Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 11 de agosto de 1928 nació en Rancagua el cantante de boleros chileno Luis Enrique Gatica Silva, más conocido como Lucho Gatica que obtuvo sus mayores éxitos en los años cincuenta y sesenta con temas como 'Sinceridad', 'Contigo en la distancia' y 'La barca'.
Sus primeras actuaciones las realizó junto a su hermano mayor Arturo en la radio local de Rancagua. En 1945 ambos se trasladaron a Santiago y mientras Lucho cursaba estudios en la Escuela Industrial, Arturo gestionó con Odeón su primera grabación en 1949 que contenía cuatro temas: 'El martirio', 'Tú que vas vendiendo flores', 'La partida' y 'Tilín tolón'.
Durante los años cincuenta, los chilenos experimentaron un cambio en sus preferencias musicales, cuando el bolero tomó el lugar del tango a través de cantantes como la cubana Olga Guillot, el argentino Leo Marini y la mexicana Elvira Ríos, entre otros. Asimismo, Xavier Cugat y su orquesta, que incluía al puertorriqueño Bobby Capo sería uno de los artistas que influyeron en Gatica.
Más tarde, Gatica decidió sentar su residencia permanentemente en México y en 1959 fue recibido por más de 5.000 fans en el aeropuerto de Madrid Barajas. Actuó ante personajes de la realeza y del espectáculo y en eminentes salas europeas, entre ellas, el casino de Estoril, y cultivó amistades entre las estrellas de cine como la de Ava Gardner. El 21 de mayo de 1960 contrajo matrimonio con la actriz puertorriqueña María del Pilar Mercado apodada artísticamente Mapita Cortés, quien también residía en el país azteca. De esta unión, que duró 18 años, la pareja tuvo cinco hijos entre ellos el primogénito, Luis Antonio Gatica Mercado (n. 1961), actor, y el menor, Alfredo Gatica Mercado, productor musical.
A comienzos de los años sesenta, Lucho había logrado vender más de 22 millones de sus discos y tras un concierto en Manila frente a 160.000 espectadores, actuó el año 1964 en el Carnegie Hall de Nueva York acompañado por la orquesta de Lalo Shifrin. Seguidamente apareció en el Hollywood Bowl junto a Nat King Cole y fue la estrella invitada en los shows televisivos de Dinah Shore, Perry Como y Patti Page. A mediados de la década, Lucho Gatica ya comenzó a manifestar los primeros problemas vocales, en un desgaste que aumentaría los años siguientes y que incidirían en su baja producción discográfica.
Sin embargo continuó realizando giras por todo el mundo. En 1991 la filial de EMI en España publicó el doble álbum 'Bolero es...Lucho Gatica', que vendió cerca de medio millón de copias en las dos primeras semanas. En 1996 se realizó un programa de TV de dos horas en su honor, emitido por la HBO norteamericana. En él le acompañaron artistas como Julio Iglesias, Celia Cruz, Luis Miguel y Juan Gabriel. El 7 de noviembre de 2007 recibió el 'Grammy Latino a la Excelencia', junto a otros destacados artistas y en enero de 2008 Gatica fue inmortalizado en una Estrella (la número 2.354) del Paseo de la Fama de Hollywood, siendo el segundo chileno -después de Don Francisco- en recibir tal reconocimiento.
El año 2013 lanzó el disco 'Historia de un amor' con nuevas versiones de boleros que cantó a dúo con figuras internacionales como Laura Pausini, Nelly Furtado y Michael Bublé, entre otros. En 2018, a propósito de su cumpleaños número 90, se develó en el Teatro Regional de su natal Rancagua una estatua en bronce con las figuras de Lucho Gatica y su hermano Arturo. Lucho falleció en México a los 90 años el 13 de noviembre de 2018.
El 30 de juliio de 1926 nació en Middletown (Ohio), la cantante estadounidense Christine McGuire, una de las componentes del trío vocal de hermanas The McGuire Sisters las cuales, inspiradas en las Andrews Sisters, fueron muy populares en Norteamérica durante la década de los años cincuenta con temas como 'Sincerely' y 'Sugartime'.
Las tres hermanas, Christine, Dorothy y Phyllis nacidas en Middletown, se criaron en Miamisburg. Su madre, Lillie, fue ordenada ministra de la primera Iglesia de Dios y las tres niñas comenzaron a cantar himnos religiosos en las bodas y entierros que se celebraban en la iglesia. En aquel momento (1935), la menor, Phyllis, contaba sólo cuatro años de edad. Aunque les estaba prohibida la música secular, escuchaban secretamente a sus futuros modelos, las Andrews Sisters y las Dinning Sisters a través de la radio. Años más tarde, hacia 1949, cantaban también en bases militares y hospitales de veteranos de guerra, añadiendo a su repertorio de himnos, temas populares.
Karl Taylor, un promotor y agente, tras oírlas en la iglesia, les ofreció un trabajo en un hotel. Poco después las McGuire Sisters actuaban con una de las bandas de Taylor en restaurantes nocturnos, hoteles y en programas locales de TV. En diciembre de 1952 se presentaron al concurso de talentos de Arthur Godfrey en Nueva York, cantando 'Mona Lisa' y 'Pretty Eyed Baby'. Ganaron el primer premio y Godfrey las contrató para su programa matinal, donde reemplazaron a las Chordettes. Permanecería con Godfrey siete años. Ese mismo año 1952 habían firmado un contrato discográfico con Coral Records, sello dirigido por Gordon Jenkins. Cuando éste pasó a Capitol, le sustituyó Bob Thiele, que contrató a los mejores musicos para acompañar a las McGuire Sisters en sus grabaciones.
En 1968 realizaron una de sus últimas actuaciones juntas en el Ed Sullivan Show, desde el Caesars Palace de Las Vegas y en el cénit de su popularidad, las hermanas decidieron dar por finalizada su andadura como trío vocal. Christine y Dorothy se dedicaron a sus respectivas familias y Phyllis, continuó en el negocio actuando junto a artistas como Sammy Davis Jr. o Johnny Carson. Los siguientes diecisiete años, las tres hermanas sólo cantaron en reuniones familiares, pero en 1985 decidieron volver y, tras seis meses de estrictos ensayos, actuaron en Reno (Nevada) donde les acogió una gran masa de fans que no las habían olvidado.
Christine, Phyllis y Dorothy
Las McGuire Sisters han actuado ante cinco presidentes de Estados Unidos (Nixon, Carter, Ford, Reagan y Bush) así como ante la reina Elizabeth de Inglaterra. Continuaron un par de años en el circuito de Las Vegas y desde entonces solo aparecieron esporádicamente en público, la última vez en un programa especial de revival de los cincuenta, emitido en 2004 'Magic Moments'. En sus últimos años Christine además de regentar el McGuire's Pub, en Bradenton (Florida), residía en Las Vegas, donde practicaba su deporte favorito, el golf.
Su hermana Dorothy murió el 7 de septiembre de 2012 y Christine falleció en diciembre de 2018 a los 92 años.
El 23 de julio de 1943 nació en Oak Grove (Louisiana) el compositor, guitarrista, cantante Tony Joe White, que logró su mayor éxito, 'Polk salad Annie'en 1969. Al año siguiente, Brook Benton tuvo su mayor hit con un tema de White: 'Rainy night in Georgia'. Sus tres primeros discos de larga duración publicados por Monument Records entre 1968 y 1970 son piezas de coleccionista y en ellos se puede oir el embrión del rock sureño que surgió en los setenta.
El 12 de junio de 1952 nació en Glasgow el compositor y director de orquesta británico Oliver Knussen. Knussen pasó su infancia en Londres, donde su padre Stuart Knussen, fue durante muchos años contrabajo principal de la London Symphony Orchestra.
Con 15 años, el 7 de abril de 1968, Knussen debutaba dirigiendo su "Primera Sinfonía" (1966-67), en el Royal Festival Hall de Londres, en la que aún no había introducido técnicas seriales, que aprendería más tarde con Schuller, quien asimismo le introdujo en el universo expresionista. En esta obra y en su siguiente “Concierto para Orquesta”, (1968-70), Knussen demuestra no sólo haber asimilado rápidamente, y con fluidez, las influencias de compositores modernistas como Britten y Berg y de los sinfonistas americanos de mediados de siglo, sino también un inusual talento para el ritmo y la orquestación.
Ya en su “Segunda Sinfonía” (1970-71), en palabras de Julian Anderson, decía que "la personalidad compositiva de Knussen apareció repentinamente, completamente formada".
En 1972 se casó con Sue Freedman, una americana nacida en Portsmouth, estudiante de la Universidad de Boston de música que consiguió su doctorado en educación musical e interprete de corno inglés. Oliver y Sue Knussen tuvieron una única hija, Sonya, que es mezzosoprano.
De esta época son algunas obras para conjuntos instrumentales que tendrán muy buena acogida y serán interpretadas por ensembles de todo el mundo: “Hums and Songs of Winnie-the-Pooh” (1970-83), “Océan de Terre” (1972-3) y “Ophelia Dances” (1975), una obra llena de sutilezas (1975).
En Inglaterra siguió componiendo nuevas obras que le situaron en el centro de la escena musical británica: “Trumpets” (1975), “ Triptych” (Autumnal, Cantata y Sonya's Lullaby, 1975-7), “Coursing" (1979) y sobre todo la “Third Symphony” (1973-9) con un clamoroso éxito.
La década de los 1980 la dedicó, principalmente, a su actividad como director de orquesta y a componer para la escena, dos óperas para niños: “Where the Wild Things Are” (1979-83) y Higglety Pigglety Pop! (1984-90), ambas con libretos de Maurice Sendak basados en sus propios libros epónimos infantiles. En 1988 compuso "Flourish with Fireworks".
Knussen fue co-director artístico del Aldeburgh Festival entre 1983 y 1998 y co-coordinador del «Contemporary Music Activities» en el Tanglewood Music Center de 1986 a 1998; ocupó la «Elise L. Stoeger Composer's Chair» de la «Chamber Music Society of Lincoln Center», en Nueva York, entre 1990-92; fue director invitado principal de la «Residentie Orchestra» de La Haya entre 1992 y 1998; y desde septiembre de 2006, artista asociado de la Birmingham Contemporary Music Group. Como director de orquesta grabó más de treinta discos compactos de música contemporánea, varios de los cuales ganaron premios internacionales.
En 1994 fue elegido miembro honorífico de la Academia Americana de las Artes y las Letras, y también fue nombrado Comandante del Imperio Británico (CBE). También fue miembro de la Royal Philharmonic Society. Otra obra de su autoría mucho más moderna, de 1992, fue “Song without voices”, escrita en memoria del músico polaco Andrzej Panufnik; un homenaje que emplea determinadas técnicas de trabajo a partir de células, de las pequeñas ideas que gustaba desarrollar a su colega.
Otro homenaje fue “Aura” 1 mov, en memoria de Witold Lutoslawski (1993-94). También son destacables el “Concierto para Trompeta” (1994) 1/2, 2/2 y la obra “Prayer Bell Sketch” (1997).
Se separó de su mujer Sue Knussen a mitad de la década de 1990, aunque siguieron teniendo una estrecha relación y ella continuó con su brillante carrera como productora y directora de programas de música para la televisión hasta su muerte, acaecida en Londres en 2003. Knussen escribió como homenaje a ella "Canciones para Sue", una adaptación de cuatro poemas para soprano y 15 intérpretes, que tuvo su estreno mundial en Chicago en 2006. Knussen falleció en julio de 2018 a los 66 años.
El 22 de mayo de 1924 nació en París de padres armenios el cantante, compositor y actor francés Charles Aznavour. Uno de los cantantes más conocidos del mundo, apareció en 60 películas, vendió más de 100 millones de discos y compuso más de 1000 canciones, de ellas, por lo menos 150 en inglés, 100 en italiano, 70 en español y 50 en alemán. A pesar de su corta estatura es una leyenda en Francia, donde le conocen como 'le petit Charles' y un performer extraordinario; sabía medir los tiempos y los silencios como nadie. No en vano, le llaman el 'Sinatra francés'.
Charles Aznavour se retiró la primera vez de los escenarios el año 2001, tras cinco décadas siendo uno de los más importantes valores musicales franceses. Desde entonces estuvo realizando hasta su muerte en 2018 varias giras de 'despedida'. Sus maneras vocales llenas de melancolía y sus canciones de amores perdidos y juventudes desperdiciadas epitomizaron la música 'lounge' mucho antes de que en los años 90 el estilo adquiriera cierta credibilidad retro. El diminuto artista ha representado un papel de galán romántico poco común, como confesó en una entrevista: "Si hubiese nacido rubio, alto, guapo y rico, nunca habría tenido nada de lo que hablar en mis canciones excepto mi propia vanidad"
Charles y su madre
Aznavour nació de una pareja de artistas armenios de la escena, Knar y Misha Aznavourian que se vieron obligados a huir cuando se desató la violencia étnica en su país. La primera idea fue viajar a Estados Unidos, pero, incapaces de conseguir un visado, se establecieron en Paris, donde tuvieron que renunciar a sus carreras y abrir un restaurante. Pero sus inclinaciones artísticas parecían haber sido heredadas por Shahnour Varenagh Aznavourian, apodado 'Charles' por su niñera francesa. Creció aprendiendo las canciones zíngaras de Armenia y con tres años actuó por primera vez con sus padres recitando un poema armenio. Lo matricularon en clases de danza e interpretación y con diez años debutó en una representación teatral de 'Emil y los detectives', así como en la película 'La guerre des gosses'. En ese momento, dejó los estudios y de adolescente se apuntó a un grupo de teatro ambulante, con el que viajó por Bélgica y Francia.
Aznavour y Edith Piaf
Cuando los nazis tomaron París, Aznavour tenía 16 años. Para ganarse la vida, comenzó a cantar en los cabarets de Pigalle y Montparnasse. Su corta estatura y larga nariz, unidos a sus hombros estrechos y sus cejas excesivamente pobladas no ayudaban a crear una imagen de crooner romántico. Se asoció con Pierre Roche, con quien comenzó a componer canciones y con quien realizó varias actuaciones como dúo. Al poco, Charles ya componía solo. Uno de sus primeros éxitos fue 'J'ai bu', grabado en 1947 por Georges Ulmer. Pronto, artistas como Maurice Chevalier y Charles Trenet cantaban sus canciones y poco después Edith Piaf lo contrató como su asistente personal. Cuando Piaf realizó una gira por Estados Unidos, Aznavour, además de asistir a Edith en su actuación, actuaba como telonero, dándose a conocer como artista. Piaf, que ya era una leyenda por aquel tiempo le presentó a ejecutivos discográficos y le sugirió una operación para arreglar su enorme nariz, consejo que Charles siguió.
En 1950 una de sus canciones, 'Je hais les dimanches' fue un éxito en la voz de la joven cantante Juliette Greco. Animado por Piaf, Aznavour lo intenta de nuevo como cantante pero sus primeras apariciones en escena fueron duras y algunas dramáticas, debiendo abandonar más de una vez a causa de los abucheos del público. "Cuando comencé a cantar mi aspecto físico no ayudaba mucho a que le cayera bien al a audiencia. Era pequeño, feo y mi voz al principio era horrible" Dedicó más tiempo a la composición de canciones dando un giro nuevo y cosmopolita a las sensibleras baladas de la chanson francesa. Su fuente de inspiración eran las conversaciones de la calle y los periódicos de sucesos. "Allí es donde encuentras la verdadera miseria. Personas infelices, amantes que se suicidan, gente que bebe, se droga y acaba autodestruyéndose"
Su carrera empezó a despegar definitivamente en 1955, tras una muy bien recibida actuación en el Olympia y su primer éxito, 'Sur ma vie'. Un accidente de tráfico casi pone en peligro su progresión, pero su aparición en el film de Truffaut'Tirez sur le pianiste', termina de popularizar su imagen internacionalmente. En 1963 debuta en el Carnegie Hall con tal éxito, que su actuación se repite año tras año. En 1965 realiza un show en el Hotel Ambassador de Nueva York, 'The World of Charles Aznavour', cuyas estupendas críticas ayudan a que el seguimiento de Aznavour en Estados Unidos siguiera creciendo. Artistas norteamericanos como Frank Sinatra, Bing Crosby, Bob Dylan o Cher graban sus canciones y su estilo vocal 'cansado de este mundo', fue una gran influencia en cantantes como Leonard Cohen y Tom Waits.
Los siguientes años, Aznavour realizó repetidas giras y escribió numerosas canciones, muchas de las cuales alcanzaron el éxito como 'Tous les visages de l'amour', que fue nº1 en el Reino Unido en junio de 1975 en su versión inglesa, 'She', el mismo tema que Elvis Costello versionó en 1999 para la banda sonora de 'Notting Hill'.
Paralelamente mantuvo una carrera cinematográfica revelándose como un actor de talento en películas como 'Diez negritos' (1974) de Peter Collinson y en 'El tambor de hojalata' (1979) de Volker Schlöndorff. En los años 80 Aznavour ya era un artista de culto. Sus conciertos se llenaban y una multitud de ardientes fans femeninas se apretaban frente al escenario para poder capturar uno de los blancos pañuelos autografiados que Charles lanzaba al público cada noche.
Con 37 discos de oro en su haber, Aznavour no lo pudo creer cuando su sello discográfico de toda la vida, Polygram, decidió vender su catálogo musical. El cantante lo adquirió por tres millones de francos, realizando un sabio e interesante negocio. En 1995 firmó con EMI France y su primera publicación con el sello fue un álbum en directo con Liza Minelli.
En 2008 publicó un álbum de dúos, realizados con artistas internacionales como Elton John, Julio Iglesias, Nana Mouskouri,Sting,Céline Dion y Johnny Hallyday, entre otros. A comienzos de 2011 circularon por Internet fuertes rumores sobre su fallecimiento, que con buen humor se encargó de desmentir él mismo. Por el contrario, a sus 87 años de edad ofreció, entre septiembre y octubre de 2011, una larga serie de conciertos de despedida, en el teatro Olympia de París y en otras ciudades francesas. Ese mismo año, publicó su último trabajo, 'Aznavour Tojours' (2011). Residiá habitualmente en Ginebra (Suiza), donde ejercía de embajador de Armenia.
El 25 de octubre de 2013 ofreció un concierto en Londres, el primero en 25 años. Celebrado en el Royal Albert Hall, la demanda de entradas fue tan espectacular que se firmó otra fecha para junio 2014. En 2017 comenzó una gira internacional que se extendió a 2018 y visitó Sao Paulo, Rio de Janeiro, Santiago de Chile, Buenos Aires, Viena, Moscú, Perth, Sydney, Melbourne, Haiti, Tokyo, Osaka, Madrid, Milano, Rome, St. Petersburg, Paris, London, Amsterdam y Monaco. Lamentablemente, el 1 de octubre de 2018, la gira se interrumpió debido a su fallecimiento a los 94 años.
El 13 de mayo de 1950 nació en Brixton el músico británico Danny Kirwan, cantante y guitarrista del grupo de blues rock Fleetwood Mac entre 1968 y 1972, la etapa en que el sonido del grupo comenzó a cambiar hacia un sonido más pop. Danny vivió la marcha de Peter Green, que había sido su mentor en Fleetwood Mac, y las nuevas incorporaciones, como Bob Welch y Christine McVie, hasta que en 1972, fue despedido a causa de su afición por la botella.
Fleetwood Mac
Oficialmente Danny dejaba el grupo porque sus proyectos musicales "no coincidían con la nueva línea adoptada por el grupo". Lo cierto es que su acusado alcoholismo introdujo tensiones en sus relaciones con los demás guitarristas del grupo. Con Peter Green, que fue quien lo descubrió, animó e incorporó a su grupo, comenzó a tener problemas antes de su marcha, y más tarde, tuvo sus más y sus menos con Bob Welch.
En la época en la que fue obligado a dejar el grupo en 1972, Danny se alimentaba exclusivamente de cerveza y su condición física era lamentable por lo que pasó un tiempo en una institución mental, para intentar corregir el origen nervioso de su afición a la bebida. Hasta 1980 publicó tres álbumes, que a pesar de recibir buena crítica no obtuvieron ventas significativas. Influyó en ello la negativa de Kirwan a realizar shows en directo. 'Second Chapter' (1975), 'Midnight in San Juan' (1976 ), que incluía una versión reggae de 'Let it be', editada en single en USA, y 'Hello There Big Boy!' (1979).
En 1979 su condición mental ya había llegado a un límite y lo tuvo que abandonar todo para sobrevivir durante años como un 'sin techo' más, arrastrándose por las calles. En 1990 ingresó en una residencia para alcohólicos y en sus últimos años llevó una más que discreta existencia en Londres donde en ocasiones residió en una institución benéfica para 'homeless' de Covent Garden donde parece ser que aún conservaba una guitarra con la que tocaba de vez en cuando para su propio deleite. Falleció en junio de 2018 a los 68 años.
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Sus primeras actuaciones las realizó junto a su hermano mayor Arturo en la radio local de Rancagua. En 1945 ambos se trasladaron a Santiago y mientras Lucho cursaba estudios en la Escuela Industrial, Arturo gestionó con Odeón su primera grabación en 1949 que contenía cuatro temas: 'El martirio', 'Tú que vas vendiendo flores', 'La partida' y 'Tilín tolón'.
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