Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 6 de agosto de 1937 nació en Shenandoah, Iowa, el contrabajista de jazz estadounidense Charlie Haden. Su carrera musical comenzó a los dos años cuando fue nombrado el 'más joven cantante de country' en una emisora local, pero a los 15 años contrajo la polio, lo que afectó a sus cuerdas vocales, imposibilitándole controlar la afinación mientras cantaba. Unos años antes, su hermano lo introdujo en el jazz y de forma autodidacta, comenzó a tocar el contrabajo.
Ed Blackwell y Charlie Haden
A mediados de los años cincuenta estudió en el conservatorio de Oberlin (Ohio) y en el Westlake Collegefor Modern Music en Los Angeles. Tras tocar con Art Pepper (1957), Paul Bley ('Live at the Hillcrest Club, 1958) y Hamton Hawes (1958-59) consigue introducirse en el círculo profesional. En 1959 entra a formar parte del cuarteto de Ornette Coleman, una figura clave en la historia del jazz moderno y muy pronto empezó a investigar en esa dirección que Coleman inició conocida como free jazz. En ese contexto, Charlie Haden participó en el bautismo discográfico de ese movimiento con el álbum 'The Shape of Jazz to Come' (1959) con la valiosísima colaboración de Don Cherry, otro músico inigualable y líder junto a Coleman de aquel movimiento musical revolucionario.
En 1960 participó con otro contrabajista, Scott LaFaro en un manifiesto musical titulado 'Free Jazz' del que ambos eran insignes representantes en su instrumento. En 1964 trabajó con el trío de Denny Zeitin y en 1966 volvió con Ornette Coleman al tiempo que expandía su área de actuaciones con colaboraciones a diestro y siniestro.
En esos ámbitos destacó por su participación en las reuniones de trabajo, de estudio y de grabación de la 'Jazz Composer's Orchestra' y en 1969 pudo por fin ver hecho realidad un deseo que llevaba persiguiendo desde años atrás: grabar su primer disco a su nombre en el seno de la 'Liberation Music Orchestra'. Con unos arreglos muy originales realizados por Carla Bley, la música de la Liberation también destacaba por el carácter político de los temas, siendo la primera vez que en ese contexto, un grupo de jazz se hacia eco de las canciones populares alusivas al bando republicano de la Guerra Civil Española.
Después del disco con Ornette Coleman grabado por Impulse en 1976, 'Song for Che', en homenaje a Ernesto Che Guevara, Charlie Haden forma junto a Don Cherry, el cuarteto Old and New Dreams con el que recorrió toda Europa, Asia y Norteamérica.
A finales de los ochenta, Charlie Haden elabora un discurso musical nuevo en el marco de su nueva formación Quartet West, cuyo debut, 'Quartet West', es uno de los álbumes imprescindibles del jazz contemporáneo. A partir de 1990, Charlie Haden explora universos jazzisticos mas íntimos dando entrada en su música al formato de dúo. En ese contexto Haden se explaya en la composición y su relajamiento junto al otro protagonista nos descubre una música de gran inventiva, limpia en la ejecución y abordada desde una óptica puramente instrumental.
En 2008 publicó 'Rambling Boy' (2008) en el que contó con colaboraciones de algunos de sus familiares, además de Béla Fleck, Pat Metheny, Elvis Costello, entre otros. Su último trabajo como líder fue el álbum 'Come Sunday' grabado en febrero del año 2010 con Hank Jones, que murió tres meses después. En 2010 publicó junto a Keith Jarrett el álbum 'Jasmine' y 'Sophisticated Ladies' con Quartet West apareció en 2011. En él colaboraron diferentes vocalistas como Melody Gardot, Norah Jones, Cassandra Wilson, Ruth Cameron y Diana Krall. Charlie Haden murió el 11 de julio de 2014 a los 76 años tras una larga enfermedad.
El 21 de julio de 1948 nació en Ceuta el músico flamenco Manuel Molina, que junto a su entonces pareja Dolores Montoya formó el dúo Lole y Manuel. Se crió en Sevilla en el seno de una familia de honda tradición flamenca y pasó, con doce años, por el trío Los Gitanillos del Tardón (en el que también militaban Chiquetete y El Rubio).
Después de estar en varias compañías flamencas, fue en 1971 uno de los integrantes de Smash, una banda de flamenco rock progresivo, con la que grabó y cantó una de las voces solistas de su éxito 'El garrotín', uno de los temas que marcaron el inicio del rock andaluz. A continuación, tras un intento en solitario con el single 'La Mora' y un breve paso por Triana, se une sentimental y artísticamente a la bailarina Lole Montoya, naciendo en 1974 el dúo Lole y Manuel.
La calidad de su arte y la originalidad de su propuesta encajaron a la perfección con la demanda del público en aquel entonces, lo que propició un notable éxito. El hippismo de la época llegaba al flamenco. Sus letras, compuestas inicialmente por el poeta Juan Manuel Flores, sustituyeron la pena y la amargura por la paz, las flores y el amor. La música, que componía e interpretaba Manuel a la guitarra, también se apartaba del flamenco tradicional, incorporando además de la influencia rock que Manuel traía de Smash, melodías y arreglos de origen árabe, de forma que este dúo puede situarse en el origen del 'nuevo flamenco' o 'flamenco fusión', en los años setenta, junto a grupos como Triana.
Su primer trabajo discográfico, 'Nuevo Día - El Origen de la Leyenda' (1975) mostraba la espectacular voz de Lole, que con su quejío flamenco llegaba al alma del que la escuchaba, y al guitarrista Manuel cantando un par de bulerías. Producido por Ricardo Pachón, que ya produjo el disco en solitario de Manuel Molina, contaba con la colaboración de Carlos Cárcamo, líder del grupo Granada. El álbum incluía, además del tema que daba título al disco, 'Nuevo día', 'Todo es de color','Por primera vez' y la popular 'Un cuento para mi niño', conocida como 'la canción de la mariposilla'.
Recibido con entusiasmo por la crítica, su éxito les llevó a firmar con CBS, sello con el que publicaron sus siguientes trabajos. En 'Pasaje del agua' (1976), con temas como 'Tu mirá' (incluida en la banda sonora del film de Tarantino 'Kill Bill 2'), 'Ay, ay' o 'Dime dime', y 'Romero Verde' (1977) mostraban ya distintas influencias, como el blues o el tango marroquí que mezclaron con el flamenco que ambos llevaban tan arraigado. En'Romero Verde', contaron con la colaboración del guitarrista Raimundo Amador.
Pasaron tres años, durante los cuales nació su hija Alba, hasta que lanzaron su siguiente disco,'Al alba con alegría' (1980), en el que fueron acompañados por el grupo Imán Califato Independiente. Cuatro años más tarde vio la luz su álbum 'Casta', dedicado a Federico García Lorca y Juan Ramón Jiménez, con textos de ambos musicados por Manuel.
En 1992 repetían la experiencia en 'Lole y Manuel cantan a Manuel de Falla', acompañados en esta ocasión por la Orquesta Sinfónica de Londres. Un nuevo disco dedicado a su hija, 'Alba Molina', se publicó en 1994, ya con Virgin Records. Posteriormente, tanto Lole como Manuel publicaron trabajos en solitario y su hija Alba, que ya había participado en algunos trabajos de sus padres, debutó como cantante en 1997 con el álbum 'Despasito'. Manuel Molina participó en 2003 como artista invitado en la compañía del bailaor Farruquito, haciendo de ‘juglar’ en el espectáculo ‘Alma vieja’.
En marzo de 2015 se le detectó un cáncer terminal y decidió no recibir tratamiento médico. Optó por morir tranquilamente en su casa. Falleció el 19 de mayo de 2015.
El 21 de julio de 1939 nació en Los Angeles el músico, autor, productor y director de cine norteamericano Kim Fowley, principalmente conocido por su labor como compositor y productor de una serie de singles de culto de los años sesenta y por haber sido el creador y mánager de la banda de punk femenina The Runaways. Sin embargo, este monstruo de la industria discográfica con más de cincuenta años de experiencia, cuyos discos de oro y platino se cuentan por docenas, que trabajó en 22 países con los músicos más variopintos del planeta y, lo más importante: que genera 200$ cada hora en derechos de autor, es un auténtico desconocido del gran público.
Kim Vincent Fowley nació en Los Angeles en 1939, hijo de la modelo Timara Pace y el actor Douglas Fowley (secundario en numerosas películas de la época, entre ellas 'Cantando bajo la lluvia'). Creció en el Hollywood de los años cuarenta y debutó como actor infantil en 1946, con seis años. “Mi padre, me obligó a hacerlo para sustituir a un niño que se había puesto enfermo. A mi madre, una lesbiana que se negaba a admitirlo, le pareció bien”. Allí coincidió en la University High School con futuros cantantes (Jan Berry, Dean Torrence, Nancy Sinatra y Bruce Johnston) y actores (Ryan O'Neal, James Brolin y Sandra Dee).
En 1957 contrajo la polio y, cuando se recuperó, se convirtió en mánager y publicista de una banda local que incluía a Bruce Johnston, Sandy Nelson y, ocasionalmente, Phil Spector. Pasó una temporada en las Fuerzas Armadas y, a finales de los años cincuenta trabajó en la industria del sexo de Los Angeles. En 1959 comenzó a trabajar en el negocio de la música desempeñando diversos trabajos para Alan Freed y Berry Gordy. Su primer disco como productor fue 'Charge' de The Renegades, que incluía a Johnston y a Sandy Nelson a la batería.
Al principio de la década de los años sesenta, Fowley participó como co-productor y co-editor en una serie de exitosos sencillos producidos en Los Angeles. Con Gary Paxton grabó el tema 'novelty' 'Alley Oop', que alcanzó el nº1 en 1960, acreditado al grupo (inexistente) The Hollywood Argyles. Él los fabricó, los empaquetó y los vendió. Ahí descubrió que para ser el protagonista no era necesario estar frente a los focos. En 1961 co-produjo el instrumental 'Like, long hair', que fue un Top40 para Paul Revere and the Raiders y dos años después compuso 'Nut Rocker' para B.Bumble and the Stingers, nº1 en el Reino Unido en 1963. Asimismo fue el autor de 'Papa-Oom-Mow-Mow' de The Rivingtons.
Kim (centro) con los Murmaids
En 1964 produjo 'Popsicles and icicles' de The Murmaids, un tema escrito por un joven David Gates a quien Fowley conoció haciendo auto-stop. A mediados de la década se instaló por un tiempo en Londres, donde escribió la letra de 'Portobello Road', la cara B del single de Cat Stevens 'I love my dog'. También produjo el primer single de Soft Machine; un grupo llamado Freaks of Nature (futuros Slade), y los Lancasters, cuyo guitarrista era un joven Ritchie Blackmore.
En 1965 escribió y grabó 'The Trip', una de las primeras canciones sobre la experiencia psicodélica. El single, una de las primeras publicaciones del sello Island Records fue ignorado en Estados Unidos pero fue un discreto hit en Europa. Asimismo, participó, megáfono en mano, en el álbum 'Freak Out' (1966) de Frank Zappa. En 1969 produjo el exitoso álbum 'I'm Back and I'm Proud', que significaba la vuelta de Gene Vincent, y el álbum debut de Warren Zevon. Por esa misma época participó con su amigo Skip Battin en la composición de varios temas de The Byrds aparecidos en 'Untitled' (1970) y 'Farther Along' (1971). Uno de ellos, 'America's great national pastime', fue editado en single.
Con Wolfman Jack en 1973
En 1973 produjo las grabaciones de Flash Cadillac & the Continental Kids para la película 'American Graffiti'. Compuso canciones para artistas tan diversos como KISS, Helen Reddy, Slade, Alice Cooper, Leon Russell y Kris Kristofferson y junto a John Cale produjo en 1976 el álbum debut del grupo de culto The Modern Lovers.
Kim y Runaways
En 1975 fue la respuesta americana a Malcolm McLaren cuando conoció a la adolescente Joan Jett, a la que ayudó a formar un grupo punk femenino junto con Sandy West, Lita Ford, Cherie Currie y Jackie Fox: The Runaways. Fowley, además de mánager, aportó letras de canciones y produjo algunos de sus discos, antes de romper su relación con ellas en 1977.
Aunque sus propios álbumes (desde 1967 publicó cerca de treinta) nunca obtuvieron ventas satisfactorias ni fueron tenidos en cuenta por la crítica, obras como 'I'm Bad' (1972) y 'International Heroes' (1973) están hoy consideradas precursoras del punk rock y algunas de sus creaciones de finales de los años setenta están contempladas como la antesala del género electroclash.
Fowley residia en California y siguió trabajando como productor y dirigiendo películas underground y en sus últimos años se le podía oir los sábados y domingos en Sirius Satellite Radio, donde presentaba sendos programas de cuatro horas de duración.
Douglas Stewart, cantante de la banda escocesa BMX Bandits, a los que Fowley produjo un disco, intentó definirlo: “Kim es probablemente el ser humano más extremo que haya conocido. Es una leyenda. Si juntas los discos en los que ha participado como artista, productor, compositor o técnico ha vendido más de 120 millones de copias. Ha trabajado con todo el mundo: de Doris Day a Jonathan Richman; de Cat Stevens a The Runaways; de John Lennon a George Lucas. Lleva haciendo discos salvajes e inspirados desde finales de los cincuenta. Es brillante, pero nada convencional. Entiendo que haya personas a las que les asuste”.
Fowley lo resumía de otra manera: “Mi trabajo consiste en ayudar a ciertos músicos a vender su trabajo, porque ellos son unos pobres desgraciados, incapaces de hacerlo solos”. En una entrevista reciente de febrero 2012 ofrecida a Rock Cellar Magazine poco antes de ser intervenido quirúrgicamente a causa de un cáncer, manifestaba: "hay grandes posibilidades de que muera, y ya estaría bien... Hay una parte de mí que desea morir. He sufrido cáncer cuatro veces en mi vida, nueve veces una neumonía y dos veces la polio. Si muero, le dejaré mi desagradable papel a otro". Fowley murió a los 75 años el 15 de enero de 2015.
El 19 de julio de 1937 nació en Winston-Salem (Carolina del Norte) el músico country norteamericano George Hamilton IV quien, en la segunda mitad de los cincuenta logró varios éxitos pop para más tarde, en los sesenta, pasar a obtener más de una docena de hits en las listas country.
De niño a George le entusiasmaban las películas del oeste protagonizadas por los cowboys cantantes Gene Autry o Tex Ritter. Se hizo fan incondicional de Hank Williams a cuyas actuaciones en el Gran Ole Opry asistió en más de una ocasión. En la high school formó una banda y una de sus demos llegó a oídos del cazatalentos Orville Campbell, quien lo puso en contacto con el afamado autor de canciones John D. Loudermilk. Su primera grabación la realizó en un pequeño sello local con la canción 'A rose and a baby ruth'. En 1956, ABC Records lo editó a nivel nacional y el disco vendió más de un millón de copias y alcanzó el puesto 6 de las listas pop. Esto le permitió realizar giras junto a los Everly Brothers, Gene Vincent y Buddy Holly, además de apariciones en TV, entre otros en el show de Jimmy Dean. Durante unas semanas tuvo incluso su propio show televisivo.
Consiguió otros éxitos como 'Why don't they understand', pero pronto dejó de vender en el cambiante mercado discográfico. Hamilton, que siempre se había considerado un músico country, intentó deshacerse de su imagen pop y en 1959 se instaló en Nashville. No tardó más de un año en hacerse un hueco en la escena country y en 1960 consiguió un Top5 con 'Before this day ends'. Poco después, Chet Atkins lo contrató para RCA Victor, donde en 1963 publicó uno de sus mayores éxitos y nº1 en las listas country, 'Abilene', escrito por John D. Loudermilk y Bob Gibson.
A mediados de los años sesenta se inclinó por la música folk publicando temas como 'Early mornin' rain' y 'Steel rail blues' (1966) del canadiense Gordon Lightfoot. Sus últimos Top10 en las listas estadounidenses de country fueron 'Urge for going' (1967), de Joni Mitchell y 'She's a little bit country' (1970). Para entonces, George se había instalado en Canadá donde siguió grabando para RCA una serie de temas de gran éxito en las listas country canadienses como 'Canadian Pacific', 'Back where it's at', 'Anyway', 'Country field' (1971) y 'Dirty old man' (1973), todos ellos nº1.
Cuando en los años setenta también en Canadá bajaron las ventas de sus discos, Hamilton se embarcó en giras por todo el mundo incluyendo la Unión Soviética, donde fue el primer artista country en actuar, Australia, el Medio Oriente y Asia Oriental, con las que se ganó el título popular de 'Embajador Internacional de la Música Country'. En 1988 grabó y actuó junto a su hijo George Hamilton V yentre 1993 y 1998 participó en el musical 'Patsy Cline - Music and Memories', interpretándose a sí mismo.
Siguió ligado a la música y apareció en numerosos shows de country en Canadá y el Reino Unido aunque los últimos años centró su atención en los grupos de gospel. En 2010 Lamon Records publicó el álbum 'Old Fashioned Hymns and Gospel Songs', una colección de 28 canciones grabadas en Nashville e Irlanda, en las que George estuvo acompañado por músicos invitados como Ricky Skaggs, Marty Stuart, Gail Davies, Pat Boone, Del McCoury, Bill Anderson, Connie Smith, Tommy Cash, Cliff Barrows y George Beverly Shea entre muchos otros.
Murió en septiembre de 2014 a los 77 años.
El 26 de junio de 1975, ocho años después de grabarse, se publicó el doble álbum ‘The Basement Tapes’. Grabado con la banda The Hawks -que para entonces habían adoptado el nombre de The Band- es una selección de más de un centenar de canciones que Dylan, Hudson, Manuel, Robertson, Danko y Helm registraron en varias sesiones entre los años 1967-68. Comprenden temas tradicionales de country y folk americano y canciones originales de Dylan, Manuel, Robertson y Danko, que para muchos críticos son una anticipación del género ‘americana’.
Tras el accidente de motocicleta que sufrió Dylan en verano de 1966 y su posterior retiro para recuperarse, se produjeron todo tipo de especulaciones y rumores, entre ellos, la retirada definitiva del artista. Pero su ausencia de la luz pública fue positiva y le sirvió para distanciarse del estrellato y de la presión social. En mayo de 1967 ofrece su primera entrevista y en el verano de 1967 parece mostrarse dispuesto a volver a practicar música. Se reúne con los componentes de The Band en su casa de Woodstock y en la casa-granja rosada que The Band alquiló en la misma localidad para grabar su primer álbum. Las sesiones se registraron directamente en un magnetófono de bobinas Revox A77, por lo que no tardaron mucho en surgir diferentes copias piratas que dieron a conocer las grabaciones al público.
Hay que destacar que durante la ausencia pública de Dylan, su fama había crecido hasta límites incalculables y las ediciones piratas de 'The Basement Tapes' son solemnemente recibidas por sus fans como una fe de vida de su héroe 'perdido'. Pero las críticas están divididas. Mientras unos encuentran el resultado desalentador y caótico teniendo en cuenta el potencial artístico de los músicos, otros saludan la selección de canciones denominándola como "un American Songbook alternativo que marcará el camino a la nueva música rock americana". El caso es que entre los fans se convirtió en una grabación de culto y tras años de presiones a la discográfica, CBS accedió en junio de 1975 a editar parte de las sesiones en un doble álbum 'oficial'.
Aún así, a muchos les sigue defraudando la publicación y se cuestionan la selección de canciones y el pobre sonido de las mezclas. El mismo Dylan comentó en 1978 al respecto: "En principio las canciones estaban escritas para la editora musical sin pensar en nadie en concreto. Era la época en la que el rock psicodélico había conquistado el mundo y nos pusimos a tocar y cantar simples baladas. Muchos me comentan que las canciones son como un trocito de América para ellos pero yo no tengo ni idea sobre lo que tratan. Nunca me gustaron demasiado esas grabaciones y yo personalmente no las habría publicado jamás, pero Columbia se empeñó en editarlas."
Independientemente de las calificaciones de unos y otros, las grabaciones demostraron al menos que Dylan seguía en la brecha. El mes de septiembre de 1967 recibe la visita de Bob Johnston, el productor de 'Highway 61 Revisited' y 'Blonde on Blonde' y convence al cantautor para grabar un nuevo álbum ese mismo otoño, por lo que Dylan comenzó a componer nuevos temas que darían lugar a su octavo trabajo de estudio: 'John Wesley Harding'
El 23 de junio de 1980 se publicó 'Saved' el vigésimo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, editado bajo el sello Columbia Records. Es el segundo de los pertenecientes a la 'trilogía cristiana' de Dylan. Fue nº3 en el Reino Unido pero en Estados Unidos fue su trabajo peor valorado en 20 años debido a la crítica masiva que le cayó a Dylan tras su repentina conversión religiosa. Estas no hicieron mella en él y nada más publicarse 'Slow Train Coming', el cantautor ya estaba preparando las canciones de su siguiente álbum. Además entre noviembre del 79 y mayo del 80 volvió a la carretera y realizó varios conciertos en un tour que más que una gira de rock parecía el viaje de un misionero: 'Bob Dylan el predicador'.
'Saved' fue una lógica secuela de 'Slow Train' sin muchas sorpresas dignas de destacar. Más aún que en el anterior, en este álbum Dylan parece despreciar a su público no creyente y se muestra obstinado y dogmático a través de unos textos poco originales y llenos de 'clichés cristianos'. Con ello le llueven críticas por todos lados y eso encierra a Dylan en una nueva burbuja de autosuficiencia que lo vuelve a distanciar de la mayoría de sus fans.
Él mismo recordaba la época así: "Tocábamos en salas del interior de las ciudades, donde las industrias habían desaparecido y existía mucho desempleo. Los teatros más bonitos de América están ahí. La gente que venía a vernos eran en su gran mayoría gente del vecindario, entre ellos, chulos, camellos, putas y tipos de todo pelaje. Creo que asistían a los conciertos porque no tenían otra cosa mejor que hacer. Pero muchos aceptaban y entendían mis canciones y sus reacciones eran muy positivas. La mayoría ni siquiera había oído hablar de mi pero comprendían lo que hacía. Más tarde tocamos en los campus de los colleges, donde se suponía que estaba el grueso de mis fans. El recibimiento fue infernal y a gritos la gente pedía rock'n'roll y me obsequiaba con los más exquisitos insultos. Me asombró que estos chicos que procedían de buenas familias de pensamiento liberal no supieran expresarlo de otra manera. No siempre fue fácil pero me sentía más satisfecho cuando tocaba ante las putas y los proxenetass".
"A la mayoría no les gustaban mis nuevas canciones" añadía Dylan, "cuando descubrían que no había nada más en el repertorio, reaccionaban violentamente y gritaban constantemente: 'queremos oír los clásicos'. Sabes, llega un momento en que todo eso te da igual". Pero su testarudez en negarse a tocar sus temas más conocidos provocó abandonos masivos a mitad de los conciertos y que numerosas salas no completaran su aforo.
El 12 de febrero, en una pausa entre conciertos, comienzan las sesiones en el Muscle Shoals Sound Studio de Sheffield, Alabama. Dylan graba los nueve temas del álbum en una semana y como en el anterior, la mayoría de los textos son monotemáticos y giran alrededor de su entrega y sumisión a Dios. Incluye por primera vez en diez años una canción no compuesta por él, 'A satisfied mind', un tema country clásico de los años cincuenta de contenido espiritual escrito por Red Hayes y Jack Rhodes que muchos otros músicos versionaron en los años sesenta, entre ellos Joan Baez, Mahalia Jackson o Porter Wagoner. El tema que dio título al álbum 'Saved', curiosamente está co-compuesto con uno de los pocos integrantes no cristianos de la banda de Dylan, el bajista Tim Drummond. En clave rock, es uno de las piezas más compactas del álbum y en ella Bob da la gracias por haber sido 'salvado'. No obstante, la mezcla de rock y doctrina cristiana sigue siendo un plato poco digerible para la mayoría.
'Covenant woman' es una canción de amor (platónico por supuesto) a sus compañeras y hermanas de credo con las que se siente conectado. En 'What can I do for you' da las gracias con fervor al Señor que le ha rescatado de la oscuridad agnóstica. 'Solid rock' hace referencia a la sólida roca que representa Dios y de la que promete no despegarse jamás. 'Pressing on' es un tema gospel y uno de los más destacables del álbum. Dylan suena muy convincente prometiéndole fidelidad a Dios.
Le sigue otro tema gospel, considerada una de las mejores canciones de su trilogía cristiana, 'In the garden' en la que nos presenta a su héroe, Jesucristo. Dylan, poco proclive a presentar sus canciones en directo hace una excepción cuando se trata de un tema de su fase religiosa. Así presentó 'In the garden' en cierta ocasión: "Para finalizar quiero cantar una canción sobre mi héroe. Creo que cada uno de nosotros tiene su héroes. Para algunos es Muhammed Ali, para otros es Albert Einstein o quizás Clark Gable. Probablemente también Michael Jackson o Bruce Springsteen sean héroes para algunos. No tengo nada contra todas estas personas pero no son mis héroes. Esa es la realidad y ahora voy a cantar sobre mi Héroe". 'Are you ready?' es un blues clásico que no aporta nada nuevo y 'Saving Grace' es de nuevo una loa al Señor.
Bob en la ceremonia de los Grammy 80
La incomprensión que generó este trabajo entre los colegas del otrora judío de Minnesota y la indiferencia que surgió entre sus compañeros de viaje ante sus esfuerzos misioneros seguía sin afectarle. En una entrevista realizada por la periodista australiana Karen Hugues Dylan apuntaba con bala: "Seguramente habría sido más fácil entregar mi alma a las drogas, al budismo o a la cienciología".
En febrero del mismo año 1980 recibió el Grammy por 'mejor intérprete masculino de 1979', pero tras la publicación de 'Saved' se retiró de la escena y no se supo nada de él en unos meses, tiempo en el que parece ser que practicó la autocrítica ya que volvió a los escenarios en noviembre incluyendo -ésta vez sí- varios de sus viejos hits en el repertorio. La portada original de 'Saved' que mostraba una pintura de Tony Wright representando la mano de Dios extendida hacia las manos de sus fieles fue considerada excesivamente doctrinaria y fue sustituida más tarde por otra pintura que representaba a Dylan en concierto. En posteriores reediciones sin embargo, se recuperó la imagen original.
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