Jimmie Lunceford

El 6 de junio de 1902 nació en Fulton (Mississippi) el saxofonista y director de banda de jazz Jimmie Lunceford. Su orquesta fue famosa en los años treinta y cuarenta por sus elaboradas puestas en escena y a pesar de no contar con solistas clásicos de renombre, destacó musicalmente por los originales arreglos que aportaba Sy Oliver.

Lunceford estudió música en Denver y en 1922 ya tocaba el saxo alto en una banda local dirigida por George Morrison, que también incluía a Andy Kirk. Tras graduarse en la Universidad de Fisk en 1927, mientras trabajaba como profesor de música en Memphis, Lunceford formó una banda llamada Chicksaw Syncopators. Grabaron por primera vez en 1930 y tras cuatro años de gira obtuvieron la residencia en el Cotton Club, ya como The Jimmie Lunceford Orchestra, considerados a la altura de otros grandes de la era del swing como Count Basie o Duke Ellington. La orquesta, famosa por su pulida presencia en el escenario, estaba musicalmente muy unida y los arreglos del trompetista Sy Oliver aseguraban un característico 'sonido Lunceford'. Lograron varios hits como 'Rhythm is our business' (1935), 'Organ's grinder swing' (1936), 'My last affair', 'For dancers only' y 'Posin' (1937), entre otros.

En 1939 surgieron discusiones financieras que acabaron deshaciendo la formación original. Sy Oliver fue tentado por Tommy Dorsey, y en 1942 el saxofonista Will Smith también abandonó la orquesta. Ese mismo año aparecía su último hit, 'Blues in the night'.

Jimmie continuó liderando la banda hasta su muerte, acaecida en el verano de 1947 de un infarto en plena gira por Oregón, mientras firmaba autógrafos. Se ha especulado con que la causa de la muerte pudo haber sido el envenenamiento de la comida que ingirió ese día. El dueño del restaurante, bastante molesto por tener que servir la comida a un 'negro', estuvo tiempo bajo sospecha de haber intoxicado la comida. Lunceford acababa de cumplir 45 años.

Adrien-François Servais

El 6 de junio de 1807 nació en Halle, cerca de Bruselas, el violonchelista y compositor belga Adrien-François Servais, hijo de un modesto organista de iglesia. Considerado el mayor de los intérpretes de su instrumento por sus contemporáneos, es conocido como "el Paganini del violonchelo". Nace en una familia de músicos, su padre era un modesto organista de iglesia. 

Estudia primero violín, pero decide en 1819 abandonar ese instrumento y pasarse al violonchelo, que estudia con el iniciador de la escuela violonchelística belga, Nicolas Joseph Platel (1777-1835). En 1829 pasa a ser profesor ayudante de su maestro en la Escuela Real de Música de Bruselas. En 1833 realiza su primera gira mundial, que comienza en París y continúa por otras ciudades francesas e Inglaterra. Después de unos años de enseñanza en Bruselas, reaparece en París en 1836 que continúa una triunfante gira europea. En 1848 ocupa la cátedra del Real Conservatorio de Bruselas y la plaza de solista de la Corte. Sus continuadas giras internacionales (durante sus cuarenta años de actividad daría más de 10.000 conciertos), le dan una fama incomparable en su tiempo.

'Chelo Servais'

Uno de sus destinos favoritos es Rusia, donde obtiene en 1848 de la princesa Youssopov su famoso chelo Stradivarius (llamado después "chelo Servais", y actualmente propiedad del Smithsonian Institute). En San Petersburgo se casa en 1849 con Sophie Féguine, gran amante de la música.

Su obra como compositor se circunscribe a la música de salón de gran factura técnica, destacando su Concierto para violonchelo y orquesta, (Seeli Toivio, violonchelo, dir. Sasha Mäkilä & Celeb Orchestra), sus fantasías para violonchelo y orquesta sobre motivos de óperas celebérrimas, así como sus dúos para violonchelo y violín, escritos a cuatro manos junto a otros virtuosos del arco. Compuso dieciséis fantasías para violonchelo y orquesta sobre temas rusos. Murió en Halle el 22 de noviembre de 1866.

Otras obras son:
- “Souvenir de Spa” Opus 2 1/2, 2/2 (Anner Bylsma & The Smithsonian Chamber Players).
- “Cinco conciertos para violonchelo y orquesta Opus 5 : “Concierto para violoncello y orquesta” en La menor I., II., III. (Seeli Toivio, violonchelo, dir. Sasha Mäkilä & Celeb Orchestra)
- “Seis Caprichos” para dos violonchelos: “Caprice Op.11 Nº 2 para 2 violonchelos” (Anner Bylsma), “Caprice Op.11 Nº 4 para 2 violonchelos” (Anner Bylsma)
- “Souvenir de Bade” Gran Fantasía Opus 20 (Anner Bylsma & The Smithsonian Chamber Players).

Aram Khachaturian

El 6 de Junio de 1903 nació en Tbilisi, Rusia (hoy Georgia) Aram Khachaturian, compositor soviético de ascendencia armenia. Era hijo de un encuadernador y estudió en el Conservatorio de Moscú.

Aram Khachaturian

Su padre, Aram Jachaturián Eguia, dejó su país de origen, Armenia, hacia 1870, estableciéndose en Tiflis como encuadernador. Aram fue el más pequeño de los cinco hermanos y empezó a desarrollar su gusto por la música oyendo canturrear a su madre y escuchando a los músicos callejeros. Más tarde, (1912-1921) en el pensionado, empezó sus estudios de piano a los que dedicó dos años, después se decantó por la carrera de económicas pero prosiguió estudiando piano de manera autónoma. A los once años acudió, por vez primera, a una representación de ópera que le produjo un gran impacto y lo dejó fascinado. En 1921, aceptó la invitación de su hermano que residía en Moscú y allí continuó sus estudios en la universidad. Pese a sus escasos conocimientos de solfeo y piano, demostró tener tanto talento musical y fue admitido en el Instituto Gnésiny donde estudió violonchelo bajo la dirección de Mijaíl Gnesin, comenzando las clases de composición en 1925. En 1929 se trasladó al Conservatorio de Moscú y fue alumno de Nikolái Miaskovski, un compositor muy popular de la época.

Nina Makárova

En la década de 1930 se casó con la compositora y compañera de estudios, Nina Makárova y, en 1951, pasó a ser profesor del Instituto Pedagógico Estatal de Música Gnésiny. Mantuvo importantes debates en la Unión de Compositores lo que, más tarde, le reportaría graves denuncias sobre algunas de sus obras por considerar que su música era una “música formalista”, lo mismo que las de Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich. No obstante estos tres compositores se convirtieron en los denominados “titanes” de la música soviética, disfrutando de reputación mundial como destacados compositores del siglo XX.

Khachaturian ya había compuesto en 1932, un “Trío para clarinete, violín y piano”, (G.Hauer - piano, A.Kostecki – violín, H.Pallushek -clarinete) en el que se refleja la influencia de Prokófiev quien le indujo a interpretarlo en París.

En 1933 compone una “Suite para la danza” III. Largo-Allegretto-Largo (Warsaw Philharmonic Symphony Orchestra - dir. Donn Laurence Mills) inspirada en todo tipo de bailes: armenios, azerbaiyanos, georgianos, y en la que se descubre su gusto por la música folclórica. Asimismo compuso una Sinfonía dedicada a su país, con la que obtuvo el diploma en el conservatorio. Esta sinfonía fue compuesta en el año 1935 y está inspirada en la música occidental y armenia. En ese mismo año compuso la música para la película “Pepo”.

El Concierto para piano (1936), (Aram Avetan – piano & Armenian Philharmonic Orchestra , dir. Eduard Topchjan) de carácter heroico, fue su primer gran éxito. A partir de ese momento, su carrera como compositor empezó a desarrollarse. Escribió más de cuarenta obras para el cine y el teatro. Dotado de un excelente sentido melódico, Aram destacó, sobre todo, por sus composiciones para ballet, y por su sentido de la orquestación, llena de colorido, melodiosa, sensual y lírica. Fue el primer compositor que integró la música moderna y el ballet clásico. Estaba convencido de que el público debía sentir las mismas emociones y sensaciones que los bailarines trataban de transmitir.

En 1938 escribió “Poema para Stalin” (Hayk Melikyan) y en 1940 el Concierto para violín y orquesta (David Oistrakh & The Philharmonia Orchestra) que es una expresión clara de la sabiduría compositiva del autor con un uso inteligente de elementos de inspiración popular, un tratamiento muy consciente de la forma —por ejemplo, la vuelta del tema principal del primer movimiento en el último— y una escritura para el solista que le permite mostrar todas sus cualidades virtuosísticas.

Destacan el ballet “Gayaneh” (1942) con su Adagio (Pianista - Christian Zwarg) utilizado en las películas '2001 Una Odisea del Espacio', 'Juego de Patriotas' y 'Aliens?', asi como la famosa “Danza del Sable” (The National Philharmonic Orchestra, dir. Loris Tjeknavorian) y su Lullaby (St. Petersburg State Symphony Orchestra & dir. Andre Anichanov)

Con el tiempo su armonía se volvió más experimental en obras como la Sinfonía nº 2 (1943) y el Concierto para violonchelo (1946) (Karine Georgian).
El encargo para componer la música incidental para “Masquerade”, de Mikhail Lermontov, data de 1939 pero la suite no se estrenaría en su versión para gran orquesta hasta 1944 en Moscú. La composición se abre con la que es junto con la 'Danza del Sable', la pieza más famosa de Khachaturian, un vals (The London Symphony Orchestra & Stanley Black) apasionado que queda en la memoria del oyente desde la primera vez que lo escucha.

El Nocturno de Masquerade (Aram Khachaturian, dir) hace honor a su nombre, con su carácter ensoñador sostenido en la melodía que corre a cargo del violín con el que dialogan por momentos las maderas. La Mazurca (The Sofia Symphony Orchestra & Ivan Marinov) tiene un carácter festivo y luminoso al que aporta un plus de brillantez la graciosa y repetida llamada de las flautas. En la suave Romanza (Aram Khachaturian, dir) volvemos al clima del Nocturno de la mano de la melodía de la cuerda puntuada por las maderas a la que responderá suavemente la trompeta. Cierra la suite un brillantísimo Galop (The Sofia Symphony Orchestra & Ivan Marinov) basado en dos temas y que incluye, como un respiro, una breve cadenza para clarinete.

El ballet "Spartacus" (1956), donde destaca el famoso Adagio de Spartacus y Phrygia (Yuri Simonov, dir), se consideró su obra maestra la misma noche del estreno

En 1961, Aram empieza a escribir la música orquestal y compone una Sonata para piano, Andante (Emils Gilels). Al año siguiente continúa con “Tres conciertos-rapsodia” 1/2, 2/2 (Oxana Yablonskaya, piano & Moscow Symphony Orchestra, dir. Dmitri Yablonsky) que quería unificar en un solo concierto. Durante los últimos años de su vida compuso tres sonatas para violonchelo y viola. Estas obras no fueron registradas y son casi desconocidas, por lo que han sido interpretadas en muy pocas ocasiones.
Aram Khachaturian murió a los 74 años el 1 de mayo de 1978 en Moscú.

Khachaturian ha sido el primer compositor armenio en alcanzar fama internacional y de hecho el himno nacional armenio lleva su firma. Dotado de un prodigioso sentido melódico, Khachaturian bebió de las fuentes populares armenias a la hora de componer su música, muy caracterizada por los frecuentes ostinati, con acordes de cuarta y quinta que se inspiran en la apertura del saz armenio, y la elevada improvisación de sus desarrollos melódicos a la manera de una inacabable rapsodia. Su aportación al ballet, en la tradición de Rimski-Korsakov y Stravinski, es fundamental para el estudio de la música rusa. En definitiva, un gran compositor que justamente se revaloriza día a día.

LP 'Johnny Cash At San Quentin'

El 4 de junio de 1969 se publicó en EEUU el álbum 'Johnny Cash At San Quentin', el segundo concierto celebrado por Cash ante reclusos de una prisión de máxima seguridad. Secuela de 'At Folsom Prison', que fue recibido con gran entusiasmo, 'At San Quentin' fue aún mejor recibido alcanzando el nº1, siendo el único álbum de la larga carrera de Cash en conseguirlo. El single que se extrajo, 'A boy named Sue', también fue nº1 en las listas de country y Top5 en las de pop.

Johnny Cash celebró su primer concierto en una prisión tejana en 1956. Parecía un hecho natural para él. "Gracias a mi canción 'Folsom prison blues', los presos pensaban que yo era uno de ellos"... Realmente, el único tiempo que pasó Cash alguna vez en una prisión, fue como artista, pero el cantante country de la voz grave tenía suficiente reputación de 'fuera de la ley', debido a su postura rebelde y a su forma de vestir. Los chicos buenos iban de blanco. Cash era el 'Hombre de Negro'.

Prisión federal de San Quentin

Tras el show en la prisión estatal de Huntsville (Texas), se corrió la voz y penitenciarías de todo el país solicitaron la presencia de Cash para actuar. En 1968, grabó uno de esos conciertos, 'At Folsom Prison' con Bob Johnston como productor. Alcanzó el puesto 13 de las listas y se convirtió en su álbum de mayor éxito hasta entonces. El 24 de febrero de 1969, Cash hizo su cuarta visita a la prisión californiana de San Quentin. Una de sus visitas anteriores fue presenciada por Merle Haggard estando éste en prisión.

En ésta ocasión Cash ya no contaba con su guitarrista Luther Perkins, fallecido unos meses antes. Un equipo de grabación de Columbia Records y otro de la televisión británica Granada cubrieron el evento, añadiendo entrevistas con funcionarios e internos, los cuales comentaban su día a día tras los barrotes.

Cash también aportaba algunos temas que iban a debutar en disco, como 'A boy named Sue' y 'San Quentin', un tema que compuso la noche anterior al concierto. En él, Cash se mete en la piel de un prisionero, expresando el aislamiento, frustración y rabia que sienten los convictos en la fría fortaleza que tienen por hogar.
Cuando Cash interpretó 'San Quentin', aquello se venía abajo. "Todos estabamos un poco preocupados por la respuesta y la excitación que suscitó la canción,"-recuerda Cash- "los internos se subieron a las mesas y empezaron a golpearlas con los pies. Querían que la volviese a cantar, lo que hice inmediatamente. Pasamos un mal rato, porque hubo un momento de excesivo entusiasmo"

"San Quentin, has sido un infierno en vida para mí
Me has alojado desde 1963
He visto (hombres) ir y venir y les he visto morir
Y hace ya que dejé de preguntarme por qué

San Quentin, odio cada uno de tus rincones
Me has cortado y me has marcado por todas partes
Y saldré más inseguro y más débil
Señor Congresista, usted no lo entiende

San Quentin, ¿qué bien te crees que haces?
¿Crees que seré diferente cuando hayas pasado?
Tuerces mi corazón y mi mente y oprimes mi alma
Tus muros de piedra vuelven mi sangre un poco más fría

San Quentin, ojalá te pudras y ardas en el infierno
Que tus muros se derrumben y yo viva para contarlo
Que todo en mundo olvide que un día exististe
Y que todo el mundo lamente que no hiciste ningún bien

 San Quentin, odio cada uno de tus rincones..."

Otra canción de estreno, que Cash había recibido tres días antes, fue 'A boy named Sue', una hilarante historia que cuenta la necesidad de venganza de un joven en la búsqueda de su padre ausente, cuya única contribución a la vida del joven fue ponerle de nombre 'Sue', un nombre de mujer, lo que produce constantes burlas hacia él allá por donde va.

June Carter Cash y Johnny

Esto le hace desarrollar un fuerte carácter y una especial inteligencia, lo que no le impide seguir maldiciendo a su padre, al que jura encontrar y matar. Cuando por fin da con él se enzarzan en una pelea a muerte. El padre confiesa que llamarle así fue un acto de amor ya que, como sabía que no podía estar a su lado mientras crecía, le puso ese nombre para que desarrollara carácter y no necesitara su apoyo. Sabiendo ésto, Sue perdona a su padre, no sin antes proclamar: "Llamaré a mi hijo Bill o George o cualquier cosa, menos Sue!".

Un grupo de reclusos

Johnny Cash: "No me sabía la letra, así que la tuve que leer de una hoja de papel que tenía frente a mí"  La canción conectó con el gran público tan bien como ante los internos, llegando al nº2 del Hot100 y al puesto de honor en las listas country. Cash interpretó además varios de sus temas clásicos de Sun Records, como 'I walk the line', así como el espiritual 'Peace in the valley', interpretado por Carl Perkins y The Carter Family, que se ganó respetuosos aplausos de los convictos.

'Folsom prison blues', combina los elementos de dos géneros de canciones folk, las canciones de trenes, y las canciones de prisiones. Ambos serán una constante en la carrera de Cash y ésta en concreto, es una de sus canciones emblemáticas. El protagonista de la letra escucha el silbido de un tren que pasa cercano a su celda y repasa sus crímenes: "Maté un hombre en Reno/sólo para verle morir"; e imagina a los hombres libres que viajan en el tren: "Probablemente estén bebiendo café y fumando enormes cigarros"  y sueña con lo que haría si fuese libre "Sé que me lo busqué / Y sé que no puedo ser libre, pero esa gente sigue moviéndose / y eso me tortura"

En una línea parecida están 'Wanted man', de Bob Dylan y 'Starkville city jail'. Completaban el álbum 'Darling companion' y 'Wreck of the old 97'. Ante la pregunta de si pensaba que fue un riesgo actuar frente a tanto criminal, Cash manifestó: "Quizás debería haberlo considerado así, pero siempre me sentí seguro. Pienso que los internos me hubiesen protegido tanto o más de lo que lo hicieron los guardias". A finales de 1969, tras la buena recepción de sus discos carceleros, sobre todo entre los antibelicistas liberales de la Costa Oeste, Cash ya tenía su propio programa de TV en 'prime time'.

El año 2000 se publicó una edición en CD en la que incluyeron varios temas que no aparecían en el vinilo, como 'Big river', 'Ring of fire', 'He turned the water into wine' y 'Daddy sang bass'. En 2006 apareció una edición 'Legacy' con el concierto completo mas un DVD con la producción original de Granada TV (60')

Johnny Cash - voz, guitarra acústica

June Carter Cash - voz

Carter Family - voces, guitarras

Marshall Grant - bajo

W.S. Holland - batería

Carl Perkins - guitarra eléctrica

Bob Wootton - guitarra eléctrica

The Statler Brothers - voces

Francesco Molino

El 4 de junio de 1768 nació en Ivrea, Florencia, el compositor y uno de los más grandes guitarristas del siglo XIX, Francesco Molino. Su padre era Giuseppe Ignazio, un oboísta al servicio de la banda de tropas piamontesas. Francisco, al igual que su padre, hizo carrera militar como voluntario en el Regimiento de Piamonte cuando tenía 15 años de edad. En el ejército aprendió los rudimentos de la música y cómo tocar el oboe. Al mismo tiempo, recibió formación en profundidad sobre la viola bajo la tutela, probablemente, de otros músicos de su familia, como Valentino y Luigi. En el periodo de 1786-1789 fue violista en la orquesta del Teatro Real de Turín y en 1814 fue violinista en la Orquesta de la Capilla Real, donde trabajó hasta 1818.

Fernando Sor

A finales de 1818 Molino se había trasladado a París, donde se presentó a sí mismo como "violinista de la Capilla Real." En París había ya una tradición consolidada de guitarra, que originó Ferdinando Carulli, y que continuó con la labor de otros músicos como Gragnani y Sor. Molino tenía que encontrar un espacio adecuado para realizar su actividad musical, así como sus conciertos.

No se sabe a ciencia cierta dónde y cómo aprendió a tocar la guitarra pero un día comenzó a aparecer como virtuoso del instrumento en los salones de París, donde se integró en un círculo de aficionados a la guitarra. A pesar de que tuvo que superar el desprecio a los nuevos estilos de la guitarra, provocado por el éxito de Carulli, Molino nunca entró realmente en conflicto con el músico napolitano, tal y como se sugiere en las crónicas de la época que hablan de "querellas" entre dos equipos antagonistas de los partidarios de la guitarra de uno o del otro.

Litografía con la que el guitarrista Charles de Marescot ilustró en su libro titulado "La Guitaromaníe", las querellas entre "carulistas" y "molinistas"

Manteniendo sus propias convicciones en cuanto a la técnica de la guitarra, Molino tuvo un notable éxito como maestro. Tenía estudiantes de los estratos más altos de la sociedad parisina, y admiradores, como la duquesa de Berry.

Su alumna Nathalie Houzee 

De 1820 a 1835 publicó la mayor parte de sus composiciones para guitarra en París, “Sonata Nº 3” Op. 6 (Dieter Hopf) pero después de este período, a la luz de la caída que sufrió este instrumento (hacia 1840), Molino compuso sus últimas obras para violín. A Molino le fue dedicado el Segundo Concierto para violín y orquesta Op. 25, de Rudolph Kreutzer, con quien tuvo una profunda amistad. Falleció en París en 1847.

Entre sus obras para guitarra, que son más de sesenta, es importante mencionar el “Método para guitarra”, un tratado vigente que establece los nuevos conceptos para el tratamiento del instrumento, y que alcanzó un éxito considerable en su período de París. Escribió algunos preludios como el “Preludio en Re menor”;
Igualmente digna de mención es la brillante Sonata Op. 51 para guitarra sola: Primera parte, Segunda parte (Andrei Krylov); y la célebre “Romanza y Vals” (The Chamber Soloists of the Hague's Baroque Orchestra).

Entre sus dúos para flauta y guitarra, se encuentran sus Nocturnos "Nocturno Opus 32" (Flauta, Federica Lotti & guitarra, Florindo Baldissera) y “Nocturno opus 38” Nº 2” Andante (Duo Salvi -Magnífico) Rondó-Allegro (Flauta, Federica Lotti & guitarra, Florindo Baldissera)

Hay que destacar también sus importantes tríos de cámara de cuerda y flauta o violín,
“Trío, Op.4 N°1” I. Allegro; II Romance III Rondeau allegretto, Vals (Nicolás Giordano, Violín ; Gisselle Fernández, Viola & Daniel Morgade, Guitarra), siendo el más importante de ellos el “Gran Trío Concertante, op. 30, para flauta violín, viola y guitarra I. Larguetto II. Tema y Variaciones III. Minuetto IV. Rondó

Curtis Mayfield

El 3 de junio de 1942 nació en Chicago el cantante, multi-instrumentista, compositor y productor estadounidense Curtis Mayfield, un músico pionero del soul y el funk que fue además uno de los portavoces de los derechos humanos en la década de los sesenta.

Comenzó su carrera en los años sesenta al frente de los Impressions, grupo que logró gran popularidad gracias a temas escritos por Mayfield como 'It's all right', 'People get ready', 'Keep on pushig' y 'We're a winner', canciones que en su voz se convirtieron en himnos de la población afroamericana. Curtis, más alejado de las grandes masas y en contraposición con los artistas de Motown escribía su propio material, lo que no era nada habitual en el mundo soul y en sus letras se involucró en el movimiento del 'orgullo afroamericano' como hacían Aretha Franklin y Nina Simone. En esta línea compuso su álbum debut 'Curtis', aparecido en 1970.

En 1972 llegó su gran éxito: 'Superfly', banda sonora que trascendió a la película y que puso a Mayfield, junto con Marvin Gaye y Stevie Wonder al frente de los nuevos exponentes del 'soul de autor'. Con hits como 'Pusherman', 'Freddies's dead' y el que le dio nombre, 'Superfly' está considerado uno de los álbumes más influyentes de la cultura afroamericana, así como uno de los primeros álbumes conceptuales del soul.

El resto de los años setenta se concentró en componer más bandas sonoras como 'Claudine' y 'Sparkle'. Logró tuvo algunos hits en las listas de R&B, como 'Kung Fu', 'So in love' y 'Only you babe', temas en una onda más comercial y convencional. En los años ochenta siguió publicando álbumes, como 'Love is the Place' (1982) y 'Honesty' (1983) que aún seguían apareciendo en las listas de R&B. En 1983 Curtis se volvió a reunir con los Impressions para realizar una gira. Su posterior álbum 'We Come in Peace with a Message of Love' de 1985, fue su primer trabajo que no lograba entrar en los listados de Billboard.

En 1990 pareció cambiarle la suerte. El grupo que lideró en los años sesenta, los Impressions fueron nominados para ingresar en el Rock and Roll Hall of Fame y uno de sus hits, 'Gypsy woman' (1961) había sido grabado por la banda de Carlos Santana. 'Takin It to the Streets', su primer álbum en más de cinco años se había publicado a comienzos del año y Curtis se encontraba realizando una gira internacional para promocionarlo. Una noche de verano de mucho viento en Brooklyn, Curtis se preparaba para iniciar un concierto y cuando se disponía a enchufar su guitarra, uno de los focos que iluminaban el escenario cayó por un golpe de viento e impactó en la cabeza de Mayfield. El resultado fue la fractura de dos vértebras y una tetraplejia que le inmovilizó las cuatro extremidades.
Asombrosamente, aún fue capaz de grabar en 1997 un último álbum, 'New World Order', componiendo, dirigiendo a los músicos y grabando con gran esfuerzo su voz tumbado en una cama. Murió dos años después, en diciembre de 1999, a los 57 años.