confirmación, con el mítico 'Great balls of fire'.
Jerry Lee y Myra
En 1958, en el pico de su carrera, el mayor de sus numerosos escándalos terminó destruyéndolo: contrajo matrimonio con Myra Gale Brown, que no solo era su prima, además tenía apenas trece años. En su primera gira por Gran Bretaña, la prensa se enteró del asunto y lo crucificó. A nadie interesó la explicación de que en el sur de Estados Unidos era una práctica muy habitual. El tour fue cancelado y a su regreso a America sus discos fueron prohibidos. Sus días como estrella del rock & roll habían terminado...
Jerry Lee Lewis recuperaría cierta popularidad a finales de los sesenta y principios de los setenta, cuando se dedicó al country & western y obtuvo algunos hits como 'Chantilly lace', en 1973. Luego su vida personal entró de nuevo en una pendiente descendente: su matrimonio con Myra terminó, sus dos esposas siguientes murieron (una ahogada, otra de sobredosis de metadona) y su hijo de 19 años también perdió la vida en un accidente.
El 22 de noviembre de 1976, Jerry estrella su Rolls Royce en una cuneta y es arrestado por conducir borracho. Diez horas después, se presentó en casa de Elvis Presley, -borracho de nuevo y con una pistola cargada- asegurando a voz en grito que su viejo colega de la Sun Records le había arrebatado el trono del Rock and Roll y merecía morir. El escándalo dio la vuelta a los Estados Unidos... Su adicción al alcohol y los tranquilizantes se volvió incontrolable. De no haber ingresado en la clínica de rehabilitación Betty Ford, difícilmente habría sobrevivido.
De hecho, muchos lo dieron por muerto hasta que en 1981 publicó el single 'Thirty nine and holding' (39 años y aguantando). A mediados de los años 80 su carrera tuvo un nuevo revival gracias a la película biográfica 'Great balls of fire'. Sigió dando recitales por todo el mundo, manteniendo las extravagancias escénicas de antaño y demostrando que nunca se es demasiado viejo para el rock n' roll.
A pesar de sus problemas personales, su talento musical fue incuestionable. Apodado 'The Killer' por su poderosa voz y su manera de tocar el piano en el escenario, fue descrito por su compañero Roy Orbison como "el cantante más salvaje de la historia de la música rock".
En 1986 Jerry Lee Lewis formó parte del primer grupo incluido en el Rock and Roll Hall of Fame, siendo el primer artista introducido en el mítico Salón de la Fama. Sus últimos trabajos han sido sendos álbumes de duetos, 'Last man standing' (2006) y 'Mean Old Man' (2010), con varios 'próceres' del rock (Jimmy Page, Ringo Starr, Mick Jagger, Keith Richard, Don Henley, Sheryl Crow, Eric Clapton y Neil Young, entre otros). Su publicación más reciente fue 'Rock & Roll Time' en 2014 con intervenciones de músicos como Keith Richards, Robbie Robertson, Neil Young y Nils Lofgren.
Uno de los pasatiempos favoritos del Killer cuando iba pasadito de copas era contarle a jóvenes periodistas incautos las trolas más fantásticas que uno se pueda imaginar acerca de su juventud y comienzos. Por eso muchas biografías de Jerry Lee están llenas de anécdotas y hechos que son pura invención.
Otra de las características de su personalidad fue su extraordinaria soberbia. En la ocasión mencionada más arriba, se celebró un show en 1958 organizado por Alan Freed y Jerry Lee aparecía en el cartel inmediatamente antes que Chuck Berry, que era el artista que cerraba el show.
Acostumbrado a finalizar los conciertos con sus frenéticas canciones, le sentó fatal tener que tocar antes que Chuck Berry, precisamente en un momento en el que ambos estaban en lo mejor de sus respectivas carreras. Así que, mientras se despedía con el 'Whole lot of shakin' roció el piano con gasolina, le prendió fuego y dijo mientras salía del escenario: "Supera eso, negro!" ('Top that, nigger'). El episodio aparece en la película 'Great Balls of Fire', aunque con el diálogo suavizado, por supuesto. En el film Jerry Lee dice: "Supera eso, amigo".
En octubre de 2020, tras cumplir 85 años se transmitió por YouTube, Facebook y su página oficial un programa especial llamado 'Whole Lotta Celebratin' Goin' On' en el que colaboraron artistas como su hermana Linda Gail Lewis, Willie Nelson, Elton John, Mike Love, Priscilla Presley, Mickey Gilley y Joe Walsh.
El 'killer' falleció en octubre de 2022 a los 88 años.
El 26 de septiembre de 1945 nació en Salvador, Bahia, la cantante brasileña Gal Costa. Poseedora de una voz suave y aguda, Gal Costa tenía un variado repertorio, en general de canciones románticas, que la colocaron entre las más grandes cantantes brasileñas. Con más de 55 años de carrera, poseía una larguísima lista de trabajos propios, además de diversas participaciones en discos de otros artistas.
Interpretó canciones de distintos géneros musicales, como la samba, la bossa nova, el baião, el frevo y el axé. Destacada por su versatilildad, el compositor cuya propuesta más encajó con la visión interpretativa de Gal fue probablemente Caetano Veloso, aunque sean frecuentes en su repertorio composiciones de Ary Barroso, Dorival Caymmi, Jorge Ben y Chico Buarque, entre otros. Entre los temas más representativos de su carrera se encuentran 'Baby', 'Vapor barato' y 'Meu nome é Gal'.
En 1981 publicó el álbum 'Fantasia' que contenía uno de sus mayores hits, 'Festa do interior'. A lo largo de su carrera, en la que publicó más de treinta álbumes, como 'Domingo' (1967) con Caetano Veloso, 'Gal Costa' (1969), 'India' (1973),'Gal canta Caymmi' (1975), 'Gal canta Tom Jobim' (1999),'Minha Voz, Minha Vida' (2001), Gal siempre se mantuvo en la vanguardia de la música popular brasileña, arriesgándose siempre a grabar estilos distintos de los que había trabajado anteriormente y buscando la actualidad de su sonido.
Esta tendencia se hizo menos pronunciada en su producción de la primera década del segundo milenio, en la que se dedicó más a regrabaciones y álbumes en directo como el magnífico'Live at The Blue Note'(2006), exceptuando el álbum 'Hoje' (2005) que contenía composiciones contemporáneas inéditas. En 2012 publicó 'Recanto' y le siguieron 'Estratosférica'en 2015 y 'A pele de futuro' en 2018. Su última entrega fue 'Nenhuma Dor' en febrero de 2021. Falleció en noviembre de 2022 a los 77 años.
El 25 de agosto de 1933 nació en Newark (New Jersey), el saxofonista y compositor de jazz Wayne Shorter. Aunque comenzó tocando el clarinete, fue con el saxofón con el obtuvo su fama. Ganador de varios premios Grammy, grabó más de 20 álbumes, compuso numerosos standards, y tocó con músicos de la talla de Miles Davis, Herbie Hancock, Joe Zawinul, Art Blakey y Jaco Pastorius.
Nacido en una familia poco musical, Wayne desarrolló pronto una fascinación por todo lo que se relacionaba con el sonido. Sin embargo, no fue hasta que cumplió los dieciséis cuando tomó verdadero contacto con la música estudiando clarinete. Previamente a sus estudios musicales sus aspiraciones eran ser pintor o escultor, una ambición que le surgió cuando ganó un concurso infantil de arte. La 'interacción humana' que le brindaba la música le alejó de sus otras aficiones artísticas y se interesó profundamente en el bebop que oía a través de las ondas mediante el programa de radio nocturno Make Believe Ballroom, emitido desde Nueva York.
"Me encantaba la energía llena de vida de aquella música", comentaba en Down Beat, "Ansiaba el momento de trasladarme a Nueva York y ver la ciudad del bop, las bandas latinas, el Palladium y Birdland. Parecía que formar parte de esa música significaba lo que yo esperaba en cierto modo de la vida: diversión!. Pero una diversión con su significado y con profundas raíces". Shorter se pasó al saxofón y progresó con rapidez, hasta tal punto que, estando aún en la high school, fue invitado a tocar con Sony Stitt. Wayne se había ganado una reputación como un talentoso saxofonista con un sonido fresco y osado. Los músicos locales se referían a él como 'el chaval de Newark'.
Hubbard, Fuller y Wayne Shorter en 1961
Acabada la high school, Wayne viajó a Nueva York y allí se graduó en educación musical en la New York University, donde frustró a más de un profesor por su tendencia a mezclar estilos compositivos. Tras graduarse en 1956 y cumplir el servicio militar estuvo un tiempo en la banda de de Maynard Ferguson donde coincidió por primera vez con el pianista Joe Zawinul. En 1959 se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, con quienes realizó numerosas grabaciones, entre ellas, 'The witch doctor'(1961).
Miles y Wayne
Permaneció con Blakey hasta septiembre de 1964, cuando Miles Davis por fin logró incorporarlo a su quinteto, una de las bandas más influyentes de los años sesenta. De este periodo son destacables los álbumes 'Live At The Plugged Nickel' (1965) y 'Nefertiti' (1967) y los temas'E.S.P.', 'Footprints' y 'Fall', clásicos del jazz moderno.
Además de su trabajo con Miles, Shorter publicó varios álbumes bajo su nombre como 'Speak No Evil'(1964) y 'Adam's Apple' (1966). A finales de los sesenta se le oye cada vez con más frecuencia con el saxo soprano. Permaneció con Miles hasta el final de la década e intervino en los álbumes 'In A Silent Way' y 'Bitches Brew' (ambos de 1969). En 1970 funda junto a Joe Zawinul y Miroslaw Vitous la influyente y exitosa banda Weather Report, con los que permaneció quince años y grabó, entre otros, los álbumes 'I Sing the Body Electric' (1971), 'Black Market'(1976) y 'Heavy Weather' (1977). En 1977 asimismo graba el solo de saxofón en el tema 'Aja' de Steely Dan.
En 1985, Wayne abandonó el grupo, un movimiento que muchos críticos señalan como el principio del declive de su música, aunque siguió interesado en experimentos musicales con la electrónica el rock y el jazz. Trabajó desde entonces a menudo con Herbie Hancock, con quien se embarcó en 1992 en una gira llamada 'A tribute to Miles'. Repitió con Hancock en 1997, publicando con él el álbum '1+1', cuyo tema 'Aung san suu kyi' recibió un Grammy.
El año 2002, Shorter publicó'Footprints Live' con Danilo Perez, John Patitucci y Brian Blade, en el que volvió a la formación acústica y al jazz modal y free. Le siguió -en estudio- el también acústico'Alegria' (2003) y una de sus últimas entregas hasta la fecha fue otro álbum en directo, grabado en tres continentes diferentes entre 2002 y 2004, 'Beyond the Sound Barrier'. En 2013 publicó bajo el sello Blue Note un nuevo álbum con su cuarteto: 'Without A Net'. El año siguiente recibió el Grammy a la carrera artística por sus "prolíficas contribuciones a la cultura e historia norteamericanas". En 2016 formó parte del supergrupo Mega Nova junto con Carlos Santana, Herbie Hancock, Marcus Miller y Cindy Blackman Santana. Ofrecieron su primer show el mes de agosto en el Hollywood Bowl. Su último trabajo, 'Emanon' se publicó en septiembre de 2018. Murió en marzo de 2023 a los 89 años.
En 1960, el creciente movimiento folk le enganchó y animado por su paisano y amigo Ian Tyson (de Ian and Sylvia), Gordon perfeccionó su estilo con la guitarra y comenzó a actuar en pequeños cafés del Este de Canadá, donde por primera vez se pudieron escuchar su voz y sus canciones. Algunos de sus temas, como 'Early mornin' rain' o 'For lovin' me', comenzaron a recibir versiones de músicos de folk y country como Peter, Paul & Mary, Judy Collins y Johnny Cash, además de lograr un éxito moderado en las listas canadienses con sus propias grabaciones: 'Remember me', 'I'm not saying' y 'Black day in july'.
Lighfoot había escrito alrededor de 75 canciones, la mayoría de las cuales "no significaron nada", tras oir por primera vez a Bob Dylan. Su estilo de composición cambió notablemente y en sus letras, más personales, se reflejaba su propia identidad. Cuando debutó en Nueva York en 1965, el New York Times hablaba de su "rico y cálido registro vocal y una gran técnica guitarrística". La crítica concluia con: "Si presta un poco más de atención a su imagen escénica, puede convertirse en un artista muy popular". El año siguiente, United Artists publicó su primer álbum, 'Lightfoot!', que lo convirtió directamente en el cantautor folk nº1 de su país.
En 1967 lo eligieron mejor cantante masculino y tres años después se le concedía la Medalla al Servicio por su contribución a la cultura canadiense. En ese tiempo Gordon publicó cuatro trabajos más: 'The Way I Feel' (1967), 'Did She Mention My Name', 'Back Here on Earth' (1968) y el directo 'Sunday Concert' (1969). En 1970 firmó con Warner Bros. y en su sello filial Reprise, Gordon publicó a lo largo de la década de los setenta, sus mejores trabajos. Comenzó el mismo año con 'If You Could Really Read My Mind'.
