LP 'Innervisions'

El 3 de agosto de 1973 se publicó en Estados Unidos 'Innervisions', el décimosexto álbum de Stevie Wonder y el tercero de su 'etapa clásica', en la que Wonder controlaba todo el proceso de creación ejerciendo además de hombre orquesta, componiendo, interpretando y produciendo prácticamente la totalidad del álbum. Su magnífico trabajo con el sintetizador ARP y sus experimentos sonoros aprovechando las tecnologías del estudio de grabación fueron fundamentales para que 'Innervisions' fuera uno de los discos más influyentes en la música negra americana de los siguientes años.

Tres días después de la aparición del álbum, Wonder sufrió un grave accidente de automóvil que lo mantuvo cuatro días en coma. Este hecho, su rápida y casi milagrosa recuperación y la consiguiente expectación en los medios incrementaron el interés por el nuevo trabajo de Wonder que fue nº1 en las listas de R&B y top 5 en las listas pop. Tres de los singles que se extrajeron, 'Higher ground', 'Living for the city' y 'Don't you worry 'bout a thing', en el que hacía un guiño a sus fans latinoamericanos jactándose de sus conocimientos de la lengua española ("Todo está bien, chévere"), asimismo fueron hits internacionales.

'Too high'

'Visions'

'Living for the city'

'Golden lady'

'Higher ground'

'Jesus children of America'

'All in love is fair'

'Don't you worry 'bout a thing'

'He's misstra know-it-all'

CANCIONES CON HISTORIA: 'Higher ground'

Es de madrugada, cuando un 6 de agosto de 1973 John Harris conduce su coche a través de la oscuridad de Carolina del Sur. En el asiento del copiloto, su primo Stevie Wonder duerme plácidamente cuando John ha de levantar el pie del acelerador, ya que ante él se desplaza dando bandazos un camión con remolque que transporta troncos de madera.

John decide adelantarlo, pero cuando se encuentra en paralelo con el transporte, el enganche de su remolque se parte y vuelca con la carga, con tan mala fortuna que uno de los troncos atraviesa el parabrisas del coche e impacta en la cabeza del músico. Con graves heridas Stevie es trasladado al Rowan Memorial Hospital de Salisbury. Los médicos diagnostican una fractura de cráneo y trasladan a Stevie inconsciente a una clínica neurológica especializada. El cantante pasa varios días en coma y nadie sabe si el joven músico de 23 años despertará algún día. Incluso los neurólogos del Babtist Hospital de Salem están sin respuestas. Mientras tanto, la cabeza de Stevie se ha inflamado y ha adquirido un tamaño aterrador.

Pero el único amigo de Wonder desde su niñez, el cantante de gospel Ira Tucker, no pierde la esperanza. Pocos meses antes del fatal accidente Stevie había escrito un tema cuyo mensaje espiritual tendría una repercusión extraordinaria. Ira se sienta junto al paciente inconsciente y le susurra la canción al oído. Y así se consigue lo que nadie creía posible: Stevie comienza a mover lentamente los dedos marcando el ritmo de 'Higher Ground' de su álbum 'Innervisions'.

Desde este momento hasta su recuperación plena todavía quedaba un largo y tortuoso camino por recorrer. Cuando recuperó el conocimiento, Stevie comprobó, entre otras cosas, que había perdido el sentido del gusto. Pero lo que más temía el cantante era haber perdido su talento y capacidades musicales. Para comprobarlo, Tucker le trajo un clavinet (pequeño teclado electrónico) a la habitación del hospital. Allí permaneció sin tocar algunos días. Wonder estaba aterrado ante la posibilidad de no saber qué hacer con él, hasta que por fin se decidió a pulsar unas teclas, y comprobó con alivio que su genio permanecía con él.

Nino Bravo

El 3 de agosto de 1944 nació en Ayelo de Malferit, Valencia, el cantante español Lluis Manuel Ferri Llopis, conocido como Nino Bravo, que falleció en un accidente de automóvil, cuando se dirigía a preparar la producción de un nuevo grupo, ya que quería iniciarse como productor y descubridor de talentos noveles. No le dio tiempo, como tampoco pudo desarrollar su enorme potencial como cantante, que en tan solo tres años de grabaciones hizo de él uno de los artistas más queridos y admirados de España.

Se preparaba para trabajar en el mundo de la joyería y orfebrería. A los 16 años entró como aprendiz en la joyería valenciana Casa Amat, en la que llegó a ser lapidador, pero también estaba dotado de unas condiciones innatas para la música que le hicieron formar diversos grupos de aficionados con los que actuaba a menudo en el área de Valencia. Junto a sus amigos Félix Sánchez y Salvador Aranda formó el trío Los Hispánicos, que se hizo muy popular en el barrio de Sagunto, donde actuaron en numerosas presentaciones falleras, bailes y verbenas de la época, y llegaron a quedar finalistas en el concurso radiofónico nacional 'Fiesta en España'. Sin embargo, sus compañeros de grupo decidieron que el mundo de la música no era lo suyo y disolvieron el trío.

Los Superson

Dada la amistad de Nino con Vicente López, bajista de Los Superson, y aprovechando que estos buscaban sustituto para su cantante Carlos Lardíes, Nino se incorporó al grupo, del que fue titular ya para siempre. Más adelante salieron del conjunto Josep Bosch, guitarra solista y Saturnino (Nino) Naredo, guitarra rítmica, fundadores de la banda, y entraron los hermanos Pepe y Vicente Juezas, guitarra y teclado.

Nino, recién llegado a Cartagena

Esta formación fue la que le acompañó en todas sus actuaciones hasta el final de su carrera artística. Sin embargo, tuvieron que hacer un paréntesis en sus actuaciones por el servicio militar de Nino, que cumplió en Cartagena. A su regreso, se empleó en una oficina, y realizó su presentación como cantante solista en el Festival de la Canción de La Vall d'Uixò en 1968.

Realizó sus primeras galas y un recital en el Teatro Principal de Valencia que sólo le reportaron pérdidas y posteriormente recibió la oferta de un contrato discográfico por parte del sello madrileño Polydor/Fonogram. Las primeras grabaciones fueron de tanteo. Grabó temas de Manuel Alejandro, -'Como todos' y 'Es el viento'- que por entonces estaba consagrado a la carrera de Raphael, de modo que las comparaciones entre los dos cantantes se hicieron inevitables. Ante esta situación, la compañía buscó otros compositores, como Juan Carlos Calderón y el Dúo Dinámico. En 1970 acudió al festival de la canción de Barcelona con el tema 'No debo pensar en ti', pero no llegó a la final.

Sin embargo, su primer gran éxito se lo escribieron Augusto Algueró y Rafael de León. 'Te quiero, te quiero' permitía a Nino Bravo lucir su poderosa voz de tenor, en contraste con los cantantes de escasa voz que abundaban entonces en el pop español. La canción ya había sido grabada por Raphael, Lola Flores y Carmen Sevilla pero por diversas causas no llegaron a salir al mercado. Nino consiguió con ella un éxito arrollador, siendo elegida canción del verano. Le siguieron 'Noelia', 'Perdona', 'Mi gran amor', 'Mi querida mamá' y 'Voy buscando', entre otras.

Participó en la selección para el Festival de Eurovisión en dos ocasiones. La primera en 1970 con el tema 'Esa será mi casa', que no consiguió llegar a la final, que ganó Julio Iglesias con 'Gwendolyne'. El año siguiente perdió nuevamente ante Karina.

Grabó cinco álbumes, el último de los cuales apareció tras su muerte, destacando el tercero, 'Un beso y una flor' (1972), con el que obtuvo gran éxito en España e Hispanoamérica. En noviembre de 1972 participó en el Festival de la Canción de Río de Janeiro como representante español, donde logró empatar en el primer puesto con el estadounidense David Clayton-Thomas. Semanas después salió a la venta su cuarto álbum, titulado 'Mi tierra' (1973), en el que se incluía uno de sus mayores éxitos: 'Libre', firmada por el tándem Herrero y Armenteros.

El 14 de marzo de 1973 realizó su última actuación en Valencia. Allí cantó, por primera y única vez, el Himno de Valencia, ayudado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogieron poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano. La mañana del lunes 16 de abril de 1973, Nino Bravo, acompañado por su guitarrista y amigo José Juesas Francés y del Dúo Humo, partieron temprano de Valencia hacia Madrid. Un mes antes Nino Bravo se había convertido en representante del dúo y el motivo del viaje no era otro que acudir al estudio de grabación para que éstos grabaran las voces para su primer sencillo. En una curva en la que ese mismo mes había sucedido un accidente mortal, el BMW conducido por el cantante se salió de la carretera y dio varias vueltas de campana, falleciendo Nino en el trayecto hacia el hospital.

Tras su muerte apareció un disco póstumo, titulado '...y Volumen 5', que incluía diez canciones grabadas semanas antes de su fallecimiento. Entre ellas se encontraba 'América, América', que se convirtió en todo un himno para sus admiradores latinoamericanos y en uno de sus grandes éxitos. También apareció la única canción que compuso Nino, titulada 'Vivir'.
El 12 de septiembre de 1973 se celebró en la Plaza de Toros de Valencia un macroconcierto en homenaje al cantante, al que acudieron más de 20.000 personas, ofrecido por numerosos artistas nacionales como Jaime Morey, Basilio, Mari Trini, Víctor Manuel, Los Mismos, Daniel Velázquez, Fórmula V, Bruno Lomas, Mocedades, Juan Pardo, Julio Iglesias, Dova, Los Puntos, Manolo Escobar y Los Superson, entre otros.

La figura de Nino Bravo reapareció con fuerza en el panorama musical de habla hispana en 1995, cuando se editó el álbum '50 Aniversario'. En esta producción discográfica se realizaron, gracias a la técnica, duetos entre el desaparecido artista y cantantes de éxito contemporáneos. Pronto se convirtió en el disco más exitoso del valenciano, cuyas ventas se estiman en más de un millón de copias. Le siguió una secuela en 1997. Producidos por Juan Carlos Calderón, unió la voz de Nino con las de Raphael, Francisco, Paloma San Basilio o Mocedades.

El año 2009 se puso en marcha una producción audiovisual titulada 'Nino Bravo, ¡el musical!', con realización de Fernando Navarrete, que contaba con un elenco artístico moderno. Un grupo de diez músicos interpretó en directo la banda sonora del espectáculo. Cuatro cantantes –dos masculinos y dos femeninos- ponían voz a las canciones de Nino, además de la imagen y la voz del valenciano, que también estaba presente en el escenario a través de una pantalla gigante.

Lorenzo Herrera

El 2 de agosto de 1896 nació en Santa Rosalía, Caracas, Lorenzo Herrera (padre), recordado como uno de los más grandes cantantes y compositores venezolanos de la primera mitad del siglo XX.

En 1923 su familia se traslada a Nueva York en busca de nuevas oportunidades para su talento musical. Aunque sus comienzos fueron difíciles, teniendo que trabajar como zapatero, pronto consiguió un contrato con los sellos más renombrados del momento, como RCA Victor y Columbia Records, entre otros. Fue aquí donde compuso la mayoría de sus canciones más populares, incluido el pasodoble 'La sultana del Ávila'

El cuatro venezolano

En 1935 participa en el film 'Joropo', dirigido por Horacio Cabrera Sifontes y seguidamente regresa a Venezuela donde continúa su carrera musical siendo pionero del bolero en el país gracias a sus emisiones radiofónicas. Llevó la música venezolana más allá de sus fronteras, dando conciertos en Canadá, Estados Unidos, Colombia, Argentina entre otros países. Una de sus composiciones más famosas es el merengue 'Compae Pancho', aunque en la mayoría de los discos aparece como 'Compadre Pancho' o 'Compay Pancho'. Es uno de los primeros temas típicos de música venezolana y ha sido utilizado como punto de partida en la enseñanza de la ejecución del 'cuatro' venezolano.

Compuso más de 500 canciones, muchas de las cuales fueron grandes éxitos en su época, aunque hoy hayan sido olvidados. En sus letras plasmaba toda la gracia y humor del verdadero sentir de su pueblo junto al romanticismo de sus valses que conservaban aún los matices sentimentales de principios del siglo XX. Con el merengue criollo su cantar ponía la gracia del refrán de moda en su Caracas y con el joropo soltaba las voces de su llano.
Entre sus temas más conocidos se encuentran: 'Luisa', 'Josefina', 'Rosalinda', 'El bachaco', 'El coletón', 'Mi rancho', 'Compae Pancho', 'La mula rucia', 'Canta ruiseñor', 'El primer amor', 'Chupa tu mamey', 'Ya no sufras corazón', 'Vente pa´cá mi negra', 'Caminito del llano adentro' y 'El petróleo' (1941), entre muchas otras. Lorenzo Herrera murió en 1960 a los 64 años.

Jim Capaldi

El 2 de agosto de 1944 nació en Evesham (Inglaterra) el músico y batería de origen italiano Jim Capaldi. Fue fundador en 1967 junto a Stevie Winwood del grupo Traffic en el que además de tocar la batería, era cantante, co-compositor y letrista de la mayoría de los temas de la banda.

De niño aprendió a tocar el piano y a cantar con su padre, profesor de música. En la adolescencia se decidió por la batería y en 1963 formó The Hellions, que contaba con Dave Mason a la guitarra. Al año siguiente consiguieron un contrato para tocar en el Star Club de Hamburgo. Allí coincidieron en el mismo hotel con The Spencer Davis Group, por lo que tuvieron la oportunidad de conocer a Stevie Winwood.

De vuelta en Inglaterra The Hellions se establecieron como una banda de suficiente reputación para acompañar a cantantes como Adam Faith y Dave Berry. En 1965 publicaron tres singles, que no entraron en las listas, Desilusionado Dave Mason, deja el grupo. Capaldi, que había cedido la batería a John Palmer, era ahora el cantante solista y cambió el nombre del grupo a Deep Feeling. En 1966 comparten escenario en el Knuckles Club de Londres con un entonces desconocido Jimi Hendrix, que actuaba por primera vez en Gran Bretaña.

Capaldi se reunía de vez en cuando en Birmingham con sus amigos Mason, Stevie Winwood y Chris Wood con los que tocaba en pequeños conciertos informales en el Elbow Room Club. A comienzos del año 1967, tras la disolución de Deep Feeling, deciden formar el grupo Traffic. Firman con Island Records y Capaldi escribe la letra de su primer single, 'Paper sun', que alcanza el Top5 británico. Le sigue 'Hole in my shoe', (nº2), cuya cara B es 'Smiling phases'. A finales de 1967 aparece el álbum 'Dear Mr Fantasy', que contiene, entre otras, 'No face, no name, no number' y 'Coloured rain'.

Traffic en 1968

Dave Mason abandona el grupo pero vuelve en mayo de 1968 para grabar el segundo álbum, 'Traffic' al que contribuye con cinco canciones, entre ellas 'Feelin alright', una de las más populares del grupo. Mason se marcha de nuevo a final de año y Winwood se embarca con Eric Clapton en la efímera aventura de Blind Faith, por lo que Traffic se disuelve.

En enero de 1970, Winwood se encuentra en el estudio, grabando un nuevo álbum en solitario y llama a sus ex-compañeros Capaldi y Chris Wood para que le ayuden. Las sesiones son tan productivas que deciden volver a unirse como Traffic y publican 'John Barleycorn Must Die', obra que comienza una segunda etapa de gran éxito para la banda, en la que publicarían hasta 1974, momento de su separación, tres álbumes más: 'The Low Spark of High Heeled Boys' (1971), 'Shoot Out at the Fantasy Factory' (1973) y 'When the Eagle Flies' (1974), todos ellos Top10 en EEUU.

A pesar del éxito de Traffic, desde 1972 Capaldi empezó a publicar álbumes por su cuenta. Su primer trabajo fue 'Oh how we danced', acompañado de sus colegas de Traffic. Le siguió 'Whale Meat Again' (1974), pero fue el tercero, 'Short cut draw blood' (1975), con temas como 'Love hurts' y 'Seagull', el más aclamado por público y crítica.
En toda su carrera publicó trece discos en solitario.

Tocó la batería para Jimi Hendrix, Eric Clapton, George Harrison y Alvin Lee, entre otros, y como compositor recibió en cinco ocasiones el premio de BMI/Ascap por las 'Composiciones más radiadas de América' certificando unas ventas de más de 25 millones de copias de canciones escritas o coescritas por él, como por ejemplo 'Love will keep us alive', que Jim escribió con Paul Carrack en 1980 para los Eagles. En 1994, veinte años después de separarse, Steve Winwood y Jim Capaldi grabaron juntos un nuevo álbum de Traffic, 'Far From Home', que se convirtió en su álbum más vendido en Inglaterra desde 'John Barleycorn'

En su álbum 'Living on the outside' (2001) en el que contaba con colaboraciones de Steve Winwood, Paul Weller, Gary Moore y Ian Paice, George Harrison puso su guitarra en el tema 'Anna Julia', una versión en inglés del éxito del grupo brasileño Los Hermanos. Es, seguramente, una de las últimas grabaciones de Harrison.
Al año siguiente, Capaldi participó en el Concert For George, celebrado en el Royal Albert Hall de Londres. Permaneció activo con proyectos de una nueva reunión de Traffic hasta pocos días antes de morir a los 60 años en enero de 2005.

Andrew Gold

El 2 de agosto de 1951 nació en Burbank (California) el músico y cantautor californiano Andrew Gold. Hijo del compositor Ernest Gold, ganador de un Oscar por la banda sonora de 'Exodo' y de la cantante Marni Nixon, que puso la voz para numerosas actrices como Natalie Wood en 'West Side Story' o Audrey Hepburn en 'My Fair Lady', Andrew continuó la saga familiar y a los doce años comenzó a componer canciones.

Al comienzo de los años setenta, Andrew trabajó como multi-instrumentista, compositor y productor para muchos músicos, entre ellos Linda Ronstadt, a quien le hizo arreglos y tocó en el álbum que la dio a conocer internacionalmente, 'Heart like a wheel', así como en los cuatro siguientes. Formó parte de la banda de Linda entre 1973 y 1977 y de nuevo, esporádicamente, en los años ochenta y noventa.

En 1975 Andrew decide grabar en solitario y publica el primero de los doce álbumes de su carrera. Dos años después tuvo un hit, 'Lonely boy', que alcanzó el Top10 norteamericano. Al año siguiente, su tema 'Thank you for being a friend', también entró en las listas y se hizo tremendamente popular unos años después, cuando fue adoptada como tema de la serie de TV 'Las Chicas de Oro', emitida por la NBC desde 1985 hasta 1992. En el Reino Unido tuvo un Top5 con la canción 'Never let her slip away' (1978), que de nuevo, catorce años después, en versión de Undercover , fue Top5.

En los años ochenta estaba dispuesto a incorporarse al grupo 10cc, con los que ya había colaborado en varios álbumes, pero al separarse éstos en 1983, formó tándem con Graham Gouldman para formar Wax. Grabaron e hicieron giras durante cinco años obteniendo algunos éxitos en las listas , como 'Right between the eyes' y 'Bridge to your heart'.

En 1996 adopta un seudónimo, The Fraternal Order of the All, bajo el cual publica 'Greetings from Planet Love', una gema poco conocida en la que Gold grabó en su estudio casero, prácticamente en solitario, el disco que siempre quiso haber grabado en los años sesenta. El rock británico, sobre todo el sonido Beatles de finales de la década impera en el álbum, con guiños a los Byrds y a los Beach Boys. El álbum es mucho más que un homenaje musical nostálgico. Canciones como 'Mr plastic business man', 'Wink of the third eye/It has no eyes but sight', 'King of showbix' o 'Tomorrow drop dead' destilan calidad musical por sí solas. Su amor por la música de Lennon/McCartney lo demostró en su último trabajo 'Copy Cat', en el que publica diez versiones de Beatles, prácticamente fotocopiadas de las originales.

Ha intervenido como músico, arreglista o productor en álbumes de artistas como Paul McCartney, John Lennon, Brian Wilson, Eagles, Jackson Browne, James Taylor, Stephen Bishop, Cher y Art Garfunkel. En el hit de éste último 'I only have eyes for you', Andrew toca prácticamente todos los instrumentos.
Andrew murió de un fallo cardíaco mientras dormía el  3 de junio de 2011 a los 59 años.

Arthur Bliss

El 2 de agosto de 1891 nació en Londres el compositor inglés Arthur Edward Drummond Bliss. Hijo de padre estadounidense y de madre inglesa, Arthur Bliss asistió a la Bilton Grange Preparatory School antes de asistir a la Universidad de Cambridge (1910-13), donde estudió contrapunto con Charles Wood. Su música mostrará características de las nacionalidades de sus padres: un profundo espíritu romántico balanceado con una inextinguible energía y optimismo.

Culminó su preparación musical en el londinense Royal College of Music, entablando contacto con músicos de la talla de Vaughan Williams o Gustav Holst. Poco después sirvió como oficial de infantería en la Primera Guerra Mundial, contándose que marchó a las trincheras llevándose su gramófono y sus partituras debajo del brazo. Lo que no dicen es dónde acabó su equipaje musical cuando le vieron aparecer con semejante equipaje sus superiores. Finalizada la guerra se dedica de lleno a la composición, mostrando un interés inusitado por todo lo que oliese a modernidad.

Sus obras de este periodo se caracterizan por su frescura e innovación, como “Rhapsody” (1919) una pieza para soprano, tenor, flauta, corno inglés, cuarteto de cuerda y contrabajo, donde la voz no tiene texto, sino que vocaliza una sola sílaba, o “Rout”, una partitura para soprano y orquesta de cámara cuyo texto también consiste en vocalizaciones y sílabas sin sentido. La influencia de compositores del otro lado del Canal como Ravel, Stravinsky o Milhaud se hace presente en la obra de Bliss que supone una clara ruptura con la tradición musical de las islas británicas hasta entonces.

En 1922 estrena, con dirección de Edward Elgar, una de sus obras más famosas y singulares, “A Colour Symphony” (Arthur Bliss & The London Symphony Orchestra), su primera gran composición orquestal, donde intenta describir musicalmente los diferentes colores, correspondiendo cada movimiento a uno de ellos (Púrpura, Rojo, Azul y Verde). Parece que la inspiración la obtuvo a partir de un libro de heráldica en el que se detallaban los conceptos simbólicos asociados a cada color. La dirigió Edward Elgar en el “Three Choirs Festival de Gloucester”, en 1922.

En 1928 Bliss dedica su “Pastoral: Lie Strawn the White Flocks” (John Diamanti, clarinete & Francesco Maria Moncher, piano) para clarinete y piano a Elgar, un compositor por el que mostraba una gran admiración, pudiendo apreciarse a partir de ese momento una evolución en su música que va abandonando los terrenos más experimentales y atrevidos de sus primeros trabajos, para orientarse hacia construcciones más conservadoras de claras influencias románticas.

Algunas de las composiciones más conocidas de Bliss son "Héroes Matutinos", una sinfonía coral; "Introducción y Allegro"; "Himno de Apolo"; la "Suite de Purcell" (overtura, aire, zarabanda, minué y gaita) , que fue bien recibida al ser ejecutada por la Orquesta Sinfónica de París, dirigida por Ansermet; “Concierto para violoncello” (Raphael Wallfisch, violonchelo; Ulster Orchestra & dir. Vernon Handley) "Concierto para dos pianos" (Peter Donohoe & Martin Roscoe) "Mélée Fantasque pour Orchestre"; el "Concierto para dos pianos"; y "Música para Cuerdas", estrenada en un concierto de la B.B.C., en 1935; El “Concierto para piano en Si bemol mayor, parte I”,  parte II”. (Peter Donohoe, piano & The Royal Scottish National Orchestra)

Por otro lado, en 1934, el productor británico de origen húngaro Alexander Korda se puso en contacto con Bliss para encomendarle la creación de una banda sonora para la película “Things to come” (La Vida Futura) (The New Philharmonia Orchestra & Arthur Bliss), con guión de H.G. Wells con una partitura llena de fuerza que se fue construyendo al mismo tiempo que se iba escribiendo el guión y que se adaptaba a las imágenes en función del montaje final, consiguiendo una innovadora y perfecta conjunción entre lo narrado y la música de fondo.. En ella se avanza la visión de lo que podría ser la evolución del mundo, desde el entonces futuro 1940, durante los siguientes cien años.

Algunos aspectos narrados en el film se quedaron en mera ciencia ficción, pero otros, como el anticipo de lo que luego sería la Segunda Guerra Mundial y el sufrimiento para la población, resultaron casi proféticos. Con el paso del tiempo y la proliferación posterior de películas del género, “Things to come” ha quedado relegada a una inocente fantasía utópica de Wells, aunque sus indudables valores la han convertido en un film de culto para cinéfilos.

Pero además de los méritos estrictamente cinematográficos que pueda tener la película, la banda sonora compuesta por Arthur Bliss tiene una relevancia que debe ser destacada. Con el advenimiento del cine sonoro, los diálogos y las canciones adquirieron un enorme protagonismo en detrimento de la banda sonora, que solía estar compuesta por música reciclada de otras películas o por fragmentos de música clásica. En Estados Unidos, Max Steiner, con su trabajo para “King Kong” (1933), dará un nuevo y decisivo giro en este campo, creando una partitura original adaptada a la acción, que acompaña la misma y evoluciona con ésta, remarcando y potenciando las sensaciones que transmiten las imágenes.

Otras obras de Bliss incluyen música para los ballets “Checkmate” parte 1, parte 2, parte 3 (1937) (The BBC Symphony Orchestra & dir. Norman Del Mar) y “Adam Zero” (1946): “Ballet in one scene, concert suite” (1946)  (Vernon Handley & Royal Liverpool Philharmonic Orchestra) y la ópera para la televisión “Tobias and the Angel” (1961). En 1950 fue nombrado Sir y poco después “Master of the Queen’s Music”, componiendo numerosas obras para acontecimientos relacionados con la Casa Real, como la música de la investidura de Carlos de Inglaterra como Príncipe de Gales en 1969.
Sir Arthur Bliss falleció en Londres en marzo de 1975 y hoy está reconocido como uno de los más prolíficos y polifacéticos compositores británicos del siglo XX.