Astrud Gilberto

El 29 de marzo de 1940 nació en Salvador (Bahia) la cantante brasileña de origen alemán Astrud Gilberto, quien en 1964 fue conocida internacionalmente gracias a su versión vocal de 'The girl from Ipanema' en el álbum que grabaron su entonces marido João Gilberto y Stan Getz y que dio lugar al descubrimiento internacional de la bossa nova.

Astrud Gilberto

Nacida Astrud Weinert, tenía dos hermanas que asimismo llevaban nombres de diosas de la mitología germana: Eda e Iduna. Su padre era profesor de idiomas y literatura y al cumplir Astrud los ocho años, su familia se trasladó a Rio de Janeiro donde asistió al Colégio de Aplicação. Cuando cumplió los veinte años conoció a João Gilberto, un talentoso guitarrista también originario de Bahía, que formaba parte del nuevo movimiento musical brasileño llamado bossa nova. Se veían en casa de Nara Leao, amiga de Astrud y también futura cantante. En 1960 João y Astrud contrajeron matrimonio y dos años después se gestaría la canción que la haría mundialmente famosa.

João y Astrud

Su marido solía reunirse por las mañanas con sus amigos y colegas Antonio Carlos Jobim y Vinícius de Moraes en el bar Veloso frente a la playa de Ipanema. La canción, titulada originalmente 'Menina que passa', tenía otra letra, pero tanto Jobim como Moraes no estaban plenamente satisfechos de ella, por lo que una de esas mañanas en el Veloso, se inspiraron en una joven de 18 años, Heloísa Eneida Menezes Paes Pinto (hoy Heloísa Pinheiro), vecina del barrio de Ipanema, que paseaba todos los días a la misma hora frente a aquella playa, para reescribir la letra.

Heloísa, la 'chica de Ipanema'

Según Moares: "el paradigma del tipo carioca; una mujer dorada, mezcla de flor y sirena, llena de luz y de gracia pero cuya visión es también triste, pues lleva consigo, camino del mar, el sentimento de lo que pasa, la belleza que no es nuestra — es un don de la vida en su lindo y melancólico fluir y refluir constante." Con el nuevo título, 'Garota de Ipanema', fue grabada por varios cantantes brasileños aunque la locura de la bossa nova en Brasil ya se encontraba en claro declive, por lo que Jobim se trasladó a Nueva York contratado como compositor, arreglista y pianista.

Animados por Jobim, la familia Gilberto también viaja a Nueva York en 1963. Charlie Byrd había logrado introducir la bossa nova en la escena neoyorquina tras su viaje por Brasil y el nuevo sonido sedujo al mundo del jazz. Jobim y João fueron invitados o tocar con Stan Getz, una leyenda del saxo tenor fascinado con la música brasileña, que ya la había incorporado a su propio estilo, especialmente en su álbum 'Big Band Bossa Nova' (1962). Las sesiones tuvieron lugar en marzo de 1963 producidas por Creed Taylor.

Tom Jobim, Creed Taylor, Joao y Astrud

Cuando le tocó el turno a 'Garota de Ipanema', Taylor pidió que se cantara una estrofa en inglés. João, que no dominaba el idioma, se negó al principio pero Astrud, que se encontraba presente, se ofreció a intentarlo, ya que -gracias a su padre- dominaba varios idiomas y el resultado gustó tanto a Taylor que João no tuvo más remedio que aceptar. Así que el tema se grabó con la primera estrofa cantada en portugués por su marido, seguida de Astrud (en su primera experiencia profesional), que cantaba su parte en inglés. Como el tema duraba cinco minutos y quince segundos, demasiado largo para la emisión radiofónica, Taylor anuló la primera parte y dejó únicamente la cantada por Astrud para editar la canción en single. Fue un éxito rotundo, alcanzando el top5 de las listas pop y el álbum 'Getz/Gilberto' obtuvo tres premios Grammy y llegó a ser uno de los álbumes más vendidos del jazz.

Astrud no recibió créditos en la cubierta del álbum y únicamente cobró $120 por su trabajo, el sueldo de una sesión de estudio. Seguidamente realizó giras con Stan Getz grabando con él 'Getz Au Go Go' (1964).

La crítica sin embargo no creía que la frágil y delicada voz de Astrud tuviera la suficiente personalidad como para defender un álbum completo de canciones. Su compañía discográfica, Verve Records, trató de posicionarla en el mercado del 'easy listening' (música ligera) con temas como 'The shadow of your smile' y 'Fly me to the moon', pero estos no alcanzaron ni por asomo el impacto de 'Girl from Ipanema'. Su primer álbum, 'The Astrud Gilberto Album' apareció en 1965 y contenía canciones en inglés y portugués, como 'Agua de beber', 'How insensitive' y 'Dindi'

No logró pasar del Top40 aunque sus ventas fueron aceptables. Para entonces, Astrud se había divorciado de João y se instaló con sus dos hijos en Nueva York. El resto de la década publicó más álbumes con Verve como 'Look to the Rainbow' (1965), con el arreglista Gil Evans y 'A certain smile, a certain sadness' (1966) grabado con el organista Walter Wanderley. En 1969 publicó 'September 17, 1969', álbum en el que incluía versiones de éxitos pop como 'Holiday' de Bee Gees, 'Light my fire' de los Doors y 'Here there & everywhere' de los Beatles.

Chet Baker y Astrud

A finales de los años sesenta, la bossa nova también dejó de interesar en EE.UU y Europa y Astrud realizó algunos trabajos en el cine así como comerciales de TV para Eastern Airlines. En los años setenta se atrevió a escribir sus propias canciones y publicó álbumes ocasionalmente como su colaboración con Stanley Turrentine 'Gilberto with Turrentine' en 1971. En su álbum 'That Girl from Ipanema' (1977) se incluye un dueto con su ídolo el trompetista Chet Baker en una de las primeras composiciones de Gilberto, 'Far away'.

En los años ochenta formó un sexteto con su hijo Marcelo, un talentoso bajista de jazz y realizaron giras por Norteamérica, Europa y Japón. En 1984 se vivió en el Reino Unido un movimiento neo-bossa que volvió a poner a Astrud y 'The Girl from Ipanema' de moda y publicó un nuevo álbum en 1987 acompañada de la James Last Orchestra. En 1996 colaboró  en el álbum benéfico 'Red Hot+Rio' aportando el tema 'Desafinado' cantado a dúo con George Michael.

Su estilo vocal ha inspirado a muchos cantantes, entre ellos, Basia (que grabó el tema 'Astrud' como tributo), Sade, Sinead O'Connor, Michael Franks, Pat Metheney y Suzanne Vega, así como a diversos grupos 'avant-garde'. Aunque no se retiró oficialmente y continuó grabando discos en el mercado asiático, en 2002 tras publicar el álbum 'Jungle', que contenía diez temas de su autoría, anunció que suspendía "por un tiempo indefinido" las apariciones públicas. Además de la música, Astrud cultivaba otras artes como la pintura y fue una firme defensora de los derechos de los animales.

Murió en junio de 2023 a los 83 años.

Harry Belafonte

El 1 de marzo de 1927 nació el cantante neoyorquino de ascendencia jamaicana Harry Belafonte. Fue llamado el 'rey del calypso' por popularizar el ritmo caribeño ante una audiencia internacional en los años cincuenta. Su éxito más conocido fue 'Banana Boat Song'. Harry también es actor, un defensor de los derechos civiles y en su día fue uno de los más activos portavoces críticos con la administración Bush.

Nació en Harlem de madre jamaicana y padre nacido en Martinique, que trabajaba de cocinero para la Armada británica. Con cuatro años, Harry se trasladó a Jamaica con su madre y pasó cinco años con su abuela. En el tiempo que pasó en la isla no sólo absorbió la música jamaicana, fundamental en la cultura del país, también observó los efectos del colonialismo y la opresión política que sufrían los nativos jamaicanos bajo el dominio británico. De vuelta en Nueva York asistió a la George Washington High School y a continuación se alistó en la marina y sirvió tres años en la segunda guerra mundial. Una vez licenciado asistió a una representación de teatro, que le fascinó y despertó en él el deseo de ser actor.

Conoció a Sidney Poitier y juntos se matricularon en el Dramatic Workshop de la New School de Nueva York, compartiendo clases con Marlon Brando, Tony Curtis, Walter Matthau y Bea Arthur. Para financiarse las clases, Belafonte actuaba cantando en clubs de la ciudad. En su primera actuación ante el público estuvo acompañado por Charlie Parker y su banda, que incluía, entre otros, a Miles Davis y Max Roach. Comenzó cantando música pop en 1949 y llegó a firmar un contrato con Capitol Records pero no le gustó el tipo de canciones que le ofrecían y lo rescindió. Desarrolló a continuación un profundo interés en la música folk americana investigando en la Librería del Congreso y rescatando canciones tradicionales norteamericanas con las cuales, añadiendo sus influencias caribeñas se construyó un repertorio de temas que interpretaba en sus actuaciones.

Con Dorothy Dandridge y Joe Adams

Con su amigo el guitarrista Millard Thomas, Harry debutó en el Village Vanguard y en 1952 firmó contrato con RCA Records. En 1953 debutó en el cine y en 1954 obtuvo un premio Tony por su trabajo en la revista de Broadway 'John Murray Anderson's Almanac'. Su papel en el film de Otto Preminger 'Carmen Jones' (1954) junto a Dorothy Dandridge le lanzó al estrellato y en 1955 grabó su primer álbum 'Mark Twain and other folk favorites', al que siguió en 1956 'Belafonte', que contenía temas como 'Matilda', 'Water boy', 'Take my mother home' y 'Noah'. El álbum alcanzó el nº1 de las listas y preparó el camino para su siguiente trabajo, que significaría un hito en la historia de la música pop.

'Calypso' fue el primer LP de un solista en vender un millón de copias. Permaneció en el nº1 de las listas una asombrosa cifra de 31 semanas y propagó por el mundo la fiebre del 'calypso', música iniciada en Trinidad y Tobago a principios del siglo XX. La canción más popular del disco fue 'Banana boat song' (llamada Day-O' en el disco original), que no era un calypso, sino una canción tradicional jamaicana cantada desde el punto de vista de unos trabajadores portuarios que pasan la noche cargando bananas en los mercantes. Ha llegado el amanecer y los trabajadores solicitan ser contados para poder marchar a casa:  "Come, Mr. Tally Man, tally me banana / Daylight come and me wan' go home."

Otro tema editado en single fue 'Jamaica Farewell', -este sí es un calypso- en cuya letra se enumeran las bellezas de las islas caribeñas y un amor dejado atrás. También se incluían otras baladas como 'I adore her' y 'Come back Liza', así como lo que se puede considerar la primera canción feminista: 'Man smart (Woman smarter)'.

El álbum, que en su día generó una serie de imitadores y parodias, que intentaban aprovecharse del extraordinario éxito que obtuvo, fue una gran influencia en numerosos grupos que aparecieron tras su estela. Uno de los más importantes fue el Kingston Trio, llamado así por la capital de Jamaica. A lo largo de la siguiente década no hubo cantante o grupo de folk que no llevara en su repertorio una canción con ritmo de calypso o de origen caribeño. A pesar de la repentina fama, la cual Belafonte observaba con prudente y crítica distancia- no cedió a los deseos de la compañía discográfica, que pretendía publicar un segundo álbum de calypso. Harry los publicaría con intervalos de cinco años: en 1961, 1966 y 1971.

Sus siguientes trabajos, 'An evening with Belafonte' y 'Belafonte sings of the Caribbean' (1957) contenían nuevos éxitos como 'Mary boy's child', 'Island in the sun', 'Hava nageela', 'Cocoanut woman' y 'Angelique-O'. Alternaría con muchos géneros durante su carrera, incluyendo blues, gospel, temas de musicales y standards americanos. Sus dos álbumes en directo grabados en el Carnegie Hall en 1959 y 1960 asentaron su condición de artista de primera fila, refrendada al ser uno de los artistas convocados por Frank Sinatra en la gala inaugural del presidente John F. Kennedy en 1961. Ese mismo año se publicaría su segundo álbum dedicado al calypso, 'Jump up Calypso!', que de nuevo fue millonario en ventas,con temas como 'Angelina', 'Sweetheart from Venezuela', 'Jump in the line' y 'Gloria'.

Durante los años sesenta, Belafonte introdujo a varios artistas foráneos a la audiencia americana, destacando entre ellos, la cantante sudafricana Miriam Makeba y la griega Nana Mouskouri, con las que grabó sendos álbumes. En su álbum 'Midnight Special' (1962) aparece por primera vez en una grabación discográfica un joven armonicista llamado Bob Dylan. Tras la llegada de los Beatles y demás grupos británicos a la escena musical norteamericana, las canciones de Belafonte dejaron de interesar. Su álbum de 1964 'Harry Belafonte at the Greek Theatre' fue el último en aparecer en las listas y su último single, 'A strange song' se publicó en 1967. Tampoco su tercer álbum de calypso, 'Calypso in Brass' (1966) que sólo incluía dos temas nuevos, 'Reincarnation' y 'The naughty little flea', logró despertar la suficiente atención.

Hasta 1977 publicó diez álbumes más, entre ellos su cuarto y último disco dedicado al ritmo caribeño, 'Calypso Carnival' (1971). El resto de la década realizó numerosas giras por Europa, Japón y Cuba y apareció en 1978 en un memorable episodio del Muppet Show en el que interpreta su éxito 'Banana Boat Song' y el espiritual 'Turn the world around'.

En los años ochenta fue uno de los promotores de 'USA for Africa', lo que le despertó de nuevo el interés por grabar y publicó su primer álbum con material nuevo en una década, 'Paradise in Gazankulu' (1988), con 10 canciones protesta contra la política del apartheid en Sudáfrica.
Desde entonces, además de sus labores humanitarias y su activismo político, alternó sus esporádicos conciertos con su trabajo en el cine y la TV, destacando sus papeles en los films 'Kansas City' (1996) de Robert Altman y 'Bobby' (2006) de Emilio Estévez. En el año 2006 generó una gran polémica en EE.UU por sus encuentros con el presidente de Venezuela Hugo Chávez, en los que llamó 'tirano' y 'terrorista' al entonces presidente Bush. Tampoco la administración Obama parecía gustarle demasiado y como candidato demócrata para las elecciones de noviembre 2016 apostó por Bernie Saunders. En enero de 2017 fue copresidente honorario de la marcha de mujeres en Washington convocada un día después de la proclamación de Donald Trump como  presidente de Estados Unidos.
Falleció de un fallo cardíaco en abril de 2023 a los 96 años.

Melanie

El 3 de febrero de 1947 nació en la ciudad de Nueva York la cantautora neoyorquina Melanie Safka, quien tras su aparición en el Festival de Woodstock en 1969 fue conocida internacionalmente por sus sencillas y sinceras canciones acompañada de su guitarra.

Antes de su aparición en Woodstock, Melanie ya era conocida en Europa, donde los temas 'Beautiful people' y 'Bobo's party' fueron muy populares en Francia y Países Bajos. Cuando actuó en Woodstock, Melanie sustituyó a Incredible String Band, que se habían negado a salir bajo la lluvia y quizás ella fuera la única del cartel que no había probado jamás ningún tipo de droga. Conocía a la mayoría de los artistas pero jamás había estado tan cerca de todos ellos. Su miedo escénico al salir en plena noche de lluvia se disipó, cuando tras su primera canción vio miles de velas encendidas entre la multitud, mostrando su apoyo por su música.

Ésta visión la inspiró para escribir en 1970 su primer éxito comercial en EEUU, 'Lay down (Candles in the rain)', acompañada por los Edwin Hawkins Singers, al que siguió una versión de 'Ruby tuesday' de los Stones, que fue Top10 en el Reino Unido. En 1971 publicó 'Brand new key', canción conocida también como 'The roller skate song', que alcanzó el nº1 en USA y fue su mayor éxito comercial, recibiendo el disco de oro.

Siguieron nuevos hits con 'What have they done to my song, Ma', 'The nickel song' o 'Will you still love me tomorrow?' (1974), su última entrada en listas.  Desde entonces ha grabado cerca de una treintena de álbumes entre los que destacan 'Photograph' (1976) y 'Silence is King' (1993). Todos sus álbumes, menos uno, han sido producidos por su marido Peter Schekeryk que falleció repentinamente en 2010. Sus tres hijos, Leilah, Jeordie y Beau-Jarred también son músicos. Melanie, que se definía como libertaria, siguió grabando y actuando acompañada por su hijo Beau-Jarred.

En 2012 Melanie colaboró con el director del Blackfriars Theatre de Rochester, New York, para poner en marcha un musical sobre su historia de amor con su marido fallecido Peter. 'Melanie and the Record Man' fue estrenado el 19 de octubre de ese año. La obra, concebida y diseñada por John Haldoupis contiene las canciones de Melanie y cuenta la historia de cómo conoció a su marido, cómo se enamoraron y trabajaron juntos en la música. Melanie actuó en la obra y ejerció de narradora. Su hijo también participó como director musical.

Melanie falleció en enero de 2024 a los 67 años.

Huey 'Piano' Smith

El 26 de enero de 1934 nació en Nueva Orleans el pianista, cantante y compositor estadounidense de R&B, Huey 'Piano' Smith, cuyo sonido -incorporando el boogie de Pete Johnson y Albert Ammons, el jazz de Jelly Roll Morton y el estilo de Fats Domino al piano- fue de gran influencia en el rock and roll.

A los quince años, Smith ya tocaba en clubs de la ciudad y en varias grabaciones junto a su colega Eddie Jones, que más tarde se haría famoso como Guitar Slim. Tres años más tarde, en 1952, firmó un contrato con Savoy Records, con quienes grabaría su primer single conocido, 'You make me cry'. En 1953 realizó sesiones con Earl King y dos años después era el pianista de la primera banda de Little Richard en Specialty Records. Ese mismo año (1955) participó en sesiones para otros artistas como Lloyd Price, Earl King ('Those lonely lonely nights') y Smiley Lewis ('I hear you knocking'). Ya se oía en ellos ese riff arrastrado con la mano derecha, tan característico de Lewis, que muchos otros pianistas sureños copiarían.

Bobby Marchan

En 1956 el productor Johnny Vincent de Specialty, funda su propio sello, Ace Records, bajo el cual Smith graba sus primeros temas como solista, 'Little Liza Jane' / 'Everybody’s whalin', en los que establece la fórmula que le llevaría al éxito de las listas: letras sencillas, estribillos pegadizos y un insistente ritmo de baile. En 1957 Smith forma la banda Huey 'Piano' Smith and the Clowns con el cantante de blues Bobby Marchan que solía actuar travestido. Obtuvieron varios éxitos en las listas de R&B de Billboard, incluyendo su Top5 'Rockin' Pneumonia and the Boogie Woogie Flu', con letra de John Vincent, que llegó a ser disco de oro.

Con Ace Records publicaron más singles de éxito como 'We like birdland', 'Well I'll be John Brown' y 'Don't you know Yokomo'. Su single más popular, publicado en 1958, fue 'Don't you just know it' / 'High blood pressure', que alcanzó el Top10 de las listas pop y el Top5 en las de R&B. Fue su segundo disco millonario en ventas. Smith intentó igualar el éxito de 'Rockin' Pneumonia', con otros temas en los que usa el mismo tipo de juego de palabras en los títulos, como 'Tu-ber-cu-lucas and the sinus blues', sin resultado. Smith compuso y grabó el tema 'Sea cruise', pero Johnny Vincent suprimió su voz sustituyéndola por el entonces ídolo de adolescentes Frankie Ford. La nueva versión fue un nuevo hit para Ace Records.

A finales de 1959, Smith, cansado de los retrasos en los pagos, abandona el sello y firma con Imperial Records. Con ellos y bajo la producción de Dave Bartholomew graba una serie de álbumes con canciones que no tienen repercusión en las listas nacionales. En 1960, Marchan deja los Clowns y es sustituido por Gerri Hall y Curley Moore. Dos años después, Ace Records rescata un tema compuesto por Smith, 'Pop eye' y lo publica con gran éxito, siendo en cierto modo la canción abanderada del baile de mismo nombre, muy popular en USA ese año. En Imperial Records, disgustados, rescinden el contrato de Smith y los Clowns, que vuelven a Ace Records, donde permanecen hasta la quiebra del sello en 1964. En 1965, con problemas de alcoholismo, Smith se hace Testigo de Jehová y abandona la industria musical.

En 1967 lo intentó de nuevo -sin salir de Nueva Orleans- con diversas reencarnaciones, actuando como 'Huey "Piano" Smith and the Clowns', 'The Hueys', 'The Pitter Pats' y como 'Shindig Smith and the Soul Shakers', pero con ninguna de ellas consiguió el éxito anterior. En 1972, Johnny Rivers, obtuvo un Top10 con su versión de 'Rockin' Pneumonia and the Boogie Woogie Flu'.

Huey murió en febrero de 2023 a los 89 años.

Ryuichi Sakamoto

El 17 de enero de 1952 nació en Nakano el músico, compositor y actor japonés Ryüichi Sakamoto, muy conocido por sus bandas sonoras y uno de los artistas más innovativos que emergieron en los años ochenta.

Ryuichi Sakamoto

A los 3 años ya empieza a tocar el piano, y con 11 años empieza a estudiar composición con el profesor Matsumoto (1963). Su afición por la música occidental le lleva a escuchar desde Beethoven a John  Cage, pasando por los Beatles. En el colegio forma parte de varias bandas de jazz y en 1971 accede a la Universidad Nacional de Tokyo de las Artes y la Música, estudiando música electrónica y étnica. Ya en 1977 empieza a realizar sus primeros trabajos, convirtiéndose en productor, arreglista y teclista. Hace incursiones en el rock y el pop japonés y empieza a dejar su propia huella al fusionar la música tradicional japonesa con la electrónica, una iniciativa meritoria, ya que la cultura japonesa siempre ha estado cerrada al exterior limitando las influencias occidentales en su cultura.

Yellow Magic Orchestra

Tras graduarse en la Universidad, funda junto a Aruomi Hosono y Yukihiro Takahashi la "Yellow Magic Orchestra", formación de gran repercusión en Europa y con la que consiguieron un gran éxito de ventas. Su single 'Computer game' (1980) fue Top20 en las listas inglesas. La YMO pronto se convierte en el grupo más destacado, junto a Kraftwerk, del “tecnopop”. Su primer álbum es un éxito rotundo y, durante los siguientes cinco años, realizan un total de 11 trabajos, “Yellow Magic Orchestra” (1979), “Solid State Survivor” (1979), “Public Pressure” (1980), “Xoo Multiplies” (1980), “BGM” (1981), “Technodelic” (1981), “Service” (1982), “After Service” (1983), “People With Nice Smiles” (1983), “Naughty Boys” (1984) y “Sealed” (1985), siendo este último una recopilación de temas anteriores de la banda.

Akiko Yano

En una de esas giras, a principios de los ochenta, les acompaña una joven cantante y teclista, Akiko Yano, que ya había logrado un gran éxito a sus 21 años con "Japanese Girl". En 1982, Sakamoto se casa con ella. La cantante cuenta con una larga trayectoria y actualmente reside en Nueva York, donde canta y toca con importantes músicos de jazz. Fruto de su matrimonio nacerá una hija, Miu Sakamoto, que en 1998 publica su primer trabajo "The other side of Love", con ayuda de su padre que se encarga del teclado, de parte de la composición y, especialmente, de la producción.
En 1983 se disuelve la YMO y Ryuichi Sakamoto inicia su carrera en solitario. Expresa entonces sus deseos de experimentar con músicas de otras etnias y regiones, argumentando que en su cabeza reside una especie de mapa cultural, que le hace relacionar la música de unos lugares con las de otros, le induce a buscar vínculos. En su afán por no cerrarse a la música propia de oriente, inicia una serie de colaboraciones con numerosos músicos: David Byrne, Iggy Pop, Caetano Veloso, etc.

Sus trabajos más relevantes son los siguientes:
-http://youtu.be/FvOymGhO_fk (1978): su primer álbum después de abandonar la YMO.
-“Merry Christmas Mr. Lawrence” (1983): es la primera banda sonora de Sakamoto, película de Nagisa Oshima donde también interviene como actor, junto a David Bowie, Takeshi Kitano y Tom Conti. Una película sobre los campos de concentración durante la Segunda Guerra Mundial, en la guerra del Pacífico, donde subyace uno de los temas obsesivos de la filmografía de Oshima: la homosexualidad. Sakamoto inicia aquí una importante trayectoria como compositor de bandas sonoras.
El tema "Forbidden colours" , perteneciente al film y compuesto junto al cantante David Sylvian (del grupo Japan), marca uno de los hitos de Sakamoto, siendo quizás uno de sus temas más conocidos internacionalmente

- “Illustrated Musical Encyclopaedia” (1984): uno de los muchos trabajos de Sakamoto que muestran su variedad de estilos e influencias.
- “Adventures of Chatran” (1986): BSO de la película japonesa cuyo nombre original es “Koneko Monogatari - The Adventures of Chatran”, dirigida por Masanori Hata.
- “The End of Asia” (1987): Trabajo que se grabó con Danceries, un conjunto clásico japonés especializados en recrear la música medieval.
- “Aile de Honneamise-Royal Space Force” (1987): Sakamoto sigue usando mucho el sintetizador en esta BSO para la película de Gainax, pero también utiliza el piano y logra un trabajo memorable.

- “The Last Emperor” (1988): Sakamoto compone, junto a David Byrne (Talking Heads) y Cong Su, parte de la banda sonora de "El último emperador", el conocido film de Bernardo Bertolucci, en la que Ryuichi también participa como actor. Su éxito es inmediato y le vale un Óscar, un Grammy e incluso un Globo de Oro.
    Temas de la BSO compuestos por Sakamoto:
    • 1. First Coronation
    • 2. Open The Door
    • 3. Where Is Armo?
    • 4. Picking Up Brides
    • 5. The Last Emperor (Theme Variation I)
    • 6. Rain (I Want A Divorce)
    • 7. The Baby (Was Born Dead)
    • 8. The Last Emperor (Theme Variation II)
    • 9. The Last Emperor (Theme)

- “Coda” (1988), una relectura al piano de su más conocida banda sonora para Nagisa Oshima –“Feliz Navidad Mr. Lawrence”
- “Beauty” (1990): Disco donde funde de manera muy brillante la música tradicional Japonesa llenándola de un halo místico con arreglos electrónicos muy envolventes, donde la modernidad y la antigüedad de instrumentos ancestrales se juntan para el deleite del arte en once temas como “Amore” ó “A Rose”
- “The Sheltering Sky” (1990): BSO de la película "El cielo protector", película de Bertolucci. Melodías de tintes melancólicos y un tema principal conmovedor.
- “Neo Geo” (1991): Todos los temas de “Neo Geo” son diferentes visiones, postales sonoras tal vez, del Japón aperturista y avanzado de los años ochenta. El álbum se abre con la meditativa y melancólica “Before Long”, con su forma inconfundible de tocar el piano. “Neo Geo”, tema central del disco, es ya una pieza claramente moderna con influencias occidentales obvias, un bajo potente y batería.

- “Heartbeat” (1991) con las voces de David Sylvian e Ingrid Chávez
- “Wuthering Heights” (1992): Banda sonora de la película del mismo nombre “Cumbres Borrascosas” dirigida por Peter Kosminsky.
- “High Heels” (1992): Un tema de la BSO de "Tacones lejanos", un film de Pedro Almodóvar..

- "Femme fatale" (1992): BSO de la película de Brian de Palma
- “Little Buddha” (1994): BSO de "El pequeño buda", película de Bertolucci.
- “Sweet Revenge” (1994): es un disco emblemático de trece canciones en el que realiza un trabajo exclusivamente pop, con atmósferas new wave y electrónicas donde decide contar con voces que pudieran ser mucho más sugerentes que la suya, como por ejemplo la de Holly Johnson. Contiene referencias explícitas a la música de baile de los años setenta y cada tema es como si formara parte de una gran banda sonora de una gran película romántica: “Tokio Story”, “Water's Edge”, “Pounding at My Heart”.

- “1996” (1996): con arreglos para piano, cello y violín. La grabación la realizó con su eterno colaborador Jacques Morelenbaum al cello y Everton Nelson al violín. Tras el lanzamiento del disco el trío realizó una extensa gira fascinando audiencias por todo el mundo con 16 temas entre los que se encuentran “Tango”, “1919” ó “Bibo No Aozora”.
- “Smoochy” (1997): álbum de trece temas, entre ellos “Poesía”, “Aoneko no Torso”.
- “Discord” (1998): uno de los experimentos más interesantes de Sakamoto. Una composición dividida en varios tiempos que experimenta el sonido disonante, al tiempo que presenta un CD interactivo.

- “BTTB” (Back To The Basics) (1999): un trabajo magistral sobre el piano. Piezas a piano que recuerdan a grandes como Satie o Debussy: "Aqua"
- "Energy flow” single que llegó a mantenerse semanas en la lista de los números uno de Japón”, una pieza a piano.
- “Gohatto” (1999): BSO para la película de Nagisa Oshima.
- “Life” (1999) una ópera con cerca de cien participantes implicados (entre ellos, gente tan conocida como José Carreras, Salif Keita, Bernardo Bertolucci, Salman Rushdie, el Dalai Lama, etc...) que comprendió siete actuaciones en Tokyo y Osaka.
- “Cinemage” (2000): recopilación orquestal de varias piezas largas de sus trabajos en cine, donde además se encuentra la música compuesta en 1992 para la apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona, con el nombre de "El Mar Mediterrani", que también dirigió en persona en la ceremonia de inauguración. Sakamoto escribió una música impresionista para un espectáculo majestuoso, con alusiones al color de Cataluña, guiños a El Mar de Debussy y sombras de sus anteriores obras.

- "Zero landmine" (2001): título que toma el álbum del nombre de la organización que lucha para limpiar el planeta de minas.

Sakamoto en casa de los Morelenbaum

- “CASA” (2002): Álbum que recoge la grabación realizada por el pianista y compositor Ryuichi Sakamoto junto a la voz y el chelo de Paula y Jacques Morelenbaum (uno de los más prolíficos intérpretes de la escena musical brasileña), en homenaje a Antonio Carlos "Tom" Jobim. 17 temas originales de Jobim, junto a dos de los miembros de su banda, incluyendo una canción inédita de Jobim, "Tema para Ana" interpretada aquí por primera vez. Una colección de música brasileña del maestro de la bossa nova, grabada en el apartamento de Morelenbaum de Río de Janeiro, consecuencia de la admiración de Sakamoto por este estilo y autor, que supone un nuevo giro en la extensa carrera del pianista, influenciado por los compositores impresionistas franceses: podemos percibir los ecos de Satie en la canción "Imagina", a Ravel en "Estrada blanca", a Chopin en la melancólica "Sabiá" y la influencia de Bach en "Cançao em modo menor".

- “Moto.tronic” Álbum recopilatorio de canciones entre 1983 y 2003, con temas como “Opus” (2003).
- “Chasm” (2004) donde se encuentra el tema "World Citizen" (2004) (David Sylvian, Ryuichi Sakamoto).
- “Seda” (2008), BSO de la película del director François Girard.
- "A day in New York" (2003) el último álbum antes de que sus caminos se separasen, Ryuichi Sakamoto (piano), Jacques Morelenbaum (chelo) y su esposa Paula (voz) decidieron tocar por última vez junto a Luiz Brasil (guitarra) y Marcelo Costa (percusiones). Abren el álbum clásicos de la bossa nova de la talla de "Insensatez" o "Desafinado". También se han incorporado temas de Caetano Veloso "Coracao vagabundo" y Joao Gilberto "Bim bom".

- "Playing the Piano" (2009) que presenta 12 temas con Sakamoto solo al piano y recoge fascinantes interpretaciones de su repertorio más conocido, grabado en directo en Japón, incluyendo entre otros los temas, “una recopilación de mis composiciones, algunas populares y otras no tanto, con arreglos diferentes e interpretadas de nuevo por mí”: “Rain”, “Self portrait”, “Tango”, “Bach concierto nº3 en re menor”, “Women without men” ó “A flower is not a flower” (2007), donde incluyó además, la versión pianística de los temas de las bandas sonoras más importantes como “El cielo protector”,  “Merry Christmas, Mr. Lawrence”, “El último emperador”  y otras.
- "Out of Noise" (2009), un logro musical que permite captar la esencia de Ryuichi Sakamoto en el momento actual de su carrera mezclando con maestría lo acústico con lo electrónico en doce majestuosos y refinados temas, entre ellos “Still Life” y “Nostalgia”.

Sakamoto y Alva Novo

- “SUMMVS” (2011) último trabajo de Alva Noto y Sakamoto (escrito originalmente por el trío Roedelius, Moebius y Brian Eno del año 1977) que, a partir del 2005, comenzaron a trabajar juntos en varias obras, intercambiándose archivos de audio en los que, por un lado, figuraban las improvisaciones de Sakamoto y por otro, la incorporación a las mismas de las texturas digitales de Noto. Según los dos artistas, el proceso creativo no esta nunca cerrado, es algo que permanece fluyendo.

En 2011, Ryuichi Sakamoto recuperó el trío que había creado en 1996, para realizar una gira por Europa con un repertorio que incluyó nuevas composiciones, así como sus clásicos de toda la vida y sus grandes bandas sonoras de películas como “El Último Emperador”, “Bienvenido Mr. Lawrence” o “El Cielo Protector”, acompañado de nuevo por Jacques Morelenbaum al cello y Judy Kang al violín. Como solía ser habitual en los conciertos de Sakamoto incluyeron una cuidada puesta en escena mediante un elaborado diseño de iluminación: “Seven Samurai”. La gira además coincidió con la publicación del libro “Ongaku wa jiyu ni suru” (La música os hará libres), primera autobiografía de Ryuichi Sakamoto, fruto de los diálogos entre el artista y el editor de la revista japonesa “Engine”.

El 10 de julio del 2014, Sakamoto reveló que fue diagnosticado con cáncer orofaríngeo, lo que lo llevó a cancelar los conciertos que tenía programados durante este año para tratarse su enfermedad. Un año más tarde, en agosto de 2015 anunció en su página web que se encontraba en buena forma y listo para trabajar de nuevo. Ese mismo año publicó un nuevo álbum, 'Perpetual' y contribuyó a la banda sonora de 'El Renacido'. Le siguió en marzo de 2017 'async' y en 2023 Ryuichi publicó su último álbum, '12', dos meses antes de morir en abril de 2023 a los 71 años.

Jane Birkin

El 14 de diciembre de 1946 nació en Londres la actriz y cantante anglo-francesa Jane Birkin, hija del Mayor David Birkin y la actriz y cantante Judy Campbell. Estaba afincada en Francia desde su relación con Serge Gainsbourg, con el que además de tener una hija -la también actriz y cantante Charlotte Gainsbourg-, publicó ocho álbumes. 

En la primera mitad de los sesenta se introdujo de lleno en el ambiente pop del 'swinging London' y debutó como actriz a los 17 años. En esa época conoce al compositor John Barry (compositor del famoso tema de James Bond), quien le anima a debutar como cantante y con el que acaba casándose a los 19 años. En la película 'Blow Up' de Michelangelo Antonioni protagoniza su primera escena polémica (aparece desnuda), lo que provoca un gran escándalo en Inglaterra.

Jane y Serge Gainsbourg

Tras el fracaso matrimonial y el nacimiento de su hija Kate en 1967, Jane desembarca en Francia. Allí conoce a Serge Gainsbourg, con quien forma una de las parejas de moda en la escena parisina, donde se hacen célebres en 1969 con 'Je t'aime... moi non plus', canción sensual y provocadora que convierte en un éxito mundial los suspiros de Jane haciendo (supuestamente) el amor con su compañero. La canción fue grabada originalmente un año antes por Serge Gainsbourg y su amante de entonces, Brigitte Bardot. Bardot, cuando finalizaron su relación, le pidió a Gainsbourg que no hiciese pública esta grabación y él aceptó.

El disco prohibido de 1969

El tema regrabado con Birkin es condenado por el Vaticano y su emisión pública prohibida en numerosos países (España, Islandia, Italia, Polonia, Portugal, Reino Unido, Suecia y Yugoslavia), lo que aumenta su éxito y el disco se convierte en uno de los objetos de deseo de finales de los sesenta vendiéndose, hasta la fecha, cerca de cinco millones de copias. En 1971 nace su hija Charlotte Gainsbourg, una actriz y cantante reconocida.

Ex-fan des Sixties (1978)

Una voz frágil, tenue, siempre a punto de romperse, permaneció como su marca distintiva y fue utilizada con inteligencia por Gainsbourg, que adaptó sus canciones al timbre de voz de Jane. Compuso para ella temas como 'Di doo dah', 'Leur plaisir sans moi', 'La decadanse', 'Rien pour rien', 'French graffiti', 'Ex-fan des sixties', 'Apocalypstick' y la moldeó según sus deseos. Permanecieron juntos durante 12 años, convirtiéndose en una pareja popular para el público y los medios. A principios de los años 1980, se separaron, aunque Gainsbourg siguió componiendo y produciendo discos con ella, como 'Baby alone in Babylone' (1983), 'Lost song' (1987) y 'Amours des feintes' (1990)

En 1999 publicó el álbum 'A la légère' con canciones escritas por doce autores contemporáneos franceses. Tras publicar en 2002 el directo 'Arabesque', un homenaje a su ex-marido y mentor, edita en 2006 'Fictions', con versiones de temas de Tom Waits, Neil Young, Neil Hannon, Magic Numbers y Rufus Wainwright.

Birkin actuó en cerca de un centenar de películas, entre ellas títulos como 'Wonderwall' (1968), con música de George Harrison, 'La piscina' (1969), 'Muerte en el Nilo (1978), 'Muerte bajo el sol' (1981), 'La bella mentirosa' (1991) y 'La tête de maman' (2007). El año 2007, Jane debutó como directora con el film 'Boxes' y el año siguiente publicó el álbum 'Enfants d'hiver' (2008) con composiciones propias. El año siguiente apareció el álbum en directo 'Au Palace'. En 2017 publicó 'Birkin/Gainsbourg : le symphonique', que contiene canciones escritas por Serge Gainsbourg con tratamiento sinfónico y su último álbum de estudio fue 'Oh! Pardon tu dormais…' en 2020. Murió en julio de 2023 a los 76 años.