Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 4 de Marzo de 1678 nació en Venecia (Italia el compositor y músico del Barroco tardío Antonio Lucio Vivaldi, más conocido como Antonio Vivaldi, una de las figuras más relevantes de la historia de la música, cuya maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto.
Giovanni Legrenzi
Su padre, el músico Giovanni Battista, apodado Rossi (el Pelirrojo), fue miembro fundador del "Sovvegno de’ musicisti di Santa Cecilia", organización profesional de músicos venecianos; asimismo fue violinista en la orquesta de la basílica de San Marcos y en la del teatro de S. Giovanni Grisostomo. Fue el primer maestro de su hijo, que también fue, probablemente, discípulo de Giovanni Legrenzi.
El 18 de septiembre de 1693, Antonio ingresó en un seminario y recibió sus primeras órdenes religiosas. Más inclinado hacia la música que hacia las obligaciones religiosas, logró que se le dispensara de decir misa por razones de salud.
La carrera del veneciano estuvo marcada por cuatro grandes etapas, dominadas todas ellas -según dicen algunos- por la figura paterna: La primera fue la de la adquisición de una fama europea en el terreno de la música instrumental con la publicación, por el editor veneciano Sala y después por el prestigioso impresor holandés Roger, de dos Opus de sonatas para violín y dos colecciones revolucionarias de conciertos para el mismo instrumento: “L'estro armonico”: "Concierto para 2 Violines en La menor, Op. 3, No. 8: I. Allegro en 1711, seguido de “La Stravaganza” Concierto no.1 en Si bemol mayor (Rachel Podger & Arte dei Suonatori) en 1714. Estas obras novedosas superaron las innovaciones de Giuseppe Torelli y Albinoni, y le garantizaron un éxito fenomenal que se tradujo, en particular, en la reimpresión inmediata de sus Opus en Londres y París.
Hospitale della Pietà
La segunda etapa fue la de su contrato en el Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas de su ciudad. Para ellas fueron creadas muchas de sus composiciones; en algunas transcripciones modernas de sus obras pueden leerse aún los nombres de las jóvenes para quienes iba dedicada cada aria. El 1 de septiembre de 1703, recién ordenado sacerdote y con 25 años, Vivaldi fue nombrado maestro de violín de la orquesta de la Pietà y encargado después de la enseñanza de la viola all’ inglese donde realizó a lo largo de su vida una carrera tumultuosa, consecuencia de su personalidad histriónica y enfermizamente independiente. Pero sus caóticas relaciones con aquella institución, sembradas de rupturas y reconciliaciones, no le impidieron hacer de aquel puesto prestigioso su laboratorio y su santuario, al mismo tiempo.
Tetaro San Moisè
La tercera etapa fue la de su oficio como compositor y empresario de ópera, en la que cosechó grandes éxitos. En esta etapa conoció a Anna Giraud, una joven cantante, que a partir de entonces estaría siempre con él. Fue entonces cuando compuso en Vicenza, en mayo de 1713, “Ottone in Villa” (L'Arte dell'Arco& dir. Christopher Hogwood), su primera ópera conocida, seguida de una auténtica conquista de la Venecia teatral que se basó en el control de los pequeños teatros de Sant'Angelo y San Moisè. Las partituras de las óperas fechadas en este primer período veneciano nos muestran unas obras suntuosas, exuberantes, testimonio de un temperamento dramático excepcional. Aquellas composiciones innovadoras e inquietantes, que imponían el “stile nuovo” atacando frontalmente al “stile antico” elogiado por los conservadores, le valieron la hostilidad de una gran parte de la aristocracia veneciana, cuyos teatros le cerraron herméticamente sus puertas.
Por aquellas fechas, Vivaldi se confirmó igualmente como un formidable descubridor de la voz: él es, en efecto, quien dio a conocer a cantantes famosos como Fabri, Merighi o Strada, mucho antes de que Händel los contratara en Londres. En esa misma época, el compositor veneciano se impuso también y sobre todo como "impresario" en el sentido etimológico de la palabra, es decir, como empresario de espectáculos que produce tanto óperas propias como de otros compositores, revisándolas o uniéndolas a sus propias producciones.
Antonio Vivaldi
Los cuadernos de viaje de un rico arquitecto de Fráncfort, Johann Friedrich Armand von Uffenbach, que asistió a la temporada de carnaval en Sant'Angelo en 1715, muestran la admiración que sentía por Vivaldi, que le fascinaba con sus prodigiosas intervenciones al violín. Uffenbach escribe lo siguiente en su cuaderno: “Hacia el final, Vivaldi interpretó un magnífico solo seguido de una cadencia improvisada que me dejó verdaderamente estupefacto, pues no es posible que alguien haya tocado o llegue nunca a tocar así. Colocaba los dedos a un pelo del puente, hasta el punto de no dejar sitio para el arco, y lo hacía además sobre las cuatro cuerdas, realizando imitaciones y tocando con una rapidez increíbles.” La carrera lírica de Vivaldi remontó así su vuelo guiada por dos consignas: reformar y sorprender, en una coincidencia llamativa y premonitoria de arte y estrategia comercial.
La cuarta etapa de ese despegue fue la del desarrollo de una actividad estructurada como compositor particular, que multiplicaba sus compromisos puntuales y lucrativos con una red de clientes y mecenas. Esta actividad tuvo como objeto tanto la música instrumental, con la venta de conciertos escritos o adaptados específicamente en función de los encargos; la música vocal profana, con la venta de arias de óperas, cantatas o serenatas; y la música religiosa, mediante la composición de motetes, himnos, salmos y conciertos sacros para diferentes instituciones. Así es como Vivaldi escribió su Stabat Mater en 1712 para una iglesia de Brescia. Y así compuso también su primer oratorio, “La vittoria navale”, interpretado en Vicenza en junio de 1713. Entre 1718 y 1722 trabajó para el príncipe de Mantua y, más tarde, comenzó un período de viajes por Europa para supervisar los estrenos de sus óperas. En 1740 se trasladó a Viena, donde murió un año más tarde sin recursos económicos.
Antonio Vivaldi
Vivaldi está considerado como uno de los precursores de la música romántica y de la música programática e imprimía un sello distintivo a cada composición, tratando de transmitirle al intérprete la intención que él habría preconcebido para su obra, por eso la mayoría de los movimientos -sobre todo de sus concerti- tienen un título que los identifica y en el caso particular de los cuatro primeros concerti de su opus 8 conocidos como “Le Quattro Stagioni”, los primeros de los doce conciertos para violín de su Opus 8 denominados por Vivaldi como “Il Cimento dell'Armonia e dell'invenzione” (El juicio entre la Armonía y la Invención). Vivaldi escribió un pequeño soneto lírico (en italiano) para cada uno de los conciertos, los cuales -a menudo- son recitados antes de la interpretación de éstos.
Venecia en 1740
Al morir, cae en el olvido en Viena, y es tanta la ingratitud que Italia tuvo con él, que no aparece en los libros de música de la época. En el siglo XX volvió a aparecer el interés por la obra de Vivaldi. Mencionemos a Antonio Fanna, Gian Francesco Malipiero, Angelo Ephrikian y en especial Alfred Einstein, quienes han difundido, editado y grabado en disco las obras de Vivaldi, muchas veces partiendo de manuscritos originales del compositor. Desde los exóticos concerti da camera, compuestos para la corte de Mantua hasta los conciertos para violín de su última época, “Concierto para violín y orquesta Op 3 No 6 en La menor, RV 356” (Itzhak Perlman), además de otras decenas de piezas concertantes, la música barroca italiana de Vivaldi, ofrece contrastes sutiles y emociones refinadas. Complementa la diversidad de estilos que conforman el Barroco musical, el alemán, el francés, inglés y obviamente el poderoso centro italiano. La importancia del aporte de Vivaldi radica en haber consolidado la estructura del concierto como género.
"Concierto Grosso" y Concierto "per Soli":
Mientras Torelli y Corelli, entre otros, habían planteado el diálogo entre solista y orquesta, en un "balance de fuerzas" entre el grupo de solistas y el acompañamiento o "ripieno" en lo que se denominó Concerto Grosso, fue Vivaldi quien estableció una estructura compacta y orgánica del diálogo solista-orquesta, consolidando el concierto con solista o Concerto "per Soli".
El núcleo de esta organización en el concierto con solista radica en el desarrollo de la forma ternaria. La forma ternaria (A-B-A) consiste en A: exposición del tema, B: desarrollo, y A: reexposición del tema. En la parte A, el tema es el material musical que va a ser tratado en la parte central o desarrollo (B), donde se presenta el diálogo propiamente dicho entre solista (s) y orquesta, alternando con la aparición de elementos del tema e intervenciones de la parte del solo. Esta forma musical, perfeccionada del "ritornello" donde el tema reaparece entre partes solistas, se utilizó para los dos movimientos rápidos del concierto con solista (I y III), mientras el segundo, de carácter lento, podía estar en forma binaria o ternaria, siendo el solista el que prevalece. Esta forma se difundió entre los compositores de diversos países, donde se fue aplicando progresivamente en conciertos para diversos instrumentos.
La mayor aportación del músico veneciano fue el desarrollo del Concierto para Solista, estructurado por el concerto "per Soli", Ripieno y Bajo continuo (Tutti) que, a diferencia de su antecesor, el concierto grosso, logra un desarrollo contrapuntístico y armónico más fluido, así como partes solistas más complejas en las que se concentra el desarrollo interpretativo y técnico. Soli y orquesta se encuentran, planteando con claridad el diálogo entre estas dos fuerzas complementarias, al contrario de Bach, donde las ideas del tema y la parte solista se entremezclan o chocan en todas sus obras concertantes.
Para Vivaldi, el solo y el tutti son contraposición, diálogo; en Bach son dos fuerzas antagónicas. Mientras que en los conciertos de Vivaldi el tema es claramente presentado por la orquesta, el rol del solista es transformarlo armónica, rítmica o melódicamente. El solista es el primer plano, la orquesta un fondo, no un relieve. En los conciertos de Bach, la orquesta cumple precisamente la función de relieve, no es sólo un fondo, ya que incluso toma el papel de desarrollar el tema, hecho que en Vivaldi es un papel exclusivamente aplicado al solista: El Concierto en sol menor Op. 12 n.º 1, o el Concierto para dos violines en la menor Op. 3 n.º 8de Vivaldi (Orchestra Perpetuum Mobile Conductor Igor Longato Soloists Robert Kowalski & Marek Zwiebel) puede contrastarse con el Concierto en la menor BWV 1041 primer movimientode J. S. Bach, (Takako Nishizaki, violinista & Capella Istropolitana)
Sus obras
Su producción fue muy numerosa. Escribió 46 operas, 70 sonatas, 195 composiciones vocales, entre las que se cuentan 45 cantatas de cámara y 554 composiciones instrumentales, en su mayoría conciertos. Así como su música religiosa, en las que el lirismo y la poesía de las melodías son la muestra más clara del talento del misterioso "cura rojo".
• (1714) “La stravaganza” Opus nº 4 (Europa Galante, dir. Fabio Biondi).
• (1720) “La venta in cimento” (ópera). “Mi vuoi tradir, lo sò” (Sonia Prina, contralto)
• (1724) “Concierto para flauta Nº 2 en sol menor” (Claudio Scimone, I Solisti Veneti & Jean-Pierre Rampal)
• (1725) “Las cuatro estaciones” es el título de un libro de cuatro conciertos para violín y orquesta (La primavera, El verano, El otoño y El invierno), incluido en "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", (El juicio de la armonía y la invención), Op. 8. Consta de doce conciertos, siete de los cuales son descriptivos: Las cuatro estaciones, Tormenta en el Océano, Placer y La Búsqueda. Se trata de una obra expresiva o programática que evoca, a través de elementos de lenguaje musical, distintos aspectos de las estaciones del año.
En estos cuatro conciertos se encuentran ejemplificadas todas las características del concierto barroco. Se trata de obras musicales únicamente para ser escuchadas; bien definidos los contrastes de tiempo, pues cada concierto está dividido en tres partes: tempo rápido-lento-rápido.
El elemento dinámico contrastante está cubierto por el efecto del eco; se tiene a un virtuoso solista que, acompañado solamente por el ''basso'' continuo, enfrenta a toda la orquesta y, por último, se cumple con la justificación artística de imitación de la naturaleza, buen pretexto para escribir una obra maestra.
• (1727) “La Cetra” Opus n 9: Conjunto de 12 conciertos, todos ellos para violín solo, cuerdas y bajo continuo , con la excepción N º 9 en si bemol, que cuenta con dos violines solistas. (Holland Baroque Society & Rachel Podger)
• (1727) “Orlando Furioso” (RV 728) “Sorge l’irato nembo”, prodigiosa aria di tempesta (Marita Paparizou, mezzosoprano)es una ópera (dramma per musica) en tres actos del libreto italiano de Grazio Braccioli, que a su vez estaba basada en el poema épico Orlando Furioso de Ariosto. La ópera alterna arias con recitativos y está ambientada en una isla en un tiempo no especificado. La historia combina varios argumentos de Ariosto: desde las hazañas de Orlando hasta la historia de Alcina.
El conjunto de emociones que la obra recorre es de una riqueza extraordinaria, y los personajes tienen ocasión de expresarlas en unas cuantas arias que se encuentran entre las más bellas, no ya del repertorio vivaldiano, sino de toda la ópera barroca: arias contemplativas, de tempi lentos (del Largo al Andante molto), como:
- “Sol da te mio dolce amor” (Philippe Jarousky, contratenor, Ensemble Matheus dir. Spinosi) de Ruggiero, acompañada por la flauta;
- “Così potessi anch’io” (Sonia Prina - contralto, Ensemble Matheus, dir. Spinosi) doloroso canto de una Alcina envidiosa ante el amor entre Medoro y Angelica.
- “Poveri affetti miei”, (Veronica Cangemi- contralto, Ensemble Matheus, dir. Spinosi) aria de Alcina sobre un ritmo de siciliana;
- “Nel profondo” (Philippe Jarousky - contratenor, Marie-Nicole Lemieux - contralto, Ensemble Matheus, dir. Spinosi), aria entre Orlando y Ruggiero.
- “Sorge l’irato nembo”, prodigiosa aria di tempesta (Philippe Jarousky, contratenor, Ensemble Matheus dir. Spinosi)
• (1730) “Argippo” "Se lento ancora il fulmine" [RV 697] Aria para mezzosoprano, cuerdas y bajo continuo (Romina Basso, mezzo-soprano, dir. Frederico Maria Sardelli).
• (1733) “Montezuma” (Drama per Musica),
• (1734) “La Olimpiada”
• (1735) “Griselda” Agitata da due venti (Cecilia Bartoli, mezzosoprano)
Agitata da due venti,
freme l'onda in mar turbato
e 'l nocchiero spaventato
già s'aspetta a naufragar.
Dal dovere da l'amore
combattuto questo core
non resiste e par che ceda
e incominci a desperar.
Agitada por dos vientos, tiembla la ola en el mar turbulento
y el timonel asustado aguarda ya el naufragio.
Por deber y por amor está invadido este corazón;
no puede resistir ni ceder y comienza a desesperar.
Música Religiosa
Entre su música religiosa se encuentran, entre otras muchas, las siguientes obras: “Gloria RV 589” Domines Deu (Cecilia Bartoli, mezzosoprano), para solista, coro y orquesta a cuatro voces, “Kyrie” (The King's Consort & Robert King) para coro a cuatro voces y orquesta, “Dixit dominus” 1/2, 2/2 (Concerto Italiano & Rinaldo Alessandrini) para doble coro a cuatro voces y orquesta, “Nisi dominus” para solista y orquesta VII: (Philippe Jaroussky &J.-Ch. Spinosi dir. Ensemble Matheus) y, por último, “Credo Rv 599” ( The King's Consort & Robert King) para coro, orquesta a cuatro voces.
El 4 de marzo de 1968 se publicó en EE.UU. el tercer álbum de Frank Zappa & The Mothers of Invention, ‘We’re Only In It For The Money’, un álbum conceptual en el que Zappa pretendía -mediante la sátira- desmitificar la falsa inocencia del movimiento hippie en plena explosión, llevando a cabo un contundente análisis de una sociedad que dio lugar al imperialismo belicista, las adicciones, la desintegración personal y familiar, que además se enorgullecía de su pensamiento profundamente reaccionario.
Frank Zappa
Estamos en 1967, acaba de pasar el 'verano del amor' y San Francisco está en el apogeo de la gloria. Zappa carga con bala en 'Who needs the Peace Corps' : "Todas las ciudades deben tener un lugar donde puedan reunirse hippies de mentira, calabozos psicodélicos que surjan en todas las esquinas de la calle... Voy a ir a San Francisco, me compraré una peluca y dormiré sobre el suelo de Owsley (conocido fabricante de LSD). Se me pegarán las ladillas pero no tendré nada que eyacular". Bajo este aire de severidad, Zappa no disimula su ternura, su compasión incluso, por el teenager que ha aterrizado completamente desmoronado sobre las aceras de Haight-Ashbury. Todas las motivaciones de estos chiquillos están contenidas en un solo verso de la canción: "It's such a drag to have to love a plastic Mom and Dad" (Qué aburrimiento tener que querer a un padre y a una madre de plástico).
Lo cierto es que los tiempos son desconcertantes. Ya no se sabe a quién amar, a quién rechazar, ni si estas palabras siguen significando algo aún. Medio millón de jóvenes se lanzaron durante el verano del 67 hacia el cruce de Haight-Ashbury, por la sencilla razón de que allí tenían una oportunidad de encontrar algo que no fueran sus padres encallados frente al televisor, y perspectivas lúdicas diferentes al ir y venir entre dos puestos de hamburguesas. Zappa los observa y comprende su forma de actuar, pero no deja de señalar con perspicacia que en 'hippylandia' están reproduciendo lo que ya conocían en las oscuras ciudades de donde provenían...
Portada original de 1968
El disco es, sin embargo bien recibido por una comunidad de 'freaks' que toma muy en serio la nueva 'cultura' que se fabrica. Los Mothers van a menudo más lejos que ellos al poner en tela de juicio el viejo mundo, en su manera de ridiculizarlo. Como con esa cubierta que se atreve a parodiar a los sacrosantos Beatles y a su 'Seargent Pepper's Lonely Hearts Club Band', abrazado por el conjunto de los jóvenes como una apología de sus nuevos descubrimientos; un objeto casi divinizado. El objetivo de la parodia es tanto más fácil para personas con espíritu algo iconoclasta. No obstante, los Beatles no lo ven con los mismos ojos y Paul McCartney se las arregla para retrasar la aparición del álbum de los Mothers. Finalmente, se llega a un arreglo cuando éstos aceptan presentarlo al revés que 'Seargent Pepper', es decir, la cubierta en el interior y viceversa (En la reedición en CD se recuperó la portada original).
'We're only in it for the money' es el último álbum producido por Tom Wilson (aparece de pie en el extremo izquierdo de la fotoparodia de los Fab Four). Es también el fin de una cierta virulencia en los comentarios satíricos de Zappa. Con canciones como 'The idiot bastard son', 'Mom and dad', y 'Flower punk', efectúa un verdadero cambio de polos de las diferentes capas sociales del 'american middle class'.
Ya no será necesario volver sobre un tema de naturaleza tan evidente. Sólo permanece, más terrible que nunca, la acusación enunciada ya en 'Hungry freaks daddy': "Todos vuestros niños son las infortunadas pobres víctimas de las mentiras que creéis. Una llaga sobre vuestra ignorancia que aparta a los jóvenes de la verdad que merecen conocer".
En 'Mother People', Zappa carga contra el excesivo autoritarismo estadounidense, hecho que parecía profético al suceder en 1970 al asesinato de dos estudiantes antibelicistas en la Universidad de Kent State. El álbum, como cada uno de los álbumes precedentes -y como los que le van a seguir- se inscribe así en una cierta continuidad, prolongando los temas emprendidos en 'Freak Out' y 'Absolutely Free', llevándolos a un nuevo nivel, y sobre todo, en este caso, haciéndolos accesibles a la mayoría 'simplificando' Zappa su música, desechando sus influencias clásicas y poniéndose al alcance del teenager medio, al que van dirigidas directamente sus palabras. No se trata de un manifiesto artístico, como lo podía ser 'Freak Out', sino más bien una obra pop, que se sirve de un lenguaje de comunicación de masas, dándole a la vez -como era costumbre en Zappa- una importancia muy grande a la concepción musical de conjunto.
"Are You Hung Up?" 1:23
"Who Needs the Peace Corps?" 2:34
"Concentration Moon" 2:32
"Mom & Dad" 2:16
"Bow Tie Daddy" 0:33
"Harry, You're a Beast" 1:22
"What's the Ugliest Part of Your Body?" 1:03
"Absolutely Free" 3:26
"Flower Punk" 3:57
"Hot Poop" 0:26
"Nasal Retentive Calliope Music" 2:03
"Let's Make the Water Turn Black" 1:45
"The Idiot Bastard Son" 2:44
"Lonely Little Girl" 1:45
"Take Your Clothes Off When You Dance" 1:35
"What's the Ugliest Part of Your Body? (Reprise)" 0:57
"Mother People" 2:32
"The Chrome Plated Megaphone of Destiny" 6:25
The Mothers of Invention:
Frank Zappa – guitarra, piano y voz solista
Jimmy Carl Black – trompeta, batería y voces
Roy Estrada – bajo y voces
Bunk Gardner – vientos de madera
Billy Mundi – batería y voces
Don Preston – teclados
Euclid James "Motorhead" Sherwood – road manager, saxo barítono y soprano
Suzy Creamcheese – voz telefónica
Ian Underwood – piano y vientos de madera
Pamela Zarubica – voces
Músicos de sesión:
Eric Clapton – Voz masculina en 'Are You Hung Up?' y 'Nasal Retentive Calliope Music.'
Gary Kellgren – susurros y voces
Spider Barbour – voces
Dick Kunc – voces de aliento
Vicki Kellgren – voces telefónicas adicionales
Sid Sharp – arreglos orquestales en 'Absolutely Free', 'Mother People' y 'The Chrome Plated Megaphone of Destiny'
El 2 de marzo de 1950 nació en New Haven (Connecticut) la cantante y batería norteamericana Karen Carpenter, quien junto a su hermano Richard formó el dúo Carpenters, uno de los grupos americanos de mayor éxito comercial de la historia. Entre 1970 y 1984 los hermanos Carpenter obtuvieron tres premios Grammy y lograron 17 hits en el top20; 10 singles fueron disco de oro, así como nueve álbumes (uno de ellos multiplatino). La aterciopelada voz de Karen y los cuidadosos y meticulosos arreglos de Richard contrastaban con el rock salvaje y estrepitoso que dominaba las listas de la época. Aún así fueron inmensamente populares, vendiendo más de 100 millones de copias de sus discos.
Richard y Karen Carpenter
Cuando Karen contaba trece años, la familia se mudó a Downey, un suburbio de Los Angeles. Asistió a la Downey High School donde se unió a la banda del instituto. Allí, aunque le ofrecieron tocar el glockenspiel, ella prefirió la batería. Ella y su hermano -que ya de niño fue considerado un prodigio con el piano- comenzaron a ensayar juntos y a finales de 1965 fundaron un trío de jazz con su amigo Wes Jacobs, que tocaba el bajo y la tuba.
Karen, Wes Jacobs y Richard
Un día de 1966, durante una audición en la que Richard acompañaba al piano, el bajista Joe Osborn, tras oir cantar a Karen, la fichó para su naciente sello Magic Lamp Records, donde la cantante grabó dos temas compuestos por su hermano, 'Looking for love' y 'I'll be yours'. El single apenas se vendió y el sello quebró poco después, sin embargo Osborn les dejó seguir utilizando su estudio para grabar sus demos.
Richard y Karen con Spectrum (1967)
En 1967 Karen y Richard se unieron a cuatro músicos de Long Beach para formar un grupo llamado Spectrum. Uno de ellos, John Bettis, sería el coautor de muchos de los éxitos de Carpenters y trabajaría con la banda hasta la muerte de Karen. El grupo realizó numerosas actuaciones en el Whisky a Go Go, pero en 1968 se separaron. Richard y Karen mandaron sus demos a todas la discográficas que conocían y en abril de1969, Herb Alpert, propietario de A&M Records, interesado en su sonido, les firmó el contrato que cambiaría sus vidas.
Recibieron carta blanca en el estudio y su álbum debut, 'Offering', apareció en octubre de 1969 con temas que Richard había compuesto con Bettis en su etapa de Spectrum, como 'All of my life', 'Don't be afraid' e 'Invocation', pero el tema que más atención despertó fue su versión del tema de Beatles'Ticket to ride', lo que motivó que el álbum se reeditara con este título.
A continuación, Richard eligió 'Close to you', un tema de Burt Bacharach y Hal David, que ya habían grabado sin éxito Richard Chamberlain (1963), Dionne Warwick (1965) y el propio Bacharach (1968). Fue publicado como single en mayo de 1970 y fue su primer nº1 y el tema que los lanzó a la fama internacional. Se mantuvo cuatro semanas en el puesto de honor, fue disco de oro, y con él, Carpenters obtuvo su primer Grammy.
Richard andaba constantemente en busca de temas que pudiesen ser un hit para la banda y un día, viendo anuncios por TV, escuchó un jingle que acompañaba la publicidad de una entidad bancaria, que le gustó. Descubrió que los autores, Paul Williams y Roger Nichols pertenecían como él a A&M Records y les pidió la versión completa, ya que en el jingle solo aparecían dos estrofas sin estribillo. Así nació 'We've only just begun', su segundo single de éxito internacional, nuevo disco de oro y ganador de dos premios Grammy.
Karen, además de una extraordinaria cantante, fue una gran intérprete con las baquetas y tocó la batería en prácticamente todos sus temas hasta 1973. A partir de aquí y debido al éxito del grupo y a las numerosas giras, se le sugirió que actuara de pie con el micrófono en mano, dejando que la batería la tocase un músico de sesión.
Karen y Richard en 1974
En 1973 publicaron el single 'Top of the world', su segundo nº1 en USA, aparecido un año después de ser incluido en el álbum 'A song for you' (1972), al que siguió en 1974 'Jambalaya' y su tercer y último nº1 en las listas norteamericanas, 'Please Mr. postman' (1975). Por esta época, Karen, obsesionada con su figura, ya estaba siguiendo dietas severas de adelgazamiento y comenzó a mostrar síntomas de anorexia. En otoño su precario estado de salud ya no se podía disimular más. Además de su esquelético aspecto, Karen estaba física y mentalmente exhausta.
Tras finalizar unos shows en Las Vegas sin aparente problema, pasó cinco días bajo observación en una clínica de Los Angeles donde los médicos le desaconsejaron acudir a la gira europea prevista a continuación. Esta cancelación, que supuso que más de 150.000 personas en Europa se quedaran sin ver a su banda favorita, les significó a los Carpenters 250.000$ en pérdidas y sería la primera de varias cancelaciones de giras y conciertos que se producirían a partir de entonces cada vez más a menudo.
Aunque en menor medida, debido a la invasión en el panorama musical de la música disco, sus publicaciones seguían ocupando puestos destacados en los hit parades: 'Only yesterday','Solitaire' (1975), 'There's a kind of hush', 'I need to be in love' (1976) -la favorita de Karen de todo el repertorio Carpenters- y 'Calling occupants of interplanetary craft' (1977).
Tras publicar en 1978 un álbum navideño, 'Christmas Portrait', Richard Carpenter tuvo que someterse a una cura de desintoxicación para combatir su adicción y dependencia de los tranquilizantes. Karen se quiso mantener activa y acometió la grabación de un álbum en solitario en Nueva York con la ayuda del productor Phil Ramone y la banda de Billy Joel
En él Karen mostraba otra faceta de su voz, con un registro más agudo, diferente del que practicaba con su hermano en Carpenters. interpretando temas de diversos autores como 'Lovelines','If I had you' y 'Still crazy after all these years'.Cuando Richard, tras su recuperación, y los ejecutivos de A&M escucharon el álbum, no mostraron mucho entusiasmo por él y se quedó sin publicar. Aunque Richard incluyó algunos temas con diferentes arreglos en el álbum 'Lovelines' (1989), no se publicó en su forma original (como Karen lo aprobó) hasta 1996, trece años tras su muerte.
Karen y Tom Burris
Karen, que hasta los 26 años había vivido con su madre, salió durante su vida con varios hombres. En agosto de 1980 se casó con Tom Burris, un promotor inmobiliario nueve años mayor que ella, divorciado y padre de un chico de 18 años, que pronto resultó ser un fraude. Karen descubrió horrorizada que Burris se había realizado la vasectomía, lo que le hacía imposible formar una familia y poco después se descubrió que la aparente fortuna del promotor era una fachada que le duró poco.
En junio de 1981 los Carpenters publicaron su último álbum, 'Made in America' y en abril de 1982, Karen grabó su última canción 'Now', cuyas sesiones se llevaron a cabo en una pausa de dos semanas de un tratamiento psicoterapéutico que estaba siguiendo en la ciudad de Nueva York para tratar su anorexia. En noviembre se encontraba recuperada, había ganado casi 15 kilos y mientras ponía fin a su matrimonio hacía planes para grabar un nuevo álbum con su hermano. Tres meses después fue hallada sin vida en su dormitorio, víctima de un ataque cardíaco. El abuso de un fármaco que tomaba para provocar el vómito, que en grandes cantidades actúa como un veneno, terminó de debilitar la frágil salud de la cantante, que murió el 4 de febrero de 1983 a los 32 años.
El 2 de marzo de 1965 se estrenó en EEUU la película musical 'The sound of music' (Sonrisas y lágrimas, La novicia rebelde) basada en el musical de mismo nombre estrenado en Broadway en 1959 con partitura de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein y basada en hechos reales. La versión fílmica la protagonizaron Julie Andrews y Christopher Plummer y la película consiguió cinco premios Oscar y dos Globos de oro. Un día antes del estreno, se publicó el álbum con su correspondiente banda sonora.
María (Julie Andrews)
Primera parte.
En los meses previos a la anexión de Austria por parte de Alemania (el Anschluss), en un convento de la ciudad de Salzburgo, María (Julie Andrews), una joven novicia con una clara falta de disciplina, es enviada por la Madre Abadesa (Peggy Wood) a casa del Capitán Georg Ritter von Trapp (Christopher Plummer) para que ejerza de institutriz de sus siete hijos.
Von Trapp pasa revista
El Capitán Von Trapp es un viudo que mantiene a raya a su prole con un estilo autoritario y dominante, prácticamente igual que en sus tiempos en la Armada Imperial austrohúngara. María pronto se hace con el cariño de los niños, enseñándoles a jugar y a cantar. Por sus cualidades, también se gana el corazón del Capitán, cuya prometida, la Baronesa Schroeder (Eleanor Parker), se sabe derrotada.
Segunda parte.
Después del matrimonio entre María y el Capitán, y a su regreso del viaje de novios, las tropas de Hitler se han instalado en Viena.
La familia Von Trapp
Ante la ocupación y después de que el ejército alemán intente que el Capitán vuelva a su antiguo puesto militar, éste, junto con su familia, decide huir aprovechando la celebración de un concurso de canto en el que Max (Richard Haydn), un amigo de la pareja, los ha inscrito. El capitán se despide de sus ciudadanos entonando la canción 'Edelweiss', himno patriótico en la película en protesta contra la dominación alemana. Al acabar la función consiguen huir a Suiza gracias a la ayuda de la Madre Abadesa.
El álbum con la banda sonora se publicó un día antes del estreno del film y alcanzó el nº1 de las listas americanas y británicas. En el Reino Unido fue el álbum más vendido en los años 1965, 1966 y 1968 y el segundo más vendido de toda la década.
El día 1 de Marzo de 1810, nace en Zelazowa, en las proximidades de Varsovia, el compositor y virtuoso pianista polaco Fréderic François Chopin (Fryderyk Franciszek Chopin, en polaco), considerado como uno de los más importantes de la historia, representando el Romanticismo musical en su estado más puro. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente con las de Johann Sebastian Bach, Franz Liszt y Ludwig van Beethoven por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores.
Nicolás Chopin
Su padre, Nicolás, era un francés emigrado a Polonia en 1787 que trabajó desde 1802 como preceptor en casa del conde Skarbek en Zalazowa, y desde 1810 como profesor de literatura y lengua francesa en el Instituto de Varsovia y en la Escuela de Artillería. Niño prodigio, Fréderic actúa con cinco y seis años en los salones aristocráticos de Varsovia. Su primera aparición pública tiene lugar a la edad de ocho años con motivo de un concierto benéfico. De esta misma época es su primera composición impresa: la “Polonesa en sol menor” (1817).
Chopin en 1829
Entre 1823 y 1826 cursa estudios en el Instituto de Varsovia, posteriormente inicia el estudio de música en profundidad en la Szkola Glowna Muzyki, bajo el magisterio de Jozef Elsner, diplomándose en composición en 1829. Durante estos años da conciertos en Berlín, Praga y Viena, entre otros muchos sitios, ganándose una sólida reputación como virtuoso del instrumento. El 11 de octubre de 1830, con 20 años, da su último concierto en Polonia y compone su primer concierto para piano. Un año después se instala en París donde desarrolla una intensa actividad como compositor y comienza a introducir sus propias obras en sus recitales como intérprete.
Poco a poco fue introduciéndose gradualmente en la actividad musical de París, desistiendo del viaje a Londres que originalmente había planeado realizar. Su primer concierto público fue tan fabuloso que se convirtió en el tema de conversación de toda la ciudad. Éste se llevó a cabo el 26 de febrero de 1832 en la SalaPleyel, calle Cadet: en el programa figuraba su “Concierto en fa menor” y las “Variaciones mozartianas”, en la segunda parte compartió el escenario con notables pianistas como Camille-Marie Stamaty, George Osborne y Ferdinand Hiller, para interpretar una Polonesa de Kalkbrenner, a seis pianos. Entre el público se encontraban músicos de la talla de Mendelssohn y Franz Liszt, y entabló pronto amistad con el último, que también radicaba en la ciudad. Se sentía sorprendido y estimulado por la intensa vida cultural y también por la libertad de acción que podía ejercer.
En abril de 1832 el cólera hizo estragos en la capital francesa, diezmó a las clases trabajadoras e hizo huir a las provincias a los más pudientes. Orlowski, compatriota y amigo de Chopin escribió a los suyos: «Me ocurre que voy a verlo y vuelvo sin haber cambiado una palabra con él, tan melancólico está. En París la situación es mala. Los artistas se ven reducidos a la miseria, porque el cólera ha hecho huir a las provincias a todas las familias ricas...».
James de Rothschild
Pronto sin embargo el azar tiende una mano de ayuda: En el mismo año, un día que Chopin paseaba por el bulevar , se encontró a Valentín Radziwill, padre del príncipe Antonio, quién lo lleva a una velada ofrecida por James de Rothschild. El joven se sienta al piano sin haberse preparado y obtiene un éxito mucho mayor que en ninguno de los conciertos que había dado hasta entonces. Allí está presente la élite de la sociedad y de la noche a la mañana el nombre de Chopin vuela de boca en boca. Se aprecia su distinción, su talento. Se le piden lecciones: la baronesa de Rothschild se inscribe a la cabeza de la lista. Entre las familias adineradas, los Rothschild se entusiasmaron particularmente con el talento de Chopin, y, junto a otras familias pudientes —como la princesa de Vaudemont, el príncipe Adam Czartoriski, el conde Apponyi o el mariscal Lannes— lo tomaron bajo su protección.
La situación cambia bruscamente, el horizonte se aclara y la esperanza renace en Chopin. De todos modos, el oficio de profesor no es en modo alguno lo que tenía en vista pero pronto llegaría a convertirse en un pedagogo muy requerido y bien pagado hasta el fin de su vida.
De 1834 a1835 viaja por Renania, Checoslovaquia y, nuevamente, Alemania. Reencuentra viejas amistades, entre ellas la familia del conde Wodzinsky, pretendiendo, sin éxito, la mano de la joven María Wodzinska.
George Sand
En 1836 tuvo su primer encuentro en París con Aurore Dudevant, escritora francesa seis años mayor que el compositor y más conocida por su seudónimo, George Sand, relación que marcará decisivamente los últimos años de su vida. Tiempo después, en un carta, Chopin dejó esta descripción de ese primer encuentro: "Hoy he conocido a una gran celebridad, madame Dudevant, conocida como George Sand. Su apariencia no es agradable. De hecho hay algo en ella que indudablemente me repele. ¡Qué persona más falta de atractivo! ¿Es realmente una mujer? Me inclino a dudarlo..." . Durante los años 1838-39, siempre acompañado por George Sand, la pareja viaja frecuentemente, residiendo en Marsella y Génova..
Museo Chopin en Valldemosa (Mallorca)
En 1838 se instalan en Mallorca (España) buscando un clima más cálido que mejorara su enfermedad. Tras regresar a París, en 1843, rompen su relación y la salud de Chopin se deteriora con gran rapidez desde entonces. La soledad se une a la nostalgia por su país y su familia. Al año siguiente, algo repuesto, emprende una gira de conciertos por Inglaterra. Su economía no mejora y el húmedo clima de las islas hace que su salud empeore de nuevo.
El 17 de octubre de 1849 fallece en su vivienda del número 12 de la Plaza Vendôme. Apenas tres meses antes de cumplir los cuarenta años. Está enterrado en el cementerio parisiense de Père-Lachaise. Atendiendo al deseo del compositor, su corazón reposa en Varsovia, en la Iglesia de la Santa Cruz.
SU ESTILO
La cualidad más destacada de la técnica de Chopin es la naturalidad, ya alabada por sus propios contemporáneos. Esto es consecuencia de una concepción del piano que identifica este instrumento con el ideal de sensibilidad. La naturalidad chopiniana se basa en la ausencia de esfuerzo, de la que nacen la pureza y la facilidad.
Muchos rasgos de la vida de Chopin son símbolos del Romanticismo: su aire de misterio, su doloroso exilio, su inspiración atormentada, su refinamiento, incluso su temprana muerte por la tisis son temas románticos típicos. Otro aspecto romántico en Chopin es el hecho de que su sentimiento lírico termine por quebrantar siempre la realidad patente. «Rosas, claveles, plumas de escribir y un poco de lacre y en ese instante ya no estoy en mí, sino, como siempre, en un espacio totalmente distinto y asombroso aquellos espaces imaginaires» (Nohant, 1845).
Su preferencia por las formas breves, donde quizás se refleja mejor la sensibilidad del compositor polaco y en donde Chopin alcanza la cumbre de su estilo, en el que el dramatismo, la expresividad y el enraizamiento en lo popular son las notas características, como sus nocturnos “Nocturno nº 2” Opus 9 (Valentina Lisitsa), y baladas, dan fe de su estilo romántico. También el recoger géneros clásicos o históricos para tratarlos en forma no convencional como la sonata, el concierto y el preludio “Preludio Opus 28 nº 4” (Rubinstein).
Monumento a Chopin en Varsovia
Poseedor de una gran cultura literaria, sus formas son, sin embargo, abstractas y libres de referencias de esa índole, a diferencia de Robert Schumann o Liszt, por ejemplo (Kreisleriana o Años de Peregrinaje). El estilo de Chopin viene determinado, primeramente, por la música prerromántica para piano, tanto de compositores extranjeros (Weber, Hummel, el irlandés Field) como polacos (el príncipe Oginski, Franz Lessel, Maria Szymanowska); pero también bebe, y con provecho, de la tradición clásica, con Mozart y Beethoven al frente. Las melodías de la ópera italiana (Bellini, especialmente) se advierten también en su estilo. Pero la más poderosa influencia es, sin duda, la del folklore polaco, que da a su música un carácter marcadamente nacional y convierte al compositor en un avanzado del nacionalismo musical que dominaría la segunda mitad del siglo.
Último piano en el que compuso Chopin
Chopin alcanza su madurez a muy temprana edad. Pero a partir de ese momento resulta difícil advertir una evolución clara. No obstante, sí pueden determinarse tres etapas claramente definidas. La primera se extiende hasta 1830 y se caracteriza por el dominio de formas clásicas como el rondó, la sonata o el trío, que Chopin utiliza con originalidad imponiendo su personalidad pianística. La segunda ocupa toda la década siguiente y en ella el compositor opta por la formas libres, simples, de un solo movimiento, típicas de la expresión musical del Romanticismo. En estas obras el folklore se hace presente cada vez con más fuerza.
En la última etapa, sus años finales, el autor regresa a la sonata, estudios y demás formas clásicas, pero convertidas ya en estructuras adaptadas plenamente al Romanticismo. En este último periodo creativo o «estilo tardío», en el que el dramatismo y los efectos violentos ceden su paso a la gran concentración, la moderación del gesto y un lirismo más profundo. A él pertenecen el “Scherzo n.º 4”, la “Sonata n.º 4”, “la Balada n.º 4”, la “Barcarola”, la “Polonesa-fantasía”, (Martha Argelich) los “Nocturnos” Op. 55 (Claudio Arrau) y 62 - Nº 1 (Aldo Ciccolini) y la “Sonata para violonchelo y piano” (Yo-Yo Ma -violonchelo, Emanuel Ax-piano). Estas obras revelan la búsqueda de nuevos moldes formales, armónicos y sonoros. Lo que hubieran sido sus posteriores composiciones es sólo conjetura.
El fraseo y la “cantabilidad” son los elementos principales y característicos en la música de Chopin. Éste compositor trasciende la naturaleza percusiva del piano para conseguir un legato que más recuerda a la declamación de la voz humana que al propio instrumento de que se trata. Otro de los aspectos fundamentales que contribuyen a sentir la naturalidad mencionada, es el empleo de un rubato muy característico de este compositor: el rubato reservado para la melodía; una melodía entendida como foco de atención, que se desarrolla con independencia respecto al acompañamiento. A esto tenemos que unir su ejemplar empleo de la dinámica, siempre sin exageraciones ni grandes desequilibrios. En estos aspectos podemos vislumbrar la influencia de una formación considerablemente académica en su juventud, ejercida sobretodo por Zywny y Elsner.
La cualidad más destacada de la técnica de Chopin es la naturalidad, ya alabada por sus propios contemporáneos. Esto es consecuencia de una concepción del piano que identifica este instrumento con el ideal de sensibilidad. La naturalidad chopiniana se basa en la ausencia de esfuerzo, de la que nacen la pureza y la facilidad.
Para piano solo • Polonesas: una veintena de piezas diferentes compuestas, de manera independiente o en ciclos de dos o tres piezas, entre 1817 y 1846, ocupando en la práctica toda su vida como compositor. “Gran Polonesa Brillante”- Andante spianato (Alfred Brendel) • Mazurkas: 46 diferentes, normalmente publicadas en ciclos de cuatro (a veces sólo tres), y compuestas, como las Polonesas, durante toda su vida, a partir de 1825.
- “Mazurka en Si bemol menor” Opus 33 (Vladimir Horowitz)
• (1705) "Sonata en Re menor Op.1 No.12 RV63, 'La Follia' (Hesperion XXI & Jordi Savall)
El elemento dinámico contrastante está cubierto por el efecto del eco; se tiene a un virtuoso solista que, acompañado solamente por el ''basso'' continuo, enfrenta a toda la orquesta y, por último, se cumple con la justificación artística de imitación de la naturaleza, buen pretexto para escribir una obra maestra.
El conjunto de emociones que la obra recorre es de una riqueza extraordinaria, y los personajes tienen ocasión de expresarlas en unas cuantas arias que se encuentran entre las más bellas, no ya del repertorio vivaldiano, sino de toda la ópera barroca: arias contemplativas, de tempi lentos (del Largo al Andante molto), como:
