Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 3 de octubre de 1954 nació en Dallas, (Texas) el cantante, compositor y guitarrista de blues y rock Stevie Ray Vaughan. Se dio a conocer con una actuación memorable en el Festival de Jazz de Montreaux en julio de 1982. Entre la audiencia se encontraban David Bowie y Jackson Browne, que asombrados por lo que habían visto y oido fueron a verle personalmente tras el show. Bowie lo contrató para su siguiente álbum 'Let's Dance' (su mayor éxito en ventas) y Browne le ofreció su estudio de grabación gratis para sus maquetas.
Double Trouble
Stevie Ray aceptó la oferta de Browne y con su grupo Double Trouble (Tommy Shannon al bajo y Chris Layton a la batería) graba durante un fin de semana de noviembre el álbum 'Texas Flood'. El productor John Hammond Sr. tras oir las maquetas lo contrató para Columbia Records y el álbum se publicó con la filial Epic. Su figura fue creciendo y se construyó una reputación como uno de los mejores guitarristas que nadie había conocido jamás. Sus álbumes 'Couldn't stand the weather'y 'Soul to soul' llegaron a superventas y en sus apariciones en público firmaba directos extraordinarios.
Desafortunadamente, sus antiguas adicciones le empezaron a pasar factura en el aspecto físico y creativo, y una noche de 1986, mientras actuaba en Alemania, se desmayó en el escenario. Se sometió a una cura de desintoxicación y en unos meses ya estaba 'limpio'. Los años siguientes Stevie Ray ganó un Grammy, encabezó el Festival de Jazz de Nueva Orleans, y actuó en la fiesta de inauguración de mandato de George Bush, padre.
Un día, mientras estaba de gira en agosto de 1990 con Eric Clapton, tras un concierto en East Troy (Wisconsin) en el que terminaron haciendo una jam Eric Clapton, Buddy Guy, Jimmie Vaughan, Robert Cray y Stevie Ray, Vaughan optó por tomar un helicóptero para volver a Chicago. Minutos después el guitarrista tejano, el piloto y tres miembros de la banda de Clapton murieron en el acto al estrellarse el aparato en una colina cercana. Stevie Ray tenía 35 años aquel 27 de agosto de 1990. El mísmo día, cuatro años antes, había fallecido su padre.
El 3 de octubre de 1938 nació en Albert Lea (Minnesotta) el guitarrista, compositor y cantante norteamericano Eddie Cochran. Fue sin duda uno de los pilares del rock and roll. Para muchos fue el verdadero detonante. Cochran fue el equivalente en el mundo del rock'n'roll a lo que significó James Dean en el cine. Físicamente atractivo, dotado de un talento extraordinario y con la suficiente ambición para lograr grandes metas, murió antes de poder cumplir su prometedora carrera. Como compositor Eddie tenía la misma facilidad para hablar el idioma de los jóvenes que tenían Carl Perkins o Chuck Berry; en el aspecto vocal, era capaz de gritar como Little Richard o susurrar tiernas baladas como Elvis y quizás lo más importante: fue un extraordinario guitarrista que entendió a la perfección las posibilidades que brindaban los estudios de grabación.
Eddie en 1954
Edward Ray Cochran nació como el más joven de cinco hermanos en Albert Lea (Minnesotta) tras haberse trasladado la familia desde Oklahoma en busca de un trabajo mejor. Cuando cumplió los seis años, su hermano mayor, antes de ir a cumplir el servicio militar, le regaló su guitarra. Otro de sus hermanos le enseñó los primeros acordes y el joven Eddie se afanó en aprender con rapidez. En 1951, cuando la familia volvió a mudarse, esta vez a Bell Gardens, un suburbio de Los Angeles, Eddie comenzó a considerar dedicarse profesionalmente a la música. Fue entonces cuando desarrolló una auténtica pasión por la música country y junto a su amigo Connie 'Guybo' Smith, contrabajista y guitarrista steel, y otro compañero de estudios, Al García, forma el trío de country swing llamado los Melody Boys. La habilidad de Cochran para imitar con su guitarra los estilos de Chet Atkins, Joe Maphis y Merle Travis logra que la gente se fije en el trío y pronto les llueven ofertas para tocar en salas importantes.
Chuck Foreman
Por aquel tiempo, Eddie trabó amistad con Chuck Foreman, un guitarrista cinco años mayor que él quien le ayudó a pulir sus habilidades instrumentales. Foreman además poseía un magnetófono de dos pistas y juntos experimentaron realizando sobregrabaciones, cambiando las posiciones de los micrófonos y jugando con la reverberación, al modo de Les Paul. El resultado de estas grabaciones ayudó a Cochran a adquirir los conocimientos técnicos básicos para poder desarrollar un sonido único y distintivo en sus futuras grabaciones profesionales. A principios de 1954 Cochran se unió a los Bell Garden Ranch Boys, que incluía al mandolinista Warren Flock, el bajista Dave Kohrman, el violinista Forest Lee Bibbie y el cantante Clete Stewart. El grupo duró lo suficiente como para actuar en varios bailes y aparecer en unos pocos shows de TV. Cuando la banda se disolvió, Foreman y Cochran siguieron participando en diversos grupos a cuyos miembros solían apabullar con sus habilidades instrumentales.
Fue en una de estas formaciones, contando Eddie 16 años, en la que el guitarrista conoció al aspirante a cantautor country Hank Cochran, con el que congenió inmediatamente y forma el dúo Cochran Brothers. Inicialmente los Cochran (sin relación familiar) tocaban canciones de Hank Williams, Ernest Tubb, Lefty Frizell y los Wilburn Brothers en los clubs de veteranos de guerra, pero cuando comenzaron a incluir en su repertorio material original escrito por ellos, les llegaron ofertas para actuar en shows de TV locales como Hometown Jamboree, California Hayride y Town Hall Party. Contratados por el sello Ekko, los dos primeros sencillos del dúo, 'Mr. Fiddle' y 'Guilty conscience' (con 'Two blue singing stars' y 'Your tomorrow never comes' como caras B), son temas típicos de música hillbilly, repleta de violines y guitarras steel. Su repercusión en las listas fue nula.
The Cochran Brothers
Hank y Eddie admiraban a músicos de R&B como Fats Domino o Little Richard, pero la idea de fusionar estos sonidos con la música country no les llegó hasta que escucharon a Elvis Presley. Hank Cochran lo recordaba así: "Estábamos tocando en el Big D Jamboree de Dallas y allí conocimos a un policía cuyos brazos y cara estaban llenos de arañazos y magulladuras. Le pregunté cómo se había hecho aquello y me contestó que no lo iba a creer. Contó que la semana anterior había venido a cantar un tipo llamado Elvis y le contrataron a él y dos más como guardaespaldas. No sabían de qué o quienes tenían que protegerle hasta que comenzó a cantar. De repente una horda de chiquillas descontroladas intentaron abalanzarse hacia él abriéndose paso a puñetazos y arañazos. Inmediatamente le dije a Eddie: 'Tío tenemos que ir a ver a ese tal Elvis para ver qué demonios hace'"
Intrigados, ambos viajaron hasta Memphis y conocieron a Elvis en una emisora de radio local. Asumiendo que no había nada igual a él en la costa Oeste, los Cochran volvieron a casa decididos a aplicar sus nuevos descubrimientos a su música. Su último single en Ekko Records fue 'Tired and sleepy', cuya cara B fue 'Fool's paradise', que ya reflejan las nuevas influencias. Hank canta una parte con su habitual estilo country, a la que sigue una sección en la que Eddie se arranca con un break rockero de guitarra muy a lo Presley.
Estaban perfeccionando el rockabilly y el dúo se hizo tremendamente popular en California. Sin embargo Hank, cuyas raíces country seguían siendo muy profundas, no terminaba de sentirse a gusto con el nuevo estilo, por lo que decidió separarse amistosamente de Eddie. Hank se trasladaría más tarde a Nashville, donde se convertiría en un importante compositor, autor de clásicos como 'I fall to pieces', 'Make the world go away' y 'A little bitty tear'.
Eddie con Jerry Capehart
Eddie se reunió con Jerry Capehart, un compositor y productor con el que ya habían trabajado los Cochran Brothers unos meses antes, y ambos comenzaron a tocar y a componer juntos. El extrovertido Capehart se convirtió en el mánager de Eddie además de conseguir un contrato como compositores en American Music, donde grabaron varias demos con Cochran a la guitarra y Capehart dándole a una caja de cartón a modo de batería. Logran grabar para Crest Records el tema 'Skinny Jim', un rock'n'roll a lo Little Richard que, aunque fracasa comercialmente, les abre las puertas para un contrato con Liberty Records a finales de 1956.
Por otro lado, el productor cinematográfico Boris Petroff contrató a Eddie para un papel en lo que sería la mejor película de rock'n'roll de los años cincuenta: 'The Girl Can't Help It', muy popular en Estados Unidos con Jayne Mansfield de protagonista. Con su interpretación -inspirada en Presley- de 'Twenty Flight Rock', Eddie personifica en su corta pero intensa aparición la naturaleza traviesa y sexy del rockabilly. Por razones desconocidas, Liberty ignoró el tema y prefirió publicar como su debut en el sello una versión del tema de Johnny Dee (John D. Loudermilk) 'Sittin' in the balcony', un tema pop muy cursi pero con un solo de guitarra memorable, que significó su primer Top20.
Cochran mostró en su siguiente película 'Untamed Youth' su soltura para personificar adolescentes y tocó en las sesiones para la banda sonora de Mamie van Doren, pero la explotación de la imagen de adolescente rebelde no le hizo demasiado bien a su carrera. Mientras tanto, Liberty había parado su progresión en las listas de ventas haciéndole grabar temas pop tan poco apropiados como'One kiss' o 'Drive in show'. Incluso un tema comercial rockero como 'Jeanie, Jeanie, Jeanie', apenas rozó las listas. En Liberty querían convertir a Cochran en un artista todo terreno y le tenían poca o ninguna fe al rock'n'roll. El resultado fue que, por cada ejemplo de rock genuino de los cincuenta como 'My way', 'Nervous breakdown' o 'Milk cow blues', Liberty publicaba lotes de insulsos temas pop dirigidos al público adolescente.
En 1958 Cochran logra grabar su obra maestra y su único Top10 americano: 'Summertime Blues', que siempre será recordada como 'su' canción. La revista Rolling Stone la consideró en su día una de las 75 canciones más importantes de la historia del rock. Recibió multitud de versiones, destacando quizás las de Blue Cheer y The Who. Evitando los solos de guitarra, Eddie grabó dos pistas con su riff acústico de tres acordes sobre la insistente línea de bajo de Guybo Smith. El sonido era simple, de ritmo contagioso y su frase cantada con voz de bajo añadía comicidad al tema. Con un Top10 a sus espaldas, Cochran logró mayor independencia y capacidad de decisión en su grabaciones.
A lo largo de su corta carrera, Eddie grabó como guitarrista de sesión para artistas como Jack Lewis, Lynn Marshall, Gary Williams, the Four Dots, Paula Morgan, Ray Stanley, Lee Denson, entre muchos otros, grabaciones reunidas años más tarde por el sello británico Rockstar. No dejó de realizar sesiones ni en la cúspide de su fama, aportando voces en 'Pistol packin' mama' de Al Dexter y en 'Git it' de Gene Vincent. Su siguiente single fue el también clásico 'C'mon everybody'. Similar en estructura y ejecución a 'Summertime blues', sólo alcanzó el puesto 35 en las listas, pero tuvo el éxito suficiente como para mantener el caché de sus conciertos.
Eddie y Sharon Sheeley
En 1959 apareció en 'Go Johnny Go' de Alan Freed junto a Chuck Berry, Ritchie Valens y Jimmy Clanton, cantando'Teenage heaven'. la cual, aunque recibió excelentes críticas, se quedó en el puesto 99. Le siguió otro de sus grandes temas rock: 'Something else'. Escrita por su entonces novia Sharon Sheeley (conocida por ser autora de 'Poor little fool' de Ricky Nelson) llegó al nº 58 de las listas. El rock'n'roll estaba perdiendo el protagonismo en los rankings norteamericanos de ventas, por lo que Eddie cambió de estilo grabando una versión llena de soul del tema de Ray Charles'Hallelujah I love her so', mostrando la nueva dirección musical que pretendía seguir y que nunca llegó a realizar.
J. Barry, Eddie, A Faith y G Vincent en 1960
El mes de enero de 1960, Cochran era uno de los que encabezaban el cartel junto a Gene Vincent en una gira de diez días por Gran Bretaña. Eddie fue recibido como nunca había experimentado antes en América. Sus discos escalaban las listas inglesas y Cochran era requerido para shows radiofónicos y de TV. Aunque lleno de nostalgia y deseoso de volver a casa, sus habilidades y maneras en el escenario impresionaron a sus contemporáneos británicos. Cuando le quedaba tiempo libre de vigilar y cuidar a su problemático amigo Gene Vincent, mostraba con gusto sus trucos de guitarrista a los músicos ingleses, como por ejemplo, cambiar las cuerdas habituales de guitarra eléctrica por las de banjo, mucho más ligeras y flexibles.
Aspirantes a guitarrista no se perdían uno de sus shows; de hecho el futuro beatle George Harrison fue a varios de sus conciertos sólo para ver cómo movía los dedos. Su experiencia en Inglaterra fue tan satisfactoria que inmediatamente hizo planes para volver una vez terminara una sesión de grabación pendiente en Estados Unidos.
Desafortunadamente el taxista que lo transportaba al aeropuerto para tomar el vuelo de vuelta a casa perdió el control del coche tras sufrir un pinchazo, chocando contra una farola. En el vehículo, acompañaban a Eddie su novia Sharon y Gene Vincent. El conductor, George Martin, resultó ileso, pero Sharon se fracturó la pelvis, Gene, que arrastraba una lesión de pierna antigua, se fracturó varias costillas y Eddie, que se había echado sobre Sharon para protegerla del golpe, salió disparado por una de las puertas sufriendo heridas mortales. Murió horas después en el St. Martin's Hospital de Bath. Póstumamete se publicó 'Three steps to heaven', que fue su único nº1 en el Reino Unido.
Gretsch 6120
La noticia de su muerte a los 21 años, acaecida poco después del accidente aéreo que costó la vida de sus colegas y amigos Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Bopper, recibió escaso seguimiento en los medios. Escasamente un año antes Eddie había dedicado 'Three Stars' (escrita para él por Tommy Dee) a sus amigos fallecidos en Clear Lake. Años más tarde, 'Summertime Blues' fue revivido por el grupo de hard rock Blue Cheer y por el cantante country Alan Jackson. También el cantante y guitarrista Brian Setzer ha contribuido a preservar su memoria tocando con una Gretsch 6120 idéntica a la que usaba Cochran. Pero aún hoy, la mayoría de estadounidenses saben más sobre la canción que sobre el intérprete.
En contraste, Gran Bretaña jamás olvidó a Eddie. Sus singles y álbumes estaban presentes en las listas hasta bien entrados los años sesenta y en 1963 el cantante Heinz consiguió un Top5 con la canción-homenaje 'Just like Eddie'. Desde entonces docenas de bandas británicas, desde The Move hasta The Who, han versionado las canciones de Cochran y sus fans siguen organizando cada año el Eddie Cochran Memorial Weekend celebrado en Inglaterra. Como en el caso de James Dean, la estrella de Cochran brilló más tras su muerte.
El 1 de octubre de 1947 nació en Ferrol (Galicia) el cantautor español Andrés Lapique do Barro. Nacido en el seno de una familia vinculada a la Armada, Andrés escogió el camino de la música y en 1970 su canción 'Corpiño xeitoso' entra directamente al nº 1 de las listas siendo la primera canción cantada en gallego en conseguirlo. Desde entonces nadie, en ninguno de los idiomas co-oficiales de España, lo ha vuelto a lograr.
Lo paradójico es que esto sucedió bajo el régimen franquista, que no veia con buenos ojos la utilización de otra lengua que no fuera el castellano. Es importante destacar que no utilizó el gallego como arma política, sólo buscaba, como afirma en su primer disco: “Me llamo Andrés Lapique do Barro y os presento unas cuantas de mis canciones. Hoy son en gallego porque así las he sentido y porque quiero colaborar con todo interés y cariño a dignificar mi idioma materno, caído durante muchos años en el más cruel menosprecio”. Tampoco buscó la popularidad, sino que ésta le vino por accidente y quizás no fuera capaz de asimilarla.
Al repentino e inesperado éxito de 'Corpiño xeitoso' le siguió 'O tren', que le conduce a la gran pantalla en 'En la red de mi canción' (Mariano Ozores, 1971), junto a Concha Velasco y Los Sprinters -su banda de acompañamiento-, en una desventura cinematográfica que no figurará en los anales del cine español más que por recordar a Do Barro, del que existen pocos documentos filmados. Otro hit de la época fue 'San Antón'.
En 1971 se publica '¡Pum!' (RCA), consolidándose con temas como 'Pandeirada' y 'Meu amor'. Tras cambiar por completo los músicos que lo acompañan publica su último disco, 'Andrés do Barro' (Belter, 1974)) y esta revolución también afectó a su música, que ya poco tenía que ver con sus discos anteriores, volcándose en la canción ligera y perdiendo esa frescura que lo acompañaba, perdiendo, por tanto, esa esencia de pop melancólico con tintes folk con la que su voz, acompañada de su delgada figura con ojos tristes y mirada desvalida -al más puro estilo Tim Buckley-, transmitía emociones sinceras y auténticas. El álbum contenía temas como 'Me estoy volviendo loco', 'Si vienes a San Simón' y 'Manuela'. Su último single publicado fue 'Señora mía' (1975). A partir de 1976 vino el silencio, cayó en el olvido y residió en México durante unos años. Murió en Madrid en diciembre de 1989 a los 42 años.
El 1 de octubre de 1947 nació en Den Haag (Países Bajos) la cantante pop Mariska Veres, conocida por haber sido la voz solista del grupo holandés Shocking Blue. Hija de un violinista húngaro y de una alemana de orígenes rusos comenzó su carrera de cantante en 1963 y tras pasar por numerosas bandas locales es invitada a unirse a Shocking Blue para sustituir al cantante que se tuvo que ir a hacer la 'mili'.
Shocking Blue
En 1969 publican 'Venus', que alcanza al nº1 en Estados Unidos y varios países europeos. La atractiva imagen y la belleza de Mariska llaman la atención en todo el mundo y obtienen algún éxito más como 'Mighty Joe', 'Never marry a railroad man' (1970) o 'Inkpot' (1971), y, en 1974, se separan.
En los años ochenta y noventa, Mariska participó en varias reagrupaciones de Shocking Blue, una de las cuales Shocking Jazz Quintet, hacía versiones jazz-rock de los éxitos del grupo. Murió en diciembre de 2006 a los 59 años.
El 1 de octubre de 1945 nació en Chicago el cantante, pianista y compositor de soul Donny Hathaway, principalmente recordado por sus dúos con su compañera de estudios Roberta Flack. Ambos grabaron una serie de hits en los setenta que fueron merecedores de sendos discos de oro y un premio Grammy.
Aunque nacido en Chicago, Donny pasó gran parte de su primera infancia en St. Louis con su abuela Martha Pitts, cantante gospel profesional. Pasaba horas en la iglesia viéndola ensayar y un día, teniendo tres años y estando con su madre Drusella en la iglesia, Donny se mostró inquieto. Cuando su madre le preguntó cuál era el problema, dijo: "Quiero subir ahí a cantar con la abuela". "Pues vé" le contestó ella. "La primera canción que cantó fue 'How much I owe love divine'", recordaba Drusella, "no podía pronunciar bien las palabras pero seguía la melodía y la afinación a la perfección"
Hathaway pronto comenzó a cantar profesionalmente y se anunciaba como 'Donny Pitts, el cantante de gospel más joven de la nación'. En escena también tocaba el ukulele y al tiempo, estudiaba piano fascinado con el virtuoso de las teclas Liberace. En la St. Louis Vashon High School no tardó en labrarse una reputación como prodigio del piano. Con el apoyo de sus profesores, Hathaway logró una beca para asistir en 1964 a la Howard University. Allí reconocieron su talento y también le animaron a continuar con su carrera. Durante su estancia en Howard conoció a su futura mujer, Eulaulah y a la pianista y cantante Roberta Flack. Donny dejó los estudios a los tres años sin graduarse, ya que comenzó a recibir lucrativas ofertas de trabajo, gracias a sus colaboraciones en un grupo llamado Rick Powell Trio.
También había realizado hasta entonces varios trabajos de producción con los Staple Singers y Aretha Franklin. Asimismo produciría a artistas en los sellos Chess y Stax, y fue director musical de los Impressions, un grupo vocal liderado por otro compañero de estudios, Leroy Hutson. En 1969 Hathaway firma con Atlantic y publica su primer single, 'The Ghetto, part 1', una pieza de soul-funk con un toque latino, una atmósfera hipnotizante muy seductora, y un piano eléctrico memorable, que lo convierte inmediatamente en "un nuevo gran valor del soul", como escribiría en una crónica Rolling Stone.
Extraordinario pianista y arreglista y ya establecido como cantante, no tardó en relacionarse profesionalmente con su amiga y compañera de universidad Roberta Flack, que también comenzaba su propia carrera discográfica. Uno de sus primeros singles juntos fue 'You've got a friend' (1971), canción escrita por Carole King. Le siguió 'You've lost that lovin' feeling' y su tercer sencillo, 'Where is the love?' (1972), alcanzó el Top5 de las listas pop y obtuvo dos premios Grammy. El álbum que contenía el tema, 'Roberta Flack & Donny Hathaway' también logró ser un éxito de ventas.
Su cálido timbre de voz fue requerido por varios productores como Quincy Jones, con el que grabó en 1972 la banda sonora del film 'Come back Charleston Blue' y cantó el tema principal de la serie de TV 'Maude'. Para entonces, Donny estaba casado y tenía dos hijas y el éxito le sonreía. Sin embargo, la fama venía acompañada de disgustos y decepciones y Donny fue víctima de profundas depresiones y esquizofrenia paranoide, lo que le condenó a numerosas estancias hospitalarias y a fuerte medicación. Su inestabilidad mental también le llevó a mantener diferencias con Roberta Flack, de la que se distanció. En 1973 publicó el álbum 'Extension of a Man' y desapareció del primer plano. Realizó algunas actuaciones en pequeños y oscuros clubes y fundó una productora independiente.
Un par de años después, en 1978, con Hathaway recuperado y superados las problemas con su amiga Flack, ambos volvieron a los estudios para grabar 'The closer I get to you', que significó el mayor hit para Donny, un puesto nº2 en las listas de Billboard y una nominación al Grammy. No obstante, Donny no pudo asistir a la ceremonia de entrega de los premios.
El 13 de enero de 1979, cuando estaba grabando uno de los temas de lo que iba a ser el segundo álbum junto a Roberta Flack, Donny sufrió una de sus crisis paranoicas alegando que en el estudio había "personas blancas que querían asesinarle para robarle toda su música conectándole una máquina al cerebro". Aquel día, la sesión se suspendió y todo el mundo regresó a casa. Donny vivía en el hotel Essex House de Nueva York. Horas después su cuerpo sin vida fue hallado sobre la acera del hotel justo debajo de su habitación, que estaba 15 pisos más arriba. A su funeral, oficiado por el reverendo Jesse Jackson, asistieron numerosos artistas, entre ellos Robert Flack, que estaba destrozada. Incluyó los temas que habían quedado grabados con Donny en su álbum 'Roberta Flack featuring Donny Hathaway'
El 1 de Octubre de 1903 nació en Kiev (Ucrania) Vladimir Horowitz, distinguido por ser uno de los pianistas más prodigiosos de cualquier época. Su técnica legendaria destacó por la excitación emocional y su riqueza tonal. Aunque algunos críticos resaltaron su tendencia manierista y la exagerada teatralización de sus interpretaciones, sus numerosos y apasionados seguidores lo han considerado uno de los grandes pianistas del siglo XX.
Sus padres eran Simeon Horowitz, ingeniero electricista, y Sophie Bodik, excelente pianista. Cuando todavía era un niño, su madre comenzó a enseñarle piano, una vez que se dio cuenta de que el niño poseía un don natural para ello lo ingresó en el Conservatorio de Kiev, en 1912, donde estudió con Vladímir Puchalski, Serguéi Tarnovski y Félix Blumenfeld. Se graduó en 1919 interpretando el “Concierto para piano nº 3 de Rachmaninov”, (1943) y su primer recital como solista tuvo lugar en 1920. Su idea había sido ser compositor pero la Revolución Rusa y la falta de dinero le obligó a centrarse en el teclado. Durante la temporada 1922-1923 realizó 23 conciertos con once programas diferentes solamente en San Petersburgo y el 2 de enero de 1926 tuvo lugar su primera presentación fuera de Rusia, en Berlín. Luego tocó en París, Londres y Nueva York.
En 1924 realizó veinticinco conciertos en Leningrado sin repetir ni una sola obra. En 1925 sustituye a un pianista enfermo en Hamburgo interpretando el “Concierto en Si bemol menor de Tchaikovsky”, ante la magnífica interpretación de la cadencia inicial se corrió la voz de la brillantez técnica del ruso recién llegado. Su fama creció rápidamente, y al poco tiempo inició una gira por Rusia, en la que frecuentemente le pagaban con pan, manteca y chocolate en lugar de dinero, debido a la ruina económica del país. En 1932 tocó por primera vez con la dirección de Arturo Toscanini, en una interpretación del “Concierto para piano n.º 5, Emperador, de Beethoven”. Ambos continuarían haciendo conciertos juntos y en 1933 se casaría con su hija, Wanda Toscanini (1907-1998). Ambos tuvieron una hija, Sonia (1934-1975), se separaron hacia 1948 - reconciliándose en 1951.
Horowitz se convirtió en el pianista más buscado por el público, se hizo amigo de Sergei Rachmaninov, pero en su vida hubo momentos que se ve obligado a abandonar los escenarios por problemas de salud. En 1940 se establece en Nueva York y en 1953 decide retirarse del escenario, dedicándose a la formación de jóvenes talentos y a sus primeras grabaciones. Retoma la actividad entre 1969 y 1974 convirtiéndose en el pianista mejor pagado de la historia, pero en 1983 realiza una gira por Japón y América que resultó ser una catástrofe. En 1986 se reencuentra con el público ruso que levantó gran expectación y provocó que su actividad pianística continuara hasta casi el final de su vida. Ganó 25 Premios Grammy, incluyendo mejor interpretación clásica y álbum del año; el Prix Mondial du Disque, la Medalla Presidencial de la Libertad y la Legión de Honor entre otras distinciones. En 1989 fallece en Nueva York.
Estilo
Horowitz tenía una técnica muy brillante y una sonoridad atronadora conseguida sin golpear las teclas. El público permanecía en la sala mucho antes de que el pianista apareciera en el escenario y cuando éste llegaba nacía una sensación eléctrica. Su carácter era básicamente introvertido y, ante el instrumento, era uno de los intérpretes más tranquilos. Sus movimientos eran precisos y mantenía el cuerpo casi inmóvil. Lograba efectos deslumbrantes utilizando solamente los dedos, casi sin utilizar el pedal. Las notas de sus escalas eran uniformes, sus acordes precisos, las octavas nítidas y expresivas y los saltos exactos. Había desarrollado una técnica propia: volvía las manos hacia afuera, sostenía baja la muñeca y los dedos planos; el meñique de la mano derecha siempre estaba encogido hasta que golpeaba una tecla.
Reescribió los “Cuadros de una exposición” de Mussorgsky para que fuera más efectiva pianísticamente y añadía cadenzas a las “Rapsodias” de Liszt, mientras que con las obras de Beethoven y Schumann era más respetuoso con la partitura.
Sus compositores preferidos eran Rachmaninov, Liszt, Scriabin y Prokofiev, donde demostraba gran virtuosismo y Scarlatti, mazurcas, valses y polonesas de Chopin, “Polonesa Nº 2”, piezas de Schumann y Moszkowsky donde reflejaba la sencillez.
A través de sus grabaciones podemos apreciar diferentes estilos: al principio su tradición era claramente la de Rachmaninov: fuerte, claro y directo; en la década de los sesenta comenzó a utilizar amaneramientos en su ejecución; en la década de los setenta estos amaneramientos se acercaron a la caricatura, pero en 1986 en sus conciertos volvió a aparecer el estilo directo, con encanto, seguridad y con una libertad controlada huyendo de la excentricidad. Vladimir Horowitz era conocido por su riguroso entrenamiento: “Si yo no practico por un día, me entero. Si no practico por dos días, mi esposa se entera. Si no practico por tres días, el mundo se entera”.
Desafortunadamente, sus antiguas adicciones le empezaron a pasar factura en el aspecto físico y creativo, y una noche de 1986, mientras actuaba en Alemania, se desmayó en el escenario. Se sometió a una cura de desintoxicación y en unos meses ya estaba 'limpio'. Los años siguientes Stevie Ray ganó un Grammy, encabezó el Festival de Jazz de Nueva Orleans, y actuó en la fiesta de inauguración de mandato de George Bush, padre. 
Un día, mientras estaba de gira en agosto de 1990 con Eric Clapton, tras un concierto en East Troy (Wisconsin) en el que terminaron haciendo una jam Eric Clapton, Buddy Guy, Jimmie Vaughan, Robert Cray y Stevie Ray, Vaughan optó por tomar un helicóptero para volver a Chicago. Minutos después el guitarrista tejano, el piloto y tres miembros de la banda de Clapton murieron en el acto al estrellarse el aparato en una colina cercana. Stevie Ray tenía 35 años aquel 27 de agosto de 1990. El mísmo día, cuatro años antes, había fallecido su padre.
