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El 17 de agosto de 1959 se publicó el álbum 'Kind of Blue' del trompetista Miles Davis, considerado por numerosos críticos de jazz la auténtica obra maestra del músico de Alton (Illinois). La influencia de este álbum en la música en general, tanto en jazz, como en rock y música clásica ha llevado a muchos a nombrarlo uno de los más influyentes trabajos musicales de todos los tiempos.
A finales de 1958 Miles lideraba una de las mejores bandas de hard bop del país. La componían el saxofonista alto Cannonball Adderley, el tenor John Coltrane, el pianista Bill Evans, el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb. Tocaban una selección de standards del pop y originales bebop de Charlie Parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie y Tadd Dameron. Como en todo jazz basado en el bebop, las bandas de Davis improvisaban sobre las progresiones armónicas de los acordes de cada tema. Davis fue uno de muchos músicos de jazz que comenzaban a sentirse insatisfechos con el estilo, y consideraban las cada vez más complejas progresiones de acordes un obstáculo a su creatividad.
En 1953 el pianista George Russell había publicado su obra 'Lydian chromatic concept of tonal organization', que ofrecía una alternativa a la práctica de la improvisación basada en acordes y sus progresiones. Abandonando la tradicional fórmula de acordes menores y mayores de la música clásica, Russel desarrolló una nueva fórmula usando escalas o series de escalas para las improvisaciones. Miles ya había aplicado las teorías 'modales' de Russell en el tema que dio título a su álbum 'Milestones' (1958). Tras las primeras sesiones de Davis con Bill Evans, antiguo alumno de Russell, el trompetista se mostró satisfecho con los resultados y decidió grabar un álbum completo basado en las nuevas 'formas modales'. Para entonces, Bill Evans había abandonado el sexteto para iniciar su carrera en solitario y fue reemplazado por el jamaicano Wynton Kelly, pero Miles le pidió que volviera a la banda para el proyecto 'Kind of Blue'.
Como era costumbre en Davis, prácticamente no hubo ensayos previos y los músicos tenían una idea muy vaga de lo que se iba a grabar aquellas dos tardes de primavera (2 de marzo y 22 de abril) en los estudios de 30th Street en Nueva York bajo producción de Teo Macero. Como bien describe Bill Evans en las notas de la cubierta del disco, Davis le había dado a cada músico unos esquemas de escalas y líneas melódicas sobre las que improvisar y una vez ensamblados, Miles les dio una breves instrucciones en cada pieza y se pasaba directamente a grabar la toma.
Con tan poca preparación, los resultados fueron tan satisfactorios que se generó la leyenda de que todas las piezas del álbum fueron grabadas en una sola toma. En realidad, únicamente 'Flamenco sketches' no precisó de repeticiones. Davis, consciente del ego herido de Wynton Kelly, el pianista sustituto de Bill Evans a quien Kelly veía con disgusto ocupar de nuevo su plaza, le eligió a él como pianista en la grabación de 'Freddie freeloader', un tema más enraizado en el blues.
La recepción del álbum fue apoteósica y está considerado desde entonces una obra cumbre, no solo de Miles, sino del jazz y la historia de la música en general. Sin embargo, el trompetista en una entrevista de 1986, tras su etapa eléctrica renegaba de trabajos anteriores como 'Birth of the Cool' y 'Kind of Blue' y dudaba de la conveniencia de permanecer fiel a un estilo: "'So What' y 'Kind of Blue' fueron concebidos en aquel momento, la hora y el dia precisos y ya pasó. Se acabó. (...) Lo que solía tocar con Bill Evans, aquellos tonos modales y acordes sustitutivos... poseíamos la energía entonces y nos gustaba. Pero actualmente no siento ningún placer tocándolo. Es como pavo recalentado."
El 26 de junio de 1975, ocho años después de grabarse, se publicó el doble álbum ‘The Basement Tapes’. Grabado con la banda The Hawks -que para entonces habían adoptado el nombre de The Band- es una selección de más de un centenar de canciones que Dylan, Hudson, Manuel, Robertson, Danko y Helm registraron en varias sesiones entre los años 1967-68. Comprenden temas tradicionales de country y folk americano y canciones originales de Dylan, Manuel, Robertson y Danko, que para muchos críticos son una anticipación del género ‘americana’.
Tras el accidente de motocicleta que sufrió Dylan en verano de 1966 y su posterior retiro para recuperarse, se produjeron todo tipo de especulaciones y rumores, entre ellos, la retirada definitiva del artista. Pero su ausencia de la luz pública fue positiva y le sirvió para distanciarse del estrellato y de la presión social. En mayo de 1967 ofrece su primera entrevista y en el verano de 1967 parece mostrarse dispuesto a volver a practicar música. Se reúne con los componentes de The Band en su casa de Woodstock y en la casa-granja rosada que The Band alquiló en la misma localidad para grabar su primer álbum. Las sesiones se registraron directamente en un magnetófono de bobinas Revox A77, por lo que no tardaron mucho en surgir diferentes copias piratas que dieron a conocer las grabaciones al público.
Hay que destacar que durante la ausencia pública de Dylan, su fama había crecido hasta límites incalculables y las ediciones piratas de 'The Basement Tapes' son solemnemente recibidas por sus fans como una fe de vida de su héroe 'perdido'. Pero las críticas están divididas. Mientras unos encuentran el resultado desalentador y caótico teniendo en cuenta el potencial artístico de los músicos, otros saludan la selección de canciones denominándola como "un American Songbook alternativo que marcará el camino a la nueva música rock americana". El caso es que entre los fans se convirtió en una grabación de culto y tras años de presiones a la discográfica, CBS accedió en junio de 1975 a editar parte de las sesiones en un doble álbum 'oficial'.
Aún así, a muchos les sigue defraudando la publicación y se cuestionan la selección de canciones y el pobre sonido de las mezclas. El mismo Dylan comentó en 1978 al respecto: "En principio las canciones estaban escritas para la editora musical sin pensar en nadie en concreto. Era la época en la que el rock psicodélico había conquistado el mundo y nos pusimos a tocar y cantar simples baladas. Muchos me comentan que las canciones son como un trocito de América para ellos pero yo no tengo ni idea sobre lo que tratan. Nunca me gustaron demasiado esas grabaciones y yo personalmente no las habría publicado jamás, pero Columbia se empeñó en editarlas."
Independientemente de las calificaciones de unos y otros, las grabaciones demostraron al menos que Dylan seguía en la brecha. El mes de septiembre de 1967 recibe la visita de Bob Johnston, el productor de 'Highway 61 Revisited' y 'Blonde on Blonde' y convence al cantautor para grabar un nuevo álbum ese mismo otoño, por lo que Dylan comenzó a componer nuevos temas que darían lugar a su octavo trabajo de estudio: 'John Wesley Harding'
El 23 de junio de 1980 se publicó 'Saved' el vigésimo álbum de estudio del músico estadounidense Bob Dylan, editado bajo el sello Columbia Records. Es el segundo de los pertenecientes a la 'trilogía cristiana' de Dylan. Fue nº3 en el Reino Unido pero en Estados Unidos fue su trabajo peor valorado en 20 años debido a la crítica masiva que le cayó a Dylan tras su repentina conversión religiosa. Estas no hicieron mella en él y nada más publicarse 'Slow Train Coming', el cantautor ya estaba preparando las canciones de su siguiente álbum. Además entre noviembre del 79 y mayo del 80 volvió a la carretera y realizó varios conciertos en un tour que más que una gira de rock parecía el viaje de un misionero: 'Bob Dylan el predicador'.
'Saved' fue una lógica secuela de 'Slow Train' sin muchas sorpresas dignas de destacar. Más aún que en el anterior, en este álbum Dylan parece despreciar a su público no creyente y se muestra obstinado y dogmático a través de unos textos poco originales y llenos de 'clichés cristianos'. Con ello le llueven críticas por todos lados y eso encierra a Dylan en una nueva burbuja de autosuficiencia que lo vuelve a distanciar de la mayoría de sus fans.
Él mismo recordaba la época así: "Tocábamos en salas del interior de las ciudades, donde las industrias habían desaparecido y existía mucho desempleo. Los teatros más bonitos de América están ahí. La gente que venía a vernos eran en su gran mayoría gente del vecindario, entre ellos, chulos, camellos, putas y tipos de todo pelaje. Creo que asistían a los conciertos porque no tenían otra cosa mejor que hacer. Pero muchos aceptaban y entendían mis canciones y sus reacciones eran muy positivas. La mayoría ni siquiera había oído hablar de mi pero comprendían lo que hacía. Más tarde tocamos en los campus de los colleges, donde se suponía que estaba el grueso de mis fans. El recibimiento fue infernal y a gritos la gente pedía rock'n'roll y me obsequiaba con los más exquisitos insultos. Me asombró que estos chicos que procedían de buenas familias de pensamiento liberal no supieran expresarlo de otra manera. No siempre fue fácil pero me sentía más satisfecho cuando tocaba ante las putas y los proxenetass".
"A la mayoría no les gustaban mis nuevas canciones" añadía Dylan, "cuando descubrían que no había nada más en el repertorio, reaccionaban violentamente y gritaban constantemente: 'queremos oír los clásicos'. Sabes, llega un momento en que todo eso te da igual". Pero su testarudez en negarse a tocar sus temas más conocidos provocó abandonos masivos a mitad de los conciertos y que numerosas salas no completaran su aforo.
El 12 de febrero, en una pausa entre conciertos, comienzan las sesiones en el Muscle Shoals Sound Studio de Sheffield, Alabama. Dylan graba los nueve temas del álbum en una semana y como en el anterior, la mayoría de los textos son monotemáticos y giran alrededor de su entrega y sumisión a Dios. Incluye por primera vez en diez años una canción no compuesta por él, 'A satisfied mind', un tema country clásico de los años cincuenta de contenido espiritual escrito por Red Hayes y Jack Rhodes que muchos otros músicos versionaron en los años sesenta, entre ellos Joan Baez, Mahalia Jackson o Porter Wagoner. El tema que dio título al álbum 'Saved', curiosamente está co-compuesto con uno de los pocos integrantes no cristianos de la banda de Dylan, el bajista Tim Drummond. En clave rock, es uno de las piezas más compactas del álbum y en ella Bob da la gracias por haber sido 'salvado'. No obstante, la mezcla de rock y doctrina cristiana sigue siendo un plato poco digerible para la mayoría.
'Covenant woman' es una canción de amor (platónico por supuesto) a sus compañeras y hermanas de credo con las que se siente conectado. En 'What can I do for you' da las gracias con fervor al Señor que le ha rescatado de la oscuridad agnóstica. 'Solid rock' hace referencia a la sólida roca que representa Dios y de la que promete no despegarse jamás. 'Pressing on' es un tema gospel y uno de los más destacables del álbum. Dylan suena muy convincente prometiéndole fidelidad a Dios.
Le sigue otro tema gospel, considerada una de las mejores canciones de su trilogía cristiana, 'In the garden' en la que nos presenta a su héroe, Jesucristo. Dylan, poco proclive a presentar sus canciones en directo hace una excepción cuando se trata de un tema de su fase religiosa. Así presentó 'In the garden' en cierta ocasión: "Para finalizar quiero cantar una canción sobre mi héroe. Creo que cada uno de nosotros tiene su héroes. Para algunos es Muhammed Ali, para otros es Albert Einstein o quizás Clark Gable. Probablemente también Michael Jackson o Bruce Springsteen sean héroes para algunos. No tengo nada contra todas estas personas pero no son mis héroes. Esa es la realidad y ahora voy a cantar sobre mi Héroe". 'Are you ready?' es un blues clásico que no aporta nada nuevo y 'Saving Grace' es de nuevo una loa al Señor.
Bob en la ceremonia de los Grammy 80
La incomprensión que generó este trabajo entre los colegas del otrora judío de Minnesota y la indiferencia que surgió entre sus compañeros de viaje ante sus esfuerzos misioneros seguía sin afectarle. En una entrevista realizada por la periodista australiana Karen Hugues Dylan apuntaba con bala: "Seguramente habría sido más fácil entregar mi alma a las drogas, al budismo o a la cienciología".
En febrero del mismo año 1980 recibió el Grammy por 'mejor intérprete masculino de 1979', pero tras la publicación de 'Saved' se retiró de la escena y no se supo nada de él en unos meses, tiempo en el que parece ser que practicó la autocrítica ya que volvió a los escenarios en noviembre incluyendo -ésta vez sí- varios de sus viejos hits en el repertorio. La portada original de 'Saved' que mostraba una pintura de Tony Wright representando la mano de Dios extendida hacia las manos de sus fieles fue considerada excesivamente doctrinaria y fue sustituida más tarde por otra pintura que representaba a Dylan en concierto. En posteriores reediciones sin embargo, se recuperó la imagen original.
El 9 de abril de 1969 se publicó en Estados Unidos 'Nashville Skyline', el noveno álbum de Bob Dylan, un trabajo extraño o, al menos curioso, procediendo de Dylan. Si hubiese sido un álbum de Gordon Lightfoot o quizás Willie Nelson, las críticas habrían sido positivas, pero viniendo de Dylan, sus fans y los críticos fruncieron el ceño ya que esperaban otra cosa. La gran mayoría rechazó en su día el álbum que según ellos, ofrecía canciones planas, mediocres y llenas de clichés. Aún así alcanzó el tercer puesto en las listas de álbumes USA y fue su cuarto nº1 en Inglaterra.
En 'Nashville Skyline', Dylan ensalza los encantos de la vida rural y escenifica su nueva transformación de poeta rebelde del underground neoyorquino a la figura de un hastiado y aburrido artista country. Para los que consideraban al cantautor de Minnesota el 'portavoz de una generación', el cambio les tomó por sorpresa. Muchas críticas fueron negativas: "un hombre que parece satisfecho te habla con frases mil veces manidas y como si todos los días del año fueran San Valentín", o "Uno no puede dejar de pensar que falta algo...¿No es el paisaje que describe Dylan demasiado idílico para ser cierto?".
Sin embargo, gracias a su nueva y estrecha amistad con Johnny Cash (con el que canta a dúo la canción que abre el álbum: 'Girl from the north country'), Dylan gana nuevos fans en el sector de los aficionados al country clásico, que acogen con agrado temas como 'Lay Lady, lay', una canción que inicialmente estaba destinada a la banda sonora de 'Midnight Cowboy', pero no llegó a tiempo. El presidente de Columbia, Clive Davis, insistió para que se editara en single y, aunque en un principio reticente, Dylan acabó accediendo. Fue uno de sus mayores éxitos en las listas pop, alcanzando el Top10 de las listas Billboard.
Dos cosas llaman poderosamente la atención a la primera escucha: en primer lugar, la voz de Dylan ha cambiado. Todo atisbo arisco o sarcástico ha desaparecido y su tono es casi encantador. Bob trata de vocalizar y articular perfectamente y su famosa 'voz de cabra' parece ahora la de un tierno cordero.
Preguntado al respecto en una entrevista de Rolling Stone, Dylan afirmaba: "Cuando dejé de fumar, mi voz se transformó. Sólo has de de dejar los cigarrillos y pronto suenas como Caruso". No es precisamente a Caruso a lo que suena Dylan en 'Nashville Skyline', pero su forma de cantar parece más controlada y pulcra, a la vez que más aburrida... Si sus canciones anteriores invitaban una y otra vez a reescucharlas, ganando con ello fuerza e intensidad, las de ahora dejaban de interesar a la segunda o tercera audición.
En segundo lugar, 'Nashville Skyline', al igual que su LP anterior 'John Wesley Harding' Dylan parece vivir ajeno a todo lo que rodeaba al mundo rock en aquellos día: hippies, drogas, Monterey, Woodstock, psicodelia, etc. Bob pasa de todo ello y sin tomar demasiado compromiso, como suele ser habitual en él, entrega una obra que, en cierto modo, contribuyó a un nuevo renacimiento del country, en el cual se enmarcarían grupos como los Byrds, CSN&Y y los Grateful Dead y, posteriormente, Flying Burrito Brothers, Poco y Nitty Gritty Dirt Band.
El 17 de enero de 1966 se publicó en Estados Unidos 'Sounds of Silence', el segundo disco de larga duración de Simon y Garfunkel que fue grabado a toda prisa debido al fulgurante éxito que obtuvo la nueva mezcla del tema acústico 'Sound of Silence' editada en single, a la que el productor de Columbia Tom Wilson había añadido (sin permiso de Paul Simon) batería e instrumentos eléctricos. El 1 de enero de 1966 el sencillo alcanzó el nº1 del Hot100 y eso obligó al dúo neoyorquino, los mayores sorprendidos del repentino éxito, a retomar su carrera que en aquel momento había entrado en una etapa de futuro incierto.
El primer álbum del dúo, 'Wednesday Morning, 3 A.M.' se había publicado en octubre de 1964 y contenía doce canciones de estilo folk, cinco de ellas escritas por Simon, entre ellas, 'The sound of silence'. Al coincidir su aparición con el comienzo de la beatlemania en Estados Unidos, el disco pasó desapercibido por lo que Paul, desilusionado, se marchó a Inglaterra mientras Art seguía con sus estudios en la Universidad de Nueva York.
Paul en Londres
Londres parecía ser la Meca musical de entonces y Paul se instala en la capital británica y toca en bares y clubes. En uno de ellos conoce a Kathy Chitty, que sería su compañera sentimental e inspiración para temas como 'Kathy's Song' y 'America'. Allí continuó componiendo canciones y comprobó que no se había publicado en el Reino Unido el álbum grabado en EE.UU meses antes.
Paul y Kathy Chitty
Como seguía bajo contrato con Columbia Records, decidió grabar en los estudios de Londres de la compañía el álbum 'The Paul Simon Songbook'. Publicado en Inglaterra en agosto de 1965, en él volvía a aparecer una nueva versión de 'The sound of silence', además de temas inéditos como 'I am a rock', 'April come she will', 'Patterns' y 'Flowers never bend with the rainfall', que surgirían de nuevo en sucesivos trabajos del dúo.
Mientras tanto, en EE.UU, triunfaban los Byrds con 'Mr Tambourine' y sus armonías vocales sobre los limpios y cristalinos arpegios de la Rickenbacker de doce cuerdas de Roger McGuinn...
El nuevo sonido de moda inspira al productor de Columbia RecordsTom Wilson, a ejercer un poco de ingeniería musical con los temas de Simon y, aprovechando un tiempo libre tras las sesiones de 'Like a rolling stone' de Bob Dylan, pide a los músicos que graben un acompañamiento de guitarras eléctricas (Al Gorgoni y Vinnie Bell), bajo (Joe Mack) y batería (Buddy Salzman) sobre el original de 'Sound of silence'. Tras publicarse, el éxito es inmediato. El disco avanza directo hacia el nº1 y Wilson llama apresuradamente a Simon, que vuelve de Inglaterra para reunirse de nuevo con Garfunkel y entrar inmediatamente en el estudio. Aunque a Paul no le habían gustado nada los nuevos arreglos de su canción, tuvo que doblegarse a los deseos de la compañía y grabaron el álbum con arreglos folk-rock en una línea similar al del nº1 conseguido.
Art y Paul en el estudio
Las sesiones tuvieron lugar los días 13, 14 y 21 de diciembre en los estudios CBS de Nashvile y Los Angeles bajo la supervisión del productor Bob Johnston que había tomado el relevo a Wilson, y Fred Carter, Jr, Joe South (guitarras y bajo), Larry Knechtel (piano) y Hal Blaine (batería) como músicos de estudio. La falta de tiempo para componer nuevas canciones obligó a usar la mayoría de las canciones que Paul había compuesto y grabado durante su estancia en Inglaterra como 'I am a rock', 'Leaves that are green', 'April come she will', 'A most peculiar man' y 'Kathy's Song'.
'Richard Cory' estaba basado en un poema de Edwin Airlinton Robinson y 'Somewhere they can find me' fue básicamente una nueva versión del tema 'Wednesday morning, 3 A.M.' que había quedado grabado meses antes, por lo que solo se incluyeron dos canciones inéditas en el álbum, 'Blessed' y 'We've got a groovy thing goin'.
El álbum se completó con el instrumental 'Anji' que Simon aprendió en Londres, probablemente a través del mismo autor del tema, el guitarrista acústico británico Davey Graham, de quien Paul también aprendió la afinación de guitarra DADGAD. En la edición inglesa se incluyó el tema 'Homeward bound' que fue publicado en Estados Unidos como single, un mes después de aparecer el álbum allí.
'Sounds of Silence' alcanzó el puesto 21 de las listas. También su anterior trabajo, 'Wednesday Morning, 3AM' fue reeditado y ésta vez sí tuvo la acogida merecida, logrando el puesto 30 en el Billboard 200.
El 5 de enero de 1979 se publicó en el Reino Unido 'Armed Forces', el tercer álbum del británico Elvis Costello. Fue el segundo trabajo de Costello en el que participaban los Attractions y el primero en el que aparecían acreditados en la portada.
Tras publicar 'This Year's Model' y realizar su correspondiente gira. Elvis Costello volvió rápidamente al estudio de grabación con los Atttractions para acometer la grabación de su tercer trabajo. En contraste al desnudo y crudo sonido rock-pop de sus primeros álbumes, 'Armed Forces' ofrecía una cuidada y espléndida producción, en ocasiones incluso pomposa. Los arreglos eran más sofisticados y elaborados, e incluían pianos, efectos de eco y reverberación, así como varias pistas de guitarra y segundas voces.
Esto ayudó a hacer la melodías de Costello más accesibles, cuyas letras, sin embargo, se volvieron más fundamentalistas y paranoides. Muchos de los temas de 'Armed Forces' usan la política como metáfora para describir las relaciones personales, particularmente el fascismo, lo que explica el nombre provisional que recibió el álbum, 'Emotional Fascism'. En ocasiones las letras están algo forzadas, pero la música fluye sin trabas y Costello demuestra su talento como compositor, saltando con suma facilidad de un tema pop bien construido como 'Accidents will happen' a otro tan paranoico como 'Goon Squad'.
Algunas canciones como el medio-reggae 'Two little Hitlers' o la apasionada 'Party girl', reafirman su calidad como cantautor, y otras como la elaborada 'Oliver's Army', cuyo riff de piano fue fundamental para que, editado en single, alcanzara el nº2 en las listas inglesas, llevan a Costello a nuevos territorios sonoros. En definitiva un denso, pero accesible álbum de buen pop, considerado actualmente como uno de los tres mejores trabajos del británico.
El 18 de noviembre de 1991 se publicó 'Achtung Baby', el séptimo álbum de la banda rock irlandesa U2. Producido por Daniel Lanois y Brian Eno es uno de sus trabajos de mayor éxito. Las críticas, tras el varapalo sufrido en su anterior entrega, 'Rattle and Hum' fueron en este caso favorables y el álbum debutó en el nº1 del Billboard 200 Top Albums y copó las listas de muchos otros países. Los cinco singles que se extrajeron fueron hits y, además de vender hasta la fecha más de 18 millones de copias, obtuvo un Grammy en 1993. Citado en numerosas listas de los mejores álbumes rock de la historia, en octubre de 2011 fue reeditado para conmemorar el 20 aniversario de su publicación.
Tras el increíble éxito comercial de 'The Joshua Tree' y las consiguientes críticas negativas que recibieron por 'Rattle and Hum', los componentes de U2 se encontraban al borde de la ruptura. Bono aseguraba que debían "volver a soñar el sueño" y decidieron volver a sus raíces de rock alternativo para su primer trabajo de la década de los 90.
Mientras en sus álbumes anteriores se habían dedicado a explorar la música de raíces americanas, con el nuevo trabajo, 'Achtung Baby', cuyo nombre procedía de una frase en el film 'Los productores' de Mel Brooks, iban a tomar caminos diferentes. "Queríamos una localización y un sonido más europeos" comentaba el bajista Adam Clayton en una entrevista, por lo que decidieron grabar gran parte del disco en Berlin, donde Bowie había trabajado con Brian Eno a mediados de los años setenta. Y, así como Bowie emergió de Berlín con un sonido más orientado hacia lo electrónico, así les ocurrió a los irlandeses. En el tema que abre el álbum, por ejemplo, 'Zoo Station', la voz de Bono está distorsionada hasta tal punto que es difícilmente reconocible.
Algunos seguidores de U2 ya habían intuido el cambio de sonido con la versión de 'Night and day' que grabaron para contribuir al tributo a Cole Porter 'Red Hot+Blue', donde por primera vez aparecían cajas de ritmo y sintetizadores en un tema de la banda irlandesa. El video correspondiente fue dirigido por el realizador alemán Wim Wenders, una de cuyas películas dio nombre a otro de los temas del álbum, 'Until the end of the world'.
Alrededor de la grabación de 'Achtung Baby' existía una atmósfera de incertidumbre que afectó las vidas personales de los miembros de U2, como fue el caso del guitarrista The Edge, que estaba pasando por un amargo proceso de divorcio.
Esto inspiró algunos de los desgarradores temas de relaciones fracasadas como 'Who's gonna ride your wild horses', 'So cruel'y 'Love is blindness', también con reminiscencias de las canciones de desamor de Roy Orbison, Scott Walker y Jacques Brel. "No fue el mejor momento en las vidas para ninguno de nosotros y una de las razones de viajar a Berlín fue el intento de alejarnos del mal ambiente doméstico. Teníamos que concentrarnos en redefinir el futuro de la banda apartados de cualquier distracción".
U2 en Berlín
Sin embargo Berlín, tras la reunificación alemana tampoco resultó ser un lugar confortable. La banda llegó a la ciudad alemana el 3 de octubre de 1990, la tarde del mismo día oficial de la reunificación. El momento histórico vivido en directo pretendía ser un motivo de inspiración pero se encontraron con un ambiente depresivo y gris. "Berlín tuvo siempre esa magnífica escena artística underground y siempre fue una ciudad abierta, pero cuando cayó el muro hubo momentos de gran confusión", aseguraba Clayton.
Hansa Studios
El productor Lanois tenía la estrategia de grabar al grupo en grandes mansiones o castillos, ya que estaba convencido de que este detalle añadía una atmósfera especial al sonido de la banda. En Berlín eligieron los estudios Hansa, en los que Bowie e Iggy Pop ya habían registrado anteriormente algunos de sus trabajos, y las grabaciones se llevaron a cabo en un amplio recinto que en su día había servido como salón de baile para los oficiales de las SS.
Para la letra de 'One', Bono se inspiró en las tensiones por las que atravesaba la banda y en su propia relación con su padre. The Edge calificaba el tema como "una amarga, enrevesada y cáustica conversación entre dos personas que han pasado por momentos duros y desagradables".
The Edge
En temas como 'Even better than the real thing' y 'Mysterious ways', The Edge experimentó con varios pedales de efectos consiguiendo riffs muy interesantes. En 'Acrobat' Bono canta sobre hipocresía, flaquezas e incompetencias humanas. Según el biógrafo de la banda, Bill Flanagan, Bono usa en sus letras a la luna como una metáfora de una oscura mujer que intenta seducirle y apartarle de su virtuoso amor ideal, el sol. Es alejado de la vida doméstica tentándolo con una excitante vida nocturna y el cantante se prueba a sí mismo hasta que punto es capaz de llegar antes de retornar a casa. 'Tryin to throw your arms around the world' describe, según él, al personaje tambaleándose borracho camino a su casa.
single 'The fly' (1991)
En Dublín en un ambiente más relajado y, siguiendo el método de Lanois, en una mansión alquilada junto al mar donde hubo que instalar un estudio de grabación improvisado, se terminaron de grabar en febrero de 1991 el resto de las canciones del álbum, 'The fly' el primer single que se publicó un mes antes de la aparición del álbum, 'Ultraviolet (Light my way)' que describe una relación tensa e incómoda y el tema que abre el álbum, 'Zoo station', nombre tomado de una estación del metro berlinés.
Bono 'The fly' en 1992
Fue en estas sesiones donde Bono, criticado por algunos medios por tomarse a sí mismo demasiado en serio, desarrolló un nuevo alter ego con el personaje The Fly que, enfundado en cuero y tras unas gafas oscuras, pretendía ser una parodia de una típica estrella del rock. Con esta caracterización se mostraría el cantante en las consiguientes apariciones públicas del grupo y en la Zoo TV Tour, realizada en 1992 y 93 para promocionar el álbum.
También en el diseño de la portada se pretendía mostrar el cambio de dirección de la banda utilizando una imagen multicolor en contraste con las serias y en su mayoría monocromáticas portadas anteriores, asimismo diseñadas por Steve Averill. Las primeras fotografías que se tomaron en Berlin, la mayoría en blanco y negro, no gustaron a Bono ya que no creía que transmitieran el pretendido cambio de rumbo. Se preparó una nueva sesión en color en Tenerife, aprovechando las fiestas del carnaval y otra en Marruecos.
Finalmente en Dublin se realizó otra sesión en la que tomaron una foto de John Clayton desnudo (en las ediciones americanas sus genitales aparecían bajo una hoja de parra o tapados con una 'x' negra) y otra de una vaca en una granja irlandesa, ambas candidatas para ser la imagen defnitiva de portada. Otra posible opción fue la fotografía del grupo en el interior de un Trabant un modelo de coche típico de la extinta RDA. Finalmente se decidió realizar un montaje con una selección de todas las sesiones, alternando fotos en color y en blanco y negro.
En suma, 'Achtung Baby' fue una de las reinvenciones más satisfactorias llevada a cabo por un grupo de la estatura de U2, gracias a la cual definieron su camino para la nueva década.
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Preguntado al respecto en una entrevista de Rolling Stone, Dylan afirmaba: "Cuando dejé de fumar, mi voz se transformó. Sólo has de de dejar los cigarrillos y pronto suenas como Caruso". No es precisamente a Caruso a lo que suena Dylan en 'Nashville Skyline', pero su forma de cantar parece más controlada y pulcra, a la vez que más aburrida... Si sus canciones anteriores invitaban una y otra vez a reescucharlas, ganando con ello fuerza e intensidad, las de ahora dejaban de interesar a la segunda o tercera audición.
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El álbum se completó con el instrumental 'Anji' que Simon aprendió en Londres, probablemente a través del mismo autor del tema, el guitarrista acústico británico Davey Graham, de quien Paul también aprendió la afinación de guitarra DADGAD. En la edición inglesa se incluyó el tema 'Homeward bound' que fue publicado en Estados Unidos como single, un mes después de aparecer el álbum allí.
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