Peter Tosh

El 19 de octubre de 1944 nació en Grange Hill (Jamaica) el músico de reggae Peter Tosh, uno de los fundadores de los Wailers, a cuya disolución le siguió una brillante carrera discográfica en solitario. Es recordado también por la controvertida naturaleza política de sus composiciones, las cuales le trajeron no pocos problemas con las autoridades jamaicanas a lo largo de su vida. Sin embargo, tras su asesinato en 1987, el gobierno de Jamaica le ofreció un funeral de estado, en reconocimiento a su contribución a la cultura musical de la isla.

Marley, Peter Tosh y Beverley Kelso en 1963

Nacido Winston Hubert MacIntosh, Tosh fue criado por su tía y comenzó a cantar y tocar la guitarra con pocos años, inspirado por la música que oía a través de las emisora de radio norteamericanas. Cuando cumplió los quince, su tía murió y el joven Winston se trasladó a casa de otro tío suyo que residía en el barrio de Trench Town de Kingston, la capital del país. En 1962 conoció a Bob Marley y Neville Livingston (Bunny Wailer), con los que asistió a las clases de música de Joe Higgs. Junto con Junior Braithwaite y las vocalistas Beverley Kelso y Cherry Smith los tres formaron The Wailing Wailers, los cuales, gracias a las influencias de Higgs, lograron una audición en el sello Studio One. Allí grabaron varios éxitos como 'Hoot nanny hoot' (el primer tema cantado por Tosh) y 'One love'.

Wailer, Marley y Tosh

En 1964 consiguieron incluso un nº1 en Jamaica con 'Simmer down', un tema que aún interpretaban con un estilo ska. Siguieron grabando numerosos discos hasta que Braithwaite y las chicas decidieron dejar el grupo. Marley, Wailer y Tosh (que ya había adoptado para entonces el nombre de Peter Tosh) cambiaron de sello y firmaron con Upsetter Records, de 'Lee Scratch' Perry, y acortaron su nombre a The Wailers. También poseían su propio sello discográfico, Tuff Gong, cuyo estudio de grabación estaba instalado en casa de Marley. En 1970 se añadieron dos nuevos músicos a la formación: los hermanos Francis ('Fams') y Carlton ('Carlie') Barrett, quienes como bajista y baterista, respectivamente, completaron The Wailers, cuya música, para entonces había pasado del ska al rocksteady, dando lugar a lo que los historiadores llamaron 'roots reggae' y permaneciendo como el grupo más importante y popular de la isla, con trabajos como 'Soul Rebels' (1970) y 'Soul Revolution' (1971).

Su colaboración con Perry llegó a su fin y firmaron con Chris Blackwell y su sello Island Records, donde apareció en 1973 el álbum 'Catch A Fire', uno de los trabajos que situó al reggae en otro nivel con temas de Marley como 'Concrete jungle', 'Stir it up' o 'Kinky reggae'.  Aunque Bob emergía como la cabeza visible del grupo, Tosh se hizo notar pronto ganándose la imagen de 'delincuente juvenil del reggae', gracias a sus canciones antigubernamentales y su afilada y sarcástica voz. De su pluma son algunos de los temas más políticos de los Wailers como '400 years', 'Stop that train' o la emblemática 'Get up, stand up'.

Con el éxito internacional crecieron las tensiones en el grupo. Tosh no confiaba en Blackwell, ya que observaba que este cuidaba más la imagen de Bob, dejando relegados a Wailer y Tosh como simple banda de acompañamiento, hasta el punto de que el álbum 'Burnin', publicado el 19 de octubre de 1973, apareciera acreditado como Bob Marley & the Wailers.

En 1974 Tosh dejó la banda y ese mismo año sufrió un grave accidente de automóvil en el que resultó malherido y falleció su esposa Shirley que le acompañaba. Cuando se recuperó formó un grupo y sus letras se volvieron más controvertidas aún. Como resultado de una paliza recibida por la policía jamaicana escribió y grabó a modo de protesta 'Mark of the beast'. La canción fue inmediatamente prohibida en las radios jamaicanas así como el tema 'Legalize it', contenido en su álbum debut del mismo nombre, en el que pedía la legalización de la marihuana. Como fiel seguidor de la religión Rastafari, Tosh creía que su consumo le acercaba más a Dios. A pesar de la prohibición, 'Legalize it' fue un gran hit internacional.

Su firmeza en la lucha contra el sistema, su rechazo a la utilización bélica de las armas nucleares, la defensa de los derechos humanos y el rechazo público al Apartheid (fue uno de los primeros artistas de primera fila que se mostró públicamente en contra), fueron otros temas fundamentales de la vida y la carrera musical de Peter Tosh. Una de sus decisiones más conocidas fue cuando hizo perder a sus productores 78.000 dólares por no tocar en Israel, ya que los israelís le vendían armas al Apartheid de África en ese tiempo. Crítico con la política de su país y global, llegó a decir: "La verdad ha sido calificada como ilegal. Es peligroso tener la verdad en tu poder. Puedes ser culpable de un delito y condenado a muerte". 'Equal Rights', su éxito de 1977, incluye la conocida frase repetida años después en muchas protestas: "Yo no quiero paz, quiero igualdad y justicia".

Aunque para entonces el gobierno jamaicano dejó de vetar sus obras, Tosh seguía metiéndose en problemas. Durante un concierto junto a Bob Marley el año 1978 en Kingston, Tosh fumó un gran porro de marihuana en el escenario y criticó al primer ministro de Jamaica Michael Manley, presente en el acto, por no legalizar la droga. Unas semanas después, seguramente a causa de este incidente, Tosh fue arrestado y de nuevo golpeado sin piedad en las dependencias policiales.

Mick Jagger y Peter Tosh

Al mismo tiempo, Tosh se había convertido en el segundo artista en firmar con el recién estrenado sello Rolling Stones Records, tras hacerlo el grupo de Jagger y Richards. Abrió los conciertos de los Stones en su gira norteamericana del verano de 1978 y grabó un remake de 'Don't look back' de los Temptations cantando a dueto con Mick Jagger, además de aparecer junto a él en un episodio de Saturday Night Live.

En 1979 publicó 'Mystic Man' y apareció en el video de 'Waiting on a friend' de los Rolling Stones. Esta asociación de Tosh con el grupo británico incrementó su fama aún más, lo que no fue obstáculo para que continuara componiendo canciones con controvertidas letras. En 1981 publicó lo que muchos consideran su mejor trabajo, 'Wanted Dread And Alive' una obra llena de crítica con la corrupción política y las miserables condiciones de vida de los pobres en Jamaica. En 1984, tras la publicación del álbum 'Mama Africa', Tosh se tomó un tiempo de reflexión y buscó ayuda espiritual de curanderos de medicina tradicional africana.

En agosto de 1987 se publicó 'No Nuclear War', con el que parecía volver al mundo de la música con nuevos bríos. Fue nominado a un Grammy por mejor álbum de reggae del año. Un mes más tarde, el 11 de septiembre, Tosh acababa de llegar a su casa de Jamaica en compañía de su novia, cuando un grupo de tres hombres armados irrumpió en ella pidiendo dinero al cantante. Uno de ellos era un viejo conocido de Tosh al que el músico había ayudado económicamente unos meses atrás tras salir de la cárcel. Tosh intentó convencerles de que no tenía un céntimo en la casa, pero estos no lo creyeron y comenzaron a golpearle. Mientras tanto llegaron a la casa amigos de Tosh que venían a darle la bienvenida y los asaltantes se pusieron nerviosos. Se inició un tiroteo y además de Tosh, murieron dos DJ's locales y varios asistentes resultaron heridos.

El principal responsable logró ser apresado y fue condenado a muerte, aunque fue indultado y actualmente permanece en prisión. Los otros dos asaltantes jamás fueron identificados y se dice que fueron asesinados unas semanas más tarde por los miembros de una banda. En agosto de 2012 se anunció en Jamaica, que a Peter Tosh le sería concedida en octubre del mismo año la Órden del Mérito, el cuarto honor en importancia que se concede en Jamaica.

Vinicius de Moraes

El 19 de octubre de 1913 nació en Rio de Janeiro el poeta, cantante y diplomático Vinicius de Moraes, una figura principal en la música popular brasileña contemporánea. Escribió la letra de un gran número de canciones que se han convertido en clásicas, como 'Garota de Ipanema', 'A felicidade', 'Agua de beber', 'Chega de saudade', 'Berimbau', 'Canto de Ossanha',... etc

Vinicius fue hijo de Clodoaldo da Silva, un funcionario del ayuntamiento, así como poeta y guitarrista aficionado y Lidia Cruz, ama de casa y pianista aficionada, por lo que Vinicius creció en un ambiente muy musical. Realizó el bachiller con los Jesuitas y en 1929 se matriculó en la facultad de Derecho, acabando la carrera (que nunca llegó a ejercer) en 1933. Un año antes había escrito la letra de diez canciones que grabaron los hermanos Paul y Haroldo Tapajós. Cuando finalizó sus estudios, publicó sus libros 'Caminho para a distância' (1933) y 'Forma e exégese'.

Más tarde, en 1936, comenzó a trabajar como censor cinematográfico y escribió su tercer libro 'Ariana, a mulher'. Dos años después consigue una beca concedida por el gobierno inglés en la Universidad de Oxford y allí estudía poesía y escribe 'Novos Poemas'. Por aquel tiempo se casó -por poderes- con su primera mujer, Beatriz Acevedo de Mello, con la que tendría dos hijos. En 1941 volvió a Río y trabajó escribiendo críticas de cine en periódicos y revistas. Dos años más tarde se unió al cuerpo diplomático de Brasil y publicó su libro 'Cinco elegías'. Poco antes había recibido el encargo del ministro de Asuntos Exteriores de Brasil de acompañar al escritor norteamericano Waldo Frank en un periplo por la zona norte del país. Según palabras de Moraes, fue su contacto con Frank y la extrema pobreza que vio durante su viaje, lo que le convirtió en un "hombre de la izquierda".

Vinicius con Lila Maria Esquerdo e Boscoli

En 1946 fue enviado a Los Ángeles como vicecónsul en su primer destino diplomático y publicó su obra 'Poemas, sonetos e baladas'. Al principio de 1950, de Moraes tuvo que volver brevemente a Brasil debido a la muerte de su padre. Siguió trabajando en delegaciones diplomáticas de Paris y Roma y, en 1951, se casó con su segunda esposa, Lila Maria Esquerdo e Boscoli. Al año siguiente es nombrado delegado del gobierno brasileño en el festival de cine de Punta del Este, recibiendo también el encargo de viajar a Europa para estudiar la organización de festivales de cine similares en Cannes, Berlin, Locarno y Venecia, con vistas a preparar el primer festival de cine que se iba a celebrar en Sao Paulo, con motivo del 400 aniversario de la ciudad.

Su primer samba (compuesto junto con el músico Antônio Maria) fue 'Quando tu passas por mim' y se publicó en 1953. Ese mismo año se trasladó a Francia como segundo secretario de la embajada de Brasil en París. Allí permaneció hasta 1956 (dicen que 'trabajaba' en el bar, junto a su eterno whisky). Los años cincuenta marcaron el paso de Vinicius de una figura literaria a una figura perteneciente a la música popular, debido al estreno de su musical 'Orfeu da Conceiçao' (1956).

De Moraes y Tom Jobim

Durante la preparación de la obra, le presentaron a un joven y relativamente desconocido pianista llamado Antonio Carlos Jobim, a quien se le había encargado componer la música del musical. Jobim escribió la música de varias canciones incluídas en el libreto, como 'Se todos fossem iguais a você' y 'Um nome de mulher'. A finales de 1956, Vinicius de Moraes retornó a Francia, siendo trasladado al año siguiente a la Unesco como representante de Brasil. Dos años después, de camino a su nuevo destino en la embajada de Montevideo, aprovechó su paso por Brasil para casarse con su tercera mujer, Maria Lucia Proença.

Vinicius y su tercera mujer, Maria Lucia Proença

En 1958, la cantante Elizeth Cardoso publicó el disco 'Canção do amor demais', que marcó el comienzo de la bossa-nova.

Este álbum sólo contiene composiciones del dúo Jobim-de Moraes, o escritas por uno de los dos ('Canção do amor demais', 'Luciana', 'Estrada branca', 'Chega de saudade', 'Outra vez'...), en una producción que también incluía a otro músico -prácticamente desconocido entonces-, en las dos últimas pistas, João Gilberto. Puede afirmarse que, tras este disco, la carrera en la música de Vinicius (así como la de los demás implicados en la grabación) acababa de comenzar.

En 1962 Vinicius conoce al guitarrista Baden Powell y colabora con él. Aunque la bossa nova era la música predominante, ambos querían ir más lejos, fusionando elementos afro-brasileños como el Candomblé, Umbanda y Capoeira con la samba de Rio de Janeiro. El resultado se publicó en el álbum de 1966, 'Os Afro-Sambas de Baden e Vinícius'

En agosto de 1962, Vinicius decide a cantar en público por primera vez, junto con Jobim y Gilberto en el nightclub Au Bon Gourmet de Rio de Janeiro. Sería el primero de sus 'mini-shows', realizados ante reducidas audiencias, en los que estrenaría futuros hits internacionales como 'Garota de Ipanema', 'Samba de Bençao' y muchas otras. Esta primera etapa como cantante acabaría en 1963, cuando tuvo que volver a su puesto como representante de Brasil en la Unesco, no sin antes casarse por cuarta vez con Nelita Abreu Rocha.

Vinicius y Toquinho

La vida bohemia y las ideas de Vinicius no casaban bien con el moralizante nuevo gobierno militar surgido en Brasil tras el golpe de estado de 1964, por lo que fue vigilado y tachado como 'marginal y borracho'. En 1969, durante una purga efectuada en el ministerio de asuntos exteriores, en la que querían deshacerse de 'homosexuales y borrachos', se le expulsó del cuerpo diplomático. En 1970 conoce a Antonio Pecci Filho, Toquinho. Su unión durará 11 años y casi 30 discos, y su amistad, el resto de sus vidas. Vinicius compone las letras y Toquinho la música. Una de sus grandes obras es el disco proveniente de las sesiones de grabación en el café-concierto 'La Fusa' en Mar del Plata (Argentina), donde en 1971 tocaron varias canciones famosas con la voz de María Creuza, Maria Bethânia y la guitarra de Toquinho.

También realizó giras por Europa con Chico Buarque y Nara Leao y por Argentina con Dorival Caymmi y Oscar Castro-Neves. Pero su acompañante más habitual fue Toquinho. Fue una relación cómplice, una dependencia mutua, fructífera y muy, muy divertida.

Y Toquinho es el único músico de su generación que compuso con Vinicius. Sus actuaciones en vivo, la mayoría de las veces, eran reuniones íntimas con el público, en las que Vinicius charlaba y contaba divertidas anécdotas, sirviéndose repetidas veces de su botella de Whisky escocés. Una de sus célebres frases era: "O uísque é o melhor amigo do homem—é o cão engarrafado" (el whisky es el mejor amigo del hombre; es un perro embotellado)

Aparte de sus compañeros brasileños, cientos de intérpretes de muchas nacionalidades y estilos han grabado alguna de sus más de 400 canciones. Entre ellas, sobresale 'Garota de Ipanema' (con música de Tom Jobim) por la incontable cantidad de interpretaciones, versiones, adaptaciones, traducciones y grabaciones de las cuales ha sido objeto. Se estima que es una de las tres canciones más versionadas en la historia de la música contemporánea, junto con 'Bésame mucho' de la mexicana Consuelo Velázquez y 'Yesterday', de Paul McCartney.

Su obra, sin embargo, no goza de la consideración que merece dentro de los círculos intelectuales y el mundo de las letras debido a la circunstancia de que la poesía de Vinicius está íntimamente ligada a la bossa nova, la música popular brasileña y a su bohemio estilo de vida. No obstante, existen varios poetas, escritores, críticos y ensayistas dentro y fuera de Brasil que lo consideran como uno de los tres mayores exponentes de la poesía en lengua portuguesa. Sus poemas logran una armonía y una belleza estética sumamente apreciadas, y el fondo filosófico-romántico en ellos es interpretado como verdaderos atajos para la felicidad. Quizás el mejor ejemplo de lo anterior sea el poema 'Para viver um grande amor', donde quedan sintetizadas toda la filosofía y la forma poética preferidas por Vinicius.

Vinicius y Gilda de Queirós

De Moraes, alcohólico durante muchos años, tras una larga temporada con la salud muy deteriorada, y varias estancias en clínicas de rehabilitación, murió en su domicilio de Rio, junto a su fiel Toquinho y su octava esposa, Gilda de Queirós Mattosos en julio de 1980 a los 66 años. El año 2006, De Moraes fue oficialmente restituido al cuerpo diplomático brasileño y en febrero de 2010 el congreso le concedió el título post-mortem de Embajador.
Frases famosas de Vinicius:  "Es más importante vivir que ser feliz", "Mientras dura, el amor es eterno", "Que me perdonen los feos, pero la belleza es fundamental"

Anita O'Day

El 18 de octubre de 1919 nació en Chicago la cantante de jazz Anita O'Day. Llamada por el crítico de jazz Scott Yanow "una de las cantantes más elegantes de la era del swing", Anita tuvo una de las voces más inconfundibles de la historia del jazz. Aunque su manera de cantar estaba inspirada en cantantes como Mildred Bailey, Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Martha Raye, O'Day desarrolló su propio estilo que otras encontraban muy difícil de imitar.

Anita Belle Colton comenzó su carrera como cantante de una forma accidental sustituyendo cuando aún era adolescente a una de las cantantes de un espectáculo de variedades. Más tarde, durante los años de la Depresión, participó en numerosos maratones de baile, donde adquirió su nombre artístico O'Day. Con 19 años trabajó como camarera-cantante en bares y casas de juego hasta que logró entrar como cantante en diversos grupos de Chicago. Uno de los locales en los que solía actuar era el Off-Beat, frecuentado por muchos músicos de la época, entre ellos el legendario baterista y director de banda Gene Krupa, que le prometió llamarla si se quedaba sin cantante. O'Day conoció por entonces al también batería Don Carter, con quien se casó y con quien aprendió teoría musical.

Con Krupa en 1941

Tras dos años cantando con el combo de Max Miller en el club Three Deuces en Chicago, Anita estaba preparada para sustituir a Irene Daye en la banda de Krupa. Al mismo tiempo entró en la formación el trompetista y cantante Roy Aldridge con el que O'Day compartió una poderosa química en escena. Ambos aparecen como cantantes en los créditos de 'Let me off uptown', uno de los primeros duetos interraciales grabados en disco. Este single y la versión que realizó Anita de 'That's what you think' ayudó a elevar a la joven cantante a la categoría de estrella en los primeros años cuarenta. En 1941 la revista Down Beat la nombró la 'nueva estrella del año' y un año después, Anita figuraba entre las cinco mejores cantantes de big band.

Se casó de nuevo en 1942, ésta vez con el profesional del golf Carl Hoff. A continuación O'Day dejó la orquesta de Krupa y se trasladó a California para explorar otras opciones en su carrera. Cantó con la orquesta de Woody Herman por un tiempo pero lo tuvo que dejar por no poder cumplir con la agotadora agenda de actuaciones de la banda. Posteriormente, en 1944 y siguiendo los consejos de su manager, entró en la formación de Stan Kenton. Para entonces ya lideraba el ranking de cantantes de big band y le llovían los elogios de todo el país. Aunque su fama creció junto a Stanton con temas como 'As her tears flewed like wine', O'Day no estaba satisfecha con la disciplina que este imponía en su orquesta y no se sentía a gusto con aquellas rígidas estructuras musicales ejecutadas por estirados músicos que la miraban por encima del hombro.

Su deseo de respirar una atmósfera creativa más libre la llevó a volver a integrarse en la banda de Krupa en 1945. Para entonces también estaban en la formación el pianista bop Dodo Marmaros y el clarinetista Buddy DeFranco. Un año después, Anita lo intentó en solitario y firmó con Signature en 1947 donde, con sus primeras grabaciones como solista demostró su extraordinaria versatilidad. Tratando de conseguir popularidad sin perder su identidad de cantante de jazz Anita grabó temas como 'Hi ho trailus boot whip', 'Key Largo', 'How high the moon' y 'Malagueña'.

Fue en 1947 cuando comenzaron sus problemas con las drogas y la ley. Su marido Carl Hoff y ella fueron arrestados por posesión de marihuana y condenados a pasar 90 días en prisión. En 1948 su carrera se reavivó cuando apareció con la orquesta de Count Basie en el Royal Roost de Nueva York. Sin embargo, lo que aseguró a O'Day un sitio entre las grandes del jazz, fue su trabajo para Norman Granz. La serie de casi veinte discos para Verve Records durante los años cincuenta y sesenta convirtieron a Anita O'Day en una de las más distintivas, seguidas y exitosas vocalistas de su tiempo, solo superada por Frank Sinatra y Ella Fitzgerald. Trabajó con múltiples arreglistas y en muy variados estilos, incluyendo una colaboración llena de swing con Billy May ('Anita O'Day Swings Cole Porter with Billy May'), un disco íntimo con The Oscar Peterson Quartet ('Anita Sings the Most'), varios tradicionales con la Buddy Bergman Orchestra ('Pick Yourself Up', 'Anita'), uno de orientación cool con Jimmy Giuffre ('Cool Heat') e incluso uno con ritmos latinos con Cal Tjader ('Time for Two').

Actuó en numerosos festivales y conciertos junto a artistas como Louis Armstrong,  Oscar Peterson, Dinah Washington, George Shearing, Cal Tjader y Thelonious Monk. Su aparición en el documental de Bert Stern, 'Jazz on a Summer's Day', filmado en el Newport Jazz Festival de 1958, incrementó más aún su popularidad. Más tarde Anita admitió que en aquella ocasión se encontraba bajos los efectos de la heroína.

Cuando en 1962 expiró su contrato con Verve, grabó esporádicamente y realizó varias actuaciones en Tokyo, donde el público japonés estaba descubriendo el jazz, hasta que en 1968 casi pierde la vida a causa de una sobredosis de heroína. Dos años después, desenganchada y recuperada, reapareció en el Berlin Jazz Festival y en los films 'False Witness' (1970) y 'The Outfit' (1974). Durante esos años grabó nuevos álbumes bajo el nuevo management de Alan Eichler, la mayoría de ellos registrados en Japón y publicados en su propio sello, Emily Records, llamado así por el nombre de su perra. Entre ellos destacan 'I Get a Kick Out Of You' (1975), 'Live' (1976) y 'In a Mellow Tone' (1989)

En 1981 publicó su libro de memorias 'High times, hard times', en el que hablaba sin tapujos sobre su adicción a la heroína. Esto le trajo numerosas invitaciones para entrevistarla en prácticamente todos los talk-shoes de las televisiones norteamericanas. Unos años después, en 1985, celebró su 50 aniversario como cantante con una actuación en el Carnegie Hall demostrando que su voz había soportado bien el paso del tiempo. Sin embargo, en los años siguientes, sus actuaciones se tornaron erráticas y tras una actuación en Nueva York a la edad de 75 años, el crítico John Holdung de Back Stage escribió: "Su voz, aunque sigue siendo puro jazz, es una leve memoria de lo que fue y debería olvidarse de las actuaciones en directo y quedar relegada a los estudios de grabación." Chris Albertson fue más allá en su comentario sobre el álbum 'Rules of the Road' de 1993: "O'Day nos hubiera hecho mejor servicio, dejándonos imaginar hace tiempo cómo sería su sonido en nuestros días."

Anita en 2005

No obstante, trece años después, Anita publicó su último álbum, 'Indestructible' (2006), el cual contenía el tema 'Is you is or is you ain't my baby', que aparece al principio del film 'Shortbus' (2006) de John Cameron Mitchell. Siete meses después de su publicación O'Day falleció en su casa, el día de Acción de Gracias de 2006 a los 87 años.

Laura Nyro

El 18 de octubre de 1947 nació en el Bronx de Nueva York la pianista y cantautora estadounidense Laura Nyro. No sólo tuvo éxito comercial como intérprete publicando importantes álbumes en los años setenta; también compuso numerosos clásicos del pop llevados al éxito por artistas como Barbra Streisand, Peter, Paul & Mary, Three Dog Night y Blood, Sweat & Tears.

Nacida como Laura Nigro del matrimonio formado por Louis Nigro, un trompetista de jazz y afinador de pianos de origen italiano y Gilda Mirsky, bibliotecaria judía de origen ruso, Laura aprendió piano de forma autodidacta a la vez que leía poesía y escuchaba los discos de su madre de Leontyne Price, Billie Holiday, Maurice Ravel y Claude Debussy. A los ocho años compuso sus primeras canciones y más adelante, asistió a la High Scool of Music and Art en Manhattan. Allí se reunía con compañeros de clase para cantar juntos en las esquinas y en las estaciones de metro y además descubrió la música de John Coltrane, Nina Simone, Pete Seeger, Curtis Mayfield y Van Morrison. También los grupos de chicas como The Supremes, Martha and the Vandellas y las Shirelles contaban entre sus favoritos. Nyro comentó al respecto: "Siempre me interesó el impacto social de ciertas canciones. Mi madre y mi abuelo eran de pensamiento progresista por lo que me sentí como en casa en el movimiento pacifista y en el de la liberación de la mujer, lo que terminó influyendo en mi música".

A través de su padre logró contactar con los ejecutivos discográficos Artie Mogull y su socio Paul Barry que se convirtieron en sus primeros managers. Su primera actuación profesional -ya como Laura Nyro- fue en el hungry i de San Francisco y Mogull negoció un contrato con Verve Folkways, bajo cuyo sello apareció en enero de 1967 su primer álbum, 'More Than a New Discovery'. El álbum contenía una de sus primeras composiciones, 'And when I die', que Nyro vendió a Peter, Paul & Mary por 5.000$. Otros temas del álbum como 'Wedding bell blues' y 'Blowin' away' serían grabados y llevados al éxito por el grupo 5th Dimension, así como 'Stoney end', un hit en la voz de Barbra Streisand.

Laura en Monterey (1967)

Unos meses después realizó su segunda actuación profesional en el Festival Pop de Monterey de cuyo escenario bajó deprimida y convencida de que el público la había abucheado. Posteriores publicaciones y revisiones de las imágenes grabadas en el festival desmienten este hecho, pero Laura, a partir de ese momento, no volvió a ponerse ante las cámaras y concedió contadas entrevistas. Lo cierto es que su aspecto, en cierto modo siniestro, con su vestido negro hasta los tobillos -su amiga Janis Ian la describía como una pequeña Morticia Adams- no encajaba del todo en la soleada y hippie California del 67.

David Geffen y Laura Nyro

Poco después David Geffen se interesó por ella y le propuso ser su manager. Afortunadamente, como el primer contrato que había firmado Laura con Mogull y Berry fue cuando ella aún era adolescente, no fue difícil romper el acuerdo y firmar un nuevo contrato con Geffen en el que se comprometían a fundar una editora, Tuna Fish Music, en la que compartirían al 50% los derechos de sus canciones. Asimismo, Geffen consiguió que Nyro firmara por Columbia Records y recompró los derechos de sus antiguas canciones. Por esta época, Laura consideró entrar a formar parte como voz solista de Blood Sweat & Tears, cuando estos perdieron a Al Kooper, pero Geffen la disuadió de ello. Aún así la banda versionó con éxito uno de sus temas, 'And when I die'.

Con mayor libertad artística para decidir los arreglos y dirigir sus grabaciones en estudio, Laura publica su segundo álbum, 'Eli and the Thirteenth Confession' (1968) al que siguió en 1969 'New York Tendaberry', ambos muy bien tratados por la crítica que certificó la credibilidad artística de la cantautora neoyorquina. A finales de 1970 apareció su cuarto álbum, 'Christmas and the Beads of Sweat', en el que colaboró Duane Allman, entre otros músicos de Muscle Shoals, que incluía por primera vez una canción no escrita por Laura, 'Up on the roof' de Carole King y Gerry Goffin, la cual editada en single, fue paradójicamente su mayor éxito comercial como intérprete.

En 1971 le tomó el gusto a las versiones y publicó junto al grupo vocal LaBelle el álbum 'Gonna Take a Miracle', en el que Laura repasa sus canciones favoritas de juventud, como 'Jimmy Mack', 'Nowhere to run' o 'Spanish harlem'. Para entonces, Nyro se había casado con el veterano de Vietnam David Biancini y con 24 años anunció su retirada del mundo musical, trasladándose a vivir a una pequeña localidad de Massachussets.

Cinco años después su matrimonio se había roto y volvió al negocio publicando el álbum 'Smile' tras lo cual formó una banda de acompañamiento y se embarcó en una gira de cuatro meses, recogida en el disco en directo de 1977 'Season of Lights'. En 1978, embarazada de su único hijo, grabó 'Nested', tras lo cual se tomó un nuevo descanso de cuatro años.
En 1984 publicó 'Mother's Spiritual' y en 1988 volvió a la carretera dando sus primeros conciertos en diez años. La gira estuvo dedicada a los derechos de los animales y una selección de los shows se publicó como 'Laura: Live at the Bottom Line', que incluía seis nuevas composiciones.

Desde mediados de los años ochenta Laura compartía su vida con la pintora Maria Desiderio a quien dedicó el tema 'Desiree' y apareció en varios festivales actuando sólo con mujeres. Su último álbum de material propio fue 'Walk the Dog and Light the Light' en 1993, que también fue su último trabajo para Columbia. Estuvo co-producido por Gary Katz, conocido por su labor con Steely Dan. Este álbum la devolvió a la élite musical y Laura comenzó a recibir nuevas proposiciones comerciales. Declinó varias ofertas lucrativas para componer música para el cine aunque contribuyó con un tema al documental 'Broken Rainbow', nominado a un Oscar, que trataba sobre la injusta relocalización forzosa del pueblo Navajo.

Por esta época tanto el Tonight Show como David Letterman se rifaban su presencia en los estudios, pero Nyro se negó a aparecer ante las cámaras. Asimismo, no consintió en grabar videos promocionales de sus canciones. El mes de abril de 1997, Laura Nyro murió a los 49 años, a la misma edad y por la misma enfermedad que lo había hecho su madre en 1975. Unos meses antes logró ver con satisfacción la publicación del recopilatorio 'Stoned Soul Picnic: The Best of Laura Nyro', cuya selección corrió a cargo de ella misma.

Jeanine Deckers (Soeur Sourire)

El 17 de octubre de 1933 nació en Bruselas (Bélgica) la hermana Jeanine Deckers, religiosa de un convento de la orden Dominicana, cuya superiora, viendo las aptitudes musicales de Jeanine le permitió grabar un disco negociando un contrato con el sello Philips.

Ni su nombre, ni su imagen podrían aparecer en las portadas. Una de las canciones del disco, 'Dominique' (1963), dedicada a su orden y que Jeanine publicó bajo el seudónimo de 'Soeur Sourire' (Sor sonrisa) se hizo tremendamente popular en Europa y más tarde en todo el mundo. En Estados Unidos acababa de ser asesinado John F. Kennedy y las emisoras de radio radiaron el tema hasta la saciedad como tributo al presidente desaparecido. Fue nº1 durante cuatro semanas, desbancando del puesto de honor al mismísimo Elvis.

Esto llevó a que el famoso presentador de TV Ed Sullivan se trasladara al convento en Bélgica para dar a conocer el fenómeno y la inmensaa popularidad que adquirió 'Dominique' en todo el planeta hizo que se grabaran versiones en los idiomas más inimaginables. Incluso Hollywood se sumó al acontecimeinto, estrenando en 1966 'The singing Nun', con Debbie Reynolds en el papel de la religiosa y cuyo argumento, aunque ligeramente basado en la vida de Jeanine, era pura ficción.

Ese mismo año, Jeanine sufrió una crisis de fe y tras muchos tiras y aflojas con las directoras del convento, en los que estaban por medio la fama y el dinero, abandona el convento para continuar su carrera como cantante. Tuvo que comprometerse a no usar el nombre Soeur Sourire, ni traducido a otro idioma. Jeanine, contenta por poder marcharse a vivir su vida, firmó un documento de renuncia, y a partir de entonces Volvió a grabar discos, ésta vez bajo el nombre Luc Dominique. Su primer disco fue 'Soeur Sourire', en el que proclamaba que "Sor Sonrisas ha muerto".

Annie Pescher y Jeanine

Jeanine empezó a escribir canciones muy controvertidas. En ellas ponía en cuestión a las madres, a los hombres -a los que consideraba violentos y dominadores- y a la propia Iglesia católica, a la que además escandalizaba con su vida privada, ya que vivía con su pareja Annie Pescher. En 1967 grabó 'La pilule d'or', una oda a la píldora y al control de natalidad. Se apasionó por las nuevas concepciones de la Teología (entre el Concilio Vaticano II y los sucesos de mayo del 68) y buscó para ella misma y para su compañera, una nueva vía religiosa, situada entre la vida regular y la vida seglar. Llegó a secundar la afirmación de John Lennon en el sentido de sus declaraciones sobre la popularidad de Jesús de Nazareth.

Sin embargo, su nivel de vida fue muy irregular, encontró su sustento diario a través de sus escritos, sus discos, cursos de guitarra y sobre todo a través de su trabajo con niños autistas. En 1976 intentó un retorno a los Estados Unidos, pero nadie se interesó por ella. Los servicios fiscales de Bélgica reclamaron entonces las fortunas que debía haber ganado como Sor Sonrisa y permanecieron sordos a sus protestas en las que manifestaba haber entregado -cuando renunció-, todos los derechos al convento. Requirió entonces la ayuda de su antiguo convento y de la casa Philips. Las hermanas le dieron lo que consideraban que debía ser su parte pero la casa Philips, cuyos dividendos eran el 95% del total (el resto era para el convento) no quiso ayudarla.

Las autoridades religiosas fueron generosas y le ayudaron a adquirir su vivienda en Wavre, siempre que dejara de denigrar a la congregación y firmara un documento como que ya no le debían nada, cosa que hizo. Poder recuperar su nombre de Sor Sonrisa y un nuevo intento con una versión disco de 'Dominique', no le sirvió de mucho. Frente a la situación kafkiana de la deuda, monstruosa al fin (con intereses acumulados) Jeannine y su pareja Annie se sumieron en una profunda depresión que el alcohol y los medicamentos agravaron, y juntas, se suicidaron el 29 de marzo de 1985.
Por una ironía del destino, el día de su suicidio, y sin que ellas lo supieran, la SABAM (Sociedad Belga de Autores, Compositores y Editores) había recogido en una colecta para Jeanine, 571.658 francos belgas, mucho más que su deuda con el fisco que ascendía a 99.000 francos belgas.