Bobby Helms

El 15 de agosto de 1933 nació en Bloomington (Indiana) el músico y cantante de rockabilly y country Bobby Helms. Comenzó actuando con su hermano Freddie antes de emprender carrera en solitario. En 1956 se traslada a Nashville donde consigue un contrato discográfico con el sello Decca Records.

Al año siguiente, su primer single 'Fraulein' (1957), alcanza el nº1 de las listas country y el Top40 de las listas pop. Ese mismo año publica 'My special angel', que repite nº1 en las listas del género y alcanza el Top10 de Billboard. Unos días antes de las Navidades de 1957, Helms graba 'Jingle bell rock', tema que se convirtió en un gran éxito, no sólo durante esas Navidades;  también en las cinco siguientes estuvo en las listas, convirtiéndose en un clásico navideño que aún hoy se puede oir por esas fechas.

Helms continuó actuando y grabando las tres décadas siguientes. Sus últimas entradas en listas fueron 'So long' (1969) y 'Mary goes 'round' (1970). Su condición de pionero y su contribución al género merecieron un reconocimiento del Rockabilly Hall of Fame. Murió en junio de 1997 a los 63 años.

Lukas Foss

El 15 de agosto de 1922 nació en Berlín, Alemania el pianista, profesor, compositor y director de orquesta Lukas Foss. Nacido Fuchs, se nacionalizó estadounidense donde modificó su nombre. Ha escrito abundante obra sinfónica, coral e instrumental en un estilo clásico, pero con variaciones vanguardistas.

Lukas Foss en 1944

Su familia huyó de la Alemania nazi en 1933. Se trasladó a París donde estudia con Lazare Lévy composición con Noël Gallon, instrumentación con Felix Wolfes, y flauta con Louis Moyse. En 1937 arriba a Estados Unidos como un niño prodigio -componía desde los 8 años- para estudiar en el Instituto Curtis de Música en Filadelfia, y estudió composición con Randall Thompson y Paul Hindemith. A los 15 años se publicó su primer trabajo, una serie de piezas para piano escritas en su mayoría en el Metro de Nueva York. A los 18 años ya se había graduado con honores en Curtis y continuó con estudios avanzados con Sergei Koussevitzky (en realización), y en la Universidad de Yale con Paul Hindemith en composición. En 1945 fue el compositor más joven en recibir una beca Guggenheim.

En 1983 fue nombrado miembro de la Academia Americana y del Instituto de la Artes y las Letras. Antes de ello (entre 1963 y 1970), fue director de la Orquesta Filarmónica de Buffalo y en 1953 designado docente de la Universidad de California. Más adelante lo sería también de la Universidad de Boston. Entre sus estudiantes figuró Claire Polin. Distinguido además con ocho doctorados honoris causa, dirigió también la Orquesta Filarmónica de Brooklyn y la Orquesta Sinfónica de Milwaukee dando nueva vida a los repertorios estándares, con programas inusuales.

Como compositor, Foss tiene como ídolo a J.S. Bach. En 1943 compuso “Capricho para violonchelo y piano” (Steven Honigberg, violonchello & Kathryn Brake, piano) y en 1944 “Three American Pieces” (1944) - I. Early Song, II Dedication, III. Composer's Holiday (Philippe Quint, violín & Lukas Foss, piano) Sus primeras obras son de estilo neoclásico “The Song of Songs” (1946), 1/2, 2/2 (Jennie Tourel, mezzosoprano, The New York Philharmonic & dir. Leonard Bernstein), y poseen una improvisación controlada.

En 1950 ganó el Rome Prize con 28 años de edad y al año siguiente compuso el “Concierto para pianoforte y orquesta nº2” (Lukas Foss, pianoforte & Los Angeles Festival Orchestra & dir. Franz Waxman).

Muchas de sus obras - “El héroe de calaveras”(1956), “Time Cycle” (1960) para soprano y orquesta (Jan Williams, dir & Soprano: Amanda De Boer), “Variaciones del Barroco” (1960) para orquesta, “Echoi” (1963) (The Group for Contemporary Music: Charles Wuorinen), “Geod” (1969) (Buffalo Philharmonic Orchestra & dir. Lukas Foss), “American cantata” (1977), “13 maneras de mirar un mirlo” (1978) para soprano, “Orpheus and Euridice, para dos violines y orchestra” (1983) (Yehudi Menuhin, Edna Michell, violines & Brooklyn Philharmonic dir. da Lukas Foss), “Tashi” (1986), para piano, clarinete y cuerdas cuarteto, y el “Renacimiento Concierto” (1985), para flauta y orquesta (Flauta: Jiyoun Hur & dir. Kevin Noe) son hitos del repertorio del siglo XX.

En obras, citadas anteriormente, como “Time Cycle “para soprano y orquesta y “Barroque Variations” para orquesta, puede verse el trabajo que desarrolló estudiando el uso de las probabilidades matemáticas adaptadas a la música, la improvisación, el sistema dodecafónico y la música aleatoria. En sus últimos trabajos ya se ve claramente su carácter poliestético, como en la “Música de la noche de John Lennon” Preludio, Fuga y coral (1978) Parte 1, Parte 2. Lukas Foss murió en febrero de 2009 a los 86 años

Jacques Ibert

El 15 de agosto de 1890 nació en París el compositor Jacques Ibert, ganador en 1919 del primer Gran Premio de Roma en el Conservatorio de París con la cantata “Le poète et la fée”. Su padre era financiero, su madre pianista. Comenzó sus estudios musicales a los cuatro años de edad, con una clara oposición por parte de su padre, pero siguió con su ambición de convertirse en un músico. Se matriculó en el Conservatorio de París a los 20 años, donde estudió con E. Pessard (armonía), A. Gédalge (contrapunto) y Paul Vidal (composición) además de Gabriel Faurè, entre otros. Escribió bajo las influencias del neoclasicismo y del impresionismo. Fue director de la Academia Francesa de Roma (1937-1960) y también administrador de la Ópera de París y de la Opéra Comique (1955-1957). Murió en París, febrero de 1962 a los 71 años.

Su producción abarca casi todos los géneros: escribió óperas, ballets y música para el teatro, cine y radio, además de obras vocales e instrumentales, todos ellos igualmente maravillosos, con un manejo especial en la idiomática de los instrumentos de viento. Compositor de vivaz ingenio, con un marcado tinte pintoresco; su música muestra la influencia de Claude Debussy y Maurice Ravel pero siempre se negó a aliarse con cualquier moda musical o de escuela, afirmando que “todos los sistemas son válidos”.

La música de Ibert se considera ser típicamente muy "ligera" de carácter, a menudo ingeniosa, orquestada coloridamente con melodías atractivas. Aunque no era un miembro de “Les Six”, su música comparte algunas características con las de los miembros del grupo. En su primera época compuso, entre otras obras, el poema sinfónico “La ballade de la geôle de Reading” (Slovak Radio Symphony Orchestra) y  “Escales” (1924) Parte I, Parte II (Rene Leibowitz dir. & The Orchestra di Roma).

En esta última obra es menos característico el impresionismo que en otros trabajos posteriores, como en las óperas “Angélique” (1926), ópera bufa; “Rey d'Yvetot” (1928), ópera cómica; y “Diane de Poitiers” (1934) (Orchestra Sinfonica di Mosca & dir. Adriano). El ingenio de Ibert también se encuentra en las obras orquestales “Féderique, ouverture de fête” (Orchestre des Concerts Lamoureux & dir. Yutaka Sado), o “Bacchanale” (Orchestre des Concerts Lamoureux & dir. Yutaka Sado), mientras que la “Symphonie Marine” (Camerata Venia & dir. Gleb Skvortsoves) una rica obra romántica es un canto del amor y de la muerte.

Entre sus otras obras instrumentales, el “Concierto para Flauta”  (Emmanuel Pahud & Tonhalle-Orchester Zurich), es reconocido como una obra maestra en el género y sobre todo, en su música ambiental para la comedia, “El sombrero de paja italiano” de Labich, obra que también utilizó años después en “Divertissement para orquesta” (1930) (Arthur Fiedler & The Boston Pops Orchestra) en la que incorpora parodias a otros compositores, como Mendelssohn y J. Strauss, en la que se manifiestan estilos pertenecientes al jazz y al vodevil.

Otras obras destacables son “Seis piezas para arpa solista” (Charlotte Balzereit, Arpa); el “Concertino de Camera para saxofón y orquesta” (John-Edward Kelly, saxofón Ostrobothnian Chamber Orchestra & dir. Juha Kangas); “Histories” diez obras para piano, siendo el famoso tema “Le petit âne blanc” para piano la 2ª de éstas, Parte 1, Parte 2 (Jean Yves Sebilotte, piano); la “Suite Elisabéthaine" (Daniela Kubrická, soprano & Slovak Philharmonic Choir e Slovak Radio Symphony Orchestra).

El sublime “Entr´acte” (1937) (Flautista Jonathan Brahms y guitarrista Benjamin Moran) constituye una de las piezas más famosas de guitarra y flauta. Dentro de la música de cámara de Ibert sobresale por su brillantez y profundidad el “Cuarteto para Cuerdas” completado bajo las terribles circunstancias de la Segunda Guerra Mundial. El “Trío para flauta, cello y arpa” (Yeon Vee Kim - Flauta, Caroline Wu- Cello & Daria Sarraf - arpa) también pertenece a esos años y fue escrito para la hija del compositor, una talentosa arpista. Es el autor de los ballets “Le chevalier errant” (sobre el tema de Don Quijote) obra coreográfica en cuatro escenas, una suerte de ópera-ballet en el estilo del siglo XVII ó la obra “Trois Pièces de Ballet” (Les Rencontres) (Slovak Radio Symphony Orchestra)

Para el teatro y el cine, Ibert fue un prolífico compositor de música incidental. Escribió para más de una docena de películas francesas, como “Golgotha”, suite de la banda sonora para el film de Julien Duvivier (1935) y para directores americanos por ejemplo la partitura para la película de Orson Welles sobre 'Macbeth' (1948) (Slovak Radio Symphony Orchestra). También la producción “Mil años de historia francesa” o el ballet del circo de Gene Kelly “Invitación a la danza” (1952).

Stuff Smith

El 14 de agosto de 1909 nació en Portsmouth (Ohio) el violinista de jazz Stuff Smith. Uno de los violinistas más importantes de la era del swing junto a Joe Venuti y Stephane Grapelli.
Se crió en Cleveland, donde aprendió los rudimentos del violín con su padre, director de una orquesta.

Cuando alcanzó un nivel adecuado de destreza, se unió a la formación familiar y luego, en 1926, entró a formar parte del conjunto de Alphonso Trent en Dallas. Permaneció con Trent durante tres años y dedicó también algún tiempo a tocar con Jelly Roll Morton. En 1930 regresó para trabajar una última temporada con Trent y luego se casó y se trasladó a Búffalo, donde formó su propio grupo y tocó por aquella zona hasta 1935, cuando se unió a Cozy Cole y Jonah Jones para tocar de forma estable en el Onyx Club de la calle 52.

Stuff y los Onyx Club Boys

El pequeño grupo, que interpretaba un intenso swing, se convirtió en poco tiempo en una gran atracción en el circuito de los clubes de jazz. En 1936 tuvo dos grandes éxitos con los temas 'I'se muggin'' y 'If you're a viper', que confirmaron la estatura musical del violinista. Smith continuó dirigiendo un trío en los años cuarenta, pero las volubles modas del jazz le condenaron a tener poca repercusión. Algunas de sus grabaciones forman parte del legado del Museo Nacional de Jazz de Harlem.

Prácticamente desaparecido de la escena, durante los años cincuenta seguía tocando en pequeños clubes. Fue rescatado del ostracismo por el productor Norman Granz que lo contrató para Verve y en 1957 Smith participó en las sesiones de 'After Midnight' que Nat King Cole realizó para Capitol. También tuvo ocasión de tocar con Dizzy Gillespie y esas sesiones, como las que dieron lugar al álbum 'Dizzy Gillespie and Stuff Snith' (1957), siguen siendo las interpretaciones más logradas de su carrera.

Aunque su estilo representó la transición del swing al bebop, a Smith no le gustaba demasiado el nuevo estilo. Está acreditado como el primer violinista en usar técnicas de amplificación eléctrica en su instrumento. A finales de los cincuenta y principios de los sesenta formó parte del circuito de giras y llegó a ser uno de los músicos preferidos de Europa. En 1960 grabó 'Cat on a Hot Fiddle' para Verve Records. 

Stuff Smith y Stephane Grapelli

Unos años después se estableció en Copenhague y se dedicó a viajar por Europa. Considerado junto con Joe Venuti y Stéphane Grappelli uno de los tres grandes violinistas del swing, grabó en 1966 con Grapelli y Jean Luc Ponty el álbum 'Violin Summit', Falleció durante una de sus giras, en septiembre de 1967, a los 58 años.

Franck Pourcel

El 14 de agosto de 1914 nació en Marsella el director de orquesta y compositor francés Franck Pourcel, considerado por muchos uno de los padres de la música 'lounge' y el 'easy listening'. Sus versiones de los éxitos populares y clásicos de siempre con tratamiento de violines y percusión fueron muy populares en todo el mundo y Pourcel llegó a ser durante varios años uno de los iconos más representativos de Francia junto con Brigitte Bardot y Air France. Fue el director de orquesta francés con mayor reconocimiento en Estados Unidos gracias a su versión en 1959 de 'Only you', que vendió más de tres millones de copias y se mantuvo 16 semanas en el top10 americano.

Con Lucienne Boyer en 1947

Con seis años comenzó a tocar el violín y más tarde, cuando se aficionó al jazz, practicó con la batería. Perfeccionó sus estudios musicales, primero en el conservatorio de Marsella y posteriormente en Paris. Tras servir en el ejército y de vuelta en su ciudad natal a comienzos de los años treinta, trabajó como violinista en la orquesta del teatro de la Opera de Marsella y por las noches tocaba la batería en clubes de jazz. Se casó en 1938, y seguidamente se convirtió en el director musical de la cantante Lucienne Boyer, a quien acompañó en sus giras alrededor del mundo permaneciendo con ella ocho años.

Sin embargo, el sueño de Franck era dirigir su propia orquesta donde pudiera expresar libremente sus ideas musicales, pero en la Francia de postguerra no había compañía discográfica capaz de contratar a los 50 músicos que formaban la orquesta. Tras varios intentos que acabaron en fracaso, Franck y su familia emigraron a Estados Unidos en 1950. Una vez allí, subsistió con pequeños trabajos mientras conseguía el permiso del sindicato americano de músicos y se afanaba en la búsqueda de un productor.

Pero fue en Francia donde surgió alguien capaz de llevar su proyecto a cabo y en 1952 Maurice Tezé llama a Pourcel para grabar en Paris los temas 'Blue tango' (un hit internacional de Leroy Anderson) y 'Limelight' (Candilejas). El público francés lo tomó por americano (una etiqueta muy positiva en aquellos tiempos) y rápidamente adquirió una gran popularidad. Dos años después firma con Pathé-Marconi, sello en el que publicaría nueve álbumes entre los años 1957 y 1959.

Al final de la década retornó a Estados Unidos y se estableció en Hollywood, donde comenzó a grabar para el mercado norteamericano como Franck Pourcel and the French Strings o Franck Pourcel's French Fiddles. En 1959, dos años después de que los Platters obtuviesen su mayor hit internacional con 'Only you', la canción cobró nueva vida a través de los violines de Franck y se vendieron más de tres millones de copias de su versión, permaneciendo 16 semanas en el top10.

Por aquel tiempo también comenzó a grabar piezas de música clásica. Sus series de 'Pages Célèbres' le llevaron a dirigir, entre otras, la London Symphony Orchestra, la orquesta de la BBC en el Royal Albert Hall y la Lamoureux Orchestra en la Salle Pleyel de Paris. Entre los años 1956 y 1972 dirigió asimismo la orquesta de la TV francesa en las ediciones del festival de Eurovisión. Todos los grandes cantantes franceses le querían como arreglista: Aznavour, Bécaud, Montand, Trenet, Gloria Lasso, George Ckakiris etc...

Con Raymond y Nicole Lefevre en 1965

Por su orquesta pasaron grandes músicos que harían carrera propia en el futuro como Paul Mauriat, Raymond Lefevre y Michel Legrand. Con Mauriat y Lefevre compuso, casi como una broma, el tema 'Chariot' que, cantado por Petula Clark, fue un hit en varios países europeos. La versión americana correspondiente, cantada por Little Peggy March y titulada allí 'I will follow him', fue nº1 en USA durante tres semanas en 1963 y en 1992 fue el tema principal de la película 'Sister Act'.

En 1975 la compañía aérea Air France le encargó el himno para su nuevo modelo, el supersónico 'Concorde', que se mantuvo conectando Norteamérica y Europa hasta su retirada en noviembre de 2003. En el repertorio de Franck cabían todos los géneros. Grabó álbumes monográficos de Beatles, ABBA, valses vieneses, música latinoamericana, pop francés, bandas sonoras...

Extremadamente discreto, aunque sus grabaciones superaban los doscientos álbumes y se exportaban a 58 países, Franck no solía alardear de ello y en las actuaciones televisadas huía del protagonismo y prefería mantenerse de cara a la orquesta, dando la espalda a la cámara. En 1981, Michel Drucker, famoso presentador de la TV francesa presentó a Pourcel con las siguientes palabras: “En el extraño mundo de la farándula, donde se puede uno encontrar desde estafadores hasta mercaderes de ilusión, hay un hombre distinguido, cuya apariencia es más la de un diplomático que la de un artista: Franck Pourcel, un hombre discreto, modesto y sin pretensiones de ninguna clase...

...Este hombre callado, de elegante silueta, ha grabado y vendido más discos que la mayoría de los artistas franceses combinados. Su carrera se expande por el mundo del espectáculo desde 'Candilejas’ y 'Tango Azul' hasta el 'Himno para el Concorde' pasando por 'Only you'. Es el primer conductor de orquesta francés que se ha hecho famoso en los Estados Unidos. Estoy ansioso por darle la bienvenida a él y a sus 80 músicos a mi programa de televisión.”
Pourcel falleció el 12 de noviembre de 2000 a los 87 años.

Leopold Hofmann

El 14 de agosto de 1738 nació el compositor austriaco de música clásica Leopold Hofmann, hijo de un funcionario sumamente culto. A la edad de siete años fué corista en la capilla de la emperatriz Isabel. También fue discípulo de Georg Christoph Wagenseil. Sus estudios incluyeron violín, clavecín y composición.

Catedral de San Esteban

En 1758 es nombrado "musicus" en San Michael. Se convirtió en el director coral de la iglesia de San Pedro en 1764 y, en 1766, Maestro de capilla. En 1769 se hizo profesor de la familia imperial.
La posición de Maestro de Capilla en la catedral de san Esteban de Viena, puesto al que llegó en 1772, suponía una gran responsabilidad y prestigio. En estas fechas, rehusó el cargo de director de la Capilla Imperial, pero fue destinado allí dos años más tarde, en 1774.

El episodio más conocido de su vida tiene que ver con Wolfgang Amadeus Mozart ya que el 9 de mayo de 1791, a propia petición, Mozart fue designado ayudante de Hofmann, un puesto sin salario. Cuando Hofmann enfermó gravemente, Mozart esperaba hacerse maestro de capilla si el maestro moría. Sin embargo, Hofmann sobrevivió a Mozart y mantuvo su puesto en la catedral hasta su muerte en 1793.

La fama y la productividad de Hofmann en los años 1760 y 1770 fueron grandiosas. Aparte de música de cámara y de iglesia, escribió cerca de sesenta conciertos para diversos instrumentos y numerosas sinfonías:

- “Concierto para Violonchelo en re mayor”, Badley D3 – I. Allegro moderato, II. Adagio ma non molto, III. Allegro Molto (Tim Hugh, violonchelo & Northern Sinfonía Orchestra)
- “Concierto para Violonchelo en re mayor”, Badley C1 – I. Tiempo Giusto,  II. Adagio un poco andante, III. Allegro Molto (Sol Gabetta, violonchelo)
- “Concierto para Violín en La mayor”, Badley A2 - I. Allegro moderato, II. Adagio, III. Allegro Molto (Takako Nishihaki)
- "Concierto para flauta en sol mayor”, Badley G3 – I. Maestoso, II. Adagio, III. Allegro Molto (Kazunori Seo, flauta)
- “Concerto para flauta, dos cornos, cuerdas y bajo continuo en re mayor”, Badley II:D1 - III. (Tafelmusik Baroque Orchestra & Jeanne Lamon)
- “Sinfonía en Si bemol mayor”, Badley Bb1 – I. Allegro ma non Molto, II. Andante, III. Vivace  (Northem Chamber Orchestra)
- “Sinfonía en Fa mayor”, Badley F2 – I. Allegro Molto andante, II. Menuet, III. Presto (Northem Chamber Orchestra