Luther Vandross

El 20 de abril de 1951 nació en el Lower East Side de Manhattan (Nueva York) el músico y productor Luther Vandross, uno de los cantantes de R&B más populares en EEUU en las décadas de los 80 y 90. Consiguió en su carrera ocho premios Grammy y vender más de 25 millones de copias de sus publicaciones.

Luther Vandross fue conocido, sobre todo, por sus románticas baladas en las que demostraba toda la emoción de su soul. Su registro vocal abarcaba desde un tenor a un robusto barítono, lo que representaba sólo uno de sus muchos talentos. Mantuvo siempre un control artístico absoluto sobre su música y sus composiciones y arreglos han sido grabados por muchos de los grandes cantantes de pop norteamericanos. Además de su fama como artista en solitario, Vandross fue conocido como una de las voces de acompañamiento de mayor talento del pop, realizando coros para músicos como Roberta Flack, David Bowie, Diana Ross, Bette Midler y Barbra Streisand.

Fue el menor de cuatro hermanos, hijos de un tapicero que murió de diabetes cuando Luther contaba ocho años. Como resultado, desarrolló una relación muy estrecha con su madre, la enfermera Mary Ida Vandross. Todos los hermanos tenían inclinaciones musicales, y los padres les animaban en ello. Mary Ida descubrió pronto el talento especial de Luther y le hizo tomar clases de piano ya con tres años. Una de sus hermanas mayores cantó con las Crests de adolescente y, aunque dejó el hogar cuando Luther aún era niño, el joven Vandross desarrolló un cariño particular y un respeto por los estilos vocales femeninos, especialmente los de Aretha Franklin, Diana Ross y Dionne Warwick, descubriendo en ellos la facultad de expresar sus emociones con cierto desenfreno, algo raramente visto en el mundo de los vocalistas de pop masculinos.

Shades of Jade

Con trece años, Luther y su madre se trasladaron a la parte sur del Bronx, donde asistió a la Taft High School. Allí formó el grupo vocal Shades of Jade con sus amigos Carlos Alomar, Robin Clark, Anthony Hinton, Diane Sumler y Fonzi Thornton. Los cinco junto con otros once adolescentes formaron parte del taller de teatro Listen My Brother organizado por el Apollo Theater de Harlem y aparecieron en 1969 en los primeros episodios de la serie Barrio Sésamo.

Cuando llevaba dos semestres cumplidos en la Universidad de Kalamazoo (Michigan), Vandross abandonó los estudios y volvió a Nueva York para dedicarse de lleno a la música. Desempeñó diversos trabajos para sobrevivir mientras trataba de hacerse un nombre en el mundillo musical. A partir de este momento la carrera de Vandross contó con una combinación de talento y golpes de suerte. En 1973 dos de sus composiciones, 'In this lovely hour' y 'Who's gonna make it easier for me' fueron grabadas por Delores Hall en su álbum 'Hall-Mark', la segunda, cantada a dúo con Vandross. En 1974, una de sus composiciones, 'Everybody rejoice', fue incorporada al musical de Broadway 'The Wiz'.

Vandross y Bowie

Poco más tarde, Vandross se encontraba con su amigo Carlos Alomar asistiendo a la grabación de unos temas de David Bowie. Durante las sesiones, Luther hizo algunas observaciones sobre los arreglos que Bowie usaba en las grabaciones, ilustrando sus ideas cantando con su propia voz. Sus comentarios fueron muy tenidos en cuenta por Bowie que, además, contrató a Vandross para que cantara los coros en su álbum 'Young Americans'. Luther co-escribió con Bowie el tema 'Fascination'. Seguidamente, Bowie invitó a Vandross a unirse a él como telonero en su gira. Luther aceptó la oferta pero la experiencia le resultó agotadora. El stress de la gira le afectó y sentía ansiedad ante la idea de actuar frente a miles de desconocidos. Bowie, seguro del talento de Vandross le animó a perseverar convenciéndole de que su experiencia en los directos sería fundamental en su futura carrera.

A continuación Vandross trabajó un tiempo con Bette Midler y comenzó su carrera de cantante acompañando con su voz a artistas como Carly Simon, Roberta Flack, Barbra Streisand, Chaka Khan y la Average White Band. Como cantante de jingles comerciales también logró unos interesantes ingresos y a finales de los años setenta, Vandross formaba parte de un quinteto vocal llamado Luther con ex-miebros del grupo Shades of Jade. Aunque los singles 'It's good for the soul' y 'Funky music (Is part of me)' tuvieron cierto éxito, los dos álbumes publicados no alcanzaron las listas y el grupo se separó.

En 1979 fue el responsable del arreglo de las voces del dueto de Barbra Streisand y Donna Summer con 'No more tears (Enough is enough)', que fue nº1 en noviembre de 1979. En 1980 Vandross es el cantante solista del grupo de dance-pop Change, un grupo de estudio creado por el productor franco-italiano Jacques Fred Petrus. Sus hits 'The glow of love' y 'Searching' le abren las puertas al estrellato.

Un año más tarde firma con Epic Records y publica su primer álbum en solitario, 'Never Too Much' que, además del tema -compuesto por Vandross- que dió título al álbum, contenía una versión del tema de Bacharach/David 'A house is not a home'.

Los arreglos corrieron a cargo de su campañero de colegio Nat Adderley Jr, una colaboración que continuaría durante toda la carrera de Vandross. Otro de sus colaboradores en el álbum fue el bajista Marcus Miller, con quien también seguiría unido en labores de composición y producción. 'Never too much' reflejaba su estilo musical, consistente en un neo-soul tranquilo que bebía de las fuentes del R&B y pop de su juventud, particularmente de Dionne Warwick, Aretha Franklin, Smokey Robinson y los grupos femeninos de los sesenta, como las Shirelles. A estas influencias, Vandross añadió elementos contemporáneos como el jazz y el disco.

Durante los años ochenta publicó una serie de álbumes con temas de éxito en las listas de R&B como 'Bad boy/Having a party', 'Superstar', 'Till my baby comes home', 'It's over now' (1985) y 'Give me the reason' (1986). Al mismo tiempo Vandross compuso temas para Aretha Franklin, Diana Ross y Dionne Warwick, produciendo además algunos de sus trabajos. En 1987 consiguió dos nº1 consecutivos con los temas 'Stop to love' y 'There's nothing better than love', el segundo con Gregory Hines. En 1988 siguen los éxitos con dos nuevos nº1: 'Any love' y 'Here and now', su primer tema en alcanzar el Top10 de Billboard.

En los años noventa, Luther realizó una gira por Estados Unidos en la que actuó en total ante 650.000 espectadores, además de continuar publicando álbumes de éxito. Nuevos hits fueron 'Power of love (Love power)', 'Don't want to be a fool' y 'The best things in life are free', un dueto con Janet Jackson, su último nº1 en las listas de R&B.

Vandross y Mariah Carey

En 1994 tuvo su mayor hit en las listas pop (nº2) con el tema cantado a dúo con Mariah Carey, 'Endless love'. En 1998 terminó su relación profesional con Epic Records y firma con Virgin donde lanza 'I know', firmando más tarde con J Records. Su primer álbum en el nuevo sello de Clive Davis, titulado 'Luther Vandross', apareció en 2001, y produjo los éxitos 'Take you out', 'Grown thangs' y 'I'd rather'.

El año 2003 sufre un derrame y pasa varios meses recuperándose. Ese mismo año se publica su último álbum, 'Dance with my Father' en memoria a su padre. Obtiene un gran éxito de ventas y fue su primer y único trabajo en alcanzar el nº1 de las listas de álbumes. El álbum fue nominado en 2004 a cinco premios Grammy y, aunque Vandross se encontraba demasiado enfermo para asistir a la ceremonia, estuvo allí en espíritu, ganando cuatro gramófonos, incluída la canción del año. En una filmación grabada, Vandros hizo su primera aparición pública desde su derrame ante la audiencia de la entrega de los Grammy: "Me gustaría estar ahí con vosotros esta noche. Quiero agradecer a todos vuestro cariño y apoyo. Y recordad, cuando digo adiós, no es para siempre, porque creo en el poder del amor". Luther murió en julio de 2005 a los 54 años.

Tito Puente

El 20 de abril de 1923 nació en Nueva York, de padres puertorriqueños, el músico de salsa y jazz latino Tito Puente. Considerado como el 'padrino del latin jazz' y la salsa, dedicó más de 60 años de su vida a interpretar la música latina y a desarrollar una brillante carrera como percusionista. Con su eterna sonrisa y su inacabable energía fue, además de un gran tocador de timbales y un compositor de talento, un maestro de la escena y el entertainment. Su prolífica producción comprende más de 100 álbumes grabados entre 1949 y 1994 y en su larga carrera recibió cinco premios Grammy, entre otras muchas distinciones, como la llave de Nueva York y el honor de aparecer como él mismo en un episodio de los Simpsons.

Después de haber pasado por la orquesta de Noro Morales, y por la de Machito, la Segunda Guerra Mundial lo lleva a la Marina. Allí conoce a Charles Spivak, jefe de orquesta y ex-trompetista de Glenn Miller, y aprovecha para familiarizarse con la técnica de los arreglos y la composición. Los tres años de estudios en la Julliard School de Nueva York, de 1945 a 1948, constituyen el final de su aprendizaje y decide formar su propia orquesta en 1948, con la que se incorpora a la lucha por ser uno de los grandes músicos protagonistas del mambo, que entonces emergía con fuerza en los ambientes latinos de New York.

Desde entonces, aliando modernidad y tradición, este músico extraordinario, compositor talentoso de temas como, 'Ran Kan Kan', 'Oye como va' y otras, se convierte en un gran amenizador y figura imponente en el escenario, y prácticamente toca la mayor parte de los estilos latinos, marcándolos con su impronta personal. En los años ochenta, interviene asiduamente en el show televisivo de Bing Crosby y en 1992, interviene en el film, 'Los reyes del Mambo'. Hoy por hoy sus clásicos y composiciones se oyen por doquier: 'Oye cómo va' y 'Para los rumberos' han sido grabadas por leyendas del rock como Carlos Santana, amigo y admirador suyo. Sus álbumes 'El Rey del Timbal', 'Cuban Carnival' (1956), 'Top Percussion', 'Puente in Percussion' (1957), 'Dance Manía' (1958) y 'El número 100' (1991), conforman piezas clave de los coleccionistas aficionados al latin jazz.

Su música influyó decisivamente en el desarrollo de la música latina, hasta el punto de que ya hay cátedras oficiales sobre su modo de percusión en varias universidades. En su banda crecieron músicos como Mongo Santamaría, Willie Bobo y Ray Barreto. Obtuvo 11 nominaciones a los Premios Grammy y logró 5 de ellos; ha recibido varias condecoraciones presidenciales por su fomento a la música popular y su labor educativa. Fundó en los años 80, de la mano de Joe Conzo y Roberto Rodríguez, la Tito Puente Scholarship Fundation, fundación encargada de ofrecer becas a jóvenes talentos. En 1997 Tito grabó '50 Years of Swing', una recopilación de éxitos con la que celebró sus cincuenta años en la industria musical; además fue elevado al Salón de la Fama del Jazz junto a grandes estrellas como Nat King Cole, Miles Davis, Ray Charles y Anita O’Day.

Fue en su último concierto en público, junto a la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, cuando se le detectó una arritmia cardiaca que se buscó corregir en una intervención quirúrgica, pero su corazón no soportó la operación. Fallecía el 'Rey del Timbal', un músico que, con la sonrisa siempre en los labios, se ganó el respeto de sus contemporáneos. La última vez que lo pudimos ver sonreír fue en la extraordinaria película de Fernando Trueba dedicada al jazz latino y titulada 'Calle 54'. Apenas unos meses después, el 1 de junio de 2000 su sonrisa se truncó para siempre a los 77 años.

LP 'Jazz Samba'

El 20 de abril de 1962 se publicó en EEUU en el sello Verve el LP 'Jazz Samba' del saxofonista Stan Getz y el guitarrista Charlie Byrd. Fue el primer disco importante de bossa nova en la escena del jazz americano y ayudó a preparar la explosión mundial del nuevo estilo que se estaba gestando. Un álbum imprescindible en cualquier colección de jazz, que logró el nº1 de las listas pop, en las que se mantuvo setenta semanas.

Stan Getz

Antes de 1962, el saxofonista tenor Stan Getz y el guitarrista Charlie Byrd ya disfrutaban de una posición respetada en los círculos del jazz. Getz, antes de lanzarse en solitario a finales de los años cuarenta, había estado tocando junto a Stan Kenton, Jimmy Dorsey, Benny Godman y Woody Herman. Byrd por su parte había estudiado guitarra clásica con el maestro Segovia y tocó con Woody Herman en 1959. Charlie Byrd había sido invitado a un intercambio cultural con Brasil que la administración Kennedy promovió en 1961. Allí se quedó prendado de la música y se trajo numerosas grabaciones en su vuelta a Estados Unidos.

Charlie Byrd

Una en particular, el LP 'Chega de Saudade' de Joao Gilberto, que contenía varias bossas de Jobim. "Cuando volvimos a casa, incluimos cuatro o cinco temas brasileños en el repertorio y tuvieron muy buena acogida" -recuerda Byrd- "pensé que podría reunir material para grabar un álbum, pero nunca imaginé que pudiera acabar como nº1 de las listas pop." Cuando su viejo conocido Stan Getz pasó por Washington con motivo de una actuación, Byrd lo invitó a comer a su casa y le mostró sus últimos descubrimientos musicales. Getz estaba entusiasmado. "Me sugirió grabarlo en su sello, y como en aquel momento no tenía nada más interesante que hacer, accedí."

El disco se grabó en una sola sesión de cuatro horas en la Iglesia de Todas las Almas de Washington D.C. el 13 de febrero de 1962. La sección de ritmo estaba compuesta por la banda de Byrd, es decir, Keter Betts al contrabajo y Buddy Deppenschmidt a la batería, reforzados por Gene Byrd -hermano menor de Charlie- (guitarra y bajo) y Bill Reichenbach (batería). Según Byrd, la decisión de usar dos baterías fue una idea que tomó de los grupos brasileños que había visto en su viaje. Algo sorprendente es, que Getz y Byrd no realizaron sesiones de ensayo antes de la grabación. "Hablamos un rato sobre ello en la habitación del hotel y a continuación fuimos a grabar". La elección del lugar de grabación no respondió a motivaciones espirituales. "Ed Green -el ingeniero de grabación- y yo habíamos probado en varias localizaciones de Washington, porque no nos gustaba el sonido 'seco' de los estudios. En principio elegimos un recinto de una comunidad judía, pero junto a él había una parada de autobús, por lo que tuvimos que seguir buscando" añade Byrd.

Getz y los hermanos Byrd

El productor Creed Taylor, aunque no estaba muy satisfecho con la sección rítmica, se llevó las cintas a Nueva York y publicó el disco. Byrd recibió por su participación un pago de rutina por músico de sesión y estuvo litigando con Getz y Verve Records, hasta que en 1967 recibió una suma compensatoria de 50.000$.

Cuando en marzo de 1963, 'Jazz Samba' alcanzó el nº1, en Estados Unidos ya había se había propagado la fiebre de la bossa nova. En las listas de aquel año podíamos encontrar títulos como 'Fly me to the moon and the Bossa Nova Pops' de Joe Harnell and his Piano Orchestra; 'Viva Bossa Nova', de Laurindo Almeida and the Bossa Nova All Stars y 'Big Band Bossa Nova', de Enoch Light. El single que se extrajo del álbum, 'Desafinado' llegó al nº 15 de las listas y supuso -además de un Grammy- el resurgir de Stan Getz, quien tras superar problemas con las drogas en los cincuenta y vagar varios años por Europa, se encontró como protagonista de la expansión comercial del nuevo sonido brasileño, un sonido que encontró su sitio en el mundo pop, justo en el momento en el que la energía inicial del rock and roll se empezaba a diluir en un pop blandengue y los Beatles aún estaban incubándose en Hamburgo.

'Desafinado' (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça)

'Samba dees days' (Charlie Byrd)

'O pato' (Jayme Silva, Neuza Teixeira)

'Samba triste' (Baden Powell, Billy Blanco)

'Samba de uma nota só' (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça)

'É luxo só' (Ary Barroso)

'Baia' (Ary Barroso)

Germaine Tailleferre

El 19 de abril de 1892 nació en Saint Maur-des-Fossés, Francia, una de las grandes compositoras francesas de principios del siglo XX, Germaine Tailleferre. Formó parte del conocido "Grupo de los Seis" (Les Six), grupo muy libre y muy desigual en su composición, formado en 1920 por 6 compositores franceses, animados todos ellos por los experimentos de Satie y por la estética antiwagneriana y antirromántica de Jean Cocteau, el polifacético dramaturgo, poeta, novelista, director de cine y pintor.

La joven Germaine se inicia al piano con su madre y comienza desde muy joven a componer pequeñas obras. A pesar de la oposición de su padre, en 1904 entra en el Conservatorio de París, bajo la dirección de Eva Sautereau-Meyer, en las clase de piano y de solfeo. Entre sus compañeros de estudios se encontraban Darius Milhaud y Arthur Honegger. Como pianista prodigio, con una memoria asombrosa, comienza ganando un primer premio de solfeo. Este éxito disminuye la oposición de su padre que le autoriza a continuar sus estudios, eso sí, sin garantizarle su financiación. Una cierta toma de conciencia de sí misma así como un pequeño deseo de venganza, le hacen cambiar el doblemente arriesgado apellido de Taillefesse a Tailleferre.

Germaine y Milhaud

Fue alumna de contrapunto de Georges Caussade y en 1913 se alzó como ganadora del primer premio de contrapunto con el apoyo de Gabriel Faurè y Claude Debussy. Dos años más tarde, después de realizar estudios de armonía y acompañamiento al piano, ganó otros premios. En aquellos años tocó como percusionista en la orquesta del conservatorio, bajo la dirección de Vincent d'Indy y presentó en público sus primeros trabajos.
Después del escándalo provocado por el estreno del ballet "Parade" de Erik Satie, se reunió en torno al autor un grupo de jóvenes compositores interesados en ese nuevo tipo de composiciones. En 1917 presentó su nuevo trabajo “Jeux de Plein Air” (Janine Reding y Henry Piette), para dos pianos, en casa de la célebre pianista Marcelle Mayer. Sin que la autora lo supiera, Satie escuchó su obra y entusiasmado por su talento llamó a la Tailleferre "ma fille musicale", (mi hija musical), incluyendo sus obras en las veladas musicales que se organizaban en el estudio del pintor Lejeune en la calle Huyghens.

Los 'Seis' con Cocteau al piano

Otros jóvenes músicos del grupo, animados por Jean Cocteau, autor en 1918 del "panfleto" 'El gallo y el arlequín', en el que arremetía contra la música rusa y alemana, intentaron encontrar un nuevo camino para la música francesa. Tailleferre, Honegger, Georges Auric, Louis Durey, Francis Poulenc y Milhaud trabajaron juntos en un ambiente de amistad (amistad que siguió viva hasta la muerte de cada uno de ellos), pero fue en 1920, año de la publicación de un álbum de su obra musical, cuando el crítico H. Collet empezó a llamarles "le Groupe des Six". Su forma irónica de enfrentarse con la tradición situó a los Seis en la llamada vanguardia de comienzos de siglo: se pueden establecer analogías entre sus características y las de diversos movimientos artísticos de aquel momento, como el cubismo, el futurismo, etc. El grupo se disolvió muy pronto porque sus miembros eran demasiado diferentes entre sí.

Poulenc, Tailleferre, Durey, Jean Cocteau, Milhaud y Honegger posan bajo un dibujo de Auric.

En los años de entreguerra, Germaine Tailleferre estuvo comprendida entre los compositores más aclamados de su generación. Después del éxito en 1920 de la “Pastoral” (Cristina Ariagno, pianoforte). para pequeña orquesta, compuso otros muchos trabajos: “Primera sonata para violín” (1921), que fue presentada por Jacques Thibaud y Alfred Cortot; en 1927, a petición de Paul Claudel y sobre texto del propio poeta, escribió la música de escena de “Sous le rempart d'Athènes”.

En 1934 la Orquesta Sinfónica de París, dirigida por Piere Monteux, presentó el “Concerto grosso” para dos pianos, cuarteto de saxofones, coro mixto y orquesta. A pesar del éxito de crítico y público este trabajo no se volvió a interpretar. En 1938 compuso la famosa “Cantata du Narcise”, sobre libreto de Paul Valléry, para barítono, soprano, coro femenino, cuatro voces y orquesta de cámara.
En 1926, durante una gira por América, conoció al diseñador de "cartoons" Ralph Barton, con el que se casó, pero el matrimonio no duró mucho. Celoso del éxito de su esposa, Barton le negó la oportunidad de quedarse en Hollywood, lo que ocasionó el divorcio de ambos. Su exmarido se suicida al poco de regresar a Estados Unidos.
Sus “Seis Canciones Francesas” (Six Chansons Françaises) (Claire Gouton, voz - Cristina Ariagno, pianoforte) dejan traslucir su estado tras el divorcio. Germaine utiliza para las canciones textos del período comprendido entre los siglos XV y XVIII, que tratan sobre la condición femenina. Cada obra está dedicada a una amiga.

En 1931 se casó en Londres con el abogado francés Jean Lageat, pero tampoco esta unión fue duradera. Durante la Segunda Guerra Mundial, Germaine Tailleferre se trasladó de nuevo a Estados Unidos con su marido y su única hija, Françoise. Regresó a Francia en 1946 y se dedicó enteramente a la música. En este período compuso el “Segundo concierto para piano” dedicado a su hija (fallecida en 1993). Desde su regreso a París y hasta su muerte siguió componiendo para un gran número de conjuntos instrumentales y vocales. Su primer ballet “Marchand d'oiseaux”, fue representado por el Ballet Sueco en 1923 y Diaghilev utilizó su obertura en sus Ballets rusos. Compuso también “Les vaines paroles”, una adaptación para conjunto instrumental de su Concerto grosso para barítono y orquesta y su "Adagio" en 1924 (Massimo Marin, violín - Cristina Ariagno, piano).

Al año siguiente escribió su única ópera lírica, “Il était un petit navire”, que se representó en París. Sintonizando con las diversas posibilidades de utilización de la música en nuestro siglo, compuso bandas sonoras para la radio, la televisión y el cine.

Con Bernard Lefort —barítono que llegará a ser director de la Opera de París—, forma un dúo con el que dará giras por toda Europa. El mismo Lefort será, hasta la muerte de Tailleferre, uno de sus amigos más fieles. En 1970 será profesora en la Schola Cantorum pero deberá renunciar a causa de la ausencia de alumnos. Conoce entonces al director de orquesta de «Gardiens de la Paix» Désiré Dondeyne, que la animará a escribir para orquesta de armonía y la ayudará a concretar algunos proyectos.

A los 84 años, acepta ser acompañante para niños en la «École alsacienne», una de las más célebres escuelas privadas de París. Este puesto le aportará un pequeño complemento al retiro, y le permitirá acabar una última serie de obras, como la “Sonate pour deux pianos”, la “Sérénade en la mineur” para cuatro vientos y piano (o clavecin), el Allegro concertant "les Vaines paroles" y la “Sonate champêtre”, para tres vientos y piano. Su última obra importante fue un encargo del Ministerio de Cultura.
La compositora escribe con 89 años el “Concerto de la fidelité” para voces agudas y orquesta —reescritura de parte de una obra anterior, que será orquestada por Désiré Dondeyne—. Tailleferre compondrá hasta sus últimos instantes, muriendo el 7 de noviembre de 1983 en París a los 91 años. Está enterrada en el cementerio comunal de Quincy-Voisins cerca de de Meaux.

Obtuvo numerosos premios y honores (entre ellos la orden de la Legión de Honor en 1973) y en los años ochenta se creó la Asociación Germaine Tailleferre con un comité de honor formado por algunos de los músicos franceses vivos más importantes. La asociación intentó ayudarla en aquellos años y asumió la tarea de recopilar y archivar toda su obra musical (una parte de la cual sigue inédita).
Siempre al corriente de las tendencias musicales de los países del resto de Europa, Tailleferre introdujo el serialismo en algunas de sus obras hacia finales de los años cincuenta, pero después volvió a las armonías y el romanticismo de sus primeros trabajos "neoclásicos". Al comienzo de su larga carrera estuvo muy influida por el mundo musical de Ravel (del que recibió algunas lecciones sobre orquestación) pero enseguida intentó descubrir por sí misma un mundo menos complejo, más airoso, más alegre. sus conciertos para voz solista y orquesta, en los que la voz humana ( en unos casos un barítono y en otros una soprano) se trata como un instrumento, fueron los primeros en su género. Si en el futuro queremos hablar de las mujeres compositoras más innovadoras, probablemente deberemos considerar las obras de Germaine Tailleferre y darle la importancia que merecen en la historia de la música.

Obras destacables:
- “Romance” (1913) (Cristina Ariagno, piano)
- “Piano Trío” (1916/1917 rev.1978) (Cristina Ariagno, piano - Massimo Marin, violín - Manuel Zigante, violonchelo).

- “Hommage à Debussy” (1920) (Cristina Ariagno, piano)
- "Sonata No.1 para violín y piano" (1921) (Cristina Ariagno, piano - Massimo Marin, violín).
- "Concertino para arpa y piano" (1927) (Cristina Ariagno, piano - Gabriella Bosio, arpa)
- “Sicillienne” (1928) (Cristina Ariagno, piano).
- “Vocalise pour voix elevée” (1929) (Cristina Ariagno, piano - Claire Gouton, voz ).
- “Fleurs de France” (1930) (Cristina Ariagno, piano)
- “Au Pavillon d'Alsace” (1937) (Cristina Ariagno, piano)

- “Pastoral” para flauta y piano (1942) (Young Music)
- "Arabesque" para clarinete y piano (1942) (Robert Yaple, piano - Josh Oxford, clarinete) .
- "Sonatine" (1946) (Cristina Ariagno, piano - Massimo Marin, violín).
- "Intermezzo" (1946) (Marc Clinton & Nicole Carboni)
- “Vals lento” (1948) (Cristina Ariagno, piano)
- “Fugue du parapluie” (1950) (Cristina Ariagno, piano)
- “Pieza en forma de Samba” (1953) (Cristina Ariagno, piano)
- “La Rue Chagrin” (1955) (Cristina Ariagno, piano - Claire Gouton, voz ).
- “Sonata para arpa” (1957) (Claudia Antonelli, arpa)
- “Rêverie” (1964) (Cristina Ariagno, piano)
- “Tres sonatinas para piano” (1975) (David de Lucia, piano).

Alexis Korner

El 19 de abril de 1928 nació en Paris, el músico británico Alexis Korner. Si John Mayall está acreditado como el 'padre del blues británico', Korner ha de ser el abuelo del género. Ya en 1952, había formado un duo de blues con el armonicista Cyril Davies, antes de formar Blues Incorporated en 1962. Durante su estancia como grupo residente en el Marquee de Londres, la banda incorporó a futuros miembros de Roling Stones, The Pretty Things, Cream y la Graham Bond Organization. Cuando el blues se volvió psicodélico, Korner se mantuvo purista y formó el grupo New Church que, en su primera etapa contó con el vocalista Robert Plant antes de pertenecer a Led Zeppelin. En los setenta formó la big band CCS y, antes de morir en 1984, formó diversos 'supergrupos' con ex-miembros de Cream y Rolling Stones.

Alexis Korner

Korner era hjio de un austríaco y una griega de origen turco y pasó su juventud en Francia, Suiza y el Norte de África. Cuando estalló la segunda guerra mundial, Alexis y su familia se establecieron en la capital del Reino Unido y fue allí, mientras los nazis bombardeaban Londres, cuando Korner escuchó por primera vez un disco del bluesman americano Jimmy Yancey, lo que despertó en él el deseo de cantar e interpretar blues. Una vez finalizada la guerra, Alexis aprendió por su cuenta a tocar la guitarra y el piano. En 1949 era miembro de la banda de jazz de Chris Barber y permaneció con él cuando se fusionó con el grupo de Ken Colyer.

Ciryl Davies

En este periodo, Alexis conoció a Cyril Davies, un armonicista con quien compartía la pasión por el country blues del Delta. Formaron un dúo de armónica amplificada y guitarra eléctrica y en 1955 fundaron el London Blues and Barrelhouse Club, con sede en el pub Roundhouse en el Soho. Esto les brindó la oportunidad de contratar a bluesmen americanos que ayudaron a popularizar el género entre el público británico.

Blues Incorporated

En 1962, Davies y Korner formaron la banda Blues Incorporated, cuya primera formación constaba de Korner, Davies, el pianista Ken Scott y el saxofonista Dick Heckstall-Smith. Por el grupo pasaron músicos invitados como Charlie Watts y el futuro bajista de Cream, Jack Bruce. Otros músicos que pasaron en algún momento por la formación de Blues Incorporated incluyen a Ginger Baker, Eric Burdon, Brian Jones, Davy Graham, Long John Baldry y Ron Wood.

En aquellos días la escena musical inglesa estaba dividida a partes iguales entre los seguidores de jazz, skiffle y pop, por lo que los integrantes de Blues Incorporated se vieron en la necesidad de abrir su propio club, el Ealing Rhythm & Blues Club, en el que podían tocar su música. Entre los músicos que visitaban el club con frecuencia y se apuntaban a jams con Alexis y cia, se encontraban Mick Jagger, Keith Richards, Paul Jones, Rod Stewart, Manfred Mann, Ian Stewart, John Mayall y Steve Marriott.

El Marquee en 1962: Dave Stevens, Dick Heckstall-Smith, Alexis Korner, Jack Bruce, Mick Jagger y Cyril Davies

La creciente popularidad del grupo hizo que fueran invitados a tocar en el Marquee como grupo residente. Allí convencieron al público y a los ejecutivos de las discográficas de que aquello no era una moda pasajera. En 1962 se grabó el álbum 'R&B from the Marquee', un hito del blues británico que abrió las puertas a numerosos grupos como Rolling Stones, Yardbirds o Animals que ya al año siguiente comenzaron a mostrar sus intenciones incorporando blues americano en sus repertorios.

La insistencia de Korner en añadir vientos a la banda provocó la salida de Davies. Alexis continuó manteniéndose impasible en las rígidas estructuras del blues, en vez de adaptarse con los tiempos y evolucionar como hacían el resto de sus contemporáneos. Aunque no dejó de actuar y grabar con Blues Incorporated (en 1964 aparecieron los álbumes 'At the Cavern' y 'Red Hot from Alex'), su música se quedó un paso atrás de las nuevas direcciones que los demás músicos británicos de blues estaban tomando.

'Sky High' (1966)

Cuando un joven Eric Clapton realizaba su debut con los Bluesbreakers de John Mayall, Korner lamentaba entristecido 'esa' evolución del blues. Cuando el mismo Clapton lideró junto a Jack Bruce el trío de blues psicodélico Cream, Alexis directamente desdeñó su música. En 1966 apareció el último álbum oficial de Blues Incorporated, 'Sky High', con el magnífico tema 'Long black train' coescrito por Korner con Duffy Power, que canta la voz solista.

Peter Thorup y Alexis Korner

En 1967, Korner formó el grupo Free at Last con Marsha Hunt y Victor Brox, pero fue un proyecto efímero que únicamente generó un par de actuaciones. Seguidamente, en los primeros meses de 1968, Korner comenzó a grabar un álbum con Robert Plant, pero tampoco este proyecto cristalizó, ya que el vocalista se fue con Jimmy Page a formar Led Zeppelin. De aquellas sesiones sólo quedan dos temas: 'Steal away' y 'Operator'. Ese mismo año, Alexis Korner realizó giras por Escandinavia con el vocalista danés Peter Thorup y una banda llamada los Beefeaters. En 1968 publica el álbum 'New Generations of blues'.

Posteriormente, Alexis reclutó a su hija Sappho Korner, al bajista Colin Hodgkinson y a Thorup para formar una nueva banda, New Church. Actuaron como teloneros en el concierto que los Rolling Stones ofrecieron en 1969 en el Hyde Park de Londres. Cuando Brian Jones dejó a los Stones, se rumoreó que Korner quería incorporarlo a su banda pero, en cualquier caso, su prematura muerte lo impidió.

Korner, Cameron y Thorup

Korner y Thorup disolvieron New Church en 1970 y se apuntaron a CCS (Collective Consciousness Society) (Sociedad de conciencia colectiva) un grupo de estudio de alrededor de 25 miembros bajo dirección musical de Peter Cameron y producción de Mickie Most, que con su versión instrumental del clásico de Led Zeppelin 'Whole lotta love' logró un gran hit en las listas británicas. El tema fue durante varios años la sintonía del programa de TV 'Top of the Pops'. El grupo colocó otros dos temas en las listas, 'Walking' y 'Tap turns on the water', antes de disolverse.

En 1972, Korner y Thorup forman una nueva banda con ex-miembros de King Crimson, como el bajista Boz Burrell, el saxofonista Mel Collins y el batería Ian Wallace. El grupo se denominó Snape y publicaron el álbum 'Accidentaly Born in New Orleans'. En 1975 grabó el álbum 'Get Off My Cloud' con miembros de la Grease Band de Joe Cocker y colaboraciones de Nicky Hopkins, Keith Richards, Peter Frampton, Steve Marriott y Colin Hodkinson.
Poseedor de una personal voz de barítono, Korner trabajó durante un tiempo como locutor en programas y comerciales de TV. Esta fuente de ingresos le permitió permanecer ajeno a consideraciones comerciales con su música. En 1978 se celebró una gala musical conmemorando el 50 cumpleaños de Korner en la que actuaron Eric Clapton, Paul Jones y Chris Farlowe .

En 1981 formó Rocket 88 con Jack Bruce, Ian Stewart y Charlie Watts para una gira por Europa. El álbum 'Rocket 88' recoge varios directos de la gira y ésta sería la última grabación de Korner, ya que murió el día de Año Nuevo de 1984 a los 55 años. Aunque su nombre nunca brilló como muchos otros bluesmen británicos, son muchos los músicos que confiesan deberle mucho. Fue de los primeros en Inglaterra en introducir el blues americano, plantando la semilla de uno de los movimientos musicales más importantes en la música popular del siglo pasado.

LP 'Odessey & Oracle'

El 19 de abril de 1968 se publicó en el Reino Unido, 'Odessey & Oracle', segundo álbum del grupo británico The Zombies, cuyas pobres ventas aceleraron la disolución de la banda. Contenía, entre otras grandes composiciones, el tema 'Time of the Season', editado en single meses después en EEUU, donde sí entró en listas, alcanzando el nº3 así como el nº1 en Canadá.

Formados en la pequeña ciudad de St Albans en 1963, el debut de los Zombies, la sublime 'She's not there' alcanzó el nº2 en EEUU, pero los siguientes singles no lograron el éxito esperado. Tras tres años de giras constantes, el grupo decidió separarse a finales de 1966. Fue el bajita Chris White quien los convenció para grabar un álbum antes del fin de la banda. Al fin y al cabo, su primer álbum era una colección de singles, y su nuevo contrato con Columbia les posibilitaba grabar lo que quisieran y -ya que se iban a separar- sin presiones comerciales. Y lo que resultó fue un exuberante y barroco sonido pop psicodélico con elaboradas armonías, complejas progresiones de acordes y pequeños toques de jazz a la altura de los mejores trabajos de Beach Boys y Beatles, que pasó completamente desapercibido en el mercado de Gran Bretaña.

Nueve de los doce temas que componen el álbum fueron grabados en Abbey Road, en el mismo estudio donde meses antes se habían grabado en un magnetófono Studer de cuatro pistas los LP's 'Seargent Pepper' de Beatles y 'The Piper at the Gates of Dawn' de Pink Floyd. Las últimas sesiones de grabación se llevaron a cabo en noviembre de 1967, en un punto en el que el desánimo ya se había apoderado de la banda. Se habían publicado ya dos singles como avance del álbum, 'Care of cell 44' y 'Friends of mine', ante la total indiferencia general y el cantante Colin Blunstone, que estaba convencido de que 'Care of cell 44' era un hit seguro, terminó de hundirse. Para colmo, cuando salió el álbum, grabado en mono y uno de los productores americanos de CBS (Al Kooper) escuchó el disco y convenció a sus jefes para que publicaran el disco en EEUU, éstos exigieron que la grabación fuera en estéreo, lo que motivó que tuvieran que invertir más dinero para la nueva mezcla.

En EEUU también pasó relativamente desapercibido hasta que se editó allí el single, 'Time of the season', dos años después de grabarse. Alcanzó el nº3 en EEUU y el nº1 en Canadá, y con el tiempo se convirtió en un clásico del soul blanco usado en numerosas ocasiones como tema representativo de finales de los sesenta, pero a estas alturas, The Zombies llevaban más de un año separados.

El resto del álbum contiene auténticas joyas del pop psicodélico como 'Hung up to a dream', 'I want her and she wants me', 'Changes' y 'This will be our year' con un arreglo de trompetas muy a lo 'Penny Lane' que se perdió en la mezcla estéreo, apuntes de caracteres humanos melodramáticos como 'A rose for Emily', estrambóticos temas pacifistas como 'Butchers tale (Western Front 1914)', evocadoras piezas descriptivas como 'Beechwood park' e himnos -más que canciones- de amor, como 'Maybe after she's gone' y 'Brief candles'.
La portada de la edición original inglesa (en la americana quedó mutilada) era un diseño del ilustrador Terry Quirk, un compañero de piso de Chris White, que cometió el error ortográfico al escribir la palabra 'odyssey'. El error se mantuvo, afirmando White y Argent que había sido intencionado.

'Care of cell 44' (Rod Argent)

'A rose for Emily' (Argent)

'Maybe after he's gone' (Chris White)

'Beechwood park' (White)

'Brief candles' (White)

'Hung up on a dream' (Argent)

'Changes' (White)

'I want her, she wants me' (Argent)

'This will be our year' (White)

'Butcher's tale (Western front 1914)' (White)

'Friends of mine' (White)

'Time of the season' (Argent)

Paul Atkinson, Hugh Grundy, Rod Argent, Colin Blunstone y Chris White

Colin Blunstone – voz solista

Rod Argent – órgano, piano, Mellotron, voz solista en 'I Want Her, She Wants Me'

Paul Atkinson – guitarra, voces (en 'Changes')

Chris White – bajo, voces (voz solista en 'Butcher's Tale (Western Front 1914)' y una estrofa de 'Brief Candles')

Hugh Grundy – batería, voces (en 'Changes')

Geoff Emerick y Peter Vince - Ingenieros de grabación