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El 26 de marzo de 1925 nació en Montbrison, alto valle del Loira, el compositor, pedagogo y director de orquesta francés, Pierre Boulez de notable influencia en el terreno musical e intelectual contemporáneo. Junto a Karlheinz Stockhausen y Luigi Nono, Boulez fue desde los años 50 uno de los más importantes representantes del serialismo. Poseedor de 26 Grammys entre otros muchos premios y honores, además de su labor como compositor, Boulez fue un reconocido director de orquesta, especializado en óperas y obras de autores de la primera mitad del siglo XX. Pese a que el padre deseaba que Pierre estudiase ingeniería, lo cierto fue que el joven demostró unas aptitudes casi innatas para la música y desde los siete años recibió sus primeras clases de piano por parte de su hermana Jeanne. Ya en la Escuela Católica de St Étienne, Boulez formó parte de un pequeño conjunto de cámara y cantó en el coro de la institución.
Boulez y Olivier Messiaen
Tras unos infructuosos intentos de acceder como estudiante de piano al Conservatorio de Lyon, en 1942 consiguió ser aceptado en el Conservatorio de París como alumno de composición y análisis, dejando de lado sus estudios de ingeniería. Inició estudios de matemáticas en el Politécnico de Lyon antes de ingresar en 1944 en las clases de armonía de Olivier Messiaen en el Conservatorio de París También estudiará contrapunto con Andrée Vaurabourg (esposa del compositor suizo Arthur Honegger) y la técnica dodecafónica con René Leibowitz.
Hay cuatro facetas mayores que es necesario conocer cuando queremos abordar al compositor: Primero la obra absolutamente inscrita en la contemporaneidad; segundo, sus escritos, ya que Boulez recopila numerosos textos analíticos, estéticos, críticos... contenidos que provocan a menudo la controversia, no dudando agudizar la palabra, ya sea contra sus colegas, contra las instituciones o contra el estado en que se encuentra la creación; Tercero, director de orquesta, ya que él dirige las más grandes formaciones internacionales a las cuales es invitado regularmente; y por último, Boulez ha sido el organizador cultural que siempre supo conciliar durante sus eventos vanguardismo y sentido de la comunicación.
Comenzó cultivando una música atonal dentro de un estilo serial post-weberniano influido por Olivier Messiaen. Este serialismo, a diferencia del dodecafonismo, no sólo aplicaba el concepto de serie a la altura de las notas, sino también a otras variables del sonido: ritmos, dinámicas, etc. Esto daría lugar al llamado serialismo integral, del cual fue uno de sus principales representantes junto a compositores tan variados como Karlheinz Stockhausen, Ernst Krenek, Milton Babbitt o el propio Messiaen.
Se convirtió en director y compositor en el famoso teatro de Jean-Luis Barrrault. Continuando la labor de figuras como Pierre Schaeffer y Edgar Varèse, se convirtió en un pionero de los avances en la música clásica electrónica y la música por ordenador. Desde 1950 ha experimentado con la música aleatoria, manteniendo una notable correspondencia con John Cage.
Boulez a menudo retomaba obras de su repertorio para su revisión: la última de sus tres sonatas para piano, por ejemplo, es una obra "abierta" que ha estuvo en continua revisión desde su estreno en 1957 (sólo se publicaron dos de sus cinco movimientos), y “...explosante-fixe...” (Pierre Boulez, dir. Berliner Philharmoniker), un concierto para flauta y electrónica, fue primero escrito en los setenta y completamente revisado en los noventa. En 1970, el presidente francés Georges Pompidou invitó a Boulez a crear y dirigir una institución para la exploración y desarrollo de la música moderna, dando lugar al IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique), del que Boulez fue director hasta 1992 (en 2005 todavía tiene una oficina en el IRCAM).
Como director de orquesta se especializó en obras de autores de la primera mitad del siglo XX como Claude Debussy, Arnold Schoenberg, Igor Stravinski, Béla Bartók, Anton Webern y Edgar Varèse. Dirigió óperas, conciertos y obras de numerosos autores clásicos y contemporáneos. Fue director de la Orquesta filarmónica de Nueva York desde 1971 hasta 1977. Entre 1976 y 1995, Boulez tuvo la cátedra de Composición, Técnica y Lenguaje Musical en el famoso Collège de France. Trabajó como director de la Orquesta Sinfónica de la BBC y de la Filarmónica de Nueva York. En sus últimos años fue principal director invitado en la Orquesta Sinfónica de Chicago y dirigía regularmente la Orquesta Filarmónica de Viena, la Orquesta Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta de Cleveland y la Lucerne Festival Academy Orchestra. En 2002 recibió el prestigioso premio “Glenn Gould” por el conjunto de su aportación musical.
En 1984 Boulez colaboró con Frank Zappa y dirigió el Conjunto Inter contemporáneo, el cual realizó e interpretó tres piezas compuestas por Zappa“The Perfect Stranger”, (Orquesta Ensemble InterContemporain). Nunca usó una batuta estando frente a la orquesta, sólo conducía con sus manos.
Toda la obra de Boulez puede ser vista como una inmensa lógica de lo inaudito, e igualmente comprendida, al mismo tiempo, como una gran continuación de la tradición de escritura musical “culta”. La madurez del compositor ha sustituido la feroz concentración del Boulez temprano por una música serena, más expansiva y accesible. Una música intrincada, pero alejada de toda retórica grandilocuente. Es una música elegante y refinada, revestida de las más exquisitas sonoridades, y dotada de una imaginación contrapuntística y un sentido de la fantasía extraordinarios. Las líneas melódicas revolotean entre cambios inesperados de rumbo, como peces reagrupándose nerviosamente en una pecera. “Me siento un inútil si no estoy creando. La función de un director de orquesta es la reproducción. Cuando estoy tocando, me siento muy satisfecho, pero mi existencia se basa en la creación. Si no, me siento superfluo. Y eso sigue siendo así”.
Entre Mallarmé y Paul Klee
La presencia que la obra de Mallarmé, poeta y crítico francés que representa la culminación y al mismo tiempo la superación del simbolismo francés, tiene en Pierre Boulez podría reconocerse como una relación crucial en el largo camino creativo del compositor, hasta el punto de poder afirmar que toda su obra puede entenderse como un diálogo construido sobre los presupuestos de la poética mallarmiana.
Stéphane Mallarmé
Boulez ha escrito gran parte de su obra sobra la base de sus lectura e interpretaciones de la poesía de René Char y Mallarmé, en especial sus muy influyentes “Le marteau sans maitre” (Zahir Ensemble & dir. Juan García) y “Pli selon pli”, basadas no sólo en textos de ambos poetas, sino en la estructura que emerge de los poemas que le dieron origen.
La admiración que Pierre Boulez siente por el famoso pintor alemán Paul Klee (1890-1948) es, al igual que en el caso de su fascinación por el poeta Mallarmé, muy importante. Las referencias continuadas a los escritos y obra del pintor. Boulez descubre en los escritos de Klee dos aspectos que le resultan particularmente atractivos. El primero, una actitud analítica relacionada con el proceso de composición que Klee aplica a su propio proceso creativo. En él, los materiales más básicos - "punto y línea sobre el plano" había señalado Kandinsky - daban lugar a un proceso de composición-construcción que conducía a la obra. Fue sin duda alguna el Klee de la Bauhaus, tan próximo a Kandinsky en ideas y amistad, el que reflexionará de manera atenta sobre la disponibilidad del espacio y su relación con la forma, que ya desde los años '20 se transforma en variaciones sucesivas.
En segundo lugar, Boulez descubre, siempre siguiendo a Klee, las particulares afinidades que rigen el campo de la música y de la pintura. En 1989 aparece su ensayo “Le pays fértiles”, título inspirado en un trabajo de Klee de 1929. Es aquí que Boulez desarrolla una lectura atenta, detenida de los presupuestos de la obra de Klee y de su concepto mismo de composición. Es curioso observar como Boulez va identificando las relaciones entre escritos y obra del pintor, de forma que puede llegar a establecer una relación de simetrías fascinantes. Una clara concepción compositiva se afirma de acuerdo a una poética que Boulez se atreve a imaginar como mallarmiana. La renuncia a la forma como principio, la composición azarosa en un proceso abierto, sometido siempre a una ley de posibles que Klee reconocerá de origen leibniziano, generará una reflexión final en la que la admiración primera se transforma en afinidad intelectual y espiritual.
Obras selectas
• Sonatas para piano: nº 1 (1946) (Idil Biret), nº 2 (Maurizio Pollini) (1947-1948) ynº 3 (Steffen Schleiermacher) (1955-; sin finalizar: sólo se han publicado dos de sus cinco movimientos)
• “Les soleils des eaux” (1948, rev. 1958) para soprano, coro mixto y orquesta, según dos poemas de René Char (Elizabeth Atherton, soprano & BBC Symphony Chorus, dir. Pierre Boulez)
• “Polyphonie X” (1951) (SWF Symphony Orchestra, dir. Hans Rosboud)
• “Structures” I (1952) (Pi-Hsien Chen Ian Pace) yII (1956-1961) (Yvonne Loriod & Pierre Boulez) para dos pianos.
• “Le Marteau sans maître” (contralto, flauta contralto, guitarra, vibráfono, xilorimba, percusión y viola, 1953-1955) (Ballet du XXe Siècle, Scala de Milan)
• “Pli selon pli” (soprano y orquesta, 1957-1962)
• “Domaines” (clarinete solo, 1968-1969 (Phillip T. Young Recital Hall, University of Victoria School); clarinete y conjunto instrumental, 1968-1969)
• “Cummings ist der Dichter” (para coro y conjunto, 1970) (Coro y Orquesta BBC, dir. Pierre Boulez)
• “Éclat/Multiples” (orquesta de cámara, 1966-1970) (BBC Symphony Orchestra & Pierre Boulez)
• “Rituel in memoriam Bruno Maderna” (para orquesta, 1974-1975)
• “Messagesquisse” (siete violonchelos, 1976-1977) (Hassan Moataz Elmolla & West eastern divan orchestra, dir. Daniel Baremboim)
• “Notations” (versión para piano: 1945, versión orquestal: 1978-...) (Maurizio Pollini)
• “Répons” (dos pianos, xilófono, glockenspiel, arpa, vibráfono, sintetizador, orquesta y electrónica, 1980-1984) (Andrew Gerzso, Ensemble InterContemporain & Pierre Boulez)
• “Dérive 1” para seis instrumentos; primera versión, 1984; segunda versión, 1986 (Ensemble Intercontemporain, dir. Peter Eötvös)
• “Le visage nupcial” (soprano, contralto, coro femenino y orquesta, 1951/1989) (BBC Symphony Orchestra & Pierre Boulez)
• “Anthèmes 1” (violín, 1992) (Claudia Schaer)
• “...explosante-fixe...” (conjunto instrumental y electrónica; primera versión, 1972-1974; segunda versión, 1991-1993)
• “Incises” (piano, 1994/2001) (David Fray)
• “Sur Incises” (tres pianos, tres arpas y tres percusionistas, 1996-1998) (explicación Boulez)
• “Anthèmes 2” (violín y electrónica, 1997) (Hae-Sun Kang)
• “Dérive 2” para once instrumentos (1998/2002-2006) (Talea Ensemble James Baker
El 6 de febrero de 1950 nació en Los Angeles la cantante norteamericana Natalie Cole, ganadora de nueve premios Grammy. Hija del gran Nat King Cole, desarrolló una carrera de éxito en dos vertientes. Una de R&B contemporáneo y otra de pop orientado hacia el jazz.
Durante su niñez, Natalie conoció y entró en contacto con grandes artistas del espectáculo que frecuentaban la casa de los Cole, llamada en su época la 'casa de los Kennedy negros'. Su madre, Maria, había sido cantante en la orquesta de Duke Ellington, por lo que no le faltaban estímulos musicales. Con once años ya debutó sobre un escenario y cantó en un álbum navideño de su padre antes de morir este, teniendo ella 15 años. Una vez graduada en la Universidad de Massachussetts, comenzó a cantar en pequeños clubes, donde la contrataban a sabiendas de que era la hija de Nat King Cole, aunque posteriormente se sorprendían frunciendo el ceño cuando descubrían la música rock y R&B que practicaba Natalie con su banda Black Magic.
Dos productores de Chicago, Chuck Jackson y Marvin Yancy la animaron a grabar. Visitaron varios sellos discográficos y todos rechazaron a Natalie, excepto, irónicamente, el sello de su padre, Capitol Records, donde graba su primer álbum, 'Inseparable' (1975), cuyos temas recordaban a Aretha Franklin y que contenía dos hits: 'This will be' y 'Inseparable'. Por este trabajo obtuvo su primer Grammy por mejor artista revelación del año.
Su tercera entrega, 'Unpredictable' (1977), recibió la categoría de disco de platino, gracias al hit 'I've got love on my mind', nº1 en las listas de R&B, y su cuarto álbum 'Thankful', contenía otro hit: 'Our love'. Presentó su propio especial de TV con invitados como Earth Wind & Fire y en 1978 publicó su primer disco en vivo, 'Natalie Live!', al que siguió el año siguiente 'I Love You So' y un álbum de duetos con Peabo Bryson, 'We're the Best of Friends'
Tras la publicación de su octavo álbum 'Don't Look Back' (1980), la carrera de Natalie comenzó a declinar, en parte porque trascendió su adicción a la heroína y el crack. En 1983 ingresó durante seis meses en una clínica de rehabilitación. Una vez recuperada, firma con Modern Records y publica 'Dangerous' (1985), al que sigue 'Everlasting' en 1987, que con temas como 'Jump Start (My heart)','I live for your love' y su versión del tema de Springsteen, 'Pink Cadillac' la devuelven a las listas, consiguiendo vender un millón de copias del álbum.
Su continuación, 'Good to be back' (1989), que se publica en Elektra, contenía el hit 'Miss you like crazy', su segundo nº1 en las listas de R&B y Top10 en el Hot100. Su álbum mejor vendido se publicó en 1991. 'Unforgettable ...with love', era una colección de versiones de clásicos grabados por su padre, cuyo tema sorpresa era un match realizado con medios electrónicos de las voces de padre e hija en el tema que dió título al álbum, el cual recibió tres premios Grammy y sólo en EE.UU vendió más de siete millones de copias.
También recibió un Grammy por su siguiente álbum, 'Take a Look' en el que continuó realizando versiones de clásicos de jazz.
Realizó giras acompañada de una gran orquesta dirigida por Nelson Miller y sus siguientes trabajos, 'Holly & Yvy' (1994) y 'Stardust' (1996) continuaban su exploración de los standards del pop norteamericano, incluyendo otro 'match' con papá en 'When I fall in love', que obtuvo de nuevo un Grammy. En 1999 con el álbum 'Snowfall on the Sahara', Natalie volvió a su estilo de R&B urbano y el año siguiente publicó su autobiografía, 'Angel on my shoulder' en la que relata su amarga experiencia con la heroína y el crack.
En ella se basa un biopic para la televisión 'Livin' for love: The Natalie Cole Story', en el que la propia Natalie colaboró y participó. Afectada de hepatitis C, tuvo que sufrir un trasplante de riñón en 2008. A pesar de ello, publicó 'Still unforgettable' (2009) con más versiones en clave de jazz de éxitos de su padre y de Sinatra, por el que volvió a recibir el Grammy por 'mejor álbum de pop tradicional'.
Como su padre en su día, Natalie también se atrevió a cantar en castellano y en junio de 2013 se publicó el álbum producido por Rudy Pérez: 'Natalie Cole en Español' con versiones de temas de compositores latinoamericanos como Agustín Lara, Carlos Gardel, Armando Manzanero y Juan Luis Guerra, entre otros. Finalmente no pudo superar sus problemas de salud y murió el 31 de diciembre de 2015 a los 65 años.
El 14 de enero de 1938 nació en Gert Town, Louisiana. el músico y compositor norteamericano Allen Toussaint, una de las figuras clave del R&B de Nueva Orleans y quizás su productor más influyente. Como pianista con su propio estilo, arregló y compuso numerosos hits para otros artistas.
Su primera grabación fue en RCA Records, bajo el nombre de Al Tousan, un álbum de instrumentales entre los que se encontraba su composición'Java', que años más tarde sería un hit para Al Hirt. Trabajó como pianista y arreglista para Minit Records e Instant Records y a partir de 1960 produjo y compuso (con su nombre o con el seudónimo Naomi Neville) una serie de canciones ya clásicas del R&B de Nueva Orleans, como 'Mother in law' (Ernie K-Doe), 'Lipstick traces (on your cigarette)'(Benny Spellman), 'Fortune teller' (Spellman, Rolling Stones, Who), 'Working on a coalmine'(Lee Dorsey) y 'A certain girl' (Yardbirds, Warren Zevon).
En los setenta empezó a trabajar con músicos de fuera de Nueva Orleans y produjo álbumes para B.J. Thomas, Robert Palmer, Willy DeVille, Sandy Denny, Elkie Brooks y Solomon Burke. En 1977 Glen Campbell publicó su canción 'Southern nights', llevándola al nº1 en las listas de pop y country. Otro de sus temas, 'What do you want the girl to do?', alcanzó el nº2 de las listas en versión de Boz Scaggs. También en esa década produjo el álbum 'Lady Marmalade' de LaBelle y 'Venus & Mars' de Paul McCartney y Wings.
Toussaint compuso más de 800 canciones y fue miembro del Rock and Roll Hall of Fame desde 1998. Aunque mayormente conocido como músico de R&B, Toussaint también hizo incursiones en el jazz, como su álbum 'The Bright Mississippi' de 2009. En 2013 se publicó 'Songbook' una selección en directo de sus mejores canciones interpretadas al piano.
Murió en Madrid tras un concierto en noviembre de 2015 a los 77 años.
'Auld lang syne' es un poema escocés escrito por Robert Burns en 1788 que se suele cantar con la melodía de una canción del folklore tradicional de Escocia. Conocida prácticamente en todo el mundo es costumbre (en el mundo angloparlante) entonarla para celebrar la llegada del Año Nuevo tras las doce campanadas. Al ser un canto a los viejos tiempos y a los viejos amigos, por extensión también es usual cantarla en despedidas y funerales. Asimismo, la organización internacional Boy Scout la utiliza para cerrar sus reuniones. Una traducción aproximada del sentido de 'Auld lang syne', que significa literalmente 'hace mucho desde entonces' podría ser 'Por los viejos tiempos'.
Robert Burns (1759 -1796)
La melodía ya era conocida 100 años antes de que Burns la escuchara en 1780 cantada por un anciano que solo recordaba fragmentos del texto. Parece ser que Burns restauró la letra añadiéndole un par de estrofas (tercera y cuarta). Se presume que el resto tuvo su origen a mediados del siglo XVI o incluso antes. Aunque convertir en suyos fragmentos escritos de otros fue una práctica usual, fue conocido como el Poeta Nacional escocés, teniendo acreditadas más de 250 canciones, la mayoría en lengua vernácula escocesa.
La práctica común en las fiestas de despedida del año consiste en formar un círculo con todas la personas cogidas de la mano cuando se empieza a cantar la canción. Al comenzar la última estrofa todos cruzan sus brazos sobre el pecho de modo que la mano derecha de cada persona toma la izquierda de la que está a su lado y viceversa. Cuando acaba la melodía todos corren hacia el centro con las manos aun cogidas. Cuando el círculo se restablece todos pasan por debajo de los brazos y aún de la mano acaban mirando hacia el exterior.
Should old acquaintance be forgot,
and never brought to mind?
Should old acquaintance be forgot,
and old lang syne?
For auld lang syne, my dear,
for auld lang syne,
we'll take a cup of kindness yet,
for auld lang syne.
And surely you’ll buy your pint cup!
and surely I’ll buy mine!
And we'll take a cup o’ kindness yet,
for auld lang syne.
For auld lang syne, my dear...
We two have run about the slopes,
and picked the daisies fine;
But we’ve wandered many a weary foot,
since auld lang syne.
For auld lang syne, my dear...
We two have paddled in the stream,
from morning sun till dine;
But seas between us broad have roared
since auld lang syne.
For auld lang syne, my dear...
And there’s a hand my trusty friend!
And give me a hand o’ thine!
And we’ll take a right good-will draught,
for auld lang syne.
For auld lang syne, my dear...
Guy Lombardo and His Royal Canadians interpretaron el tema durante décadas cada Nochevieja ayudando a popularizarlo en Norteamérica y en todo el mundo anglosajón. Su versión es la que se oye en Times Square inmediatamente después de caer la bola que anuncia el Año Nuevo. Comenzó a interpretarla el año 1930 en el Roosevelt Hotel de Nueva York.
Lombardo y su orquesta llegaron a ser tremendamente populares y sus shows de Nochevieja se retransmitían por varias emisoras a todo el país, llevando la fiesta a cientos de miles de hogares norteamericanos. La Nochevieja de 1954 la emisión fue por primera vez por TV y Lombardo continuó siendo la cara de los shows de fin de año. En 1966 Lombardo debutó en el Grand Ballroom del hotel Waldorf Astoria, donde siguió interpretando 'Auld land syne' cada Nochevieja hasta su muerte en 1977.
¿Deberían olvidarse las viejas amistades
y nunca recordarse?
¿Deberían olvidarse las viejas amistades
y los viejos tiempos?
Por los viejos tiempos, amigo mío,
por los viejos tiempos:
tomaremos una copa de cordialidad
por los viejos tiempos.
Los dos hemos correteado por las laderas
y recogido las hermosas margaritas,
pero hemos errado mucho con los pies doloridos
desde los viejos tiempos.
Por los viejos tiempos, amigo mío...
Los dos hemos vadeado la corriente
desde el mediodía hasta la cena,
pero anchos mares han rugido entre nosotros
desde los viejos tiempos.
Por los viejos tiempos, amigo mío...
Y he aquí una mano, mi fiel amigo,
y danos una de tus manos,
y ¡echemos un cordial trago de cerveza
por los viejos tiempos!.
Por los viejos tiempos, amigo mío...
Pink Martini (2010)
La única versión grabada de la canción que llegó a las listas de ventas fue la de Kenny G en 1999, 'Auld lang syne (The millenium mix)' en la que intercalaba sonidos y noticias del siglo pasado y discursos de John F. Kennedy y Martin Luther King. Seguramente fue por esto por lo que el disco se vendió bien y fue top10 en las listas Billboard... Otras versiones dignas de mención son las de Bobby Darin (1960), Jimi Hendrix (1969), Elvis Presley (1976), Boney M (1984), Mariah Carey (2010) y Rod Stewart (2012).
Por su obvia y fuerte asociación a la celebración del Año Nuevo, la melodía ha sido muy utilizada en el cine y la televisión. En el film 'Cuando Harry encontró a Sally', segundos después de que Harry (Billy Cristal) por fin logra declararse a Sally (Meg Ryan) en una fiesta de Nochevieja, cuando suena 'Auld lang syne', Harry comenta con ironía: "Jamás he entendido el sentido de esta canción. Dice: 'Deberían olvidarse la viejas amistades?'. Significa eso que deberíamos olvidar las viejas amistades o significa que si los hemos olvidado deberíamos recordarlos, lo que es imposible ya que los habíamos olvidado", a lo que Sally responde: "Quizás significa que deberíamos recordar que los olvidamos o algo así... De todas formas, trata sobre los viejos amigos".
'What are you doing New Year's eve' es una canción compuesta en 1947 por el compositor estadounidense Frank Loesser, autor de numerosos hits de Tin Pan Alley y ganador de un Oscar en 1949 por 'Baby, it's cold outside'. La primera versión se grabó por The Orioles y fue top10 en las listas de R&B. En ella un enamorado se pregunta a quién elegirá su pretendida amada como acompañante durante las campanadas de Nochevieja y sueña con la posibilidad de que él sea el elegido.
'Stille Nacht, heilige Nacht' (Noche tranquila, noche sagrada) es un conocido villancico compuesto originalmente en alemán por el sacerdote austriaco Joseph Mohr y el maestro de escuela y organista Franz Xaver Gruber. Se presume que el villancico ha sido traducido a más de 300 idiomas en todo el mundo y que es el más popular de todos los tiempos. La cifra puede ser superior, si se tiene en cuenta la acción de misioneros cristianos en los cinco continentes que lo han traducido a innumerables idiomas gracias a la facilidad de su interpretación, su brevedad y que puede ser cantado sin acompañamiento instrumental.
Franz Xaver Gruber
Alrededor del nacimiento de la canción han surgido desde entonces numerosas leyendas que con el tiempo han ido incorporando detalles y anécdotas a la historia. El 24 de diciembre de 1818 el sacerdote asistente de entonces, Joseph Mohr, entregó en la recién fundada congregación San Nicolás en Oberndorf al representante del servicio de organistas Franz Gruber (entonces también maestro de colegio en Arnsdorf) una poesía, con la petición de que le compusiera una melodía adecuada para 2 voces solistas más el coro y un acompañamiento de guitarra ya que el órgano de su iglesia estaba estropeado.
Joseph Moor
La difusión del villancico fuera del ámbito restringido de aquella población parece que comenzó en 1833 gracias a un organista de Fügen en el Zillertal (Austria), de nombre Maurach. Cuando en ese año interpretó junto a otros músicos melodías tirolesas en Leipzig, esta canción fue la que atrajo el interés del público. Otra de las muchas versiones populares cuenta que el organista en cuestión fue el encargado de reparar el instrumento estropeado en la Nikolauskirche y fue allí donde lo descubrió.
Federico Guillermo IV de Prusia
La primera impresión se realizó en 1833 en Dresden en una octavilla junto a otras tres canciones procedentes del Tirol. Para entonces, el nombre de los autores había caído en el olvido y se pensaba que era una melodía popular. Gracias a la intervención del rey Federico Guillermo IV de Prusia, al que le gustaba especialmente el villancico, se rehabilitó la autoria de Gruber, quien aún con vida, realizó una transcripción manuscrita para la orquesta de palacio.
Manuscrito de Gruber
El manuscrito original se perdió, pero en 1995 se descubrió un manuscrito original de Mohr que los analistas dataron hacia el año 1820. Es por medio de ese documento que se descubrió que Mohr escribió el poema en 1816 cuando fue asignado a un peregrinaje a la iglesia de Mariapfarr. También testimonia el documento que el compositor de la melodía es en efecto Gruber y que este la compuso en 1818. Se trata, pues, del más antiguo manuscrito que se tiene sobre la historia de la canción y el único que contiene la letra de Mohr. La composición musical de Gruber tiene influencias de la tradición musical de su región y la melodía guarda relación con aspectos del folclore musical austriaco.
La Nikolauskirche fue demolida a principios del siglo XX debido a una inundación que la dañó, y el centro del poblado fue reubicado en un lugar más seguro río arriba con una nueva edificación cercana al nuevo puente. Se edificó una capilla con el nombre de "Stille-Nacht-Gedächtniskapelle" (Capilla Memorial Noche de Paz) en homenaje a la antigua iglesia demolida y cerca del actual museo, que atrae turistas de todo el mundo, especialmente en el mes de diciembre.
Letra original en alemán de 1860:
Stille Nacht! Heilige Nacht!
Alles schläft; einsam wacht
Nur das traute heilige Paar.
Holder Knab im lockigten Haar,
Schlafe in himmlischer Ruh!
Schlafe in himmlischer Ruh!
Stille Nacht! Heilige Nacht!
Gottes Sohn! O wie lacht
Lieb´ aus deinem göttlichen Mund,
Da schlägt uns die rettende Stund,
Jesus in deiner Geburt!
Jesus in deiner Geburt!
Stille Nacht! Heilige Nacht!
Die der Welt Heil gebracht,
Aus des Himmels goldenen Höhn
Uns der Gnaden Fülle läßt seh´n
Jesum in Menschengestalt,
Jesum in Menschengestalt
Stille Nacht! Heilige Nacht!
Wo sich heut alle Macht
Väterlicher Liebe ergoß
Und als Bruder huldvoll umschloß
Jesus die Völker der Welt,
Jesus die Völker der Welt.
Stille Nacht! Heilige Nacht!
Lange schon uns bedacht,
Als der Herr vom Grimme befreit,
In der Väter urgrauer Zeit
Aller Welt Schonung verhieß,
Aller Welt Schonung verhieß.
Stille Nacht! Heilige Nacht!
Hirten erst kundgemacht
Durch den Engel Alleluja.
Tönt es laut bei Ferne und Nah:
Jesus, der Retter ist da!
Jesus, der Retter ist da!
La versión alemana moderna tiene algunas diferencias menores y solo se cantan usualmente la primera, segunda y sexta estrofas. Aunque el villancico fue escrito por católicos, ha tenido también un especial significado para la Iglesia Luterana. La canción fue cantada simultáneamente en inglés y en alemán durante la tregua de Navidad de 1914 durante la Primera Guerra Mundial, al ser el único villancico conocido por los soldados de ambos frentes.
La primera versión grabada se realizó en octubre de 1905 a cargo del cuarteto vocal Haydn Quartet. Particularmente célebres fueron las versiones de Bing Crosby (1945), Mahalia Jackson (1962),Simon & Garfunkel(1966),Enya (1997) y Stevie Nicks(2001), así como las instrumentales de Jimmy Smith (1964), Mannheim Steamroller (1984) y Dave Brubeck (1994).
La primera traducción al español fue registrada por Federico Fliedner en el año 1871 y fue titulada 'Noche de paz, noche de amor':
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