Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 16 de mayo de 1966 se publicó en Estados Unidos el álbum 'Pet Sounds' del grupo The Beach Boys. Uno de los mejores álbumes de los años sesenta y para muchos, el mejor de la banda californiana. Los Beach Boys alcanzaron nuevos niveles de composición y producción utilizando la ténica multipista con voces e instrumentos creando un sonido cuasi-sinfónico. Además estaba repleto de grandes canciones que ya son clásicos del pop, como 'Wouldn't it be nice', 'Sloop John B', 'You still believe in me' y 'God only knows'.
Pese a ser uno de los discos más influyentes de la década, las ventas fueron inferiores a sus anteriores trabajos, y 'Pet Sounds' tardó más de treinta años en conseguir la categoría de disco de oro en Estados Unidos. En el Reino Unido, en cambio, fue un gran éxito. Uno de los mayores fans de 'Pet Sounds' fue Paul McCartney, quien según su propia confesión, se inspiró en el álbum para crear seguidamente 'Sgt. Pepper'. Resulta curioso que ambos trabajos suelen aparecer alternándose el primer y segundo puesto en la gran mayoría de listas de 'los mejores álbumes de la historia', confeccionados por medios especializados como NME, Mojo Magazine, Rolling Stone y The Times.
Carl Wilson, Dennis Wilson (detrás de Carl), Al Jardine y Brian Wilson grabando las voces de 'God only knows'
Curioso es también que 'Pet Sounds' estuviera a su vez inspirado en 'Rubber Soul'. Brian Wilson mencionó en su día al respecto: "No estaba preparado para algo así. Parecía como si todo el contenido del álbum formara un conjunto. 'Rubber Soul' era una colección de canciones que de alguna manera se fueron conjuntando como en ningún álbum anterior. Quedé muy impresionado y me sentí desafiado a hacer un álbum mejor." De esta manera Beatles y Beach Boys se retroalimentaron dando lugar a sendas obras maestras del pop y puntos de referencia de prácticamente todos los músicos de la época.
Cuando se editó el álbum, la canción 'Good vibratons' ya estaba terminada, pero Brian Wilson no quiso incluirla en el álbum reservándola para 'Smile', que iba a ser su siguiente proyecto. Pero 'Smile' no llegaria a ver la luz en su día, ya que el intenso consumo de LSD de Wilson y la posterior depresión que sufrió al escuchar el tema 'Strawberry fields forever' ("Ellos han llegado antes que yo"), sumieron a Wilson en una profunda depresión que lo llevó a sucumbir a sus adicciones y a un vacío creativo que le perseguiría el resto de su vida... pero eso es otra historia...
El 16 de mayo de 1970 apareció en EEUU (en el Reino Unido se publicó una semana después) el primer disco en directo del grupo británico The Who, 'Live at Leeds'. Sería la única grabación en vivo que apareció mientras el grupo seguía en activo y actuando regularmente. Para muchos, el mejor disco en directo de una banda de rock y para muchos otros, el mejor disco de The Who.
Pete Townshend
Tras publicar 'Tommy' en 1969, The Who se embarcó en una gira mundial para promocionar el álbum y volvieron a Inglaterra a finales del año con ganas de publicar un disco en directo con las cintas grabadas en el tour. Ante la perspectiva de tener que escuchar más de 80 horas de grabación para seleccionar los temas del disco proyectado, Pete Townshend prefirió celebrar dos nuevos conciertos con el fin de registrarlos, y se cuenta que quemó las cintas del tour, entre otras cosas, para evitar que se 'distrajera' alguna y acabara como disco pirata en la calle, un hecho que era muy habitual entonces.
Roger Daltrey
Los conciertos se programaron para los días 14 y 15 de febrero en las universidades de Leeds y Hull, respectivamente, pero problemas técnicos que surgieron en Hull (en algunos temas no se grabó la pista del bajo), motivaron que finalmente se utilizara sólo lo grabado en Leeds el día de San Valentín. Sin embargo, Daltrey siempre sostuvo que el concierto de Hull fue el mejor de los dos. La banda se empleó a fondo durante más de dos horas, interpretó 'Tommy', sus singles clásicos y un puñado de versiones de rocks favoritos. Desatados en el escenario, el trío de músicos que respaladaba al cantante Roger Daltrey dio rienda suelta a una aterradora energía: el bajo John Entwistle cargando con el peso de las melodías, Keith Moon tocando su batería con ese frenético abandono que le caracterizaba y Pete Townshend demostrando su maestría con el feedback y ejecutando limpios solos pletóricos de emoción.
Keith Moon
Abría el vinilo original 'Young man blues' un tema de Mose Allison, que era un clásico en los shows de The Who y en el que Keith y John demuestran por qué les llamaban 'una de las mejores secciones rítmicas del rock'. Le seguía 'Substitute', composición de Townshend, uno de los primeros singles del grupo en 1966.
John Entwistle
La versión del tema de Eddie Cochran, 'Summertime blues', fue editada en single y la última versión que aparecía en el vinilo original fue 'Shakin' all over', uno de los mejores temas del rock británico de la era pre-Beatle, compuesto por Johnny Kidd, de los Pirates.
La cara B del disco sólo contenía dos temas, ambos de Townshend, 'My generation' y 'Magic bus', una de las más populares del grupo entonces y la pieza que John Entwistle odiaba tocar, ya que durante todo el tema emite una sóla nota ad nauseum.
El resto del concierto consistía fundamentalmente en temas de 'Tommy', en estado puro, sin los sofisticados arreglos que tenía la obra en la edición de estudio. Estos se recuperaron en la magnífica edición en CD de 2001, que ofrecía el concierto completo en la Universidad de Leeds. Posteriormente, en 2010, con motivo del 40 aniversario de la edición del vinilo original, se publicó una edición deluxe, que en esta ocasión incluía los dos conciertos (el de Hull y el de Leeds) completos.
Portada española
La funda que contenía el vinilo de 1970 era tremendamente sencilla, una funda de cartón con el nombre de la banda en letras de molde como 'sellado', en claro homenaje de Pete a los discos piratas de la época. "Es muy fácil engañar a la gente con los discos grabados en los estudios especializados; hay demasiados trucos técnicos, créeme. Y hay sobrados casos en los que un grupo, cuyos discos de estudio son más que correctos, es una auténtica mierda en directo. Con una grabación realizada en un concierto es casi imposible engañar a la gente. Quizá por esto me gustan tanto los discos piratas..."
La primera edición era desplegable y dentro tenía, a un lado el vinilo, y en el otro una bolsa con diversas fotocopias de recuerdos del grupo (una carta de EMI Records rechazándolos, la letra manuscrita de partes de 'Tommy', un recibo de una compra de bombas de humo, posters, fotografías, etc). Las primeras 500 copias incluían además una copia del contrato de su actuación en Woodstock.
El 16 de mayo de 1919 nació en West Allis (Wisconsin), el pianista de ascendencia polaca e italiana Liberace. Durante casi treinta años fue el showman mejor pagado del país. Su exuberante estilo escénico y los extravagantes trajes que lucía en sus shows de Las Vegas, así como sus excesos dentro y fuera del escenario llamaban tanto la atención como su virtuosismo al piano. Su falta de sentido del ridículo y su capacidad de autoparodia sentaron la base para futuros artistas del espectáculo como Michael Jackson, Elton John o Boy George.
Nacido como Wladziu Valentino Liberace, fue uno de los cuatro hijos de Salvatore Liberace, un músico de procedencia italiana que tocaba en pequeñas bandas y teatros de Milwaukee y Frances Zuchowska, una emigrante polaca. El talento del pequeño Liberace se hizo evidente muy pronto aprendiendo a tocar el piano de oído a los cuatro años y con seis años ya tocaba piezas clásicas de memoria durante horas. Cuando llegó la Gran Depresión, la familia pasó por graves problemas financieros y Liberace tampoco lo pasó muy bien en la escuela, donde sus compañeros se burlaban de sus aficiones musicales y culinarias y su incapacidad para practicar cualquier deporte.
Siguió practicando intensamente el piano y aportaba algo de dinero a la economía famliar tocando en teatros locales, estaciones de radio, clases de baile y bodas. También actuó en cabarets y clubs de strip-tease, donde adoptaba el nombre de Walter Busterkeys. Su interés por la pintura y el diseño le llevó a diseñarse su vestuario y para entonces ya había logrado transformar sus excentricidades en virtudes, que aunque seguían provocando sonrisas, ya no eran objeto de tanta burla.
En 1937 ganó el primer premio de un concurso de intérpretes de música clásica. Uno de sus números más populatres era su interpretación de la canción 'Three Little Fishes' al estilo de siete compositores clásicos diferentes. En 1940, con 20 años debutó con la Chicago Symphony Orchestra en el Pabst Theatre de Milwaukee, interpretando el Segundo Concierto para Piano de Franz Liszt.
A comienzos de los años 40 se dejó caer en Nueva York donde pasó un tiempo dando recitales de piano. Pero la competencia era dura en ese campo y pasó por dificultades. Entre los años 1942 y 1944, Liberace cambió la estructura de sus recitales y reinventó su show ofreciendo entonces 'pop con algo de clásica' o como él decía: "Música clásica, pero sin las partes aburridas". Se transformó de concertista de piano clásico a showman en toda la regla. Hablaba con el público, contaba chistes, admitía peticiones e impartía pequeñas lecciones de música. Fue entonces cuando adoptó su nombre artístico definitivo, Liberace. En su repertorio alternaba temas clásicos de Chopin con canciones populares del momento. Terminó de pulir su show añadiendo elementos como un candelabro que le acompañó desde entonces sobre el piano.
En 1947 Liberace actuaba en los clubs más prestigiosos del país y viajaba con un exageradamanete enorme piano Bluthner asegurado en 150.000$. Se anunciaba como 'el más asombroso virtuoso del piano del presente'. Aún asi sus apariciones solían ser segundo plato o relleno de shows más importantes, hasta que dio sus primeros conciertos en Las Vegas.
Con Elvis en 1956
Sus espectaculares shows, llenos de color y con vestuarios cada vez más extavagantes le granjearon numerosos seguidores. En 1952 se estrenó The Liberace Show por la televisión americana. El programa de quince minutos se grababa en Los Angeles y convirtió a Liberace en una de las estrellas de los programas matinales de Estados Unidos. En 1954 realizó un concierto en el Madison Square Garden por el que obtuvo la cifra récord de 138.000$ por una sóla actuación. Un año después ganaba 50.000& a la semana en el Riviera Hotel de Las Vegas y tenía más de 200 clubs de fans oficiales por todo el país con más de un cuarto de millón de asociados. Sus beneficios anuales por sus actuaciones en vivo y sus apariciones en TV ascendían a varios millones de dólares. Era frecuente ver su imagen en las portadas de las revistas y se convirtió en una estrella de la cultura pop, aunque seguía provocando risas y siendo objeto de chistes populares.
Su carrera sufrió un revés en 1956, durante una gira por el Reino Unido. El Daily Mail publicó un artículo sugiriendo la homosexualidad del pianista, provocando que éste les demandara por difamación. Liberace ganó el caso, pero su popularidad en Estados Unidos sufrió por ello. Intentó solucionarlo apareciendo con un vestuario más discreto y ofreciendo unos shows más serios y comedidos, sin embargo, a comienzos de la década de los 60, Liberace comprendió que le sacaba más partido a su imagen kitsch.
Se hizo con un nuevo guardarropa valorado en fortunas, que incluía abrigos de pieles de más de 50kg de peso y volvió a aparecer en los shows televisivos. En algunos casos se parodiaba a sí mismo, pero seguía teniendo un gancho especial para entretener al público.
Tuvo numerosos críticos que no aprobaban su manera de 'cargarse' a los clásicos. En muchas ocasiones recortaba su repertorio para "evitar que el público se aburriera". Era capaz de tocar el vals del minuto de Chopin en 37 segundos y una versión corta de 'Claro de Luna' de Beethoven en cuatro minutos aproximadamente. Un crítico de la época comentó: "Nadie duda de su talento, pero éste consiste en su brillantez como showman más que en su técnica pianística". Sus nuevos shows en Las Vegas eran más espectaculares todavía, apareciendo en escena en un Rolls Royce conducido por un chófer, con espectaculares ballets y coristas e incluso descolgándose desde lo alto, disfrazado de Peter Pan. En el escenario se juntaban coches, niños y animales en un happening que concluía con Liberace invitando a los espectadores a subir al escenario donde besaba y abrazaba a todos ellos.
Su inmensa energía de trabajo y sus ambiciones comerciales le llevaron en varias direcciones. Adquirió una tienda de antigüedades en Beverly Hills y un restaurante en Las Vegas. Publicó libros de recetas, poseía un centro comercial y una pequeña cadena de hoteles entre otros negocios y diseñó su propia línea de moda para hombre.
El resto de su vida volvió a verse envuelto en rumores y escándalos relacionados con su supuesta homosexualidad, algo que él se encargó de negar rotundamente hasta el día de su muerte. Afrontaba todos los juicios que fueron precisos pàra lavar su imagen y en muchos casos pagó generosas sumas para 'tapar bocas'. En 2011, su amiga íntima, la actriz Betty White, confirmó que Liberace era gay, y que ella mismo le había servido de tapadera para acallar rumores en más de una ocasión.
Imagen del Liberace Museum
En los años 70 y principio de los 80 continuó siendo uno de los artistas fijos en el Las Vegas Hilton y en Lake Tahoe (Nevada). Afectado de insuficiencia cardíaca, Liberace actuó regularmente hasta 1986, Se estima que en los últimos veinte años Liberace había ganado del orden de 5 millones de dólares al año, fortuna que derrochaba en su vestuario, sus joyas y sus amigos. En 1979 creó el Liberace Museum, cuyos beneficios estaban destinados a una fundación de ayuda a los músicos necesitados. El año 2010 tuvo que cerrar las puertas por falta de visitantes. Liberace murió en 1987 de una insuficiencia cardíaca grave provocada por su infección de SIDA, algo que se descubrió en la autopsia. "Liberace jamás defraudó a su audiencia. Además cumplió con dos de los tópicos clichés que persigue todo el que se dedica al espectáculo: 'No hubo nadie como él' y 'No habrá nunca nadie como él'"
El 16 de mayo de 1929 nació en Flint (Michigan) la cantante de jazz Betty Carter, conocida por su técnica de improvisación y un personal y característico estilo vocal con su timbre ronco e íntimo. Llamada la 'voz del bop', su independencia e imprevisibilidad la mantuvieron alejada del reconocimiento que recibieron otras contemporáneas del género como Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan o Carmen McRae, pero su constancia y coherencia la llevaron a ser reconocida como 'la más pura cantante de jazz de los años ochenta y noventa". Su devoción por el jazz era tal, que su colega Carmen McRae dijo en una ocasión: "sólo existe una verdadera cantante de jazz, sólo una: Betty Carter"
Sus improvisaciones vocales estaban más influidas por los metales que por vocalistas de jazz, aunque no se pueden negar asimismo influencias de Billie Holiday y Sarah Vaughan. Ya mientras estudiaba piano en Detroit actuó con Dizzy Gillespie y Charlie Parker. En 1948 se unió como Lorraine Carter a la banda de Lionel Hampton, que le puso el apodo 'Betty Be Bop' (Betty lo odiaba). Pero donde más llamó la atención fue en sus apariciones con Miles Davis y Thelonious Monk. En 1961 grabó con Ray Charles y en lo mejor de su carrera se retiró para criar a sus hijos.
Regresó en 1969 actuando con diversos trios y fundó el sello Bet-Car Records. Tuvo un buen ojo para la elección de sus -a menudo jóvenes- pianistas, entre los que se cuentan John Hicks, Mulgrew Miller, Benny Green, Stephen Scott, Cyrus Chestnut y Norman Simmons. Aunque en los años setenta fue bastante popular con álbumes como los directos 'Round Midnight' y 'Live from te Village Vanguard', fue en la década de los ochenta cuando su figura brillaba por fin rodeada de fama y reconocimiento. En 1987 firmó con Verve Records, que reeditó su discografía con Bet-Car. Al año siguiente ganó un Grammy por su álbum 'Look What I Got!' y en 1994 actuó en la Casa Blanca. Siguió activa cantando hasta su muerte a los 69 años en septiembre de 1998.
El 16 de mayo nació en Milwaukee (Wisconsin) el clarinetista, saxofonista, cantante y líder de banda Woody Herman. Dirigió algunas de las big bands más emocionantes de la historia, alcanzando cotas en los cuarenta que pocos han igualado.
Hijo de emigrantes alemanes, comenzó su carrera siendo un niño, pero su ambición era dirigir su propia banda. Con seis años ya pisaba el escenario para cantar y bailar, con nueve tocaba el saxofón y con once el clarinete. Los estudios musicales los interrumpió para incorporarse en 1930 a la banda de Tom Gerun y en los años siguientes tocó con Harry Sosnik, Gus Arnheim e Isham Jones. En 1936 formó con los restos de la disuelta banda de Jones una orquesta que sufriría varios cambios hasta 1943 y que fue llamada First Herd (primer rebaño, o manada) o Herman's Herd. A esta formación pertenecieron, entre otros, Pete Candoli, Neal Hefti, Chubby Jackson, Francis Wayne y más tarde Shorty Rogers, Don Lamond, Red Norvo y Chuck Wayne. La fuerza y originalidad de su propuesta les hizo conocidos internacionalmente con temas como 'Blue flame' y 'Blues in the night' (1941)
Aunque las habilidades instrumentales de Herman eran considerables, su verdadero don consistía en ser un excelente organizador. Tenía una extraña habilidad para reunir y mantener unidos a grupos de músicos notables por su calidad y talento, una habilidad que se hizo patente tras la II Guerra Mundial, cuando en su banda contó con brillantes improvisadores cuya ejecución en conjunto era incisiva y exuberante. Igor Stravinsky quedó tan impresionado con su sonido, que en 1945 compuso el 'Ebony Concerto' especialmente para ellos. Ese mismo año grabaron otro de sus temas más conocidos, 'Caldonia'.
Las armonías del bop tendrían una influencia más poderosa en la siguiente orquesta de Herman, confirmando así su libertad de ataduras frente al sectarismo que sufría el jazz contemporáneo. El poderoso 'Lemon drop' (1948) con su sucesión de excelentes improvisaciones ilustra perfectamente la sagaz amplitud de miras musicales de Herman, así como grabaciones claramente más ambiciosas como 'Lady McGowan's Dream' (1946) y 'Summer Sequence' (1946-7)
La característica principal de la 'segunda manada' fue el grupo de saxofonistas (tres tenores y un barítono) que se conocerían como los Four Brotherscon los célebres 'cuatro hermanos': Stan Getz, Herbie Stewrad y Zoot Sims a los tenores y Serge Chaloff al barítono. Aquella orquesta, con los arreglos de Ralph Burns, produce una conmoción en el mundo del jazz, sobre todo con la grabación del tema que Stan Getz inmortalizaría para siempre, 'Early autumn' (1949).
Tras la disolución del Second Herd en 1949, Herman continuó liderando bandas, como el Third Herd (1950-56) que quizás era menos creativa, pero el gran nivel de los músicos aseguró su buen nombre. El New Thundering Herd angloamericano que organizó en 1959 fue muy significativo en la historia del jazz británico y el Swinging Herd, que formó en 1962, tenía entre sus filas a instrumentistas de la talla de Bill Chase, Phil Wilson y Sal Nistico.
Herman amplió las posibilidades a finales de los sesenta, cuando incorporó el saxo soprano e incluyó a jóvenes músicos de jazz-rock en sus formaciones. En los setenta ofreció numerosos conciertos y a principios de los ochenta estuvo como músico residente en un club de Nueva Orleans y en 1985 en el hotel St Regis de Nueva York. Celebró su 50 aniversario como director de banda con la formación de una nueva orquesta en 1986. Murió un año después en octubre de 1987. Antes de morir delegó la dirección de la banda en el saxofonista Frank Tiberi, que continúa liderando la Woody Herman Orchestra.
El 15 de mayo de 1567 nació en Cremona, el compositor italiano Claudio Monteverdi, considerado la figura más importante de la transición entre la música renacentista y la barroca. Creció en el seno de una familia humilde, hijo de un barbero que ejercía la Medicina de manera ilegal. Estudió música con el famoso teórico veronés Marco Antonio Ingegneri, entonces maestro de capilla de la catedral, que accedió a mostrar al niño y a un hermano, Giulio Cesare, las claves de la polifonía renacentista. A los 15 años, en 1582, Monteverdi compuso su primera obra, un conjunto de motetes tripartitos, y en 1605 ya había compuesto 5 libros de madrigales. En 1599 se casó con Claudia de Cataneis, hija de un intérprete de viola.
En 1607 se estrenó 'Orfeo, favola in música', (Representación de Jordi Savall y La Capella Reial de Catalunya), su primer drama musical surgido de la colaboración del músico con Alessandro Stringgio, autor del texto y funcionario de la corte del duque de Mantua. Esta ópera, superior en estilo a las escritas hasta el momento, representa tal vez la evolución más importante de la historia del género, imponiéndose como una forma culta de expresión musical y dramática. A través del hábil uso de las inflexiones vocales, Monteverdi intentó expresar toda la emoción contenida en el discurso del actor, alcanzando un lenguaje cromático de gran libertad armónica.
Catedral de San Marcos (Venecia)
El público aplaudió esta ópera con gran entusiasmo y su siguiente ópera “Arianna” (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso 'Lamento de Ariadna' (Roberta Mameli, soprano & Takashi Tsunoda, chitarrone) consolidó la fama de Monteverdi como compositor de óperas. El gran logro de Monteverdi fue combinar en ellas el cromatismo de la “seconda prattica” con el estilo monódico de la escritura vocal (una línea vocal florida con un bajo armónico simple) desarrollado por Jacopo Peri y Giulio Caccini. En 1613 Monteverdi fue nombrado maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, uno de los puestos más importantes de aquella época en Italia. También se le nombró maestro de música de la Serenísima República.
Desde ese momento compuso numerosas óperas (muchas de ellas se han perdido), motetes, madrigales y misas. “Lamento Della Ninfa” es uno de los más célebres madrigales del compositor italiano Claudio Monteverdi, forma parte del octavo libro de madrigales “Lamento Della Ninfa” (Jordi Savall, viola da gamba y el conjunto vocal e instrumental La Capella Reial de Catalunia). Para componer música religiosa, Monteverdi utilizaba gran variedad de estilos que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales (derivadas de los predecesores de Monteverdi en Venecia Andrea y Giovanni Gabrieli) de sus "Vísperas"- "Víspera Nigra Sum" (1610) (John Eliot Gardiner, dir. & Monteverdi Choir) tal vez su obra hoy más famosa.
Hasta ahora hemos visto que la música ha estado subordinada al texto, pero en la siguiente etapa barroca se va a desarrollar el estilo del "bel canto", una nueva concepción de la melodía que pretende que la música se coordine y no se subordine a los dictados de las letras. Las melodías serán bien definidas y breves, se impulsará la utilización del ideal sonoro de la voz del castrato, y se empleará el modelo de la música de danza (donde predominaba el ritmo ternario), evitándose, en cambio, grandes contrastes rítmicos.
La obra 'Selva morale e spirituale' (Taverner Consort, Choir and Players & dir. Andrew Parrott), publicada en 1640, es un enorme compendio de música sacra donde vuelve a apreciarse toda la gama de estilos que usaba Monteverdi.
En 1637 fue inaugurado el primer teatro de la ópera y Monteverdi, estimulado por la entusiasta acogida del público, compuso una nueva serie de óperas, de las cuales sólo conocemos "Il ritorno d'Ulisse in patria" (1641) (Les Arts Florissants dir. William Christie) y "La coronación de Poppea" (1642). Estas obras, compuestas al final de su vida, contienen escenas de gran intensidad dramática donde la música refleja los pensamientos y las emociones de los personajes. Estas partituras han influido en muchos compositores posteriores y todavía se mantienen en el repertorio actual.
Monteverdi falleció el 29 de noviembre de 1643 en Venecia. Tras celebrarse simultáneamente solemnes exequias en la catedral de San Marcos y en Santa Maria dei Frari, sus restos fueron enterrados en esta última iglesia.
• 6 Libros de madrigales a cinco voces 1587, 1590, 1592, 1603, 1605 (con bajo continuo), 1614 (con bajo continuo y diálogo a 7 voces.) Libro nº 4 (Film polifónico de John La Bouchardière “The Full Monteverdi” & I Fagiolini.)
• Concerto, 7. Libro Madrigales 1-4 y 6 voces. 1619 “Ah dolente partita!” (The Consort of Musicke, dir Anthony Rooley)
• Madrigal guerrero y amoroso Libro 8° 1-8 voces, con bajo continuo 1638 (Madrigales guerreros y de amor, con algunas pequeñas obras de género representativo, que serán interpretados entre las canciones sin acción [teatral]). “Hor che'l ciel e la terra” (Cappella Medterránea - Leonardo García Alarcón).
“El lamento Della Ninfa” (Jordi Savall,
viola da gamba y el conjunto vocal e instrumental La Capella Reial de
Catalunia).
«Amor», dicea, il ciel
mirando, il piè fermo,
«Fa che ritorni il mio
amor com’ei pur fu,
o tu m’ancidi, ch’io
non mi tormenti più.
Non vo’ più ch’ei sospiri
se non lontan da me;
no, no che i suoi martiri
più non dirammi affè.
Perchè di lui mi struggo,
tutt’orgoglioso sta,
che si, che si se’l fuggo
ancor mi pregherà?
Se ciglio ha più sereno
colei che’l mio non è,
già non rinchiude in seno,
amor si bella fè!
Nè mai sì dolci baci
da quella bocca avrà,
nè più soavi, ah taci,
taci, che troppo il sai.»
«Amor, » decía
Mirando al cielo, inmóvil.
«Haz que vuelva mi amor
tal y como era antes
o bien mátame
para no atormentarme más.
No quiero que los suspiros
se me escapen ya más;
No, no quiero que los tormentos
delaten mi amor.
Porque yo me abraso por él
y él loco de orgullo
por más que de él me aleje
me seguirá persiguiendo.
Si su mirada es más serena
de lo que es la mía,
es porque no encierra en su seno,
amor ¡una fe tan bella!
Nunca besos tan dulces
de esa boca tendré
ni los más tiernos. —Ah, calla
calla, que saben demasiado.»
• 2 Libros Scherzi musicali 1607 u. 1632- “Scherzi musicali -Si dolce è il tormento” (Philippe Jaroussky, contratenor & L'Arpeggiata)
• Lamento d'Arianna, 1623; con texto en latín sobre “Pianto della Madonna”, en: “Selva mortale...” 1641 (Anna Caterina Antonacci)
Obra dramàtica
• L'Orfeo Màntua 1607 (Jordi Savall, dir. & Le Concert des Nations y La Capella Reial de Catalunya)
• L'Arianna Màntua 1608 (Anna Caterina Antonacci)
• Prólogo para L'idroppica (Guarini) Mantua 1608 (perdido)
• Il ballo delle ingrate, Màntua 1608 (Artemisia Gentileschi)
• Ballet Tirsi e Clori Mantua 1616 (Paul Agnew & Consort of Musicke)
• Prólogo para Magdalena, Mantua 1617
•Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, Venecia 1624 (Anna Caterina Antonacci & Sferisterio Opera Festival)
• Ballo in onore dell'Imperatore Ferdinando III, Viena 1637
• Il ritorno d'Ulisse in patria, Venècia 1640 (Les Arts Florissants dir. William Christie)
• L'incoronazione di Poppea, Venecia 1642 Dueto “Pur ti miro, pur ti godo” (Philippe Jaroussky & Danielle De Niese)
• O ciechi il tanto affaticar che giova, SV 252
• Voi ch’ascoltate in rime sparse il suono, SV 253
• E questa vita un lampo, SV 254, 5vv
• Spuntava il dì quando la rosa sovra, SV 255 (Ensemble Elyma & dir. Gabriel Garrido)
• Chi vol m’innamori, SV 256, 3voces (Les Arts Florissants & William Christie).
• Messa a 4 da capella, SV 257
• Gloria, SV 258, 8 voces (Roberto Gini dir. Wordl chamber Choir, Ensemble concerto)
• Crucifixus, SV 259
• Et resurrexit, SV 260
• Et iterum venturus est, SV 261
• Ab aeterno ordinata sum, SV 262
• Dixit dominus, SV 263 + 191, 264 + 192 (Cantar Lontano & Marco Mencoboni)
• Confitebor tibi domine (Olga Pasiecznik, soprano)
• Beatus vir (The Taverner Choir and Consort & Andrew Parrott)
• Laudate pueri dominum (Daniel Sepec and Friends & Ensemble Tonus)
• Laudate dominum omnes gentes (Coro Claudio Monteverdi & Ensemble de Saqueboutiers).• Credidi propter quod locutus sum, SV 275
• Memento domine David, SV 276
• Sanctorum meritis (I), SV 277, 278
• Iste confessor (II), SV 279
• Deus tuorum militum (II), SV 280
• Magnificat (I), SV 281 + 206 (The Monteverdi Choir & director Patrick Russill)
• Magnificat (II), SV 282 + 206 (The Monteverdi Choir &Director Patrick Russill)
• Salve Regina, SV 283, 284 y 285 (Montserrat Figueras & Jordi Savall)
• Jubilet tota civitas, SV 286
• Laudate dominum in sanctis eius, SV 287 (Philippe Jaroussky, countertenor & L'Arpeggiata, dir. Christina Pluhar).
• Pianto della Madonna, SV 288 (Bernarda Fink mezzo-soprano, Il Giardino Armonico & Giovanni Antonini)
