Erik Satie

El 17 de mayo de 1866 nació en Honfleur, en la costa norte francesa, el compositor y pianista francés Erik Satie, precursor del minimalismo, el serialismo y el impresionismo, considerado una de las figuras más influyentes en la historia de la música. Es difícil imaginar una soledad igual a la que, durante toda su vida, mantuvo Erik Alfred Satie, uno de los compositores y pianistas más incomprendidos de su época. Dotado de una extrema sensibilidad, de una permanente actitud irónica, de un humor desenfadado y de una angustiosa inconformidad, Satie, que se rebeló contra las corrientes estéticas establecidas, tanto académicas como vanguardistas, es uno de los personajes más enigmáticos del mundo de la música.

Siempre fue visto por sus contemporáneos como un ser oscuro, antiacadémico e iconoclasta, lo que, posiblemente, explica el discreto reconocimiento que recibió durante su vida. Fue necesario que transcurrieran varios años después de su muerte para que el mundo entendiera su legado como el de un precursor y el de un compositor fundamental en la historia moderna. Sin ningún antecedente artístico en su familia, Satie demostró, desde muy pequeño, una decidida inclinación por la música. Dos años antes de viajar a París, donde se estableció definitivamente a partir de 1878, tomó clases de música con Vinot, un conocido organista de sólida formación clásica.

Conservatorio de Paris en el siglo XIX

En 1879 ingresó al Conservatorio de París, y, allí, como era de esperar, por ser un alumno brillante, avanzó en el estudio de solfeo y armonía, y se decidió, abiertamente, por el piano, el instrumento al que dedicó la mayor parte de su repertorio musical y con el que se ganó la vida. Aunque resulte extraño para quienes descubren en la música de Satie su rebeldía, este compositor trasegó por los caminos del goticismo gracias a sus lecturas de Viollet-le-Duc, y del misticismo, de la mano del poeta Contamine de Latour, con quien mantuvo durante varios años una cercana amistad. Estas dos influencias son claramente percibidas en su primera obra históricamente importante, titulada `Tres sarabandas´, la nº 1, escrita en 1887 (Bojan Gorisek).

El 'Chat Noir' en 1900

Ese mismo año empezó como pianista su vínculo con los cabarets de París, que le dejarían no solamente el escaso dinero para subsistir, sino también algunos amigos y otros muchos enemigos personales e ideológicos. Los sonidos y los ritmos de esos sitios de trabajo se encuentran presentes en sus rebeldes composiciones futuras. “Chat noir” fue el primero de estos establecimientos. En la entrada de este mítico recinto de Montmartre había un cartel que decía algo así como: “¡Paseante, detente!. Este edificio fue consagrado por voluntad del destino a las Musas y a la Alegría bajo los auspicios del Gato Negro. ¡Paseante, sé moderno!”. Y es que, en aquellos años, “Le Chat Noir” era el paradigma de la modernidad y centro de reunión de la sociedad parisina en su animada vida nocturna.

Pero también era el lugar al que acudían jóvenes artistas con el propósito de conseguir algún día leer sus versos, cantar sus canciones, vender sus dibujos o simplemente para dejarse ver con aire bohemio e intelectual en aquel templo de la modernidad. Uno de esos jóvenes fue Satie. Con apenas 20 años, se instaló en el barrio parisino de Montmartre y entró en contacto con el mundo bohemio de la capital, apareciendo un buen día por “Le Chat Noir”, donde se presentó como “Erik Satie, Gimnopedista”, y al poco tiempo era uno de los pianistas habituales del cabaret. Su actividad en el mundo del music-hall estuvo presente en otros locales emblemáticos de París, como “Le Divan Japonais”, inmortalizado por los carteles de Toulouse-Lautrec, o “L´Auberge du Clou”, donde conoció a Claude Debussy, con quien mantuvo una relación marcada por el desconcierto y admiración mutua.

En 1889, la Exposición Universal de París permitió que Satie conociera músicas exóticas de todo el mundo, cuya influencia se descubre en las enigmáticas, delicadas y notorias creaciones: sus `Trois Gymnopédies'  y sus 6 'Gnosiennes'.

Todas estas composiciones, escritas para el piano, denotan un lirismo sutil que ejerció una incontestable influencia sobre músicos tan diferentes como Claude Debussy, Maurice Ravel y los integrantes del Grupo de los Seis. En 1890 conoció a un personaje bastante particular llamado Joséphin Péladan, quien se hacía llamar Sâr Péladan (sâr era el máximo título otorgado por la Orden del Templo de la Rosacruz, una secta místico-exótica que el mismo Péladan había creado, y que se fundamentaba en filosofías orientales y principios rosacrucianos), con quien realizó algunos trabajos musicales, entre ellos, el más destacado fue la composición de la música incidental de la ópera 'El hijo de las estrellas'.

Poco tiempo después Satie fundó su propia secta, a la que denominó Iglesia Metropolitana del Arte de Jesús Conductor, cuyo objeto era luchar contra la inmoralidad estética y artística de la época. Esta aventura, como otras tantas, terminó con un fuerte intercambio de insultos y de bastonazos en un concierto de la Orquesta Lamoureux, que aumentó el número, por demás ya bastante considerable, de enemigos. Posiblemente las obras más conocidas sean “Tendrement”, “La Diva de l’Empire” y “Je te veux”. Esta última, con texto de Henry Pacory:

J'ai compris ta détresse

Cher amoureux

Et je cède à tes vœux

Fais de moi ta maîtresse

Loin de nous la sagesse

Plus de tristesse

J'aspire à l'instant précieux

Où nous serons heureux

Je te veux

Je n'ai pas de regrets

Et je n'ai qu'une envie

Près de toi là tout près

Vivre toute ma vie

Que ton corps soit le mien

Que ma lèvre soit tienne

Que ton coeur soit le mien

Et que toute ma chair soit tienne

J'ai compris ta détresse

Cher amoureux

Et je cède à tes vœux

Fais de moi ta maîtresse

Loin de nous la sagesse

Plus de tristesse

J'aspire à l'instant précieux

Où nous serons heureux

Je te veux

Oui je vois dans tes yeux

La divine promesse

Que ton coeur amoureux

Vient chercher ma caresse

Enlacés pour toujours

Brûlant des mêmes flammes

Dans un rêve d'amour

Nous échangerons nos deux âmes

J'ai compris ta détresse

Cher amoureux

Et je cède à tes vœux

Fais de moi ta maîtresse

Loin de nous la sagesse

Plus de tristesse

J'aspire à l'instant précieux

Où nous serons heureux

Je te veux

(Soprano: Sigune von Osten & Piano: Armin Fuchs)

He comprendido tu aflicción,

amor mío.

Y cedo a tus deseos,

Haz de mí tu amante,

Dejemos a un lado la cordura.

Ya no más tristezas,

Aspiro al instante precioso

en el que seamos felices,

Te deseo.

No tengo remordimientos

y sólo un anhelo

cerca de ti, muy cerca,

vivir toda mi vida.

Que tu cuerpo sea mío

Que mis labios sean tuyos

Que tu corazón sea el mío

y toda mi carne sea tuya.

He comprendido tu aflicción,

amor mío.

Y cedo a tus deseos,

Haz de mí tu amante,

Dejemos a un lado la cordura.

Ya no más tristezas,

Aspiro al instante precioso

en el que seamos felices,

Te deseo.

Si, veo en tus ojos

la divina promesa

Que tu corazón amoroso

venga a buscar mis caricias

Abrazados para siempre,

Quemados por la misma llama

En un sueño de amor,

uniremos nuestras almas.

He comprendido tu aflicción,

amor mío.

Y cedo a tus deseos,

Haz de mí tu amante,

Dejemos a un lado la cordura.

Ya no más tristezas,

Aspiro al instante precioso

en el que seamos felices,

Te deseo.

En 1903, y tal vez como respuesta a las constantes críticas sobre su precaria formación musical, Satie ingresó a la Schola Cantorum, la academia más exigente de Francia. Allí, el maestro Albert Roussel elogió sus conocimientos y dejó sin bases sólidas la opinión de sus adversarios. Sin embargo, los nuevos aprendizajes no influyeron mucho en la concepción de su música, pues ésta era cada vez más cercana a su esencia rebelde y antiacademicista.

En 1911, Ravel, con quien mantuvo una relación cordial, consiguió que la "Société Musicale Indépendante" le organizara un concierto monográfico para dar a conocer sus obras, lo que significó para Satie la consagración definitiva. El 18 de mayo de 1917, en el Teatro Châtelet de París, se estrenó, en medio de un gran escándalo provocado por admiradores fanáticos y adversarios irreconciliables, `Parade´ (Houston S.O./Kurtz) una obra escrita por encargo de Sergei Diaghilev, precursor de los Ballets Rusos, sobre un guión de Jean Cocteau, con escenografía y coreografía de Picasso y de Massin, respectivamente, y cuyo fin era simbolizar el espíritu moderno en la danza.

En 1918, por encargo de la Princesa de Polignac, Satie compuso la cantata `Sócrates´, un tributo al pensamiento, una obra de inmutable serenidad, considerada por muchos una de sus creaciones más hermosas y una de las más valiosas de la música francesa de ese tiempo.
“Hay que ser inconformista hasta el fin” fue la frase que acompañó el desarrollo de su vida. A pesar de haber sido el patrocinador del tan conocido Grupo de los seis – franceses que reaccionaron contra el impresionismo-, y de haber participado con Darius Milhaud en el proyecto de la llamada “música de mobiliario”, que concebía la creación musical, más que como un objeto artístico, como un elemento decorador, Satie siempre se declaró en contra de las escuelas, y de todo lo que significara academia. Sin embargo, sus últimos años de vida los dedicó a dar una interpretación musical al movimiento dadaísta, de la mano de Francis Picabia y Marcel Duchamp.

Autoretrato de 1913

Escritor de epigramas y dibujante, amante de la bagatela y del juego, todo en él parece descreído. Padeció un sarcasmo crónico. Nació y murió humorista. Después de que Debussy le hubiera dicho que su arte adolecía de forma, éste le escribió (dedicado) 'Tres piezas en forma de pera' (Aldo Ciccolini & Gabriel Tacchino). El pentagrama imitaba la fruta. "Si tienen forma ya no son amorfas", explicó desde la ironía de sus gafas.
La soledad y la pobreza fueron constantes en la vida de Satie. Nunca se casó y escasamente se le recuerda algún romance fugaz. En los últimos años, su salud se vio seriamente afectada. Después de una penosa hospitalización murió en París, el 1 de julio de 1925. Cuando sus amigos entraron a su habitación (donde nadie había entrado antes) hallaron austeridad y garabatos, dibujos y papelinas con textos dispersos y fantasiosos. Tenía 6 veces un traje de pana idéntico. Ese fue el coto de sus creaciones periféricas, de su secreto. Dibujos y letras y fábulas forman parte integrante de su obra musical. Escribe Davis: "Se sirve del texto para reflejar su compromiso con las tendencias de vanguardia en las artes visuales y en la literatura, demostrando su continuo desafío a los límites de la composición natural".

Obras destacables

Piano:
• 3 Gymnopédies  Nº 1 “Lent et douloreux” Gymnopédie No. 1 (Tzvi Erez, piano)  Nº 2 “Lent Et Triste" (Daniel Varsano & Philippe Entremont) Nº 3 “Lent Et grave” (Daniel Varsano & Philippe Entremont)

• 6 Gnossiennes  Nº 1 (Alessio Nanni, piano) Nº 2  Nº 3 (Reinbert de Leeuw)  Nº 4  y 5 (Philippe Entremont, Daniel Varsano)  Nº 6 (Reinbert de Leeuw)
• Sarabandes: Trois Sarabandes (Bojan Gorisek)
• Belgian Occultist Symbolism III (Aldo Ciccolini)
• Danses De Travers I, II, & III (Reinbert de Leeuw)
• Piezas en forma de pera (Aldo Ciccolinni)
• Danses gothiques (Reinbert de Leeuw)
• 5 “Nocturnos” (Jean-Yves Thibaudet)
• Tres valses de exquisito mal gusto (Daniel Varsano)
• La belle excentric “Cancan Grand-mondain” (Guy Campion & Mario Vachon)
• Pièces froides (Aldo Ciccolini)
• Avant-Dernières Pensées (Aldo Ciccolinni)

Retrato de Satie por Santiago Rusiñol

Canto:
• Tendrement (Nicholas Spanos, contratenor)
• Ludions
• Elegie (Nicholas Spanos)
• Sócrates (Orchestre de Paris & Pierre Dervaux)
• Trois autres Mélodies Reinbert de Leeuw & Marjanne Kweksilber)
• Todas las canciones de café-concierto.

Música de escena e incidental:
• Parade (arreglo piano 4 manos) (Poulenc & Auric)
• Mercure (Orchestre de Paris - Direction: Pierre Dervaux)
• Les fils des Étoiles (arreglo para piano) (Reinbert de Leeuw)
• Relâche (Orchestre Symphonique et Lyrique de Nancy diretta da Jérome Kaltenbach)

Música de Mobiliario
Satie anticipó el pop en el siglo XIX, sentó las bases de la música de mobiliario (“musique d’ameublement”) y fue precursor del minimalismo y del serialismo. Escribió un manifiesto con las claves de lo que el llamó “Música de Mobiliario”

• La Música de mobiliario es básicamente industrial.
• La costumbre, el uso, es hacer música en ocasiones en que la música no tiene nada que hacer…
• Queremos establecer una música que satisfaga las “necesidades útiles”. El arte no entra en estas necesidades.
• La Música de mobiliario crea una vibración; no tiene otro objeto; desempeña el mismo papel que la luz, el calor y el confort en todas sus formas…
• Exijan Música de mobiliario.
• Ni reuniones, ni asambleas, etc. sin Música de mobiliario…
• No se case sin Música de mobiliario.
• No entre en una casa en la que no haya Música de mobiliario.
• Quien no ha oído la Música de mobiliario desconoce la felicidad.
• No se duerma sin escuchar un fragmento de Música de mobiliario o dormirá usted mal.

Más tarde se conoció popularmente como música de ascensor y en la que Brian Eno se inspiró para la serie de grabaciones, “Ambient” de su propio sello Obscure Records y que posteriormente acogieron también al minimalismo de Philip Glass ('Metamorfosis') o Steve Reich. Vangelis también recoge las enseñanzas del maestro francés ('La petite Fille de la Mer').

Adaptaciones
Una de sus obras más populares son las Gymnopédies que han sido versionadas hasta la saciedad. Nada resulta excesivo para recomendar al auditorio musical esta obra, esencialmente artística, que ha sido acertadamente considerada una de las más bellas del siglo. Para muestras, unas adaptaciones de los 70 a los 90: Blood, Sweat & Tears, Gary Numan o Janet Jackson. Jacques Loussier aparte de revitalizar los tesoros del maestro Bach, también versionó las obras de Satie. Está claro que los compositores neoclásicos que miran con un ojo al pasado y con el otro al futuro como son el estonio de 75 años Arvö Part o el más joven Johann Johannson (álbum 'Fordlandia'), han recogido las enseñanzas de Satie. Y también el australiano y tan en boga Ben Frost.
Asimismo la electrónica es deudora del trabajo de Satie, sobretodo en géneros como la IDM o la indietrónica como la versión de la Gymnopedie No. 1 de Isan.

Bandas sonoras
La pieza de ballet “Parade” que escribió a partir de un guión de Jean Cocteau, con escenografía de Pablo Picasso, la música para el film “Entr’acte” o su obra “Sports et divertissements” concebida para musicar los dibujos de Charles Martin, fueron de los primeros proyectos multimedia de la historia. A posteriori se ha utilizado su música para infinidad de films, sobre todo, las “Gnosiennes” y “Gymnopédies”, que han aparecido en películas como Käsky (2008), Paris (2008), Man On Wire (2008), El Velo Pintado (2006), Los Tenenbaums, una familia de genios (2001), Chocolat (2000), Los herederos (1998), Corina (1994), Violent Cop (1989), Bailar en la oscuridad (1986), Mi cena con André (1981), Elisa, vida mía (1976), Malas tierras (1973) o Una historia inmortal (1966). Evidentemente su legado ha calado hondo en compositores de bandas sonoras como el español Alberto Iglesias (Hable con Ella, 2002)

LP 'Pet Sounds'

El 16 de mayo de 1966 se publicó en Estados Unidos el álbum 'Pet Sounds' del grupo The Beach Boys. Uno de los mejores álbumes de los años sesenta y para muchos, el mejor de la banda californiana. Los Beach Boys alcanzaron nuevos niveles de composición y producción utilizando la ténica multipista con voces e instrumentos creando un sonido cuasi-sinfónico. Además estaba repleto de grandes canciones que ya son clásicos del pop, como 'Wouldn't it be nice', 'Sloop John B', 'You still believe in me' y 'God only knows'.

Pese a ser uno de los discos más influyentes de la década, las ventas fueron inferiores a sus anteriores trabajos, y 'Pet Sounds' tardó más de treinta años en conseguir la categoría de disco de oro en Estados Unidos. En el Reino Unido, en cambio, fue un gran éxito. Uno de los mayores fans de 'Pet Sounds' fue Paul McCartney, quien según su propia confesión, se inspiró en el álbum para crear seguidamente 'Sgt. Pepper'. Resulta curioso que ambos trabajos suelen aparecer alternándose el primer y segundo puesto en la gran mayoría de listas de 'los mejores álbumes de la historia', confeccionados por medios especializados como NME, Mojo Magazine, Rolling Stone y The Times.

Carl Wilson, Dennis Wilson (detrás de Carl), Al Jardine y Brian Wilson grabando las voces de 'God only knows'

Curioso es también que 'Pet Sounds' estuviera a su vez inspirado en 'Rubber Soul'. Brian Wilson mencionó en su día al respecto: "No estaba preparado para algo así. Parecía como si todo el contenido del álbum formara un conjunto. 'Rubber Soul' era una colección de canciones que de alguna manera se fueron conjuntando como en ningún álbum anterior. Quedé muy impresionado y me sentí desafiado a hacer un álbum mejor." De esta manera Beatles y Beach Boys se retroalimentaron dando lugar a sendas obras maestras del pop y puntos de referencia de prácticamente todos los músicos de la época.

Cuando se editó el álbum, la canción 'Good vibratons' ya estaba terminada, pero Brian Wilson no quiso incluirla en el álbum reservándola para 'Smile', que iba a ser su siguiente proyecto. Pero 'Smile' no llegaria a ver la luz en su día, ya que el intenso consumo de LSD de Wilson y la posterior depresión que sufrió al escuchar el tema 'Strawberry fields forever' ("Ellos han llegado antes que yo"), sumieron a Wilson en una profunda depresión que lo llevó a sucumbir a sus adicciones y a un vacío creativo que le perseguiría el resto de su vida... pero eso es otra historia...

'Wouldn't it be nice' (B. Wilson/Asher/Love)

'You still believe in me' (B.Wilson/Tony Asher)

'That's not me'

'Don't talk (Put your head on my shoulder)'

'I'm waiting for the day' (B. Wilson/Love)

'Let's go away for awhile' (B. Wilson)

'Sloop John B' (trad. arr. B. Wilson/Jardine)

'God only knows' (B.Wilson/Tony Asher)

'I know there's an answer' (B. Wilson/Sachen/Love)

'Here today' (B.Wilson/Tony Asher)

'I just wasn't made for these times' (B.Wilson/Tony Asher)

'Pet sounds' (B. Wilson)

'Caroline, no' (B.Wilson/Tony Asher) 

LP 'Live at Leeds'

El 16 de mayo de 1970 apareció en EEUU (en el Reino Unido se publicó una semana después) el primer disco en directo del grupo británico The Who, 'Live at Leeds'. Sería la única grabación en vivo que apareció mientras el grupo seguía en activo y actuando regularmente. Para muchos, el mejor disco en directo de una banda de rock y para muchos otros, el mejor disco de The Who.

Pete Townshend

Tras publicar 'Tommy' en 1969, The Who se embarcó en una gira mundial para promocionar el álbum y volvieron a Inglaterra a finales del año con ganas de publicar un disco en directo con las cintas grabadas en el tour. Ante la perspectiva de tener que escuchar más de 80 horas de grabación para seleccionar los temas del disco proyectado, Pete Townshend prefirió celebrar dos nuevos conciertos con el fin de registrarlos, y se cuenta que quemó las cintas del tour, entre otras cosas, para evitar que se 'distrajera' alguna y acabara como disco pirata en la calle, un hecho que era muy habitual entonces.

Roger Daltrey

Los conciertos se programaron para los días 14 y 15 de febrero en las universidades de Leeds y Hull, respectivamente, pero problemas técnicos que surgieron en Hull (en algunos temas no se grabó la pista del bajo), motivaron que finalmente se utilizara sólo lo grabado en Leeds el día de San Valentín. Sin embargo, Daltrey siempre sostuvo que el concierto de Hull fue el mejor de los dos. La banda se empleó a fondo durante más de dos horas, interpretó 'Tommy', sus singles clásicos y un puñado de versiones de rocks favoritos. Desatados en el escenario, el trío de músicos que respaladaba al cantante Roger Daltrey dio rienda suelta a una aterradora energía: el bajo John Entwistle cargando con el peso de las melodías, Keith Moon tocando su batería con ese frenético abandono que le caracterizaba y Pete Townshend demostrando su maestría con el feedback y ejecutando limpios solos pletóricos de emoción.

Keith Moon

Abría el vinilo original 'Young man blues'  un tema de Mose Allison, que era un clásico en los shows de The Who y en el que Keith y John demuestran por qué les llamaban 'una de las mejores secciones rítmicas del rock'. Le seguía 'Substitute', composición de Townshend, uno de los primeros singles del grupo en 1966.

John Entwistle

La versión del tema de Eddie Cochran, 'Summertime blues', fue editada en single y la última versión que aparecía en el vinilo original fue 'Shakin' all over', uno de los mejores temas del rock británico de la era pre-Beatle, compuesto por Johnny Kidd, de los Pirates.
La cara B del disco sólo contenía dos temas, ambos de Townshend, 'My generation' y 'Magic bus', una de las más populares del grupo entonces y la pieza que John Entwistle odiaba tocar, ya que durante todo el tema emite una sóla nota ad nauseum.

El resto del concierto consistía fundamentalmente en temas de 'Tommy', en estado puro, sin los sofisticados arreglos que tenía la obra en la edición de estudio. Estos se recuperaron en la magnífica edición en CD de 2001, que ofrecía el concierto completo en la Universidad de Leeds. Posteriormente, en 2010, con motivo del 40 aniversario de la edición del vinilo original, se publicó una edición deluxe, que en esta ocasión incluía los dos conciertos (el de Hull y el de Leeds) completos.

Portada española

La funda que contenía el vinilo de 1970 era tremendamente sencilla, una funda de cartón con el nombre de la banda en letras de molde como 'sellado', en claro homenaje de Pete a los discos piratas de la época. "Es muy fácil engañar a la gente con los discos grabados en los estudios especializados; hay demasiados trucos técnicos, créeme. Y hay sobrados casos en los que un grupo, cuyos discos de estudio son más que correctos, es una auténtica mierda en directo. Con una grabación realizada en un concierto es casi imposible engañar a la gente. Quizá por esto me gustan tanto los discos piratas..."

La primera edición era desplegable y dentro tenía, a un lado el vinilo, y en el otro una bolsa con diversas fotocopias de recuerdos del grupo (una carta de EMI Records rechazándolos, la letra manuscrita de partes de 'Tommy', un recibo de una compra de bombas de humo, posters, fotografías, etc). Las primeras 500 copias incluían además una copia del contrato de su actuación en Woodstock.

Liberace

El 16 de mayo de 1919 nació en West Allis (Wisconsin), el pianista de ascendencia polaca e italiana Liberace. Durante casi treinta años fue el showman mejor pagado del país. Su exuberante estilo escénico y los extravagantes trajes que lucía en sus shows de Las Vegas, así como sus excesos dentro y fuera del escenario llamaban tanto la atención como su virtuosismo al piano. Su falta de sentido del ridículo y su capacidad de autoparodia sentaron la base para futuros artistas del espectáculo como Michael Jackson, Elton John o Boy George.

Nacido como Wladziu Valentino Liberace, fue uno de los cuatro hijos de Salvatore Liberace, un músico de procedencia italiana que tocaba en pequeñas bandas y teatros de Milwaukee y Frances Zuchowska, una emigrante polaca. El talento del pequeño Liberace se hizo evidente muy pronto aprendiendo a  tocar el piano de oído a los cuatro años y con seis años ya tocaba piezas clásicas de memoria durante horas. Cuando llegó la Gran Depresión, la familia pasó por graves problemas financieros y Liberace tampoco lo pasó muy bien en la escuela, donde sus compañeros se burlaban de sus aficiones musicales y culinarias y su incapacidad para practicar cualquier deporte.

Siguió practicando intensamente el piano y aportaba algo de dinero a la economía famliar tocando en teatros locales, estaciones de radio, clases de baile y bodas. También actuó en cabarets y clubs de strip-tease, donde adoptaba el nombre de Walter Busterkeys. Su interés por la pintura y el diseño le llevó a diseñarse su vestuario y para entonces ya había logrado transformar sus excentricidades en virtudes, que aunque seguían provocando sonrisas, ya no eran objeto de tanta burla.
 En 1937 ganó el primer premio de un concurso de intérpretes de música clásica. Uno de sus números más populatres era su interpretación de la canción 'Three Little Fishes' al estilo de siete compositores clásicos diferentes. En 1940, con 20 años debutó con la Chicago Symphony Orchestra en el Pabst Theatre de Milwaukee, interpretando el Segundo Concierto para Piano de Franz Liszt.

A comienzos de los años 40 se dejó caer en Nueva York donde pasó un tiempo dando recitales de piano. Pero la competencia era dura en ese campo y pasó por dificultades. Entre los años 1942 y 1944, Liberace cambió la estructura de sus recitales y reinventó su show ofreciendo entonces 'pop con algo de clásica' o como él decía: "Música clásica, pero sin las partes aburridas". Se transformó de concertista de piano clásico a showman en toda la regla. Hablaba con el público, contaba chistes, admitía peticiones e impartía pequeñas lecciones de música. Fue entonces cuando adoptó su nombre artístico definitivo, Liberace. En su repertorio alternaba temas clásicos de Chopin con canciones populares del momento. Terminó de pulir su show añadiendo elementos como un candelabro que le acompañó desde entonces sobre el piano.

En 1947 Liberace actuaba en los clubs más prestigiosos del país y viajaba con un exageradamanete enorme piano Bluthner asegurado en 150.000$. Se anunciaba como 'el más asombroso virtuoso del piano del presente'. Aún asi sus apariciones solían ser segundo plato o relleno de shows más importantes, hasta que dio sus primeros conciertos en Las Vegas.

Con Elvis en 1956

Sus espectaculares shows, llenos de color y con vestuarios cada vez más extavagantes le granjearon numerosos seguidores. En 1952 se estrenó The Liberace Show por la televisión americana. El programa de quince minutos se grababa en Los Angeles y convirtió a Liberace en una de las estrellas de los programas matinales de Estados Unidos. En 1954 realizó un concierto en el Madison Square Garden por el que obtuvo la cifra récord de 138.000$ por una sóla actuación. Un año después ganaba 50.000& a la semana en el Riviera Hotel de Las Vegas y tenía más de 200 clubs de fans oficiales por todo el país con más de un cuarto de millón de asociados. Sus beneficios anuales por sus actuaciones en vivo y sus apariciones en TV ascendían a varios millones de dólares. Era frecuente ver su imagen en las portadas de las revistas y se convirtió en una estrella de la cultura pop, aunque seguía provocando risas y siendo objeto de chistes populares.

Su carrera sufrió un revés en 1956, durante una gira por el Reino Unido. El Daily Mail publicó un artículo sugiriendo la homosexualidad del pianista, provocando que éste les demandara por difamación. Liberace ganó el caso, pero su popularidad en Estados Unidos sufrió por ello. Intentó solucionarlo apareciendo con un vestuario más discreto y ofreciendo unos shows más serios y comedidos, sin embargo, a comienzos de la década de los 60, Liberace comprendió que le sacaba más partido a su imagen kitsch.

Se hizo con un nuevo guardarropa valorado en fortunas, que incluía abrigos de pieles de más de 50kg de peso y volvió a aparecer en los shows televisivos. En algunos casos se parodiaba a sí mismo, pero seguía teniendo un gancho especial para entretener al público.

Tuvo numerosos críticos que no aprobaban su manera de 'cargarse' a los clásicos. En muchas ocasiones recortaba su repertorio para "evitar que el público se aburriera". Era capaz de tocar el vals del minuto de Chopin en 37 segundos y una versión corta de 'Claro de Luna' de Beethoven en cuatro minutos aproximadamente. Un crítico de la época comentó: "Nadie duda de su talento, pero éste consiste en su brillantez como showman más que en su técnica pianística". Sus nuevos shows en Las Vegas eran más espectaculares todavía, apareciendo en escena en un Rolls Royce conducido por un chófer, con espectaculares ballets y coristas e incluso descolgándose desde lo alto, disfrazado de Peter Pan. En el escenario se juntaban coches, niños y animales en un happening que concluía con Liberace invitando a los espectadores a subir al escenario donde besaba y abrazaba a todos ellos.

Su inmensa energía de trabajo y sus ambiciones comerciales le llevaron en varias direcciones. Adquirió una tienda de antigüedades en Beverly Hills y un restaurante en Las Vegas. Publicó libros de recetas, poseía un centro comercial y una pequeña cadena de hoteles entre otros negocios y diseñó su propia línea de moda para hombre.

El resto de su vida volvió a verse envuelto en rumores y escándalos relacionados con su supuesta homosexualidad, algo que él se encargó de negar rotundamente hasta el día de su muerte. Afrontaba todos los juicios que fueron precisos pàra lavar su imagen y en muchos casos pagó generosas sumas para 'tapar bocas'. En 2011, su amiga íntima, la actriz Betty White, confirmó que Liberace era gay, y que ella mismo le había servido de tapadera para acallar rumores en más de una ocasión.

Imagen del Liberace Museum

En los años 70 y principio de los 80 continuó siendo uno de los artistas fijos en el Las Vegas Hilton y en Lake Tahoe (Nevada). Afectado de insuficiencia cardíaca, Liberace actuó regularmente hasta 1986, Se estima que en los últimos veinte años Liberace había ganado del orden de 5 millones de dólares al año, fortuna que derrochaba en su vestuario, sus joyas y sus amigos. En 1979 creó el Liberace Museum, cuyos beneficios estaban destinados a una fundación de ayuda a los músicos necesitados. El año 2010 tuvo que cerrar las puertas por falta de visitantes. Liberace murió en 1987 de una insuficiencia cardíaca grave provocada por su infección de SIDA, algo que se descubrió en la autopsia. "Liberace jamás defraudó a su audiencia. Además cumplió con dos de los tópicos clichés que persigue todo el que se dedica al espectáculo: 'No hubo nadie como él' y 'No habrá nunca nadie como él'" 

Betty Carter

El 16 de mayo de 1929 nació en Flint (Michigan) la cantante de jazz Betty Carter, conocida por su técnica de improvisación y un personal y característico estilo vocal con su timbre ronco e íntimo. Llamada la 'voz del bop', su independencia e imprevisibilidad la mantuvieron alejada del reconocimiento que recibieron otras contemporáneas del género como Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan o Carmen McRae, pero su constancia y coherencia la llevaron a ser reconocida como 'la más pura cantante de jazz de los años ochenta y noventa". Su devoción por el jazz era tal, que su colega Carmen McRae dijo en una ocasión: "sólo existe una verdadera cantante de jazz, sólo una: Betty Carter"

Sus improvisaciones vocales estaban más influidas por los metales que por vocalistas de jazz, aunque no se pueden negar asimismo influencias de Billie Holiday y Sarah Vaughan. Ya mientras estudiaba piano en Detroit actuó con Dizzy Gillespie y Charlie Parker. En 1948 se unió como Lorraine Carter a la banda de Lionel Hampton, que le puso el apodo 'Betty Be Bop' (Betty lo odiaba). Pero donde más llamó la atención fue en sus apariciones con Miles Davis y Thelonious Monk. En 1961 grabó con Ray Charles y en lo mejor de su carrera se retiró para criar a sus hijos.

Regresó en 1969 actuando con diversos trios y fundó el sello Bet-Car Records. Tuvo un buen ojo para la elección de sus -a menudo jóvenes- pianistas, entre los que se cuentan John Hicks, Mulgrew Miller, Benny Green, Stephen Scott, Cyrus Chestnut y Norman Simmons. Aunque en los años setenta fue bastante popular con álbumes como los directos 'Round Midnight' y 'Live from te Village Vanguard', fue en la década de los ochenta cuando su figura brillaba por fin rodeada de fama y reconocimiento. En 1987 firmó con Verve Records, que reeditó su discografía con Bet-Car. Al año siguiente ganó un Grammy por su álbum 'Look What I Got!' y en 1994 actuó en la Casa Blanca. Siguió activa cantando hasta su muerte a los 69 años en septiembre de 1998.

Woody Herman

El 16 de mayo nació en Milwaukee (Wisconsin) el clarinetista, saxofonista, cantante y líder de banda Woody Herman. Dirigió algunas de las big bands más emocionantes de la historia, alcanzando cotas en los cuarenta que pocos han igualado.

Hijo de emigrantes alemanes, comenzó su carrera siendo un niño, pero su ambición era dirigir su propia banda. Con seis años ya pisaba el escenario para cantar y bailar, con nueve tocaba el saxofón y con once el clarinete. Los estudios musicales los interrumpió para incorporarse en 1930 a la banda de Tom Gerun y en los años siguientes tocó con Harry Sosnik, Gus Arnheim e Isham Jones. En 1936 formó con los restos de la disuelta banda de Jones una orquesta que sufriría varios cambios hasta 1943 y que fue llamada First Herd (primer rebaño, o manada) o Herman's Herd. A esta formación pertenecieron, entre otros, Pete Candoli, Neal Hefti, Chubby Jackson, Francis Wayne y más tarde Shorty Rogers, Don Lamond, Red Norvo y Chuck Wayne. La fuerza y originalidad de su propuesta les hizo conocidos internacionalmente con temas como 'Blue flame' y 'Blues in the night' (1941)

Aunque las habilidades instrumentales de Herman eran considerables, su verdadero don consistía en ser un excelente organizador. Tenía una extraña habilidad para reunir y mantener unidos a grupos de músicos notables por su calidad y talento, una habilidad que se hizo patente tras la II Guerra Mundial, cuando en su banda contó con brillantes improvisadores cuya ejecución en conjunto era incisiva y exuberante. Igor Stravinsky quedó tan impresionado con su sonido, que en 1945 compuso el 'Ebony Concerto' especialmente para ellos. Ese mismo año grabaron otro de sus temas más conocidos, 'Caldonia'.

Las armonías del bop tendrían una influencia más poderosa en la siguiente orquesta de Herman, confirmando así su libertad de ataduras frente al sectarismo que sufría el jazz contemporáneo. El poderoso 'Lemon drop' (1948) con su sucesión de excelentes improvisaciones ilustra perfectamente la sagaz amplitud de miras musicales de Herman, así como grabaciones claramente más ambiciosas como 'Lady McGowan's Dream' (1946) y 'Summer Sequence' (1946-7)

La característica principal de la 'segunda manada' fue el grupo de saxofonistas (tres tenores y un barítono) que se conocerían como los Four Brothers con los célebres 'cuatro hermanos': Stan Getz, Herbie Stewrad y Zoot Sims a los tenores y Serge Chaloff al barítono. Aquella orquesta, con los arreglos de Ralph Burns, produce una conmoción en el mundo del jazz, sobre todo con la grabación del tema que Stan Getz inmortalizaría para siempre, 'Early autumn' (1949).

Tras la disolución del Second Herd en 1949, Herman continuó liderando bandas, como el Third Herd (1950-56) que quizás era menos creativa, pero el gran nivel de los músicos aseguró su buen nombre. El New Thundering Herd angloamericano que organizó en 1959 fue muy significativo en la historia del jazz británico y el Swinging Herd, que formó en 1962, tenía entre sus filas a instrumentistas de la talla de Bill Chase, Phil Wilson y Sal Nistico.

Herman amplió las posibilidades a finales de los sesenta, cuando incorporó el saxo soprano e incluyó a jóvenes músicos de jazz-rock en sus formaciones. En los setenta ofreció numerosos conciertos y a principios de los ochenta estuvo como músico residente en un club de Nueva Orleans y en 1985 en el hotel St Regis de Nueva York. Celebró su 50 aniversario como director de banda con la formación de una nueva orquesta en 1986. Murió un año después en octubre de 1987. Antes de morir delegó la dirección de la banda en el saxofonista Frank Tiberi, que continúa liderando la Woody Herman Orchestra.