Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 3 de julio de 1940 nació en St. Louis, (Missouri), la cantante de R&B Fontella Bass. Muchas veces confundida con Aretha Franklin, comenzó con seis años cantando en el coro de la iglesia. De adolescente comenzó a participar en varios concursos de talentos y en 1961 tocaba el piano en las grabaciones de Little Milton. Es conocida, sobre todo, por su hit 'Rescue Me', que fue nº1 en las listas de R&B y Top20 en las listas británicas y estadounidenses de pop, asegurándose un lugar entre las mejores cantantes femeninas de los años sesenta.
La madre de Fontella, Martha, era cantante profesional con los Clara Ward Singers, un grupo de gospel que solía acompañar al reverendo C.L. Franklin, padre de Aretha Franklin, por lo que cuando su madre se encontraba de gira, Fontella permanecía junto a su abuela Nevada Carter. Musicalmente muy precoz, la joven tenía cinco años cuando comenzó a acompañar a su abuela al piano cuando ésta cantaba en los servicios funerales. Antes de cumplir los diez, ya acompañaba a su madre en las giras con los Clara Ward Singers a través de los estados del Sur y Sureste del país. En la adolescencia conoció la música 'profana' y tras asistir a actuaciones de blues en los clubes de St Louis, la magia del escenario la atrapó y con diecisiete años comenzó a actuar profesionalmente en clubes a lo largo del río Mississippi.
Su madre no le permitió enrolarse en una feria ambulante y Fontella se quedó en St. Louis donde aceptó trabajar como pianista para el bluesman Little Milton Campbell. Cuando a este le ofrecieron grabar en Chess Records, a Bass le ofrecieron cantar además de tocar el piano. Más tarde, Little Milton y su director de orquesta, el saxofonista Oliver Sain se separaron y Fontella permaneció con Sain, que formó la Oliver Sain Soul Revue con el cantante Bobby McClure y el trompetista Lester Bowie, futuro marido de Bass.
Bobby McClure y Fontella Bass
Al mismo tiempo, Fontella también deseaba colaborar con otras bandas del área de St Louis como Ike y Tina Turner y sus Kings of Rhythm. A Sain no le gustaban estos escarceos e instó en 1965 a Bass, y a su nuevo marido Lester Bowie, a viajar a Chicago. Allí Fontella firmó con Checker Records, el sello de R&B de los hermanos Chess. Su primer éxito fue 'Don't mess up a good thing', un tema escrito por Sain, un dueto clásico interpretado con Bobby McClure, en el que interpretan a un hombre y una mujer que se presentan una lista mutua de fallos y errores de conducta y advirtiéndose uno al otro, que si las conductas erróneas persisten se puede estropear algo bueno y bonito. Este enfrentamiento dialéctico tenía reminiscencias de los temas country 'Wild side of life' de Hank Snow, y su respuesta 'It wasn't God who made the honky tonk angels' de Kitty Wells. Fue un Top5 de R&B que volvieron a grabar Ry Cooder y Chaka Khan en 1979. Le siguió otro dúo con McClure, 'You'll miss me (when I'm gone)' que tuvo un éxito más moderado.
El single que le siguió, 'Rescue me'la consolidó. Tenía el clásico estilo Stax del bajo conduciendo la melodía apoyado por los chispeantes metales y un juego vocal de llamada-respuesta -típico del gospel- en los coros.
En la grabación participaron un joven baterista llamado Maurice White (años después en Earth, Wind & Fire) y Minnie Riperton en los coros. Fue nº1 en las listas de R&B y alcanzó el Top20 en las listas de pop inglesas y estadounidenses. Además fue el primer millón de ventas que conseguía un artista de Chess desde que lo había logrado Chuck Berry diez años antes. El tema lo habían compuesto Fontella y Raynard Miner, pero en los créditos aparecieron como autores Miner y Carl Smith. En Chess le prometiron arreglarlo más adelante pero cuando recibió el cheque por sus derechos de autor, Bass tampoco estuvo de acuerdo con la cifra, que consideraba insuficiente, y siguió luchando por lo que ella consideraba justo. Esto le trajo cierta fama de problemática en el mundo discográfico, por lo que, tras grabar algunos temas más como 'Recovery' y 'You'll never know' en 1966, desapareció del mapa musical.
'Free' (1972)
Por aquel tiempo, su marido, el trompetista Lester Bowie se movía por la escena del jazz avant garde y con su banda Art Ensemble of Chicago viajó a Paris para un trabajo de tres años. Fontella le acompañó y grabó la banda sonora 'Les Stances a Sophie' (1970) y 'Art Ensemble of Chicago with Fontella Bass'. Más tarde regresó a Estados Unidos y grabó el álbum 'Free' (1972) con Oliver Sain, que fracasó en las listas de ventas. Desanimada, abandonó el mundo musical unos años para criar a sus cuatro hijos limitando sus actuaciones vocales a las iglesias locales.
En 1978 se divorvió de Bowie y durante los años ochenta grabó esporádicamente trabajando de nuevo con Oliver Sain, sin éxito. En 1991, cuando Bass se encontraba prácticamente arruinada, American Express usó la canción 'Rescue Me' en una campaña publicitaria. Fontella demandó a la compañía y a su agencia publicitaria por uso indebido de su canción, y en 1993 recibió una compensación de $50.000. En 1994 grabó 'Breath of Life' con el World Saxophone Quartet. El año siguiente se publicó en Nonesuch Records el álbum de gospel 'No Ways Tired' y en 2001 apareció'Travelin', en el que colaboró su hijo Bahnamus Bowie a los teclados. Últimamente colaboró con The Cinematic Orchestra en su álbumes 'Every Day' (2002) y 'Ma Fleur' (2007). Fontella falleció el 26 de diciembre de 2012 tras haber sufrido unos días antes un ataque al corazón.
El 3 de julio de 1854 nació en Hukvaldy (Moravia del Norte) el compositor checo Leoš Janáček el más importante de su país de comienzos del siglo XX. De niño formó parte del coro de un monasterio de Brünn (hoy día Brno). Más tarde, estudió en San Petersburgo, Leipzig, Praga y Viena. Admirador de Antonín Dvorák, entre 1881 y 1888 fue director de la Filarmónica Checa.
Leoš Janáček en 1881
Asimismo fundó e impartió clases en la escuela de órgano de Brünn (1882-1920) y en el Conservatorio de Praga (1920-1925). Recogió muchas composiciones folclóricas y durante un breve periodo publicó una revista especializada. Consiguió reputación internacional con su ópera Jenufa (1904, revisada en 1916 y compuesta en un estilo vehemente y de gran fuerza dramática). Al igual que su Misa glagolítica (1926), está influida por los ritmos y acentos de la lengua morava. El lento desarrollo de su estilo personal, el hecho de padecer un amor no correspondido que le inspiró el Diario de un desaparecido y la aparición de un fuerte sentimiento nacionalista, en especial a partir de la proclamación de Checoslovaquia en 1918, suscitaron en él una desbordante capacidad creativa. Janácek realizó con el profesor František Bartos un importante trabajo de recopilación de canciones populares en Moravia pero su obra como compositor se retrasaba.
Leoš Janáček en 1904
No es fácil clasificar las obras de Janáček en un estilo concreto, pues su música es muy personal. En sus primeras obras se advierten influencias de la música alemana, pero pronto incorpora a su música el conocimiento que tenía de la música popular checa y eslava en general. Sus obras maduras muestran una construcción a base de breves motivos formados por pocas notas, que se repiten constantemente, apoyados en un uso sorprendente de la armonía más tradicional y con ritmos casi siempre irregulares y asimétricos. Las formas en Janacek tienden a la libertad de la rapsodia, sin utilizar nunca formas clásicas como las derivadas de la sonata o el rondó, pero no obstante a menudo consigue una gran unidad y coherencia dentro de cada obra.
Manuscrito de 'Sinfonietta' (1926)
Sus obras más famosas las compuso durante los últimos diez años de su vida. Por esta razón se le considera un compositor del siglo XX, a pesar de que tenía cuarenta y siete años cuando comenzó el siglo. Durante este período compuso:
- Dos cuartetos de cuerda, el primero inspirado por la “Sonata a Kreutzer de Liev Tolstoi” (The Australian Chamber Orchestra) y el segundo llamado “Cartas íntimas” 1/4, 2/4, 3/4y4/4 (The Vlach Quartet of Prague) en el que se consigue una gran expresión lírica en un lenguaje que se aparta tanto de la tradición clásico-romántica como de la vanguardia musical de su época;
- El dúo piano-cello “Pohadka” (Božo Paradžik, double bass & Hansjacob Staemmler, piano), y
- El Sexteto para viento “Mladi” (Kersten McCall - Flauta, Maurice Bourgue - Oboe, Harmen de Boer - clarinete, Kim Rijks - Bajo clarinete, Bram van Samebeek - Bajo, Radovan Vlatkovic - trompeta)
• Obras orquestales:
- “Taras Bulba” (Czech Philharmonic Orchestra, & dir. Sir Charles Mackerras)
- “Sinfonietta” (extracto) (Czech Philharmonic Orchestra & Jiří Kout). Completa (WDR Sinfonieorchester & dir. Jukka-Pekka Saraste), completa.
• Óperas:
- “Šárka” (1887), con libreto de Julius Zeyer. Dueto (Eva Urbanova - Sarka, Leo MarianVodicka – Ctirad & The Janacek Philharmonic Orchestra of Europe)
- “El comienzo de un romance” (1894), con libreto de Jaroslav Tichý, basado en Gabriela Preissová.
- “Jenůfa” (1904), un drama acerca de la vida rural en Moravia, con libreto del compositor, Preludio (Rafael Kubelik & Orchestra of the Bavarian State Opera)
- “Osud” (Destino) (1904), con libreto de Fedora Bartošová (Mackerras - Welsh National Opera)
Escena de 'Katya Kabanova'
- “Las excursiones del señor Broucek” (1920), con libreto de Viktor Dyk y František Sarafínský Procházka.
- “Katya Kabanová” (1921), libreto de Vincenc Cervinka, basado en el drama "La Tempestad" de Aleksandr Ostrovski, Final (Soprano Christina Vasileva)
- “La zorrita astuta” (1924), fábula sobre animales en el bosque, con libreto del compositor (Gerald Finley, Bajo barítono, Sir Simon Rattle, dir. & Berliner Philharmoniker)
- “El caso Makropulos” (1926) (Anja Silja, Emilia Marty, The London Philharmonic & dir. Ancrew Davis), con libreto del compositor Karel Čapek
- “De la casa de los muertos” (1930), libreto del compositor, basado en la obra de Dostoyevski, Introducción (Czech Philharmonic & Václav Neumann)
También Janácek fue autor de excelentes composiciones corales sobre textos extraídos de poemas de Petr Bezruc. Es muy importante su producción operística por lo que hoy día se le considera una de las figuras importantes de la música del siglo XX. En sus óperas incorpora los recursos fonéticos de la lengua checa de forma muy sugestiva, y el uso que hace de la instrumentación orquestal es de gran originalidad, consiguiendo a veces impresionantes escenas de una enorme expresividad.
A pesar de su independencia estilística, la versatilidad del lenguaje inconfundible de Janáček le permite asimilar influencias tanto de la música francesa (Debussy) como de la vanguardia vienesa (Berg), sin perder su originalidad. Al igual que sucede con Béla Bartók o Zoltán Kodály, músicos a los que se parece en algunas ocasiones, Janacek fue un gran estudioso de la música popular eslava. Sus estudios aparecen reflejados en la edición de numerosas canciones folclóricas, como es el caso de su recopilación de canciones populares moravas.
El 3 de julio de 1550 nació en Reifnitz (hoy, Ribnica, Eslovenia) el compositor del Renacimiento Jacobus Gallus Carniolus. Usaba la forma latina de su nombre (Petelin significa "gallo" en esloveno), al que le agregaba el adjetivo Carniolus, referido a su lugar de nacimiento.
Gallus dejó Eslovenia en su juventud y como monje viajó por Austria, Bohemia, Moravia y Silesia. Por un tiempo vivió en Melk Abbey, Austria. Fue un miembro de la capilla de la Corte Vienesa en 1574, y el director de coro (Kapellmeister) para el obispo de Olomouc (Moravia) entre 1579 (o 1580) y 1585. Desde 1585 hasta su muerte trabajó como organista en Praga para la Iglesia Jana na Zábradlí. Gallus murió en 1591 en Praga. Su trabajo más notable fue la sexta parte de “Opus musicum”, 1577, una colección de 374 motetes que cubriría eventualmente las necesidades litúrgicas del año eclesiástico entero:
- “Opus musicum” (5 motetes)(Huelgas Ensemble & Paul Van Nevel)
- “Alleluia, Cantate Domino” (Göteborg Baroque Arts Ensemble)
- “Musica noster amor” (Ljubljanski madrigalisti & Matjaž Šček, dir.)
Los motetes fueron impresos en la imprenta Jiří Nigrin, en Praga. Su estilo vasto, ecléctico, mezcló arcaísmos y modernidad. Con poca frecuencia usó la técnica de canto firme, prefiriendo la manera policoral veneciana igualmente también usaba métodos más antiguos.
Sus ediciones seculares, cerca de 100 trozos cortos, fueron publicados en las colecciones de “Harmoniae morales” (Praga 1589 y 1590) y “Morales” (Nuremberg 1596).
Otras grabaciones destacadas: “Ecce Quomodo Moritur” (The Slovene Madrigalist Chamber Choir) “Pater Noster” (The Slovene Madrigalist Chamber Choir) “Natus est Nobis” (Angelica Leánykar & Angelica Girls' Choir) “O salutaris hostia” (Stanislav Předota)
El 2 de julio de 1714 nació en Erasbach el compositor alemán de origen bohemio Christoph Willibald Ritter von Gluck. Hijo de un inspector forestal, debido a su carácter inquieto, se fugó de casa, ganándose el pan como músico ambulante. Posteriormente se reconcilió con su padre y estudió en la universidad de Praga.
Christoph Willibald Gluck
Durante muchos años compuso óperas italianas de corte bastante tradicional, conocía muy bien este género ya que había estudiado música en Milán. Fruto de estas enseñanzas fue su primera ópera seria, "Artajerjes" (1741) según el estilo italiano entonces imperante. Dado el éxito alcanzado, Gluck dio a la escena nuevos títulos, entre ellos “Il Tigrane” (1743), “Semíramis reconocida” (1748) en Viena, “La clemencia de Tito” (1752) y “La Cinesi” (1754) (Guy de Mey & Orchestra of the Schola Cantorum Basiliensis , René Jacobs). Ninguno de ellos dejaba entrever las innovaciones que le harían célebre, antes al contrario se adaptaban plenamente a las convenciones formales de la ópera seria. Sin embargo, la importancia de Gluck se debe a que propugnó la primera gran reforma de la ópera - la segunda correspondería a Richard Wagner un siglo después - de hecho ambos compositores, a pesar de la distancia en el tiempo, compartían bastantes planteamientos teóricos sobre el drama musical, como queda reflejado en el manifiesto wagneriano "Oper und Drama". También es evidente la influencia de Gluck sobre el joven Mozart.
Christoph Willibald Gluck
Lo que verdaderamente pretendía la reforma gluckiniana era acabar con los excesos de la recargada ópera barroca italiana, es decir, purificar y ennoblecer el género mediante la sobriedad en las voces, acabar con la auténtica dictadura de los convencionalismos y la tiranía de los cantantes. Y es que la ópera barroca se había convertido en un mero instrumento para el exhibicionismo vocal de los “castrati”. Esta sobriedad, debía estar rematada por una total economía argumental y del texto, dejando atrás las complejas e inverosímiles tramas, las tortuosas intrigas amorosas de la ópera barroca que Gluck detestaba profundamente: "La semplecità, la verità e la naturalezza". Con todo esto Gluck pretendía que la ópera fuera capaz, sin despistar al espectador, de transmitir la nobleza de drama clásico por encima de los aspectos superficiales, es decir, buscaba equiparar la ópera a la tragedia griega. Es definitiva, lo que compositor pretendía era realizar la transición musical del arte barroco al neoclásico.
La primera "ópera reformada" estrenada en Viena en 1762, con libreto de otro gran innovador, Ranieri Calzabigi, fue “Orfeo ed Euridice” cuyo estreno fue un auténtico éxito en Viena:
Modestamente, Gluck atribuía el mérito de la reforma a su libretista. El siguiente trabajo conjunto fue “Alceste”: - “Obertura” (Wilhelm Furtwängler, dir. & Wiener Philharmoniker)
- Arias "Ah malgré moi" (Acto 2) y "Ah divinités implacables" (Acto 3) (Jessye Norman).
Un tercer intento de reforma operística lo constituyó su siguiente título: “Paride ed Elena” (1770) Aria "O del mio dolce ardor” (Teresa Berganza) , obra que no fue precisamente bien acogida.
Años antes, Gluck había sido en la corte vienesa profesor de canto de los hijos de la emperatriz María Teresa, entre ellos estaba la futura reina de Francia María Antonieta.
María Antonieta
Esto le permitió trasladarse a París donde disfrutó de su protección. Después de haber revitalizado la ópera seria, dedicó sus esfuerzos a reformar la “tragédie lyrique”. De este modo pudo estrenar en abril de 1774, su nueva aportación a la ópera neoclásica, “Iphigénie en Aulide” que sólo fue aplaudida por el apoyo incondicional que le prestó la reina, iniciando las ovaciones.
También estrenó el mismo año la versión francesa de “Orfeo” (Orphée et Eurydice). “The Furies”, (Richard Croft, tenor) - “Dance of the Furies”, sustituyendo el papel de Orfeo por un tenor y dotando a la obra con un extenso ballet.
Christoph Willibald Gluck
En París las creaciones de Gluck suscitaron una amplia polémica entre los partidarios de la renovada tradición francesa que tomaron al alemán como estandarte, y los defensores de la ópera italiana, que eran muchos y contaban con el apoyo de los enciclopedistas. Según éstos, la única "actitud progresista" en materia de música era la aceptación de la superioridad de la ópera italiana, según Rosseau era un hecho doloroso pero innegable que la lengua francesa era inadecuada para la ópera.
Nicolò Piccini
El bando italianista envió una delegación a Roma para reclutar a Nicolò Piccini (1728-1800), un compositor de cualidades limitadas pero de un gran carisma, su ópera “La buona figliula” había hecho reír y llorar a media Europa. Piccini escribió unas cien óperas, muchas de ellas dentro del estilo bufo napolitano al que pertenecían también “Cimarosa y Paisiello”. La verdad es que, comparado con Gluck, el estilo de Piccini resulta bastante frívolo. Presidiendo el partido italianista se encontraba el crítico Jean François Marmontel, director del teatro, un infame agitador que llevó el conflicto a una guerra total cuando publicó un ensayo difamatorio ensalzando a Piccini y tratando de incompetente a Gluck.
Mientras Gluck y Piccini se respetaban mutuamente, sus partidarios pasaron del conflicto puramente artístico al enfrentamiento físico, casi al estilo de los actuales hooligans. Basta leer las crónicas de la época para afirmar que asistir a una representación de ópera en París podía a ser algo incluso peligroso. Algo similar ocurrirá cien años después en Italia con los seguidores de Wagner y de Verdi, especialmente en Bolonia. Marmontel, buscando mayor crispación si cabe, encargó a ambos poner música a “Roland de Quinault”, Gluck descubrió que Piccini había sido favorecido, llevaba trabajando durante varias semanas en el proyecto, así decidió abandonar y poner música a su “Armide” última escena: “Le perfide Renaud quand le barbare” (Patricia Petibon)
El siguiente duelo operístico fue “Iphigénie en Tauride” (1777) (Galstian, Gilfry, Van der Walt, Christie, Guth & Opernhaus Zurich)
- Aria "O dolce suol natio....O sventurata Ifigenia" (María Callas, soprano)
- Aria "O toi qui prolongeas mes jours" (Régine Crespin, soprano & L'Orchestre de la Suisse Romande).
- Aria "O malhereuse Iphigenie" (Suzanne Balguerie, soprano)El trabajo presentado por Gluck fue un gran éxito, la ópera está considerada por muchos como su obra maestra, como su testamento musical.
La versión Piccini, estrenada con mucho retraso no ha pasado precisamente a la historia, aunque tuvo un moderado éxito. Las rivalidades entre los dos bandos se prolongaron incluso después de la partida de Gluck a Viena. En 1942, el compositor alemán Richard Strauss ambientó su ópera “Capriccio” en París, en plena guerra entre gluckinistas y piccinistas.
El último trabajo parisino de Gluck, “Echo et Narcisse”, no tuvo el éxito esperado. Ello se debió, en parte a la debilidad del libreto del Barón von Tschudi. Gluck, decepcionado por la pobre recepción y alarmado por un ataque de apoplejía, se retiró a Viena, donde ocupó nuevamente un cargo en la corte. Entabló una cierta amistad con Leopold y Wolfgang Amadeus Mozart en los últimos años de su vida. Christoph Willibald Gluck, murió de un segundo ataque de apoplejía después de desafiar a su médico (que le había prohibido la bebida), el 15 de noviembre de 1787.
A pesar de que Gluck fue muy popular y recibió grandes honores en su tiempo, muchísimos más que Mozart, pasó al olvido durante el siglo XIX y fue durante el pasado siglo XX cuando se produjo una revitalización de su obra, sobre todo después de la Segunda Guerra Mundial. "Melodía" ("Dance of the Blessed Spirits")(Renaud Capuçon violín & Jerôme Ducros piano)
El 1 de julio de 1926 nació en Gütersloh, Westfalia el compositor y director de orquesta alemán Hans Werner Henze, sin duda, uno de los talentos musicales más eclécticos, fascinantes y controvertidos que ha dado la segunda mitad del siglo XX.
Henze en 1960
Alumno de Wolfgang Fortner y René Leibowitz, Henze dio sus primeros pasos como compositor bajo la influencia del dodecafonismo posweberniano de la Escuela de Darmstadt, aunque pronto abandonó los rígidos sistemas propugnados por ésta para abordar una música mucho más personal, síntesis admirable de elementos en apariencia incompatibles, tradicionales y vanguardistas. Compositor prolífico, en general se ha inclinado por las formas tradicionales de la música clásica. Su producción incluye más de 10 sinfonías, 6 conciertos, música de cámara (de la que destacan 5 cuartetos para cuerda, uno de ellos dedicado al recuerdo del cantautor chileno Víctor Jara), óperas y ballets.
La música de Henze ha incorporado el neoclasicismo, el jazz, el dodecafonismo, el serialismo y algo de rock y de música popular. Su “Concierto para Violín” (1947) Allegro Molto, Vivacissimo, Andante con moto, demostró que podía escribir excelente música dodecafónica. No obstante, posteriormente, reaccionó en contra del atonalismo y su ópera “Bouvelard Solitude” (1951) incluye elementos de música de jazz y de la música popular parisina. Tras su traslado a Italia en 1953, su música se convirtió a un estilo más napolitano, con las texturas ricas y exuberantes de la ópera “König Hirsch” y aún más en la opulenta música de ballet que compuso para “Ondine”, (1957), aparentemente clásica, pero contiene algo de jazz y, aunque la música de Mendelssohn y de Weber fueron importantes influencias, en buena parte recuerda a la música de Stravinsky. Su música va desde el neoclasicismo stravinskiano de una ópera como “El joven Lord”, hasta el barroquismo monteverdiano de “Venus y Adonis”, pasando por el neorromanticismo de “El príncipe de Homburg” o el antirromanticismo de “El mar traicionado.”
Las texturas para la cantata “Kammermusik” son mucho más severas, no obstante, posteriormente Henze volvió al atonalismo en “Antifone“ (1960) y después otros estilos mencionados más arriba volvieron a tener importancia en su música. Junto a los señalados, otro elemento importante del estilo del compositor alemán fue su compromiso político, manifestado –sobre todo a partir del estreno en 1968 del oratorio “La balsa de la Medusa”, dedicado al Che Guevara– por su vinculación a la izquierda radical. “La Sinfonía nº 6”, “El Cimarrón” y “La cubana” son algunas otras de sus obras que participan de esta misma tendencia, quizás la más avanzada y difícil musicalmente hablando
Henze dedicó al género operístico una especial atención desde los inicios de su carrera. Sus trabajos en este campo se distinguieron por una capacidad comunicativa y un sentido dramático poco frecuentes, perceptibles también en sus composiciones instrumentales y vocales, entre las que pueden señalarse “L´Elegie” para violín y piano (1990), la monumental “Séptima sinfonía”, el “Réquiem” (1992), la “Sinfonía nº 9” (1995), ésta con intervención coral o bien su “Sinfonía nº 10” (2000) y el “Preludio para Tristán” (2003).
En 1995 Henze fue galardonado con el Premio de Música de Westfalia (que lleva su nombre desde el año 2001) y, en el año 2000, le fue concedido el Praemium Imperiale. El 7 de noviembre de 2004 Henze recibió un doctorado honoris causa en “ciencia musical” del Conservatorio de Música y Escuela de Teatro de Munich. En enero del 2010, con presencia del propio Henze a sus 84 años de edad, veintitrés músicos del Ensemble Modern y cinco cantantes, dirigidos por Michael Boder, ofrecieron una versión concertante de su ópera en dos actos "Fedra" Acto 1 Morning, Acto 2 Evening. Henze falleció el 27 de octubre de 2012 a los 86 años.
El 30 de junio de 1722 nació en Staré Benátky, Bohemia, el maestro de capilla, violinista y compositor checo Jiří Antonín Benda también conocido como Georg Benda. Estudió en una escuela de gramática de Kosmonosy donde aprendió una educación musical básica, así como el conocimiento del lenguaje y la declamación adecuada que influyó en su desarrollo musical.
Georg Benda en 1752
En 1742 viajó a Berlín, donde se unió a su hermano Frantisek Benda en la orquesta de la corte del Rey Federico II. En 1750 entró al servicio del duque Federico III en Gotha. Una fuente de inspiración para él (sobre todo en obras clave) fue la obra de Carl Philipp Emanuel Bach, con quien mantuvo una gran relación de amistad. En 1770 obtuvo el cargo de director de la banda. En ese momento, fue buscando nuevas formas escénicas y fórmulas para aunar la palabra hablada a la música, inspirado en el ambiente de los nuevos estilos literarios como "Sturm und Drang"- movimiento literario encabezado por Goethe (aunque también tuvo sus manifestaciones en la música y las artes visuales)- desarrollado en Alemania durante la segunda mitad del siglo XVIII, y a través del cuál los compositores se expresaban en contraposición a las ideas y las limitaciones impuestas por el racionalismo de la Ilustración.
Benda fue el fundador de la forma de ópera 'Melodrama'. Sus dos primeras obras "Ariadna de Naxos" y "Medea” (Finnish Baroque Orchestra & Dir. Tuomas Hannikainen) son las primeros representantes reales de esa nueva forma. Apreciado por una gran cantidad de personalidades destacadas, se cuenta que Mozart amaba tanto sus dos primeros melodramas, que siempre llevaba las partituras con él. Aparte de sus óperas compuso música escénica, cantatas, música de cámara, singspiele (género típico alemán, parecido a la zarzuela), conciertos y numerosas sonatas. Murió en noviembre de 1795 a los 73 años.
Obras destacables:
• Melodramas:
- “Ariadne auf Naxos” (1774) Parte 1/3, Parte 2/3, Parte 3/3 (Brigitte Quadlbauer, Hertha Schell, Peter Uray. Praque Chamber Orchestra & dir. Christian Benda).
-“Medea” (1775)
- “Pygmalion” (1779) Parte 1/2Parte 2/2 (Brigitte Quadlbauer, Hertha Schell, Peter Uray. Praque Chamber Orchestra & dir. Christian Benda).
• Singspiele:
- “Romeo y Julieta” (1776) (Bremen Vocal Ensemble for Ancient Music & dir. Michael Schneider)
• 30 sinfonías
- “Sinfonía Nº 2 en sol mayor" para flauta, oboe, cuerdas y bajo continuo en sol mayor (Czech Chamber Philarmonic & dir. Vojtech Spurny)
- “Sinfonía Nº 9 en La mayor” (Prague Chamber Orchestra & Christian Benda)
