Germaine Tailleferre

El 19 de abril de 1892 nació en Saint Maur-des-Fossés, Francia, una de las grandes compositoras francesas de principios del siglo XX, Germaine Tailleferre. Formó parte del conocido "Grupo de los Seis" (Les Six), grupo muy libre y muy desigual en su composición, formado en 1920 por 6 compositores franceses, animados todos ellos por los experimentos de Satie y por la estética antiwagneriana y antirromántica de Jean Cocteau, el polifacético dramaturgo, poeta, novelista, director de cine y pintor.

La joven Germaine se inicia al piano con su madre y comienza desde muy joven a componer pequeñas obras. A pesar de la oposición de su padre, en 1904 entra en el Conservatorio de París, bajo la dirección de Eva Sautereau-Meyer, en las clase de piano y de solfeo. Entre sus compañeros de estudios se encontraban Darius Milhaud y Arthur Honegger. Como pianista prodigio, con una memoria asombrosa, comienza ganando un primer premio de solfeo. Este éxito disminuye la oposición de su padre que le autoriza a continuar sus estudios, eso sí, sin garantizarle su financiación. Una cierta toma de conciencia de sí misma así como un pequeño deseo de venganza, le hacen cambiar el doblemente arriesgado apellido de Taillefesse a Tailleferre.

Germaine y Milhaud

Fue alumna de contrapunto de Georges Caussade y en 1913 se alzó como ganadora del primer premio de contrapunto con el apoyo de Gabriel Faurè y Claude Debussy. Dos años más tarde, después de realizar estudios de armonía y acompañamiento al piano, ganó otros premios. En aquellos años tocó como percusionista en la orquesta del conservatorio, bajo la dirección de Vincent d'Indy y presentó en público sus primeros trabajos.
Después del escándalo provocado por el estreno del ballet "Parade" de Erik Satie, se reunió en torno al autor un grupo de jóvenes compositores interesados en ese nuevo tipo de composiciones. En 1917 presentó su nuevo trabajo “Jeux de Plein Air” (Janine Reding y Henry Piette), para dos pianos, en casa de la célebre pianista Marcelle Mayer. Sin que la autora lo supiera, Satie escuchó su obra y entusiasmado por su talento llamó a la Tailleferre "ma fille musicale", (mi hija musical), incluyendo sus obras en las veladas musicales que se organizaban en el estudio del pintor Lejeune en la calle Huyghens.

Los 'Seis' con Cocteau al piano

Otros jóvenes músicos del grupo, animados por Jean Cocteau, autor en 1918 del "panfleto" 'El gallo y el arlequín', en el que arremetía contra la música rusa y alemana, intentaron encontrar un nuevo camino para la música francesa. Tailleferre, Honegger, Georges Auric, Louis Durey, Francis Poulenc y Milhaud trabajaron juntos en un ambiente de amistad (amistad que siguió viva hasta la muerte de cada uno de ellos), pero fue en 1920, año de la publicación de un álbum de su obra musical, cuando el crítico H. Collet empezó a llamarles "le Groupe des Six". Su forma irónica de enfrentarse con la tradición situó a los Seis en la llamada vanguardia de comienzos de siglo: se pueden establecer analogías entre sus características y las de diversos movimientos artísticos de aquel momento, como el cubismo, el futurismo, etc. El grupo se disolvió muy pronto porque sus miembros eran demasiado diferentes entre sí.

Poulenc, Tailleferre, Durey, Jean Cocteau, Milhaud y Honegger posan bajo un dibujo de Auric.

En los años de entreguerra, Germaine Tailleferre estuvo comprendida entre los compositores más aclamados de su generación. Después del éxito en 1920 de la “Pastoral” (Cristina Ariagno, pianoforte). para pequeña orquesta, compuso otros muchos trabajos: “Primera sonata para violín” (1921), que fue presentada por Jacques Thibaud y Alfred Cortot; en 1927, a petición de Paul Claudel y sobre texto del propio poeta, escribió la música de escena de “Sous le rempart d'Athènes”.

En 1934 la Orquesta Sinfónica de París, dirigida por Piere Monteux, presentó el “Concerto grosso” para dos pianos, cuarteto de saxofones, coro mixto y orquesta. A pesar del éxito de crítico y público este trabajo no se volvió a interpretar. En 1938 compuso la famosa “Cantata du Narcise”, sobre libreto de Paul Valléry, para barítono, soprano, coro femenino, cuatro voces y orquesta de cámara.
En 1926, durante una gira por América, conoció al diseñador de "cartoons" Ralph Barton, con el que se casó, pero el matrimonio no duró mucho. Celoso del éxito de su esposa, Barton le negó la oportunidad de quedarse en Hollywood, lo que ocasionó el divorcio de ambos. Su exmarido se suicida al poco de regresar a Estados Unidos.
Sus “Seis Canciones Francesas” (Six Chansons Françaises) (Claire Gouton, voz - Cristina Ariagno, pianoforte) dejan traslucir su estado tras el divorcio. Germaine utiliza para las canciones textos del período comprendido entre los siglos XV y XVIII, que tratan sobre la condición femenina. Cada obra está dedicada a una amiga.

En 1931 se casó en Londres con el abogado francés Jean Lageat, pero tampoco esta unión fue duradera. Durante la Segunda Guerra Mundial, Germaine Tailleferre se trasladó de nuevo a Estados Unidos con su marido y su única hija, Françoise. Regresó a Francia en 1946 y se dedicó enteramente a la música. En este período compuso el “Segundo concierto para piano” dedicado a su hija (fallecida en 1993). Desde su regreso a París y hasta su muerte siguió componiendo para un gran número de conjuntos instrumentales y vocales. Su primer ballet “Marchand d'oiseaux”, fue representado por el Ballet Sueco en 1923 y Diaghilev utilizó su obertura en sus Ballets rusos. Compuso también “Les vaines paroles”, una adaptación para conjunto instrumental de su Concerto grosso para barítono y orquesta y su "Adagio" en 1924 (Massimo Marin, violín - Cristina Ariagno, piano).

Al año siguiente escribió su única ópera lírica, “Il était un petit navire”, que se representó en París. Sintonizando con las diversas posibilidades de utilización de la música en nuestro siglo, compuso bandas sonoras para la radio, la televisión y el cine.

Con Bernard Lefort —barítono que llegará a ser director de la Opera de París—, forma un dúo con el que dará giras por toda Europa. El mismo Lefort será, hasta la muerte de Tailleferre, uno de sus amigos más fieles. En 1970 será profesora en la Schola Cantorum pero deberá renunciar a causa de la ausencia de alumnos. Conoce entonces al director de orquesta de «Gardiens de la Paix» Désiré Dondeyne, que la animará a escribir para orquesta de armonía y la ayudará a concretar algunos proyectos.

A los 84 años, acepta ser acompañante para niños en la «École alsacienne», una de las más célebres escuelas privadas de París. Este puesto le aportará un pequeño complemento al retiro, y le permitirá acabar una última serie de obras, como la “Sonate pour deux pianos”, la “Sérénade en la mineur” para cuatro vientos y piano (o clavecin), el Allegro concertant "les Vaines paroles" y la “Sonate champêtre”, para tres vientos y piano. Su última obra importante fue un encargo del Ministerio de Cultura.
La compositora escribe con 89 años el “Concerto de la fidelité” para voces agudas y orquesta —reescritura de parte de una obra anterior, que será orquestada por Désiré Dondeyne—. Tailleferre compondrá hasta sus últimos instantes, muriendo el 7 de noviembre de 1983 en París a los 91 años. Está enterrada en el cementerio comunal de Quincy-Voisins cerca de de Meaux.

Obtuvo numerosos premios y honores (entre ellos la orden de la Legión de Honor en 1973) y en los años ochenta se creó la Asociación Germaine Tailleferre con un comité de honor formado por algunos de los músicos franceses vivos más importantes. La asociación intentó ayudarla en aquellos años y asumió la tarea de recopilar y archivar toda su obra musical (una parte de la cual sigue inédita).
Siempre al corriente de las tendencias musicales de los países del resto de Europa, Tailleferre introdujo el serialismo en algunas de sus obras hacia finales de los años cincuenta, pero después volvió a las armonías y el romanticismo de sus primeros trabajos "neoclásicos". Al comienzo de su larga carrera estuvo muy influida por el mundo musical de Ravel (del que recibió algunas lecciones sobre orquestación) pero enseguida intentó descubrir por sí misma un mundo menos complejo, más airoso, más alegre. sus conciertos para voz solista y orquesta, en los que la voz humana ( en unos casos un barítono y en otros una soprano) se trata como un instrumento, fueron los primeros en su género. Si en el futuro queremos hablar de las mujeres compositoras más innovadoras, probablemente deberemos considerar las obras de Germaine Tailleferre y darle la importancia que merecen en la historia de la música.

Obras destacables:
- “Romance” (1913) (Cristina Ariagno, piano)
- “Piano Trío” (1916/1917 rev.1978) (Cristina Ariagno, piano - Massimo Marin, violín - Manuel Zigante, violonchelo).

- “Hommage à Debussy” (1920) (Cristina Ariagno, piano)
- "Sonata No.1 para violín y piano" (1921) (Cristina Ariagno, piano - Massimo Marin, violín).
- "Concertino para arpa y piano" (1927) (Cristina Ariagno, piano - Gabriella Bosio, arpa)
- “Sicillienne” (1928) (Cristina Ariagno, piano).
- “Vocalise pour voix elevée” (1929) (Cristina Ariagno, piano - Claire Gouton, voz ).
- “Fleurs de France” (1930) (Cristina Ariagno, piano)
- “Au Pavillon d'Alsace” (1937) (Cristina Ariagno, piano)

- “Pastoral” para flauta y piano (1942) (Young Music)
- "Arabesque" para clarinete y piano (1942) (Robert Yaple, piano - Josh Oxford, clarinete) .
- "Sonatine" (1946) (Cristina Ariagno, piano - Massimo Marin, violín).
- "Intermezzo" (1946) (Marc Clinton & Nicole Carboni)
- “Vals lento” (1948) (Cristina Ariagno, piano)
- “Fugue du parapluie” (1950) (Cristina Ariagno, piano)
- “Pieza en forma de Samba” (1953) (Cristina Ariagno, piano)
- “La Rue Chagrin” (1955) (Cristina Ariagno, piano - Claire Gouton, voz ).
- “Sonata para arpa” (1957) (Claudia Antonelli, arpa)
- “Rêverie” (1964) (Cristina Ariagno, piano)
- “Tres sonatinas para piano” (1975) (David de Lucia, piano).

Alexis Korner

El 19 de abril de 1928 nació en Paris, el músico británico Alexis Korner. Si John Mayall está acreditado como el 'padre del blues británico', Korner ha de ser el abuelo del género. Ya en 1952, había formado un duo de blues con el armonicista Cyril Davies, antes de formar Blues Incorporated en 1962. Durante su estancia como grupo residente en el Marquee de Londres, la banda incorporó a futuros miembros de Roling Stones, The Pretty Things, Cream y la Graham Bond Organization. Cuando el blues se volvió psicodélico, Korner se mantuvo purista y formó el grupo New Church que, en su primera etapa contó con el vocalista Robert Plant antes de pertenecer a Led Zeppelin. En los setenta formó la big band CCS y, antes de morir en 1984, formó diversos 'supergrupos' con ex-miembros de Cream y Rolling Stones.

Alexis Korner

Korner era hjio de un austríaco y una griega de origen turco y pasó su juventud en Francia, Suiza y el Norte de África. Cuando estalló la segunda guerra mundial, Alexis y su familia se establecieron en la capital del Reino Unido y fue allí, mientras los nazis bombardeaban Londres, cuando Korner escuchó por primera vez un disco del bluesman americano Jimmy Yancey, lo que despertó en él el deseo de cantar e interpretar blues. Una vez finalizada la guerra, Alexis aprendió por su cuenta a tocar la guitarra y el piano. En 1949 era miembro de la banda de jazz de Chris Barber y permaneció con él cuando se fusionó con el grupo de Ken Colyer.

Ciryl Davies

En este periodo, Alexis conoció a Cyril Davies, un armonicista con quien compartía la pasión por el country blues del Delta. Formaron un dúo de armónica amplificada y guitarra eléctrica y en 1955 fundaron el London Blues and Barrelhouse Club, con sede en el pub Roundhouse en el Soho. Esto les brindó la oportunidad de contratar a bluesmen americanos que ayudaron a popularizar el género entre el público británico.

Blues Incorporated

En 1962, Davies y Korner formaron la banda Blues Incorporated, cuya primera formación constaba de Korner, Davies, el pianista Ken Scott y el saxofonista Dick Heckstall-Smith. Por el grupo pasaron músicos invitados como Charlie Watts y el futuro bajista de Cream, Jack Bruce. Otros músicos que pasaron en algún momento por la formación de Blues Incorporated incluyen a Ginger Baker, Eric Burdon, Brian Jones, Davy Graham, Long John Baldry y Ron Wood.

En aquellos días la escena musical inglesa estaba dividida a partes iguales entre los seguidores de jazz, skiffle y pop, por lo que los integrantes de Blues Incorporated se vieron en la necesidad de abrir su propio club, el Ealing Rhythm & Blues Club, en el que podían tocar su música. Entre los músicos que visitaban el club con frecuencia y se apuntaban a jams con Alexis y cia, se encontraban Mick Jagger, Keith Richards, Paul Jones, Rod Stewart, Manfred Mann, Ian Stewart, John Mayall y Steve Marriott.

El Marquee en 1962: Dave Stevens, Dick Heckstall-Smith, Alexis Korner, Jack Bruce, Mick Jagger y Cyril Davies

La creciente popularidad del grupo hizo que fueran invitados a tocar en el Marquee como grupo residente. Allí convencieron al público y a los ejecutivos de las discográficas de que aquello no era una moda pasajera. En 1962 se grabó el álbum 'R&B from the Marquee', un hito del blues británico que abrió las puertas a numerosos grupos como Rolling Stones, Yardbirds o Animals que ya al año siguiente comenzaron a mostrar sus intenciones incorporando blues americano en sus repertorios.

La insistencia de Korner en añadir vientos a la banda provocó la salida de Davies. Alexis continuó manteniéndose impasible en las rígidas estructuras del blues, en vez de adaptarse con los tiempos y evolucionar como hacían el resto de sus contemporáneos. Aunque no dejó de actuar y grabar con Blues Incorporated (en 1964 aparecieron los álbumes 'At the Cavern' y 'Red Hot from Alex'), su música se quedó un paso atrás de las nuevas direcciones que los demás músicos británicos de blues estaban tomando.

'Sky High' (1966)

Cuando un joven Eric Clapton realizaba su debut con los Bluesbreakers de John Mayall, Korner lamentaba entristecido 'esa' evolución del blues. Cuando el mismo Clapton lideró junto a Jack Bruce el trío de blues psicodélico Cream, Alexis directamente desdeñó su música. En 1966 apareció el último álbum oficial de Blues Incorporated, 'Sky High', con el magnífico tema 'Long black train' coescrito por Korner con Duffy Power, que canta la voz solista.

Peter Thorup y Alexis Korner

En 1967, Korner formó el grupo Free at Last con Marsha Hunt y Victor Brox, pero fue un proyecto efímero que únicamente generó un par de actuaciones. Seguidamente, en los primeros meses de 1968, Korner comenzó a grabar un álbum con Robert Plant, pero tampoco este proyecto cristalizó, ya que el vocalista se fue con Jimmy Page a formar Led Zeppelin. De aquellas sesiones sólo quedan dos temas: 'Steal away' y 'Operator'. Ese mismo año, Alexis Korner realizó giras por Escandinavia con el vocalista danés Peter Thorup y una banda llamada los Beefeaters. En 1968 publica el álbum 'New Generations of blues'.

Posteriormente, Alexis reclutó a su hija Sappho Korner, al bajista Colin Hodgkinson y a Thorup para formar una nueva banda, New Church. Actuaron como teloneros en el concierto que los Rolling Stones ofrecieron en 1969 en el Hyde Park de Londres. Cuando Brian Jones dejó a los Stones, se rumoreó que Korner quería incorporarlo a su banda pero, en cualquier caso, su prematura muerte lo impidió.

Korner, Cameron y Thorup

Korner y Thorup disolvieron New Church en 1970 y se apuntaron a CCS (Collective Consciousness Society) (Sociedad de conciencia colectiva) un grupo de estudio de alrededor de 25 miembros bajo dirección musical de Peter Cameron y producción de Mickie Most, que con su versión instrumental del clásico de Led Zeppelin 'Whole lotta love' logró un gran hit en las listas británicas. El tema fue durante varios años la sintonía del programa de TV 'Top of the Pops'. El grupo colocó otros dos temas en las listas, 'Walking' y 'Tap turns on the water', antes de disolverse.

En 1972, Korner y Thorup forman una nueva banda con ex-miembros de King Crimson, como el bajista Boz Burrell, el saxofonista Mel Collins y el batería Ian Wallace. El grupo se denominó Snape y publicaron el álbum 'Accidentaly Born in New Orleans'. En 1975 grabó el álbum 'Get Off My Cloud' con miembros de la Grease Band de Joe Cocker y colaboraciones de Nicky Hopkins, Keith Richards, Peter Frampton, Steve Marriott y Colin Hodkinson.
Poseedor de una personal voz de barítono, Korner trabajó durante un tiempo como locutor en programas y comerciales de TV. Esta fuente de ingresos le permitió permanecer ajeno a consideraciones comerciales con su música. En 1978 se celebró una gala musical conmemorando el 50 cumpleaños de Korner en la que actuaron Eric Clapton, Paul Jones y Chris Farlowe .

En 1981 formó Rocket 88 con Jack Bruce, Ian Stewart y Charlie Watts para una gira por Europa. El álbum 'Rocket 88' recoge varios directos de la gira y ésta sería la última grabación de Korner, ya que murió el día de Año Nuevo de 1984 a los 55 años. Aunque su nombre nunca brilló como muchos otros bluesmen británicos, son muchos los músicos que confiesan deberle mucho. Fue de los primeros en Inglaterra en introducir el blues americano, plantando la semilla de uno de los movimientos musicales más importantes en la música popular del siglo pasado.

LP 'Odessey & Oracle'

El 19 de abril de 1968 se publicó en el Reino Unido, 'Odessey & Oracle', segundo álbum del grupo británico The Zombies, cuyas pobres ventas aceleraron la disolución de la banda. Contenía, entre otras grandes composiciones, el tema 'Time of the Season', editado en single meses después en EEUU, donde sí entró en listas, alcanzando el nº3 así como el nº1 en Canadá.

Formados en la pequeña ciudad de St Albans en 1963, el debut de los Zombies, la sublime 'She's not there' alcanzó el nº2 en EEUU, pero los siguientes singles no lograron el éxito esperado. Tras tres años de giras constantes, el grupo decidió separarse a finales de 1966. Fue el bajita Chris White quien los convenció para grabar un álbum antes del fin de la banda. Al fin y al cabo, su primer álbum era una colección de singles, y su nuevo contrato con Columbia les posibilitaba grabar lo que quisieran y -ya que se iban a separar- sin presiones comerciales. Y lo que resultó fue un exuberante y barroco sonido pop psicodélico con elaboradas armonías, complejas progresiones de acordes y pequeños toques de jazz a la altura de los mejores trabajos de Beach Boys y Beatles, que pasó completamente desapercibido en el mercado de Gran Bretaña.

Nueve de los doce temas que componen el álbum fueron grabados en Abbey Road, en el mismo estudio donde meses antes se habían grabado en un magnetófono Studer de cuatro pistas los LP's 'Seargent Pepper' de Beatles y 'The Piper at the Gates of Dawn' de Pink Floyd. Las últimas sesiones de grabación se llevaron a cabo en noviembre de 1967, en un punto en el que el desánimo ya se había apoderado de la banda. Se habían publicado ya dos singles como avance del álbum, 'Care of cell 44' y 'Friends of mine', ante la total indiferencia general y el cantante Colin Blunstone, que estaba convencido de que 'Care of cell 44' era un hit seguro, terminó de hundirse. Para colmo, cuando salió el álbum, grabado en mono y uno de los productores americanos de CBS (Al Kooper) escuchó el disco y convenció a sus jefes para que publicaran el disco en EEUU, éstos exigieron que la grabación fuera en estéreo, lo que motivó que tuvieran que invertir más dinero para la nueva mezcla.

En EEUU también pasó relativamente desapercibido hasta que se editó allí el single, 'Time of the season', dos años después de grabarse. Alcanzó el nº3 en EEUU y el nº1 en Canadá, y con el tiempo se convirtió en un clásico del soul blanco usado en numerosas ocasiones como tema representativo de finales de los sesenta, pero a estas alturas, The Zombies llevaban más de un año separados.

El resto del álbum contiene auténticas joyas del pop psicodélico como 'Hung up to a dream', 'I want her and she wants me', 'Changes' y 'This will be our year' con un arreglo de trompetas muy a lo 'Penny Lane' que se perdió en la mezcla estéreo, apuntes de caracteres humanos melodramáticos como 'A rose for Emily', estrambóticos temas pacifistas como 'Butchers tale (Western Front 1914)', evocadoras piezas descriptivas como 'Beechwood park' e himnos -más que canciones- de amor, como 'Maybe after she's gone' y 'Brief candles'.
La portada de la edición original inglesa (en la americana quedó mutilada) era un diseño del ilustrador Terry Quirk, un compañero de piso de Chris White, que cometió el error ortográfico al escribir la palabra 'odyssey'. El error se mantuvo, afirmando White y Argent que había sido intencionado.

'Care of cell 44' (Rod Argent)

'A rose for Emily' (Argent)

'Maybe after he's gone' (Chris White)

'Beechwood park' (White)

'Brief candles' (White)

'Hung up on a dream' (Argent)

'Changes' (White)

'I want her, she wants me' (Argent)

'This will be our year' (White)

'Butcher's tale (Western front 1914)' (White)

'Friends of mine' (White)

'Time of the season' (Argent)

Paul Atkinson, Hugh Grundy, Rod Argent, Colin Blunstone y Chris White

Colin Blunstone – voz solista

Rod Argent – órgano, piano, Mellotron, voz solista en 'I Want Her, She Wants Me'

Paul Atkinson – guitarra, voces (en 'Changes')

Chris White – bajo, voces (voz solista en 'Butcher's Tale (Western Front 1914)' y una estrofa de 'Brief Candles')

Hugh Grundy – batería, voces (en 'Changes')

Geoff Emerick y Peter Vince - Ingenieros de grabación

Franz von Suppé

El 18 de abril de 1819 nació en en Split (Dalmacia, Croacia) el compositor y director de orquesta austrohúngaro romántico Franz von Suppé, autor de numerosas operetas y oberturas y cuyo auténtico nombre era Francesco Ezechielle Hermenegildo Cavaliere Suppé Demmelli.

Cuando cumplió los 15 años sus padres lo enviaron a la facultad de derecho de la Universidad de Padova y cuando finalizó la carrera entró en el cuerpo de funcionarios del imperio austro-húngaro. Fue durante estos años cuando realizó sus primeros viajes a Milán donde conoció a Rossini y Donizetti que le marcaron profundamente quedando muy impresionado por la obra Guillermo Tell de Rossini.
En 1835 y tras la muerte de su padre marchó a Viena, ingresando en la facultad de medicina; pero finalmente movido por la música dejó los estudios. A partir de ese momento comenzó a trabajar como director musical en diversos teatros de Viena. A su vez compuso sus primera óperas de estilo italiano que fueron realmente un fracaso.

En 1860 su carrera profesional sufre un gran vuelco. Tras haber escuchado las óperas bufas de Offenbach decide imitar este estilo adaptándolo al idioma alemán y la escena vienesa. En los años setenta y ochenta Suppe compone las que serían sus dos obras maestras: las operetas “Fatinitza” y “Boccaccio”. Pese a que Suppe asimiló el arte de Offenbach en ningún momento perdió el estilo italiano como se refleja en sus overturas “Banditenstreiche” y “Irrfahrt um’s Glück”.

No obstante y pese a la gran fama cosechada con la ópera "Boccaccio", las obras de Franz Von Suppé pronto caían en el olvido a excepción de las oberturas y otras danzas que eran popularizadas por orquestas y bandas militares de toda Europa y U.S.A. Su gran sentido del humor le permitió el componer operetas con contenido seudobiográfico de compositores clásicos como Mozart o parodias de obras clásicas como Summer Night’s Dream: Overture "Ein Morgen, ein Mittag und ein Abend in Wien".

En la época Viena estaba llena de compositores de opereta que pugnaban constantemente entre si. Johann Strauss y Carl Millöcker triunfaban en los teatros europeos y Suppé adoptó una postura ambigua al dejar que su rivales le ganasen terreno. Mientras tanto y consagrado como un genio musical decidió cultivar la Obertura como género independiente al estilo italiano creándose, entre ellas, la “Fest - Ouvertüre”.
En 1883 Suppé vuelve a ganar terreno en la lucha por el público vienés al estrenar la popularísima opereta “Afrikareise” de la cual sobrevive en el repertorio actual la obertura y la Marcha “Über Berg, Über Tal”. Tras la muerte de su hijo pocos años después y visiblemente afectado, Suppe se retira de la escena musical vienesa muriendo en el olvido en 1895.

Llegados los últimos años del siglo XIX el público empieza a valorar el arte del compositor dálmata y sus obras olvidadas empiezan a interpretarse en conciertos de sociedad rescatando algunas de sus overturas entre ellas “Flotte Bursche” que contiene un pasaje del famoso “Gaudeamus Igitur” adelantándose a Brahms en la popularización de esta himno estudiantil alemán, “Kinderein” y la que fue una de sus primeras obras "Zehn Mädchen und Kein Mann".
Suppé compuso cerca de 30 operetas y 180 farsas, ballets, vodeviles y otras obras. Las Oberturas, especialmente Caballería ligera (Leichte Kavallerie) , es lo más célebre de su producción musical.

Asimismo también ha sobrevivido Poeta y aldeano (Dichter und Bauer), y algunas de ellas han sido usadas en las bandas sonoras de películas, dibujos animados o anuncios, además de ser interpretado con frecuencia en los conciertos sinfónicos populares. Algunas de las óperas de Suppé son todavía interpretadas en Europa. Peter Branscombe escribió en el New Grove Dictionary of Music and Musicians que la obra “Dies ist mein Österreich” de Suppé es el segundo himno nacional de Austria.

Suppé mantuvo vínculos con su región natal, Dalmacia, y de vez en cuando visitaba Split, Zadar y Šibenik. Después de su jubilación como director de orquesta, Suppé continuó escribiendo óperas, pero cambió su enfoque a la música sacra. También escribió un Réquiem para el director de teatro Franz Pokorny (Coro y Orquesta de l'UHA, dir. Paul-Philippe Meyer), tres misas, canciones, sinfonías y oberturas de concierto. No obstante y pese a la gran fama cosechada con la ópera "Boccaccio" (Ewsc Kammerorchester Robert Stolz, Coro: Koinonia) las obras de Franz Von Suppé pronto caían en el olvido a excepción de las oberturas

Obras destacadas:

• Obertura Ein Morgen, ein Mittag und ein Abend in Wien (Una mañana, una tarde y una noche en Viena) - (1844) (Wiener Philharmoniker & dir. Riccardo Muti)
• Obertura Dichter und Bauer (Poeta y aldeano) – (1846) (The Heartland Festival Orchestra & Dir David Commanday).
• Das Pensionat – (1860)
• Die Kartenschlägerin – (1862)
• Zehn Mädchen und kein Mann – (1862)
• Ópera Pique Dame – (1864) (IPOJ & dir. Takeshi Ooi)
• Die schöne Galathee (La bella Galatea) – (1865) (Kurt Eichhorn, Chor des Bayerischen Rundfunks & Münchner Rundfunkorchester)

• Leichte Kavallerie (Caballería ligera) – (1866) (Orquesta Filarmónica de Berlín & dir. Karajan)
• Banditenstreiche – (1867) (Das Sinfonieorchester des NDR, dir Richard Müller-Lampertz)
• Die Frau Meisterin - (1868) (Slovak State Philharmonic Orchestra & Kosice)
• Obertura Tantalusqualen - (1868)
• Fatinitza –(1876) Jerusalem Symphony Orchestra, IBA & dir. Amos Talmon)
• Ópera Boccaccio – (1879) “Florenz hat schöne Frauen” (Symphonie-Orchester Graunke, Chor des Theaters am Gärtnerplatz, München, Cornelius Eberhardt & Hans Günther Grimm) -"Fenton! - Mein Mädchen” (Bayerisches Staatsorchester, Robert Heger, Edith Mathis & Fritz Wunderlich)
• Donna Juanita – (1880)
• Der Gascogner – (1881)
• Bellmann – (1887)
• Die Jagd nach dem Glück – (1888) "Glückswalzer" (Vals de la fortuna)

Clarence 'Gatemouth' Brown

El 18 de abril de 1924 nació en Vinton (Louisiana) el músico norteamericano Clarence 'Gatemouth' Brown. Durante más de 50 años, Clarence fue un icono de la escena musical tejana. Sus primeras grabaciones para Aladdin Records a finales de los años cuarenta se editaron en discos de 78rpm; su última grabación para HighTone en 2004 se editó en CD. Brown grabó con gran frecuencia, documentando prácticamente todas las etapas de su carrera y realizó giras constantes, llegando a tocar 300 veces en un año. Llamado el 'Count Basie del Blues' su extenso repertorio abarca, además del blues, otros géneros como el bluegrass, zydeco, cajun y jazz. "No me gusta que me llamen músico de blues. Soy un músico americano".

Brown se ganó una gran reputación con sus shows en la que además de una gran personalidad demostraba su talento como músico exhibiendo una gran integridad artística. "Mucha gente hace música por razones equivocadas", comentó en una ocasión Clarence, "Nunca toqué mi música para conseguir una mujer, aunque no me fue mal con ellas. Jamás lo hice por dinero, aunque me pagó las facturas. Me dí cuenta a tiempo de que era capaz de crear algo hermoso que podía hacer crecer el amor en la gente que acudiera a escucharme."
Aunque nacido en Louisiana se crió en Orange (Texas). Su padre, un ingeniero ferroviario, le enseñó a tocar el violín y sus hermanos le instruyeron en el manejo de la batería y la guitarra. Su estreno profesional fue con las baquetas en formaciones locales como los Gay Swingsters y William Benbow's Brownskin Models.

En 1947 viajó haciendo auto-stop hasta Houston en busca de fortuna. Allí conoció al promotor Don Robey, propietario de un club llamado Bronz Peacock. Un día estaba programada la actuación de T-Bone Walker. Cuando éste se encontró mal en pleno concierto y tuvo que suspender su actuación, Clarence saltó al escenario y, agarrando una guitarra, interpretó 'Gatemouth boogie' ante el regocijo de los que estaban presentes. Brown aseguró que aquella noche recaudó $600 en propinas.
Tras realizar sus primeras sesiones para Alladin Records, Clarence comenzó a publicar sus canciones en el sello de Don Robey, Peacock Records. A lo largo de los años cincuenta aparecieron clásicos como 'Depression blues', 'Hurry back good news' y su emblemático 'Okie dokie stomp'.

Además de sus primeros trabajos con la guitarra, Robey también registró temas de Brown tocando el violín como 'Just before dawn'. A pesar del éxito de estas grabaciones y a pesar de la gran influencia que la música de Brown ejercía en otros artistas, a finales de los años cincuenta las relaciones entre Brown y Robey alcanzaron un punto tenso. Según Brown, cuando éste le demandó a Robey participar en los derechos de sus canciones, su respuesta fue sacar un revólver. Otra versión -menos violenta- fue que Robey, decidió prescindir de Brown, el cual -según él- no poseía el carisma de los otros artistas del sello, Junior Parker y Bobby 'Blue' Bland.

Seguidamente, Brown asumió que su ruptura con Robey había provocado su inclusión en la lista negra del show business, por lo que no grabó mucho en los años sesenta. Parte de la década la pasó trabajando como ayudante de sheriff en el condado de San Juan (Nuevo Mexico).

A mediados de los años setenta relanzó su carrera con una serie de álbumes grabados tanto en Europa como en Estados Unidos. Apareció en primer lugar en festivales y realizó sesiones en Francia. En 1973 actuó en el Festival de Montreaux donde realizó una jam con el grupo Canned Heat. Un año después tocaba como sideman en el disco de Professor Longhair, 'Rock 'N' Roll Gumbo'. Recuperó el favor popular con su álbum 'Blackjack' (1976) y a finales de la década se instaló en Nueva Orleans. Brown ha sido una de las grandes influencias de guitarristas como JJ Cale y Stevie Ray Vaughan.

En los ochenta, sus álbumes publicados en Rounder Records y Alligator Records revitalizaron su carrera en Estados Unidos. En 1982 recibió un Grammy por el magnífico 'Alright Again!' y fue nominado a cinco más.
En la década de los años noventa seguía en plena forma y realizó frecuentes giras. Entre 1992 y 2003, Brown y su banda realizaron más de 200 actuaciones en todo el mundo, compartiendo escenario con músicos como Albert Collins, Carlos Santana, Buddy Guy y Nile Rodgers.
En 1995, Brown actuó como telonero en 62 shows de Eric Clapton. Dos años después publicó en el sello Verve el álbum 'Gate Swings', dirigido a jóvenes audiencias, aprovechando el movimiento retro-swing que exhibían bandas como Squirrel But Zippers.

Brown continuó grabando en el nuevo milenio, publicando 'Back to Bogalusa' en 2001 y 'Timeless' en 2004. Ese mismo año le diagnostican un cáncer cuya esperanza de curación mediante quimioterapia los médicos cifran en un 15%. Brown rechaza el tratamiento y a pesar de que le pronosticaron sólo seis meses de vida, continuó con su programa de actuaciones hasta febrero de 2005. Unos meses después, el huracán Katrina arrasó su casa en Nueva Orleans y Clarence tuvo que trasladarse a casa de su hermano en Orange (Texas), donde en septiembre de 2005 murió de un ataque al corazón a los 81 años.

Miklós Rózsa

El 18 de abril de 1907 nació en Budapest (Hungría) Miklós Rózsa, compositor y director de orquesta que, tras comenzar su carrera en Alemania y pasar por Francia e Inglaterra, a finales de los treinta llegó a Hollywood de la mano de Alexander Korda para participar en la banda sonora de la película 'El ladrón de Bagdad' (1940). Allí permaneció hasta su muerte en 1995 tras aportar su música a más de cien películas y recibiendo 16 nominaciones al Oscar, que ganó en tres ocasiones: 'Recuerda' (1945), 'Doble vida' (1947) y 'Ben-Hur' (1959).

Nacido en Budapest en una familia acomodada, Miklos antes de aprender a leer palabras, ya leía música, gracias a los esfuerzos de su madre, una pianista que había estudiado con alumnos de Franz Liszt. Su tío Lajos trabajaba como violinista en la Opera de Budapest y fue quien le proporcionó su primer instrumento. Más tarde aprendería viola y piano. Con ocho años ya se encontraba dando conciertos en público y componiendo piezas propias. Poco después, el ambiente cultural de Budapest se le quedó pequeño y se trasladó a Alemania para perfeccionar sus estudios musicales. En Leipzig estudió composición con Hermann Gragner, un antiguo alumno de Max Reger.

Publicó sus primeras obras, el 'Trio de cuerdas' Op1 y el 'Quinteto de piano' Op2 a finales de los años veinte y bajo sugerencia del organista y compositor francés Marcel Duprés, Rozsá se mudó a Paris, donde siguió componiendo música clásica de estilo postromántico como su 'Serenade' Op10 (1932) para pequeña orquesta y 'Tema, variaciones y final' Op13 (1933), dos piezas que fueron muy bien recibidas en la época y fueron interpretadas por orquestas conducidas por directores de la talla de Munch, Böhm, Solti y Bernstein. En 1934 su amigo el compositor suizo Arthur Honegger lo introdujo en la música para el cine.

Miklos, impresionado con las oportunidades que brindaba el medio cinematográfico, escribió sus primeras partituras para la gran pantalla en Londres para películas producidas por su compatriota Alexander Korda, como 'The four feathers' (Las cuatro plumas, 1939). En 1939 acompañó a Korda a Hollywood para completar su trabajo en el film 'El ladrón de Bagdad'. Fue su primera nominación a un Oscar, a la que siguieron en 1940 otras para sus bandas sonoras para 'Lydia' y 'Sundown' y en 1943 para 'El libro dela selva', producida también por Korda.

En 1943 realizó la primera de varias colaboraciones que tendría a lo largo de su carrera con el director austriaco Billy Wilder, componiendo la música para 'Cinco tumbas al Cairo' (1943) y 'Perdición' (1944), volviendo a ser nominado por la Academia.

En 1945 se le contrató para componer la música de 'Recuerda', dirigida por Hitchcock. La productora tuvo que recurrir a él puesto que Bernard Herrmann, el preferido del director, no se encontraba disponible en aquel momento. Aunque la partitura nunca agradó a Hitchcock, fue muy aplaudida, introduciendo el uso del theremin y obteniendo su primer Oscar por ella. Sin embargo, no quiso volver a trabajar con Selznick (el productor) ni con Hitchcock, que no pararon de interrumpirle y presionarle durante la gestación del film.

Ese mismo año volvió a ser nominado por su trabajo en las películas 'Días sin Huella' (Billy Wilder) y 'Canción inolvidable' (Charles Vidor) y un año después lo fue nuevamente por 'The Killers' de Siodmark, la película en la que debutó Burt Lancaster. El año 1947 recibió su segunda estatuilla dorada por 'Doble vida' de George Cukor, cuyo protagonista, Ronald Colman, también ganó el premio de mejor actor. En 1949 compone la música de 'Madame Bovary' su primera banda sonora importante para MGM, compañía que produjo la gran mayoría de películas en las trabajó el resto de su carrera, como 'Quo Vadis' (1951), 'Ivanhoe' (1952), 'Ben-Hur' por la que recibió su tercer y último Oscar en 1960, 'Rey de Reyes' (1961) y 'The V.I.P.s' (1963).

Su última nominación la obtendría por 'El Cid', de Samuel Bronston, en 1961. En los setenta colaboraría un par de veces más con Billy Wilder en 'La vida privada de Sherlock Holmes' (1970) y 'Fedora' (1978). Una de sus últimas partituras para el cine fue la de 'Pasajeros del Tiempo'. En los años ochenta, dejó de escribir para el cine, aunque siguió componiendo piezas clásicas de concierto hasta su muerte en julio de 1995 a los 88 años.