Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 12 de septiembre de 1944 nació en Galveston (Texas) el músico norteamericano Barry White. El pequeño Barry llevaba mal camino como miembro de las pandillas adolescentes. Un día, mientras cumplía una condena de cinco meses en prisión por robo, el joven de diecisiete años escuchó a Elvis por la radio cantando 'It's now or never', descubriendo su afición y talento con la música, la cual se convirtió en su salvación.
Gracias a la insistencia de su madre cuando era niño, Barry sabía tocar el piano y tras dejar atrás su vida de pandillero, comenzó a escribir canciones para cantantes como Bobby Fuller. Escribió los arreglos del tema de Bob & Earl 'Harlem Shuffle' (1963), que sería un hit en el Reino Unido en 1969 y descubrió nuevos artistas como Viola Wills y Felice Taylor.
The Love Unlimited
A continuación produjo un trio al estilo Supremes, Love Unlimited compuesto por las hermanas Glodean -su futura esposa- y Linda James y la prima de ambas, Diane Taylor. El primer single de Love Unlimited con un tema de White, 'Walking in the rain with the one I love' (1972), fue top10 en las listas de R&B y un éxito en el Reino Unido.
Como acompañamiento para las chicas, Barry había formado la orquesta de 40 miembros The Love Unlimited Orchestra, y ese mismo año 1972, grabó con ella un álbum instrumental, 'Rhapsody in White' que contenía el tema 'Love's theme' (1973), nº1 en el Top100 de Billboard y un hit en numerosos paises europeos. Fue uno de los primeros éxitos con sonido 'disco'.
White preparó entonces material para producir a un solista masculino, aún por decidir. Cuando su amigo Larry Nunes, -un industrial del negocio musical que ya le había ayudado financiando parte de sus proyectos-, escuchó las demos, intentó convencer a Barry de que grabara el nuevo álbum con su propia voz. White, que no quería oir hablar del asunto, se mostró muy reticente al principio, pero finalmente accedió y publicó el álbum 'I've Got So Much To Give' (1973), que contenía el tema 'I'm gonna love you just a little more baby' (nº1 R&B, nº3 Pop), su primer éxito como solista.
En los ochenta y parte de los noventa su estrella se apagó hasta que lo descubrió una nueva generación en 1993 gracias a su aparición como personaje animado en la serie The Simpsons. A partir de entonces sus discos volvieron a las listas y sus canciones se podían oir en varios shows televisivos y series como Ally McBeal, en la que apareció en persona un par de veces. En 1994 publicó su mayor éxito desde los setenta, el álbum 'The Icon is Love', considerado por muchos su mejor trabajo.
Cinco años después publicó 'Staying Power', que a pesar de obtener menos éxito que el anterior, le proporcionó su quinto Grammy. En el álbum incluye dos duetos con Chaka Khan y la inglesa Lisa Stanfield, quien dos años antes obtuvo un hit con su versión de los temas de White 'Never gonna give you up' y 'All around the world', esta última cantada con él.
Aquejado en sus últimos años con problemas de salud debidos a su alta tensión sanguínea, Barry sufrió una apoplejía en mayo de 2003, muriendo dos meses más tarde. Tenía 58 años.
El 11 de septiembre de 1948 nació en New Malden, Surrey el cantante y compositor británico criado en Escocia Ian David McGeachy, cuyo nombre artístico fue John Martyn en honor a las guitarras 'Martin'. Es fichado por Island Records en 1967 y en su carrera que duró más de 40 años publicó 20 álbumes, trabajando con músicos como Eric Clapton o David Gilmour.
Publica el álbum 'Solid Air' en febrero de 1973, dedicado a Nick Drake que se encontraba sumido en una profunda depresión (moriría de sobredosis el año siguiente). En este álbum explora por primera vez el jazz, con la colaboración esencial de Danny Thompson al contrabajo, Tristan Fry al vibráfono y John 'Rabbit' Bundrick al piano electrónico.
Tras la muerte de sus amigos Nick Drake y Paul Kossoff (guitarrista de Free), y harto de la industria discográfica, decide tomarse un año sabático en Jamaica, alrededor de 1975, tiempo que aprovecha para colaborar con grupos como Burning Spear. Vuelve de Jamaica cargado de ideas que le llevan a 'One World', álbum cargado de canciones románticas, donde participan amigos como Steve Winwood, que en esos momentos iniciaba su carrera en solitario tras abandonar Traffic; también colaboran Rico Rodriguez, con un impresionante solo de trombón, Jon Field (Jade Warrior), Dave Pegg y Danny Thompson.
'Grace & Danger' (1980)
Quizás su obra más personal -y oscura a la vez- sea 'Grace & Danger' (1980), que refleja la intensa etapa de autodestrucción y depresión que atravesó tras divorciarse después de diez años de matrimonio de la también cantante folk Beverley Martyn. Con la ayuda de Phil Collins, con este trabajo se aleja del folk, consiguiendo un sonido más pop. En 1998 edita su primer disco de versiones, 'The Church with One Bell', con temas deBillie Holiday,Portishead, Elmore James, Randy Newmano Lightnin' Hopkins.
Siempre con problemas de salud, la mayoría relacionados con la droga y el vodka Stolichnaya -su bebida favorita-, Martyn sufrió un accidente de coche en 1982 en el que se perforó un pulmón. Años después, en 1996 le tienen que extirpar el páncreas y en 2003 le es amputada una pierna por lo que ha de usar silla de ruedas en sus apariciones públicas. Murió de neumonía a los 60 años en enero de 2009. El mes de mayo de 2010 se publicó a título póstumo su última obra, 'Heaven and Earth'.
El 11 de septiembre de 1653 fue bautizado en Nuremberg el destacado organista, clavicembalista y compositor, Johann Pachelbel (la fecha exacta de su nacimiento es desconocida). Se encuentra entre los más importantes músicos de la generación anterior a Johann Sebastian Bach, de cuyo padre fue amigo.
Universidad de Altdorf
Johann Pachelbel recibió de niño las primeras lecciones de música, en su ciudad natal, de Heinrich Schwemmer y Georg Kaspar Wecker, quienes le enseñaron composición e interpretación. Tras terminar sus estudios en la Academia de San Lorenzo, en 1669 ingresó en la Universidad de Altdorf, compaginando las clases con sus actividades como organista en la Lorenzkirche; sin embargo, la precariedad económica de la familia impidió al joven músico seguir estudiando en la universidad, en la cual apenas permaneció un año. Parece que en la primavera de 1670 empezó a frecuentar la escuela poética de Ratisbona y a asistir a las clases particulares de Kaspar Prentz, quien le introdujo en el conocimiento de los grandes compositores italianos de la época.
Catedral de San Esteban (Viena)
Influido por Prentz, en 1673 se trasladó a Viena para asumir el cargo de organista suplente en la catedral de San Esteban. Cuatro años después fue nombrado organista de la corte de Eisenbach, al servicio del príncipe Johann Georg, duque de Saxe-Eisenach. En junio de 1678 fue contratado por la iglesia protestante de Erfurt; allí contrajo matrimonio con Barbara Gabler en 1681, pero al cabo de dos años quedó viudo, al morir su esposa y su hijo en una epidemia. En 1684 se casó en segundas nupcias con Judith Drommer, con la que tuvo siete hijos, dos de los cuales, Wilhelm Hieronymus y Carl Theodorus, fueron también músicos.
En 1690 fue llamado a la corte de Württemberg en Stuttgart, para ocupar el cargo de músico y organista. Obligado a huir de ella en 1692 debido a una invasión francesa, se instaló en Nuremberg y pocos meses más tarde regresó a su región natal, Turingia, donde fue nombrado organista de la ciudad de Gotha.
En 1695, tras el fallecimiento de su antiguo maestro Wecker, organista de San Sebaldo en Nuremberg, le fue concedido dicho puesto, en el cual se mantuvo hasta su muerte.
Pachelbel falleció en su ciudad natal a la edad de 52 años, el 3 de marzo de 1706, y fue enterrado el 9 de marzo. Algunos comentaristas opinan que es poco probable que hayan dejado su cadáver tanto tiempo sin enterrarse. La costumbre era enterrar a los muertos en el tercero o cuarto día post-mortem, de modo que, se estima el 6 o 7 de marzo 1706 como fecha más probable de su muerte. Johann Pachelbel se encuentra sepultado en el cementerio de San Rochus en Núremberg, Alemania.
Pachelbel es autor de numerosas obras, entre las cuales destacan: “Musikalisches Sterbensgedanken” (1683), “Musikalisches Erzätzung” (1691), ocho preludios para corales (1693), el conjunto de seis arias para clavicémbalo con variaciones “Hexachordum Apollinis” (1966) y sus muchas composiciones para órgano chaconas : “Chaconne en fa menor”, fugas y tocatas: “Preludio y Fuga en Re menor", “Fuga en Do mayor”; “Preludio en Re menor”; sus “lieders” espirituales, diversas piezas para clavicémbalo, corales variados, cantatas, fantasías: “Fantasía en Sol menor”, misas, motetes y el conjunto de más de noventa “Magnificat's” para fuga.
A pesar de que fue un maestro del estilo “cantabile” (regularidad del desarrollo de las voces, armonía y ritmo), su música, tanto la instrumental como la vocal, fue olvidada poco después de su muerte y no se recuperó hasta la primera mitad del siglo XIX, cuando Franz Commer publicó la mayor parte de su obra escrita para órgano en Música Sacra. En 1901 se editó la serie completa de sus 95 fugas sobre el “Magníficat” en Denkmälern der Torkunst in Österreich, y muchas de sus obras para clavicémbalo fueron posteriormente incluidas en Denkmälern der Torkunst in Bayern.
Pachelbel escribió esta obra alrededor de 1680, siendo originalmente una obra de música de cámara para tres violines y bajo continuo; posteriormente se han realizado arreglos para una gran variedad de instrumentos y conjuntos. Originalmente, una giga en la misma tonalidad (re mayor) sigue al canon, pero esta última danza se ejecuta o graba con mucha menos frecuencia. El Canon es muy conocido por la progresión armónica de los instrumentos de cuerda, que lo han convertido en una de las piezas más reutilizadas en la música popular contemporánea. Suele incluirse en compilaciones musicales con otras piezas de la época barroca junto con el Adagio de Tomaso Albinoni y el Aria de Johann Sebastian Bach; también se utiliza frecuentemente en las celebraciones de bodas.
La versión original es interpretada por tres violines que tocan sobre la melodía del contrabajo. Al inicio, el bajo solo toca dos compases, que, de acuerdo a la técnica del bajo continuo, se interpreta con el acorde. Al principio, el primer violín ejecuta la primera variación. Al llegar al final, comienza la segunda variación, mientras que el segundo violín arranca con la primera variación. Al final de la segunda variación, el primer violín comienza la tercera variación, el segundo la segunda, el tercero la primera, y se sigue esa pauta. La complejidad de la estructura del Canon aumenta hacia la parte central de la pieza cuando las variaciones se van haciendo más complejas. Después, la pieza vuelve gradualmente a una estructura menos compleja. En total hay 28 variaciones. El Canon es relativamente simple y no utiliza, por ejemplo, aumentos o disminuciones del ritmo.
Los nueve primeros compases del Canon en re mayor: los violines tocan el Canon a tres voces por encima de la línea de bajo que interpreta el motivo central. Los colores se utilizan para indicar las variaciones individuales, de las que se ven aquí 3 de las 28:
Aunque la obra es denominada como Canon en re mayor se refiere únicamente a una parte de su estructura. Si bien es un canon perfecto o cerrado a tres voces, una forma polifónica previa a la Fuga, posee las características de otra forma musical barroca (tema con variaciones) que usaron danzas en tiempos ternarios como la “Chacona” o el “Pasacalle”.
En conclusión, esta obra está estructurada como un “canon”, tema con variaciones, y además está basada, tanto armónica como estructuralmente, sobre un diseño melódico “ostinato” (Obstinado, forma musical basada en la repetición constante de un fragmento musical) que se repite durante toda la composición en la línea de bajo de dos compases:
Este mismo “ostinato” se repite 28 veces. Los acordes de la pieza son: re mayor (tónica), la mayor (dominante), si menor (tónica paralela), fa# menor (dominante paralela), sol mayor (subdominante), re mayor (tónica), sol mayor (subdominante), la mayor (dominante). La progresión de acordes es I V VI III IV I IV V. Esta secuencia o similares se pueden ver en otros cánones de música clásica. Mozart utilizó esa secuencia en un pasaje de “La flauta mágica (1791). Haydn podría haberse inspirado también en la secuencia para su Minueto para cuarteto de cuerdas op. 50 n.º 2, compuesto en 1785. Sin embargo, estos pasajes de Haydn y Mozart no concuerdan exactamente con el de Pachelbel, siendo ambos diferentes en los dos últimos compases.
• El Canon de Pachelbel en la cultura popular
La popularización de la pieza a gran escala comenzó con la publicación de dos grabaciones que contenían la pieza en 1970, una de la Orquesta de Cámara Jean-François Paillard y otra de la Orquesta de Cámara de Stuttgart, adaptada y dirigida por Karl Münchinger, que continúa siendo considerada como una de las mejores grabaciones de la pieza.
El Canon de Pachelbel es quizá la pieza que más variaciones y versiones tiene de la historia de la música. En un periodo muy corto al comienzo de los años setenta, pasó de ser una obra bastante oscura de música barroca a objeto cultural conocido universalmente por todo el mundo. Se ha interpretado en innumerables versiones, tanto utilizando las partituras y los instrumentos originales como adaptándola para otros instrumentos y otros géneros musicales, y este proceso parece no perder ímpetu.
El Canon aún hoy puede ser reconocido por mucha gente sin tener idea de quién es su autor ni cómo se titula, algo que generalmente sucede con muchas canciones pop. Es, en definitiva, un precursor ejemplo de lo que la industria denomina "catchy” (pegadizo). Pero ésa es sólo una de las razones de su vigencia.
No tiene sentido insinuar que se trata de plagios, porque en muchos casos ni siquiera hay influencia: la armonía de los Canones es sencillamente perfecta y cualquier músico que la descubre por primera vez experimenta algo único.
Es un ensamble de acordes tan natural que un oído humano promedio puede detectar, casi por instinto, que el acorde que escucha es el justo continuador del anterior y así sucesivamente.
Podemos decir que la unión de esos ocho acordes mágicos ha fundado una de las grandes tradiciones de la música occidental. Es un caso extraño, una melodía que llama la atención a más de un melómano, ansioso por comprender si el fenómeno tiene alguna explicación racional.
• Temas musicales basados en el “Canon”
La armonía hace referencia a las notas de una canción, pero no a las notas concretas, sino a las relaciones entre ellas. No importa si una partitura está en Re y otra está en Si bemol, ambas pueden tener la misma armonía. El análisis armónico es abstracto con respecto al tiempo. Se trata de asociar acordes con compases o unidades métricas arbitrarias. Una canción puede estar a distintos “tempos” y sin embargo tener la misma armonía. Una puede ser un canon barroco y lento, la otra un punk-rock furioso, y ambas compartir la misma armonía. Con estas premisas se expone esta lista de temas musicales, entre muchos más, que pueden considerarse por algunos analistas, inspirados o basados en el Canon de Pachelbel, aunque existan variaciones con respecto a la armonía y estructura originales del mismo.
Otros temas, por orden alfabético: "All together now" - The Farm
“Ambient” - Brian Eno "Basket Case" - Green Day
"Beach Baby" - The First Class "Cryin" - Aerosmith
"Domain" on the album "Lifeforms" - The Future Sounds of London
"Don't let it be love" - Bowling for Soup
"Streets of London" - Ralph McTell "That's the way God planned it" - Billy Preston "Torn" - Natalie Imbruglia "Tunnel of Love" - Dire Straits (1980)
"Valley of the Damned" - Dragonforce "Walking on the Milky Way" - OMD
"Welcome to the black parade" - My Chemical Romance
"We're not gonna take it" - Twisted Sister "When a Man loves a Woman" - Percy Sledge (1966) "With or without you" - U2
En 2005, tuvo gran impacto un vídeo colgado en Google Video donde un joven guitarrista taiwanés, Jerry Chang, interpretaba el Canon a la guitarra en una adaptación libre en versión rock. The New York Times inició una investigación hasta encontrarle y poderle hacer una entrevista.
• Temas de Películas o series TV
"13 going on 30" directed - Gary Winick (2004) "A princess diaries - Royal engagement" (2004), (escena de la boda)
"Arthur's Perfect Christmas" (2000)
"Bob the butler" - Gary Sinyor (2005)
"Evangelion: Death and Rebirth" (1997)
"Atracción Fatal" - Adrian Lyne (1987)
"Ichigo 100%" (serie 'manga' de animación)
"Kanon" (serie de animación) - Canon D (episodio 1 y 14)
"My Sassy Girl" (2002) (comedia coreana)
"Gente corriente" - Robert Redford (1980)
"Runaway bride" - Garry Marshall (1999) "Seul contre tous" - Caspar Noé (1998)
"Step Up" – (En una escena)
"Super Android 13" - (Dragonball Z movie) "The Classic" (film coreano)
"The Enigma of Kaspar Hauser" - Werner Herzog
"The Persistence of Memory" - un episodio de la serie Cosmos de Carl Sagan
"The Sweetest Thing" - Roger Kumble (2002)
"The Wedding Planner" - Adam Shankman (2001)
"Vietnam" - Serie de TV australiana con Nicole Kidman (1988). “Volver a empezar” (1981) – J.L. Garci
"Wedding Crashers" - David Dobkin (2005)
"Wedding Wars" (TV-series) - Jim Fall (2006)
• Música de anuncios publicitarios
Coca Cola - spot TV para la “Copa del Mundo 2006” General Electric - spot TV de bombillas (1980s)
Pantene, en el anuncio de “Pantene Crysalids”
• Música de vídeo-juegos
"Audition Online" - juego online “BauTz's epic FAIL 2010” "FFX AMV" - (originalmente 'Faraway' de Nickelback)
"Gran Turismo 4" – juego Play
"Mother 3" para la Gameboy Advance
"Pokémon Silver/Gold/Chrystal" en Goldenrod City "Pump It Up Exceed 2" – BanYa, Canon-D
El 10 de septiembre de 1925 nació en Nueva Orleans el músico y cantante de blues Roy James Brown, que ayudó a construir el puente sobre la brecha que aún separaba el blues del rock and roll. Tras un breve intento de convertirse en boxeador profesional, Brown se decide por la música y en 1947 graba 'Good rockin' tonight', que más tarde (1954) versionaría Elvis en la famosas sesiones de Sun Records.
Entre 1948 y 1951 Roy Brown tuvo más de una decena de hits, entre ellos, 'Hard luck blues''Love don't love nobody', 'Rockin' at midnight' o 'Cadillac baby'. Pero los cincuenta fueron un calvario para el bluesman, que había sido uno de los poquísimos artistas negros en embarcarse en un proceso legal contra su compañía discográfica reclamando royalties. A consecuencia de ello fue puesto en la lista negra y sus canciones dejaron de radiarse, lo que produjo un bajón considerable en las ventas.
Pasó los sesenta sobreviviendo gracias a la venta de los derechos de 'Good rocking tonight' y ejerciendo de vendedor ambulante de enciclopedias. A principio de los setenta y gracias a la publicación de una recopilación de sus grandes éxitos se reavivó el interés por su música y consiguió varias actuaciones que le permitieron recuperar el éxito de antaño hasta su muerte de un infarto a los 55 años en mayo de 1981.
El 10 de septiembre de 1659 (sin datos exactos), está establecida la fecha que señala el nacimiento- por la edad que aparece registrada en su tumba en la abadía de Westminster- del músico y compositor inglés del Barroco, Henry Purcell, probablemente en Westminster, un barrio de Londres, en el seno de una familia de músicos.
Su padre, también llamado Henry, había tomado parte como cantante y actor en la representación de la primera ópera inglesa y más tarde fue maestro de la abadía de Westminster. Su tío Thomas fue músico de la corte del rey Carlos II y su hermano menor, Daniel, fue también músico. Entró como cantante en la Capilla Real a la edad de 10 años y cuando su voz cambió pasó a trabajar con el conservador de los instrumentos reales. En 1677 ocupó el cargo de compositor de los violines del rey, y tres años después sucedió a John Blow en el puesto de organista de la Abadía de Westminster. En 1682 fue nombrado organista de la Capilla Real y en 1683 compositor ordinario del King's Musick, cargo de gran importancia bajo el reinado de Carlos II. Más tarde fue clavicembalista con el rey Jacobo II.
Abadía de Westminster
Fue también profesor de música de miembros de la aristocracia, compuso odas y anthems ceremoniales para eventos reales, así como obras para el ámbito teatral, religioso y doméstico. Purcell murió el 21 de noviembre de 1695 a la edad de 36 años, en la cumbre de su fama. Poco después, su esposa recopiló varias de sus obras, las cuales se publicaron en dos famosos volúmenes: “Orpheus Britannicus I” (1698) y “II” (1702). Fue enterrado en la Abadía de Westminster, debajo del órgano que tanto
tiempo tocó. Su epitafio dice: «Aquí yace el honorable Henry Purcell,
quien dejó esta vida y ha ido a ese único lugar bendito donde su armonía
puede ser superada».
Entre las primera obras de Purcell se encuentran las Fantasías para viola (1680), “Fantasía VII” (Hesperion XX, Jordi Savall), que representan el final florido de la música isabelina. Muestran asimismo el dominio del joven compositor en la utilización de las técnicas contrapuntísticas de la polifonía antigua, así como la profundidad emocional y el control expresivo de la disonancia, típicas del estilo renacentista, características también patentes en los anthems de este periodo como “Remember not” (Timothy Brown, Baroque Brass Of London & The Choir of Clare College, Cambridge), “Lord”, “Our offences” (1682) y en su primera serie de salmos funerarios (c. 1683).
En 1685 compuso música ceremonial, como el anthem de la coronación “My Heart is Inditing”, al tiempo que iniciaba su producción de música instrumental de cámara como las “12 sonatas a tres partes” (1683) Sonata Nº.1 in sol menor Z. 790 Vivace - Adagio - Presto - Largo (London Baroque) y las “10 sonatas a cuatro partes” (1697), donde también se aprecia la influencia de la música italiana como las sonatas de Arcangelo Corelli. Aparte de la música para teatro, Purcell también compuso 80 canciones y duetos. Para crear tensión y un cierto sentido de inevitabilidad empleaba la chacona, forma musical en la que la melodía y la armonía varían sin cesar sostenidas por una línea de bajo repetitiva y que alcanza su máxima expresión en el lamento "When I am laid in earth" de su ópera “Dido y Eneas” (Londres, 1690) “Obertura” (The English Concert & Trevor Pinnock). Tal vez las obras más famosas de Purcell sean las de teatro, al que comenzó a dedicar mayor atención a medida que la música religiosa iba decayendo.
Su única ópera es "Dido y Eneas", obra maestra estrenada en 1689. Purcell compuso otras obras dramáticas, denominadas a veces semióperas, que son piezas de música instrumental y vocal escritas para acompañar obras de teatro. La prematura muerte de Purcell tuvo un profundo efecto sobre la música inglesa. Si hubiera vivido más tiempo podría, por ejemplo, haber escrito una serie de óperas que habrían establecido una tradición inglesa de este género. Así, en cambio, fue la ópera italiana la que dominó el Londres del siglo XVIII en la época de Händel.
Puede decirse lo mismo de la música coral, ya que obras como "Soul of the World" de la “Ode on St Cecilia's Day” (1692) (Gabrieli Consort & Gabrieli Players) demuestran que Purcell estaba a la altura de Händel como autor de música solemne y grandiosa. Sin embargo, el redescubrimiento de la música de Purcell ha sido decisiva en el resurgir de la música inglesa del siglo XX, de forma que la influencia que a su muerte se desvaneció con rapidez, se ha impuesto más de 200 años después. Su viuda, en el año 1696 -un año después de su muerte- publicó “A Choice Collection of Lessons” ( una escogida colección de lecciones) para clave, donde se incluían ocho suites que recordaban a Froberger y, por su sutilidad armónica, a Louis Couperin. Las compuso para clave aunque muchos dicen que si hubiera conocido el piano las hubiera compuesto para dicho instrumento. Pudieron ser escritas como un libro para los estudiantes, aunque no están clasificadas para un grado en concreto. Su Obra
El catálogo de Henry Purcell comprende un total de 860 composiciones.
Su obra recibió la influencia de tres estilos:
-La música inglesa. El padre y el tío de Purcell eran músicos ingleses. No tuvieron contacto con otros estilos.
-La música francesa. Los maestros de Purcell estudiaron en Francia y tuvieron claras influencias de este estilo.
-La música italiana. Desde 1680 hubo un gran auge de la música italiana en Inglaterra y Purcell estuvo ampliamente expuesto a ella.
• Música instrumental
Esta música tiene dos claros estilos en Purcell: el tradicional y el italiano (este último muy dominante en sus sonatas). Destacan sus ocho suites, unas veinticinco marchas y piezas para clavicémbalo y sonatas para violín. Las Fantasías para cuerda siguen las pautas de la música inglesa para viola. Su estilo se parece al del madrigal polifónico, donde cada instrumento recibe la misma importancia. Muestran además el dominio del joven compositor en la utilización de las técnicas contrapuntísticas de la polifonía antigua, así como la profundidad emocional y el control expresivo de la disonancia, típicas del estilo renacentista.
La famosa “Chacona en sol menor” (Il Giardino Armonico) está construida sobre los cimientos de un tema recurrente de ocho compases en el bajo (ostinato) creando una arrolladora inercia de combinaciones melódicas y armónicas a lo largo de dieciocho variaciones.
Luego siguen las “12 Sonatas a tres partes” (1683) (Musica Amphiom), que fueron compuestas en un estilo totalmente diferente; Purcell dice en su prólogo que se “esforzó por imitar fielmente a los más famosos maestros italianos”. Las 8 sonatas, son las tempranas versiones de lo que posteriormente se conocería cómo las “10 sonatas a cuatro partes” (The London Baroque). Estas sonatas no se publicaron hasta 1697, dos años después de la muerte del compositor.
En ellas se observa un mayor control de la forma que en las primeras versiones. Las armonías son a menudo asombrosas, con las disonancias típicas de la forma barroca, y el estilo muestra, en general, que son mucho más originales que las obras de Corelli, incluso las del último período, aunque no poseen este encanto italiano que provocó el éxito del de Rávena, “Sonata nº IX en Fa mayor”, llamada “sonata de oro” (The ensemble Voices of Music).
La “Suite en sol mayor” están formada por cuatro danzas. Preludio: es la introducción de la suite. Precede a las danzas. Tiene un estilo italiano ya que Purcell poseía influencias italianas. Alemanda: Es la primera danza, si consideramos al preludio como una introducción, es lenta y grandiosa. Courante: Es la segunda danza viva y ágil compuesta en compás ternario (3/4). Minuet: Es la última danza de la suite. (The London Baroque).
• Música religiosa
Con clara influencia italiana, la obra eclesiástica de Purcell se divide en tres géneros:
- El “Full Anthem” (composiciones sobre texto sagrado para conjunto vocal): “Hear My Prayer, o Lord”, (The Choir of Clare College & dir. Timothy Brown) compuestos antes de 1683, se trata de motetes tradicionales, complejos y laboriosos.
- El “Verse Anthem”: "My Beloved Spake" (1677) (Gabrieli Consort & dir. Paul McMreesh), escritos en sus últimos años bajo el estilo francés.
- 'Secciones corales' de carácter grandilocuente: 'Funeral March' (Queen Mary funeral) (Timothy Brown & The Choir of Clare College, Cambridge).
• Música profana Purcell compuso varias odas reales con motivo de algún acontecimiento importante de la nobleza o del rey (algún cumpleaños o retorno). Su habilidad en este género creció prodigiosamente desde 1680. Cabe citar sus dos odas, la oda para el día de santa Cecilia “Hail! Bright Caecilia - Soul of the World” (1692) (Taverner Consort and Players), y la “Oda para el cumpleaños de la reina Mary” (1694) (Equale Brass Ensemble, John Eliot Gardiner & Monteverdi Orchestra). Además compuso “anthems profanos” como "Mi corazón me está dictando" y canciones: "Música para un rato" (1692) (soprano: Varda Kotler), "Ninfas y pastores" o "Himno nocturno" y “Remember not” (Matthew Curtis, tenor y director)
Los “verse anthems” probablemente deben algo en su forma a las odas reales: “Lord, how long wilt Thou be angry?” (Timothy Brown & The Choir of Clare College, Cambridge). En ellas el texto versificado, era muchas veces de escasa calidad literaria, pero su mayor extensión, comparada con el anthem, permitía que la parte solista adquiriera una importancia primordial. Las odas comienzan con una obertura al estilo francés y tienen solos para voces seguidos de secciones corales que prolongan los solos. Incluso cuando utiliza formas italianizantes o versos pastoriles, no suele haber sentimentalismo en Purcell, sino más bien una actitud irónica.
• Música escénica
La música de Purcell enriquece de tal manera las emociones de los protagonistas, que en el plano del drama humano la ópera en ningún momento deja de ser muy emocionante. Purcell tiene un atractivo catálogo de música incidental para el teatro. Se trata de danzas y "act tunes" (melodías para actuar), “Distressed Innocence”, “Abdelazer” (Joy Roberts (soprano) & The Academy of Ancient Music & dir. Christopher Hogwood), “The Married Beau” y canciones, que a veces son simples melodías y otras se presentan en forma de dúos con diálogos. Otras obras escénicas son 'semióperas': La profetisa, o La historia de Diocleciano ('Dioclesian', 1690), El rey Arturo ("King Arthur", 1691) (Freiburger Barockorchester), La reina de las hadas ('The Fairy Queen', 1692) aria “O let me weep” (Philippe Jaroussky, countertenor, Ensemble Artaserse) ó La reina india "The Indian Queen" empezada en 1695, Carolyn Sampson, soprano & Freiburger Barockorchester)
Su única ópera propiamente dicha, “Dido y Eneas” (1689) con libreto de Nahum Tate, está basada en una historia de amor extraída del libro IV de la Eneida de Virgilio, sobre la legendaria reina de Cartago, Dido y el refugiado troyano Eneas. Cuando Eneas y su tropa naufragan en Cartago, él y la reina se enamoran. Pero, por envidia a Dido, las brujas se confabulan y le hacen creer al héroe que debe partir y que su destino es refundar Troya. Dido, se lamenta ya que no puede vivir sin su amor, sin embargo, cuando Eneas decide quedarse, ella lo rechaza, y se deja morir. Se trata de un drama de amor y confabulación. Está desarrollado en tres actos, 'Dido and Eneas' (Ricercar Consort & Collegium Vocale Gent, dir. Philippe Pierlot).
Dido, la mítica reina de Cartago, se suicida al saber de la partida de Eneas.
Los dramaturgos del siglo XVI preferían pintar a la protagonista con una gran fortaleza, dejándose guiar por la razón y venciendo tentaciones. Sin embargo, los dramaturgos del siglo XVII y XVIII resultan menos interesados por ese espíritu tan moralizante y desarrollan más esa dualidad razón-pasión, donde elige el libre albedrío. Purcell, por tanto, prefiere la dramatización de la caída de la mujer ante la pasión, decisión que además atrajo a su obra un público bastante más numeroso.
Después del éxito de su ópera Dido y Eneas, Purcell compuso "La reina de las hadas" (Les Concert des Nations & dir. Jordi Savall) en 1692, una adaptación de la comedia de William Shakespeare "Sueño de una noche de verano" obra de casi 100 años antes, por lo que los libretistas reformaron considerablemente el texto original para darle un aire "moderno".
“El Lamento de Dido” (Dido's Lament) es el nombre de la famosa aria de la ópera Dido y Eneas a la que también se le llama "When I am laid in earth" (Cuando yazca en la tierra) (Dubravka Zubovic, mezzosoprano). El aria, hecha a forma de lamento “chacona” es una forma musical en la que la melodía y la armonía varían sin cesar sostenidas por una línea de bajo repetitiva, cantada por una soprano o mezzosoprano. Aparte del acompañamiento instrumental la pieza es un solo, esto aumenta el drama emocional de la escena.
El héroe troyano Eneas deja la ciudad de Cartago a pesar del amor compartido con la reina Dido. Ella, sabiendo que no puede vivir sin Eneas, decide suicidarse inmolándose en una hoguera. Irónicamente, el camino que toma el barco de Eneas es iluminado por el fuego. En la que es posiblemente la más famosa escena en la opera, Dido dice sus últimas palabras a su leal doncella, Belinda, antes de morir.”
Thy hand, Belinda, darkness shades me, On thy bosom let me rest, More I would, but Death invades me; Death is now a welcome guest.
Tu mano, Belinda; la oscuridad me envuelve.
En tu seno déjame descansar.
Más quisiera, pero la muerte me invade;
La muerte es ahora una bienvenida visita.
When I am laid, am laid in earth, May my wrongs create No trouble, no trouble in thy breast; Remember me, but ah! forget my fate, Remember me, remember me, but ah! forget my fate.
Cuando yazga, yazga en la tierra, que mis errores
no causen cuitas a tu pecho;
Recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino;
Recuérdame, recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino.
Bandas sonoras y adaptaciones:
- Adaptación del “Funeral Of Queen Mary” para la película “La naranja mecánica” de Stanley Kubrick dirigida en 1971.
- Uno de los elementos mas singulares de la película “El pájaro de felicidad” (1993) de Pilar Miró es, sin duda, su banda sonora. En un momento culminante del guión, justo cuando Carmen (Mercedes Sampietro) se queda por fin sola, con la única compañía de su nieto y de su perro, comienza a sonar una de las arias más hermosas de la ópera barroca y de la historia de la música: el “Lamento de Dido” de “Dido and Aeneas” (Soprano Jessye Norman, dir. Jane Glover & The Orchestra of St. Lukes)
- A la hora de componer la banda sonora la película, 'El Contrato del Dibujante' (The Draughtsman's Contract, 1982) en la que Greenaway debutaba como director, la sabia fusión del estilo minimalista de Nyman (en el que un mismo motivo melódico se repite de manera hipnótica una y otra vez, sin apenas variaciones en el mismo) con el estilo barroco de la música de Henry Purcell, cuyas obras sirvieron de inspiración al autor a la hora de componer. La Michael Nyman Band, interpretó el que quizás sea el tema de Nyman más popular, el titulado “Chasing Sheep is Best Left to Shepherds”. El título es un viejo refrán inglés que, traducido, vendría a significar algo así como 'es mejor dejar a los pastores perseguir a la oveja', y equivaldría al dicho castellano 'zapatero, a tus zapatos'. O lo que es igual, es mejor dejar que los profesionales se encarguen de su trabajo antes que hacer una chapuza uno mismo.
- En “Vanity Fair” (2004) dirigida por Mira Nair la actriz Natasha Little hace el papel de Becky Sharp y ella misma canta el aria" When I am laid in Earth” del “Lamento de Dido” de la ópera Didos y Enea.
- En la película 'Orgullo y Prejuicio' (Pride & Prejudice), 2005 La música totalmente instrumental de Marianelli conserva el tono clásico necesario para el film de época utilizando entre otras melodías una canción de danza clásica, como la central del baile entre los dos protagonistas, punto álgido del film, que se trata de una versión de 'Abdelazar', cuyo título homenajea también al autor original: 'A postcard to Henry Purcell'
