Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 15 de marzo de 1912 nació en Centerville (Texas) el cantante, compositor y guitarrista de blues norteamericano Lightnin' Hopkins. Nacido en el seno de una familia humilde integrada en una comunidad agrícola, Sam Hopkins creció inmerso en los sonidos del blues. A los 3 años de edad, tras la muerte de su padre, su familia se traslada a Leona (Texas) y Hopkins comienza a cantar en el coro de la iglesia.
La pasión de Hopkins por el blues se enciende a la edad de 8 años cuando conoce a Blind Lemon Jefferson en una fiesta de la parroquia en Buffalo (Texas). Aquel día, Hopkins sintió que el blues estaba “dentro de él” y comenzó a aprender de su primo lejano, el cantante de country blues Alger 'Texas' Alexander y de Lonnie Johnson con los que actuó en numerosas ocasiones en el inicio de su carrera. A mediados de los años 30, Hopkins fue enviado a la prisión del condado de Texas por causas que se desconocen. A finales de esa década Hopkins se trasladó a Houston con Alexander en un infructuoso intento de introducirse allí en la escena musical. Desanimado, a principios de los años 40 volvió a Centerville para trabajar como granjero.
En 1946, cuando cantaba en Dowling Street, en el Third Ward de Houston, fue descubierto por Lola Anne Cullum de la compañía angelina Aladdin Records. Lola convenció a Hopkins para que viajase a L.A. con el fin de acompañar al pianista Wilson Smith. El dúo grabó 12 canciones en sus primeras sesiones en 1946. Un ejecutivo de Aladdin Records decidió que la pareja necesitaba nombres más llamativos, y bautizó a Hopkins como 'Lightnin´' (rayo / relámpago) y a Wilson como 'Thunder' (trueno).
El 9 de noviembre de 1946, acompañados por un baterista, graban varias canciones para el sello Aladdin que permanecieron archivadas durante algún tiempo, como 'Can't you do like you used to do', 'West Coast Blues', 'Katie Mae blues' y 'Feel so bad'. Su primer single significativo en ventas (a nivel regional) fue 'Katie Mae', al que siguieron 'Short haired woman' y 'Big mama jump' (1947), del que se vendieron 80.000 copias.
Hopkins grabó más piezas para Aladdin en 1948, pero pronto sintió nostalgia por su lugar de procedencia. Volvió a Houston y comenzó a grabar para el sello Gold Star Records. Alcanzó otro nuevo éxito con 'Baby please don't go' y con él una considerable reputación que le propiciaría la ocasión de tocar y grabar en Nueva York. Sus primeras entradas en la recién estrenada lista de éxitos de R&B (anteriormente llamada Race Records) fueron 'Tim Moore´s farm','T model blues' (1949), 'Shotgun blues'(1950), grabada años antes en Aladdin, 'Give me Central 209' y 'Coffee blues' (1952).
Entre 1947 y 1954 registró más de 200 canciones. Se estima que grabó entre 800 y 1000 temas a lo largo de su carrera. Tocaba a menudo en clubs de Houston y alrededores, especialmente en Dowling Street. En 1954 grabó unas sesiones memorables con la guitarra eléctrica para Herald acompañado del baterista Ben Turner y el bajista Donald Cooks en temas como 'Lightnin's boogie','Lightnin's special' y 'Hopkins' sky hop'. Pero el estilo de Hopkins aparentemente resultaba demasiado rústico y pasado de moda a la nueva generación de entusiastas del rock & roll y tuvo que sobrevivir tocando en bares y clubs locales por unos pocos dólares. Afortunadamente en 1959 el folklorista Mack McCormick lo descubrió al amparo del revival del folk y ese mismo año grabaron un álbum bajo la etiqueta de country-blues en el apartamento de Hopkins con una guitarra prestada.
McCormick presentó a Hopkins a pequeñas audiencias, primero en Houston y luego en California. Debutó en el Carnegie Hall el 14 de octubre de 1960, junto a Joan Baez y Pete Seeger, interpretando el espiritual 'Oh, Mary don´t you weep'.
Firmó un contrato con Tradition Records. A esto le siguió una serie de sólidas grabaciones, incluyendo su clásico 'Mojo hand' de 1962. La reputación de Hopkins como intérprete de blues se había consolidado y finalmente había conseguido éxito y reconocimiento. A lo largo de los 60 y los 70, Hopkins publicó uno y a veces hasta dos discos al año, y realizó giras actuando en clubs y festivales de folk, campus universitarios norteamericanos y de otros países, y programas de TV. Viajó mucho por los Estados Unidos y superó su miedo a volar para unirse en 1964 al Festival Americano de Folk Blues. En 1962 los críticos musicales de la revista Down Beat lo eligieron como el mejor vocalista del año y un año mas tarde realizó su primer gira europea con el American Folk Blues Festival.
En sus grabaciones, Hopkins exigía cobrar su sueldo antes de sentarse en la silla con la guitarra y rara vez accedía a una segunda toma, por mucho que lo pidiera el productor. Su particular sentido del tiempo, generado a lo largo de muchos años tocando sin banda de acompañamiento, desconcertó a más de un músico poco entrenado. A finales de los años sesenta participó en una jam-session con los futuros miembros de Z.Z.Top y cuando estos le hicieron una observación acerca de un error cometido en el cambio de notas el maestro respondió: "Lightnin' cambia cuando a Lightnin' le sale de los...".
A partir de los años sesenta, son generalmente más interesantes sus trabajos en solitario. En la década de los años setenta su actividad comenzó a decaer como consecuencia de un accidente de tráfico que sufrió en 1970 y de la caída de popularidad de su género musical. En 1974 dejó de grabar, en 1977 visitó Europa por segunda y última vez y en 1978 ofreció su último concierto. Murió el 30 de enero de 1982.
El 15 de marzo de 1916 nació en Albany (Georgia) Harry James Haag, trompetista y director de orquesta. A finales de los años treinta se construyó una magnífica reputación como trompetista y más tarde, James lideró una de las orquestas de swing favoritas del público de los cuarenta y cincuenta y se le puede ver en muchas películas de la época. En ventas de discos y popularidad sólo le superaba Glen Miller. Descubrió a Frank Sinatra, que cantó en su orquesta hasta que se fue con Benny Goodman.
Harry en 1920
James creció "en la carretera", en el circo Might Haag, dirigido por su padre, quien era también el trompetista estrella del show. La madre era trapecista y estuvo trabajando en su número hasta un mes antes de nacer Harry, quien pronto demostró tener talento para la música. Con cuatro años tocaba la batería y con ocho dominaba la trompeta gracias a un estricto entrenamiento con su padre. Con catorce años ganó en Texas un concurso de trompetistas y seguidamente comenzó a actuar con bandas de Beaumont (Texas), donde su familia terminó instalándose.
Tras ser rechazado en una audición para la orquesta de Lawrence Welk, fue contratado en 1935 por Ben Pollack quien había oído tocar a James en Dallas. En poco tiempo Harry estaba grabando piezas de boogie-woogie con los mejores músicos del momento, incluyendo a Buster Bailey y Johnny Hodges. El 'rey del swing' Benny Goodman supo de James a través de su hermano, Irving y el año 1937 lo contrató para tocar en lo que era entonces la orquesta de swing más popular del país. Su capacidad de repentizar (leer a primera vista) hizo que lo apodaran 'the hawk' (el halcón) y se contaba que si una mosca se posaba en su partitura, Harry era capaz de interpretarla.
Con la orquesta de Goodman, el cálido sonido de su trompeta fue conocido en todo el país acompañado de grandes del jazz como Gene Krupa, Ziggy Elman, Teddy Wilson y Lionel Hampton. Contribuyó notablemente al éxito de temas como 'Sing, sing, sing', 'One o'clock jump' y 'Life goes to a party'.
Harry James y Frank Sinatra
En febrero de 1939, James debutó con su propia banda en el hotel Benjamin Franklin de Philadelphia. Harry había contratado para la orquesta a un joven italoamericano de nombre Frank Sinatra que había descubierto semanas antes. Con él grabó en 1939 'All or nothing at all', que, reeditada cuatro años después, fue nº1. En 1940 Sinatra se cambió a la orquesta de Benny Goodman y Harry lo sustituyó por Dick Haymes, a quien se sumaron Helen Forrest y más tarde Buddy de Vito y Kitty Kallen como voces solistas.
Los comienzos fueron duros, hasta que en 1941 grabó una versión de una canción que le había oído a Judy Garland, 'You made me love you'. Fue un gran éxito consiguiendo un disco de oro. A partir de entonces su popularidad se cimentó con un repertorio de canciones de música ligera e instrumentales de swing, cambiando con facilidad hacia el blues y el boogie-woogie, e incluso los valses vieneses.
En 1943 James se encontraba en la cúspide de su éxito. Clave de ello fue su alejamiento del jazz más puro irritando a sus fans más fundamentalistas con grabaciones como 'The flight of the bumble bee' o 'The carnival of Venice'. Ese mismo año se casó con la actriz y modelo Betty Grable, una de la pin-ups favoritas de las tropas destinadas en Europa, donde surgió la tonadilla popular "I want a girl just like the girl that married Harry James" (Deseo una chica como la chica que se casó con Harry James). La conexión con Grable engrandeció más si cabe la popularidad de James y también apareció en varias películas de la Fox que tenían como protagonista a su esposa.
Buddy de Vito y Kitty Kallen esperan a que Harry termine su solo (1945)
Cuando a finales de los años cuarenta las bandas de swing comenzaron a disolverse, Harry fue de los pocos que logró mantenerse al frente de su orquesta. En 1946 formó una banda más reducida en cuyas filas se encontraban el saxofonista Willie Smith que venía de tocar con Jimmie Lunceford, Juan Tizol, ex-trombonista de Duke Ellington, y Buddy Rich a la batería.
En 1950 tocó las partes de trompeta en el film 'Young man with a horn', protagonizada por Kirk Douglas y basada en la vida de Bix Beiderbecke. Su última entrada en las listas fue en 1953 con 'You'll never know', con Rosemary Clooney a la voz solista. En 1957 organizó una nueva big band con la que realizó giras por Europa y grabó álbumes para Capitol, como 'Harry James in Hi-Fi' (1956) y más tarde en los sesenta para MGM en los que interpretaba standards del swing. Continuó actuando en hoteles y casinos y dio su último concierto el 26 de junio de 1983 en Los Angeles, una semana antes de morir a los 66 años.
El 15 de marzo de 1975 se publicó por Columbia Records en EE.UU., 'That's the Way of the World', el sexto álbum del grupo Earth Wind & Fire, un disco que mezcla con habilidad soul, rock, funk y ritmos latinos a lo largo de sus ocho temas, todos ellos supervisados por el fundador y líder del grupo, Maurice White.
También fue la banda sonora de una película (con el mismo título) de Stig Shore -que acababa de estrenar 'Superfly'- y que muy poca gente vio, en la que el grupo hacía varios cameos en una trama infumable de un productor (Harvey Keitel) que lucha contra las fuerzas del mal en una discográfica. El film hacía aguas por los cuatro costados, pero la música era soberbia. Cuando White y los demás visionaron la película antes de su estreno, comprobaron que sería un fracaso y para evitar que se les relacionara con el film, se apresuraron a publicar los temas incluidos en él en un álbum.
El álbum alcanzó lo más alto de las listas Billboard, donde se mantuvo tres semanas, y el single que se extrajo,'Shining star', también alcanzó el nº1, dándose la circunstancia de que era la primera vez que un grupo afroamericano copaba el nº1 de singles y LPs simultáneamente.
Espoleado por gemas que emergían del sudoroso funk de 'Shining star' y 'Yearnin' learnin' pasando por la magnífica balada 'Reasons' y el tema que da título al disco, 'That's the way of the world'vendió más de cinco millones de copias, siendo su trabajo más vendido y para muchos su mejor obra y el disco más representativo de la banda. Algunos de los temas que no fueron hits, como el exuberante 'Happy feelin'' y el influenciado por el gospel 'See the light' son igualmente interesantes. No existen momentos flojos y, aunque al álbum le siguieron un buen número de estupendos discos y media docena de grandes éxitos, éste fue su gran momento.
El 14 de marzo de 1922 nació en Mexia (Texas) el compositor, arreglista y director de orquesta Les Baxter, uno de los iniciadores con su álbum 'Ritual of the Savage' del movimiento 'exotica', que a comienzos de los años cincuenta contribuyó a que algunas orquestas americanas incluyeran ritmos e instrumentos tradicionales de Oceanía y Hawaii en su repertorio. El movimiento resurgió en los años noventa dando lugar al lounge.
Baxter estudió piano en el conservatorio de Detroit antes de trasladarse a Los Ángeles para completar sus estudios en el Pepperdine College. Abandonó su posible carrera como concertista y decidió probar fortuna como cantante pop. Con 23 años fue uno de los Mel-Tones de Mel Tormé y cantó en grabaciones de Artie Shaw. Posteriormente, en 1950, fue contratado como arreglista y director de orquesta en Capitol Records donde trabajó principalmente con Nat King Cole. En 1953, con su propia orquesta, consiguió una serie de hits como 'Ruby' (1953), 'Unchained melody' (1955) y 'The poor people of Paris'(1956).
En los años sesenta Les formó el grupo The Balladeers, un trajeado cuarteto de folk que llegó a tener a un joven David Crosby en sus filas. También trabajó como director musical en shows radiofónicos. Como sus colegas Lalo Shifrin y Henry Mancini, Baxter también trabajó para la industria del cine en las décadas de los sesenta y setenta. Compuso bandas sonoras para numerosos films de terror de serie B -entre ellas, de Roger Corman- y comedias de adolescentes. Asimismo compuso el tema de la serie de TV 'Lassie'.
Cuando en los años ochenta dejó de trabajar en bandas sonoras, compuso música para parques temáticos como Sea World. En los años noventa, con la aparición del 'lounge', resurgió su popularidad junto con la de Martin Denny y Arthur Lyman, todos ellos creadores del movimiento Exotica en los años cincuenta. Sus viejos álbumes fueron reeditados y su música influyó en numerosas bandas como The Stolen Idols, Kava Kon, The Tikiyaki Orchestra y Don Tiki. Les Baxter murió en enero de 1996 a los 73 años.
El 14 de Marzo de 1804 nació en Viena el compositor austriaco Johann Strauss I, conocido particularmente por sus valses popularizados junto con Josef Lanner. Fue el fundador de una dinastía musical con sus hijos Johann Strauss II, Josef Strauss y Eduard Strauss. Sus valses evolucionaron gradualmente a partir de danzas campesinas, lo que en la posteridad se reconocería como el vals vienés. Su obra más famosa es probablemente la “Marcha Radetzky” (Herbert Von Karajan & The Vienna Philharmonic), llamada así por Joseph Radetzky von Radetz e interpretada todos los años como cierre del tradicional concierto de Año Nuevo en Viena, mientras que quizás su vals más famoso sea “Lorelei Rhein Klänge op. 154” (Boskovsky & Wiener Philharmoniker)
La tragedia golpeó a su familia, ya que su madre murió cuando apenas tenía 7 años. A la edad de 12 años, su padre Franz Borgias (quien se había vuelto a casar) fue encontrado ahogado en el río Danubio. Su madrastra lo colocó de aprendiz de encuadernador con Johann Lichtscheidl, pero tuvo la ocasión de tomar lecciones de violín y viola, además de cumplir con su aprendizaje de encuadernador que terminó con éxito en 1822. También estudió música con Johann Polischansky durante ese período y finalmente obtuvo un puesto en la orquesta local de Michael Pamer con el fin de participar en un popular cuarteto de cuerdas conocido como el “Cuarteto Lanner”, formado por sus potenciales rivales: Josef Lanner y los hermanos Drahanek, Karl y Johann. El cuarteto de cuerdas interpretaba valses vieneses y rústicas danzas alemanas, y en 1824 fue ampliado a orquesta de cuerdas.
Joseph Lanner
Eventualmente se convirtió en director adjunto de la orquesta para ayudar a Lanner en las comisiones después de que se popularizara su imagen durante los Carnavales de 1824. Strauss fue puesto pronto al mando de una orquesta más pequeña que se formó como resultado del éxito de la orquesta de Lanner. En 1825, decidió formar su propia banda y comenzó a escribir música (principalmente de baile) y se dio cuenta de que podría igualar el éxito de Lanner, además de poner fin a sus problemas financieros. Al hacerlo, Strauss se convirtió en un serio rival de Lanner, y esta competencia musical fue muy productiva para el desarrollo del vals, así como de otros bailes en Viena. Pronto se convirtió en uno de los más conocidos y queridos compositores en Viena. Realizó una gira con su banda por Alemania, los Países Bajos, Bélgica, Inglaterra y Escocia. La dirección y gestión de la 'Orquesta Strauss' en un momento dado pasó a manos de los hijos en diversas ocasiones, hasta que Eduard Strauss la disolvió en 1901.
En un viaje a Francia en 1837, escuchó una cuadrilla y se interesó en su composición, convirtiéndose en gran medida en el responsable de la introducción de aquella danza en Austria en el Carnaval de 1840, donde se hizo muy popular. Fue en este mismo viaje cuando quedó demostrada la popularidad de Strauss en diferentes estratos sociales, lo cual allanó el camino para presentar su música en Inglaterra durante la Coronación de la Reina Victoria en 1838. Strauss adaptó además diversas melodías populares de su época en sus obras, a fin de garantizarse un público más amplio, como lo demuestra la incorporación de la obertura “Oberón” en uno de sus primeros valses, "Wiener Karneval" (Carnaval Vienés) op. 3 así como el himno nacional francés 'La Marsellesa' en su "Paris-Walzer" (vals París) op. 101.
Se casó con Ana Maria Streim en la iglesia parroquial de Liechtenthal en Viena. Su matrimonio fue relativamente inestable, producto de su prolongada ausencia por los viajes al extranjero. Esto llevó a que Strauss tuviera una amante en 1834, Emilie Trampusch, con la que tuvo seis hijos. Esta decisión personal marcó a Ana María, quien prohibió a Johann Strauss II estudiar música. Con la declaración de paternidad que hizo Strauss padre en 1844, Ana María solicitó el divorcio y esto permitió que Strauss II iniciara una carrera musical.
A pesar de los problemas familiares, Strauss viajaba con frecuencia a las Islas Británicas y estaba siempre dispuesto a escribir novedosas piezas para las organizaciones de beneficencia. Aunque no tenía el talento de su hijo mayor, fue uno de los pocos compositores de valses junto a Lanner que escribieron activamente piezas con títulos, con el fin de aumentar las ventas de sus partituras, pues los entusiastas reconocían fácilmente sus obras. Johann Strauss hijo, trabajó a menudo con su padre y declaró su completa admiración hacia él, aunque no era un secreto para los vieneses que su rivalidad era intensa, hecho alimentado por la prensa de entonces.
Strauss murió en Viena de escarlatina. Fue enterrado en el cementerio Doeblinger junto a su amigo Josef Lanner. En 1904, sus restos mortales fueron trasladados a una tumba de honor en el cementerio central. El ex Cementerio Doeblinger fue convertido en el Parque Strauss-Lanner. El mismo Héctor Berlioz rindió homenaje al "Padre del Vals Vienés" comentando que "Viena sin Strauss es como Austria sin el Danubio".
El 13 de marzo de 1910 nació en Lakewood, Ohio, Sammy Kaye, compositor y director de orquesta, que lideró una de las 'sweet bands' (grandes orquestas de baile) más populares de los años cuarenta y cincuenta en EE.UU.
Sammy tocaba el saxofón y el clarinete en la banda de la Universidad de Ohio, donde estudiaba para ingeniero. Tras graduarse fundó su propia banda en los años treinta, que poco a poco se fue haciendo conocida en el país y, entre 1941 y 1950, obtuvo 23 hits que fueron Top10, entre ellos los nº1 'Daddy' (1941), 'Chickery chick' (con Nancy Norman, 1945), 'I'm a big girl now' (con Betty Barclay) y 'The old lamplighter' (con Billy Williams, 1946).
Realizó numerosas actuaciones en la radio, medio en el que con su lema 'Swing and sway with Sammy Kaye' y el programa 'Sunday Serenade' fue una auténtica estrella en los tiempos de guerra y postguerra y más tarde en TV. Grabó su último éxito en 1950 con 'Harbor lights'(con Tony Alamo y los Three Kaydets). Por su orquesta pasaron cantantes como Don Cornell y Nancy Norman y músicos como Ralph Flanagan, Dale Cornell y Marty Oscard. Murió en 1987 a los 76 años, no sin antes pasarle la batuta a Roger Thorpe quien, el año 2010, seguía dirigiendo la Sammy Kaye Orchestra.
En sus grabaciones, Hopkins exigía cobrar su sueldo antes de sentarse en la silla con la guitarra y rara vez accedía a una segunda toma, por mucho que lo pidiera el productor. Su particular sentido del tiempo, generado a lo largo de muchos años tocando sin banda de acompañamiento, desconcertó a más de un músico poco entrenado. A finales de los años sesenta participó en una jam-session con los futuros miembros de Z.Z.Top y cuando estos le hicieron una observación acerca de un error cometido en el cambio de notas el maestro respondió: "Lightnin' cambia cuando a Lightnin' le sale de los...".
A partir de los años sesenta, son generalmente más interesantes sus trabajos en solitario. En la década de los años setenta su actividad comenzó a decaer como consecuencia de un accidente de tráfico que sufrió en 1970 y de la caída de popularidad de su género musical. En 1974 dejó de grabar, en 1977 visitó Europa por segunda y última vez y en 1978 ofreció su último concierto. Murió el 30 de enero de 1982.
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