Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 23 de septiembre de 1939 nació en Ozark (Arkansas) el músico de blues Roy Buchanan, un respetado guitarrista que surgió a finales de los cincuenta gracias a su destreza con la Telecaster. Sus comienzos profesionales fueron tempranos, a los quince años ya estaba tocando con Shuggie Otis. Unos años después Roy se encontraba trabajando con Ronnie Hawkins y Robbie Robertson, a quien enseñó muchos trucos de guitarra.
Comenzó a tocar con su grupo The Snake Stretchers en clubes de Washington y grabó con sus propios medios un álbum. 'Butch & the Snake Stretchers'. A principios de los setenta protagonizó un documental llamado 'El mejor guitarrista desconocido del mundo', una opinión compartida entonces por músicos como Eric Clapton y John Lennon. Rechazó una oferta de los Rolling Stones para sustituir a Brian Jones y por fin, Polydor Records le ofreció un contrato. Se publicaron 'Roy Buchanan' (1972) y 'Second Album' (1974) los primeros de una serie de excelentes álbumes, hasta que en 1981 dejó de grabar, quejándose de que no tenía plena libertad en el estudio para hacer la música que él quería.
En 1985, ya con plena libertad, graba con Alligator Records'When a Guitar Plays the Blues', al que le siguen 'Dancing on the Edge' (1986) y 'Hot Wires' (1987). Durante toda su vida Buchanan abusó del consumo de alcohol y drogas, abuso que empeoró con el tiempo, culminando cuando le arrestaron por conducir en estado de ebriedad; algunas horas después, Buchanan fue encontrado en su celda ahorcado con su propia camisa. La causa de muerte fue registrada oficialmente como suicidio, lo cual ha sido discutido por algunos amigos de Buchanan y familia. Roy murió a los 48 años.
El 23 de septiembre de 1930 nació en Albany (Georgia) el pianista y cantante Ray Charles, una de las grandes voces de América. Frank Sinatra dijo de él que era "el único genio verdadero del negocio de la música". Hijo de un ferroviario y una aparcera, Charles perdió la vista con cinco años. Mientras visitaba la escuela para ciegos tomó clases de piano clásico, pero al morir su madre, su música tomó otros caminos.
Con diecisiete ya estaba grabando discos para Swing Time Records, con los que obtuvo su primer hit, 'Confession blues' en 1949. En 1951 Ahmet Ertegun le contrató para Atlantic Records, dando salida a una carrera llena de éxitos y honores que le han convertido con todo merecimiento en un icono americano de la música. Después de una aparición en el Newport Jazz Festival logró un éxito importante con '(The night time is) The right time' y su canción más popular de 1959, 'What'd I say'. La esencia de esta fase de su carrera se puede escuchar en su álbum en vivo 'Ray Charles in Person', grabado ante una gran audiencia afroamericana en Atlanta en 1959.
Ray y sus Raylettes
Ray comenzó a ir más allá de los límites de su síntesis blues-gospel mientras seguía con Atlantic, que ahora lo llamaba 'El Genio'. Grabó con muchas orquestas y artistas de jazz como Milt Jackson e incluso hizo su primer cover de música country con 'I'm movin' on' de Hank Snow. A continuación, se cambió a ABC Records. Allí, Charles tuvo mucho control sobre su música y extendió su enfoque hacia la música pop, dando como resultado la canción 'Unchain my heart' y el número 1 en los listados de Billboard, 'Hit the road, Jack'.
Después de 1970, Ray se concentró en espectáculos en vivo, aunque su versión de 'Georgia on my mind', una canción originalmente escrita para una chica llamada Georgia, fue un gran éxito y pronto fue proclamada como la canción por excelencia del estado norteamericano de Georgia en 1979. Incluso tuvo éxito con su versión de 'America the beautiful'. En 1980 Charles hizo una breve aparición en el film 'The Blues Brothers'. También realizó repetidas apariciones en 'Barrio Sésamo'.
Ray Charles murió en junio de 2004 de cáncer de hígado con 73 años. En octubre de ese mismo año se estrenó el biopic 'Ray', en el que el actor que caracteriza a Ray Charles, Jamie Foxx, ganó al año siguiente la estatuilla de oro por su papel. En los créditos finales del film nos informan de que Ray dejó tras su muerte 12 hijos de nueve esposas, 21 nietos y 5 bisnietos.
El 23 de septiembre de 1926 nació en Hamlet (Carolina del Norte) el saxofonista y compositor de jazz estadounidense John Coltrane. Aunque su carrera profesional únicamente duró doce años, su catálogo de obras y acompañamientos es legendario y espectacular. Está considerado uno de los más grandes saxofonistas de todos los tiempos y fue uno de los que ayudó a popularizar el free jazz.
Coltrane nació en el seno de una familia de clase media. El padre era sastre y violinista aficionado. La madre, hija de un predicador metodista, impuso en el hogar una estrecha disciplina religiosa. Poco después de nacer John, la familia se mudó a la pequeña localidad industrial High Point, donde Coltrane disfrutó de una infancia feliz hasta que cumplió los doce años, cuando en el curso de pocos meses murieron su padre, su tío y su abuelo. La madre tuvo que ponerse a trabajar y John soñaba con ser músico. En 1938, en la escuela secundaria comenzó a tocar el clarinete y se cambió enseguida al saxo alto.
Coltrane y Gillespie en 1949
Entusiasmado con la música de Lester Young, Coleman Hakwins y Johnny Hodges viajó en 1943 a Filadelfia, donde estudió en la Omstein School of Music y en el Granoff Studio y obtuvo en 1945 su primer trabajo fijo en una orquesta de baile. Su periodo en el ejército (1945/46) lo pasó en Hawaii, donde realizó sus primeras grabaciones. A continuación trabajó en bandas de R&B y animado por Eddie 'Cleanhed' Vinson, se cambió al saxo tenor. En 1949 se unió al septeto de Dizzy Gillespie y más tarde tocó con Earl Bostic (1952), Gay Crosse (1952) y Johnny Hodges (1954), entre otros.
Coltrane y Miles Davis
En 1955 ocurrirían dos hechos importantes en su vida. El 3 de octubre se casó con su primera mujer Naima. Pocos días después fue contratado por Miles Davis. El quinteto de Miles, que incluía al pianista Red Garland, al contrabajista Paul Chambers y al batería Philly Joe Jones, era uno de los grupos más populares del jazz. La banda grabó varios álbumes para Prestige a mediados de los cincuenta, liderados por Davis y Coltrane; sin embargo, Davis despidió a Coltrane en 1957 por sus problemas con la heroína a la que se había enganchado años antes.
Coltrane regresó a su casa en Filadselfia, venció su adicción y regresó como un hombre nuevo. Trabajó con Thelonious Monk y grabó su magnífico 'Blue Train' (1957), antes de conseguir su propio contrato con Prestige.
Cuando Coltrane volvió con Davis en 1958, había desarrollado una técnica de largas cascadas de notas en una propulsora extrapolación armónica de complicados cambios de acordes. El saxofonista se unió a Davis, Julian 'Cannonball' Adderley y el pianista Bill Evans en el clásico 'Kind of Blue', simplificando la música con escalas modales en lugar de acordes. Coltrane respondió con su propio y armónicamente complicado 'Giant Steps' (1959) para Atlantic Records. La composición homónima sigue siendo una prueba para cualquier músico de jazz.
En los sesenta Coltrane empezó a tocar el saxo soprano, y consiguió otro hit con 'My Favorite Things'. El bajista Jimmy Garrison, el pianista McCoy Tyner y el batería Elvin Jones formaron el núcleo del cuarteto de Coltrane a principios de los sesenta, el cual se convirtió en una de las formaciones más laureadas del jazz. Pero a medida que su carrera progresaba, Coltrane continuó desarrollando su técnica instrumental, enraizada en lo que sería una visión personal y espiritual.
Durante este periodo incorpora a su música el interés por folklores ajenos a la tradición europea: el flamenco ('Olé', 1961), la música y ritmos africanos ('Dahomey Dance', 'África') la música india ('Aisha') etc. En muchas de estas obras aparece el saxo alto, clarinete bajo y flautista, Eric Dolphy, que permaneció en su cuarteto desde 1961 hasta marzo de 1962 y a partir de ahí da comienzo un nuevo proyecto con su firma para el sello Impulse! donde graba en directo desde el Village Vanguard de New York, una serie de conciertos absolutamente geniales.
Parte otra vez hacia Europa en 1963 y al año siguiente graba un álbum 'Crescent', que indica el desplazamiento espiritual en su música.
En diciembre de 1964, el cuarteto básico de Coltrane grabó 'A Love Supreme'. La suite de jazz, que ocupaba el álbum, ofrecía el jazz más exótico que la mayoría de los fans del jazz habían escuchado jamás. Tuvo una gran acogida y se transformó en otro hito de los álbumes de jazz de la época y quizás en el álbum más conocido por el gran público. Coltrane se introdujo más en el free jazz en junio de 1965, reuniendo una gran formación que incluía al trompetista Freddie Hubbard y a los saxofonistas Pharaoh Sanders y Archie Shepp, y grabó 'Ascension' (1965), dos improvisaciones que ocupaban un álbum armónicamente desbocado, denso y extremadamente enérgico.
Pocos días después, Coltrane y Shepp revelaban su -de alguna manera más sorda pero no por ello menos radical- orientación musical en el Newport Jazz Festival. Aunque Jones y Tyner siguieron las temerarias exploraciones de Coltrane durante frecuentes sesiones que dieron como resultado álbumes como 'Transition' (1965) y 'Meditations' (1966), no se sentían cómodos con algunas de sus más libres orientaciones polirítmicas y polífónicas.
En 1965, Alice Coltrane, la segunda esposa del saxofonista, se convirtió en la pianista y el batería Rashied Ali emergió como un intérprete significativo, especialmente en grabacioenes de dueto registradas bajo el título 'Interstellar Space' (1967). John continuó explorando el jazz intenso, abstracto, progresivo y sin compromisos, hasta su muerte por problemas de hígado a los 40 años en julio de 1967.
El 22 de septiembre de 1875 nació en Varena el compositor lituano y pintor Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, también conocido como M. K. Čiurlionis, que contribuyó al simbolismo y al “art nouveau” y también fue representativo de la época del fin de siècle.
Compositor y poeta, filósofo a su manera y pintor, fotógrafo y diseñador, Mikalojus fue una combinación rara de varias artes del “fin del siglo' cuando poetas hacían de críticos de arte y los músicos pintaban extrañas figuras y paisajes en el pentagrama y los pintores filosofaban por medio de sus cartas (recuérdese el caso de Van Gogh y de Cézanne). Era el primer anuncio de la síntesis de las artes, dentro de lo que se vendría a conocer años más tarde como artes interdisciplinarias, donde se eliminan las fronteras entre las artes.
Desde la adolescencia, M.K. Čiurlionis se dedica a la música y muy pronto comienza a innovar. Con Sefaa Esec (1904), ciclo de variaciones sobre nueve sonidos presentados en un orden estrictamente idéntico, precedió a Schoenberg en la vía del constructivismo conceptual y creó un estilo polifónico personal. Estudió composición en el Conservatorio de Leipzig con Karl Reinecke. Entre los años 1902 y 1909 fue director de coro en Varsovia.
'Prelude' (1908)
Tras su ingreso, en 1904, a la Escuela de Arte de Varsovia recientemente creada, la interacción y la síntesis de las formas de expresión musical y pictórica con miras a llegar a un arte universal y único se convierte en su principal preocupación. Se esfuerza en traducir su amor por la naturaleza integrando los colores a la escritura musical: “El mar” (1908) (Christof Escher & dir. Symphonischen Orchester Zürich) y “Paisajes musicales” (interpretados en San Petersburgo en 1909) ilustran esta tendencia y, más de una vez, compone sus obras sin siquiera disponer de un piano. Su predilección por la sonata, que considera como una forma de expresión universal, lo conduce a aplicar su arquitectura musical al procedimiento pictórico. Por otra parte, define muchos de sus cuadros como "sonatas pictóricas" al mismo tiempo que se empeña en traducir visualmente formas musicales como la sonata, el preludio o la fuga.
A comienzos de 1909 se casa con Sofija Kymantaite y luego
participa en el VI salón de artistas rusos en San Petersburgo. Ambos
trabajan arduamente en la preparación de la III exposición de arte
lituano y en un proyecto de un libro sobre el arte y folklore en
Lituania. Posteriormente viajan a Petersburgo en busca de mayor
estabilidad financiera. Sin resultados, se ven obligados a regresar a
Druskininkai, donde la falta de dinero y la extenuación tras el intenso
trabajo sumen a Čiurlionis en una profunda depresión que le obliga a ser
hospitalizado. En mayo 1910 nacería su hija Danute. Finalmente
Čiurlionis muere el 13 de abril de 1911.
En su música reflejó las
tendencias románticas alemanas y elaboró interesantes teorías de
“formaciones tonales de base”. Durante su corta vida compuso alrededor
de 250 piezas musicales y pintó alrededor de 300 cuadros.
'The Altar' (1909)
Realizó su obra pictórica en un transcurso de seis años de creación febril (1903-1909), antes de perder la razón a los treinta y seis años. Sus obras reflejan su interés por las filosofías orientales y el culto solar del antiguo Egipto, que caracterizara los medios polacos de principios de siglo, pero también los símbolos del paganismo lituano que divinizaba las fuerzas de la naturaleza y el reino vegetal y que prevaleció hasta fines del siglo XIV. El artista era sinestésico, es decir, era capaz de percibir un mismo
objeto a través de diversos sentidos (particularidad que poseen algunas
personas y que producen las sustancias psicodélicas). En su caso, la
música le hacía apreciar con más intensidad el espectro de colores. Es
por ello que quiso trasladar directamente al lienzo las impresiones que
le causaban sus propias composiciones. La mayoría de sus pinturas están
alojadas en el Museo Nacional de Arte M. K. Čiurlionis en Kaunas,
Lituania. Sus obras han influido profundamente en la cultura lituana
moderna. El asteroide 2420 Čiurlionis lleva su nombre.
Poemas sinfónicos:
- "El bosque" (Lithuanian National Symphony Orchestra & Juozas Domarkas).
- “El mar” (1908) (Lietuvos Velztybinis Simfoninis Orkestras & dir. Gintaras Rinkevičius).
Texto de Čiurlionis:
'Sea Etude' (1906)
“Poderosa mar. Grandiosa, ilimitada, desmesurada. Todo el cielo cubre con su azulado manto tus olas, y tú, llena de grandeza, suspiras silenciosa y tranquila, pues sabes que no hay límites a tu poderío, a tu grandeza, a tu ser infinito. ¡Grande, poderosa, magnífica mar! Por la noche te observa medio universo, en tus profundas entrañas los soles lejanos hunden su parpadeante mirada secreta, y tú, eterna reina de los gigantes, suspiras tranquila y silenciosa, pues sabes que estás sola, y nadie te gobierna. Frunces el ceño, como si tu azulada cara expresara descontento. ¿Te arrugas? ¿Será acaso tu furia? ¿Quien se atrevería, ¡oh mar¡, indomable por tu infinita grandeza, quien se atrevería a enfrentarte?
'Forest' (1907)
Y vino respuesta del mar, rugiendo silenciosamente, meciendo las hierbas ribereñas, las cuales ondulando susurraban: es el viento, viento, viento. Pobre viento - efímera criatura, viento vagabundo sin hogar, disipado e incoloro, gimiendo como un despreciable halcón corre sin objetivo, devastando bosques, levantando polvaredas, avivando incendios, derrumbando viejas cruces en los cementerios, destrozando humildes cabañas. Se inclinan ante él los sauces llorones, y las modestas florecillas se abrazan al suelo, asustadas por su furia. Ellas son esbeltas y menudas.
'News' (1904)
Y tú frunces el ceño y te enojas, eterna reina de los gigantes, tú que descansas por miles de siglos, iluminada por los soles parpadeantes del universo, siempre fría y tranquila, tú te inquietas. ¿Será acaso porque tus olas ya no están bajo tu control? El viento ya las gobierna y las arrea adelante como una manada de ovejas. Mira, mira, como todas corren voluntariamente con el viento, todas acompasadas, y hay millones de ellas y siempre se encuentran más. Detén aunque sea una sola subordinada, oh reina¡. ¡Qué terrible multitud! De un horizonte al otro olas, olas, olas... Mira, tus gigantes se levantan, pero ya no están bajo tu control. ¡Tú espumeas, gran mar!
'The Sun is passing the sign of Libra' (1907)
El viento les ordenó desmoronar rocas a cientos de millas y ellas corren confiadamente, aullantes, y golpean sus frágiles pechos contra la fría piedra y perecen al instante. El viento arrea cada vez nuevas manadas, hasta que se aburre y entonces abandona todo y se aleja silbando. Y tú espumeas, mar, eres grande e impotente. El viento se fue hace tiempo. Tú recoges tus olas, tus restos, las detienes con dificultad y te quejas adolorida, como un niño. ¿De qué te quejas, mar? ¿Acaso te dan lástima tus juguetonas olas, de las que sólo te queda un poco de espuma y nada más? ¡No te compadezcas de ellas! Vendrá de nuevo el tiempo, y el viento soplará, se levantarán nuevas olas desde otra costa, el viento las llevará donde le plazca, sin faltar el accionar de tus gigantes, y de ellas, de nuevo solo quedará un poco de espuma, y nada más”.
El 21 de septiembre de 1928 nació en Utrera (Sevilla) Enrique Montoya, artista español de la copla y el cante, que ya de niño emprendió su primera gira artística por los pueblos de Andalucía y Extremadura, y más tarde por toda España, con una compañía llamada 'Ases juveniles'. Posteriormente recorrería Egipto, Turquía y otros países de Oriente Medio.
A mediados de los cincuenta, de vuelta en España, Conchita Piquer lo presentó como una de las figuras de su espectáculo 'Salero de España'. Montoya siguió viajando y visitó Estados Unidos, donde conoció a Sabicas. Viaja a Cuba y le sorprende la revolución de Castro por lo que tiene que permanecer allí seis meses, durante los cuales se familiarizó con los sones cubanos y sus ritmos contagiosos. Fue el primero en amalgamar la canción española aflamencada con los ritmos afro-cubanos añadiendo elementos de percusión típicos de allí a sus arreglos y un artista conocedor del flamenco puro que no hizo nunca ascos a la canción española, a la que dotó de mucho ritmo sin que su voz menguara ni perdiera la esencia flamenca.
El 21 de Septiembre del año 1874 nació en Cheltenham, Gloucestershire, el compositor y profesor de música de origen inglés, descendiente de cinco generaciones de músicos, Gustav Theodore Holst.
Sus ancestros eran exiliados rusos de Riga. Su padre era pianista y quiso hacer de su hijo un talentoso intérprete. Aunque Gustav disfrutaba tocando el piano tenía problemas en sus manos. Comenzó a componer, pero no pudo conseguir ninguna beca para ingresar al Royal College of Music y otras academias de Londres.
Su primer cargo lo ocupó en Wick Rissington. Pronto llegó a ser organista y director en la sociedad coral de Bourbon. Compuso una opereta, llamada “Lansdowne Castle”, que fue estrenada en el Cheltenham Corn Exchange en 1893. Aunque la música aparece muy influida por Arthur Sullivan, la presentación fue tremendamente exitosa. Incluso su padre quedó impresionado y pidió dinero para enviar a Gustav al Royal College of Music con una matrícula regular. En este colegio estudió composición con Stanford, con quien no siempre estuvo de acuerdo pero a quien le agradeció mucho el haberle enseñado, sobre todo, a cómo ser su propio crítico.
A través de un compañero conoció la música de Wagner y después de escuchar a Mahler dirigiendo “El Ocaso de los Dioses” en el Covent Garden, Holst se convirtió en un ardiente entusiasta. “Tristán e Isolda” fue otra experiencia sobrecogedora. Asimismo lo fue escuchar “Misa en Si Menor de Bach” en el Three Choirs Festival en Worcester. Lamentablemente por la misma época su enfermedad en la mano derecha le forzó a dejar el piano definitivamente. Entonces decidió aprender trombón para poder tocar en orquestas y lograr algunos ingresos. También fue una experiencia útil para su labor como compositor. De hecho, fue mientras estudiaba trombón que ganó una beca que le permitió continuar con la carrera de composición en el Royal College of Music. En esta época compuso su primera ópera, “The Revoke”, la que consideró como Op.1. Su profesor Stanford la recibió con entusiasmo y casi logra presentarla en la Opera Comique de París, pero esto nunca se concretó.
Hammersmith Socialist League
En el otoño de 1895 Gustav conoció a Ralph Vaughan Williams. Fue el comienzo de una larga amistad y del hábito mutuo de mostrar sus composiciones mientras estaban trabajando en ellas. También discutían con otros colegas la poesía de Walt Whitman o las obras socialistas de William Morris. Holst se unió al “Hammersmith Socialist Club” y escuchaba las charlas de Bernard Shaw. Condujo el coro del club en la casa de William Morris en Hammersmith Mall. Y se enamoró de su soprano más joven, Isobel Harrison, quien le persuadió a alimentarse mejor (por entonces Holst era vegetariano y no comía bien), a afeitarse la barba y a mejorar su vestuario.
Uno de los primeros trabajos estudiantiles de Holst data de 1897 y fue “Winter Idyll”, en donde la influencia de Wagner, Mendelssohn y Grieg aún es notable. Entretanto toca trombón en orquestas de teatros y órgano en varias iglesias londinenses. En el otoño de 1898 la compañía de ópera Carl Rosa le ofrece un puesto como trombonista y repetidor, lo que le permite dejar el Royal College of Music. En la compañía Holst preparó a los artistas en repertorios poco habituales. Y tocando trombón conoció la orquesta desde dentro y ya tenía en mente la orquestación de una obra mientras la componía.
Escena del Ramayana
Fue en 1895 que Holst comenzó a interesarse por la filosofía hindú y la literatura sánscrita. Su impulso inmediato fue musicalizar algunos himnos del “Rig Veda”, el más importante escrito hindú, pero como encontró que las traducciones inglesas eran poco fidedignas, decidió aprender sánscrito para poder traducirlos él mismo. Esto abrió un mundo completamente nuevo. En 1899 Holst comenzó a trabajar en una ópera, “Sita”, basándose en el mito hindú Ramayana. La labor se extendió hasta 1906 y le permitió desarrollar un estilo musical más directo. En 1900 escribió la “Costwold Symphony”, como una elegía a la memoria de William Morris, y completó su “Ave María” (Ensemble Feminin Callirhoé), la primera obra que publicó. En 1903 también escribió un poema sinfónico llamado “Indra”.
Isobel y Gustav en Berlin
En 1901 Holst se casó con Isobel, y tras recibir una pequeña herencia por la muerte de su padre, ambos viajaron a Berlín por un corto tiempo. Retornó a Londres decidido a dejar el trombón y concentrarse en la composición, pero tal como Elgar, se desilusionó al ver que los editores rechazaban su música. Su esposa copió su música y se dedicó a la costura para apoyar su decisión. Justo cuando la resolución de Holst empezó a debilitarse recibió una oferta de la Escuela James Allen de Dulwich para trabajar como profesor de canto. Vaughan Williams le había ayudado a obtener el puesto y Holst comenzaba con ello una destacada carrera como maestro.
En 1905 Holst fue nombrado Director de Música en la Escuela de Niñas de St.Paul en Hammersmith y pudo estrenar “The Mystic Trumpeter” en el Queens Hall. Esta obra basada en poesía de Walt Whitman fue una de sus últimas partituras influidas por Wagner, ya que un naciente interés por la canción folclórica inglesa le condujo al empleo de melodías más simples. En 1907 compuso “Somerset Rhapsody” (London Symphony Orchestra, dir. Richard Hickox). Posteriormente fue nombrado director musical en el “Morley College” para obreros y, aunque sus exigencias alejaron a muchos estudiantes, hubo nuevos y más entusiastas alumnos en sus exitosas clases.
Lamentablemente Holst no pudo lograr el Premio Ricordi con su ópera “Sita” y la depresión, unida a una sobrecarga de trabajo, le obligaron a tomar unas vacaciones. Viajó a Argelia y anduvo en bicicleta por el desierto. Tal experiencia le inspiró para componer su siguiente obra orquestal, "Beni Mora" (Oriental Suite), Op. 29/1 Parte 1, Parte 2 (David Lloyd-Jones & Royal Scottish National Orchestra), cuyo estreno no fue bien recibido a pesar de que Vaughan Williams afirmó que si la obra se hubiese presentado en París el éxito habría sido grandioso. De regreso a casa Holst comenzó a trabajar en otra ópera india llamada “Savitri” Op. 25 (1908), (Richard Hickox & The City of London Sinfonia), partitura de menores dimensiones, de poco más de treinta minutos de duración, escrita para tres solistas, un coro pequeño escondido y orquesta de cámara.
Otras obras indias fueron los cuatro ciclos de himnos del “Rig Veda” III (The Purdell Singers) y la extensa partitura coral llamada “The Cloud Messenger”. El estreno de “The Cloud Messenger” Op 30 (Richard Hickox & London Symphony Orchestra) en 1912 fue todo un éxito, pero cuando el mismo Holst lo condujo fue un fracaso. En marzo de 1913 Holst recibió un regalo anónimo, que le permitió viajar a España con Clifford Bax, hermano del compositor Arnold Bax. Clifford Bax era astrólogo, y le explicó los conceptos de la astrología. En 1913 la nueva sección de música de St.Paul fue inaugurada y en su nueva sala Holst compuso la "St. Paul's Suite", Op. 29, No. 2: I. Jig: Vivace, II. Ostinato: Presto, III. Intermezzo: Andante con moto, IV. Finale (The Dargason): Allegro (Novosibirsk Philharmonic Chamber Orchestra & dir. Alim Shakh)
Durante el comienzo de la I Guerra Mundial, Holst trabaja en la composición de "Los Planetas". Parte de la orquestación fue esbozada durante los largos fines de semana en la casa de campo familiar que tenía en Thaxted In Essex. La iglesia de Thaxted era como una catedral. Era increíblemente espaciosa y luminosa en su interior. Holst soñaba con que allí hubiera un día un festival, que pudo hacerse en 1916. Debidamente preparado en la Iglesia, pero improvisado en el campo y en las casas, el “festival de Whitsuntide” se hizo una tradición.
Holst parecía considerar “Los Planetas” como una progresión de la vida. Llamó a su obra “una serie de imágenes de estados de ánimo” y anotó en los bocetos, “Siete piezas orquestales”.
“Los Planetas” es una suite "para gran orquesta". Instrumentos nada habituales, como la flauta baja o el oboe barítono o bajo y unos nutridos efectivos de percusión (bombo, batería, platillos, triángulos, tambor militar, pandereta, gong, campanas, xilófono y glockenspiel, así como dos timbalistas) y metal (6 trompas, 4 trompetas, 3 trombones, tuba tenor y tuba bajo) forman, entre otros, la nómina de la suite. Es quizás la orquesta más grande empleada jamás por Holst.
• “Marte, el portador de la Guerra” (Berliner Philharmoniker & Herbert von Karajan). “Marte” la más feroz de las piezas existentes en la música, que evoca una escena de batalla de proporciones inmensas con su métrica de 5/4 y ciertas disonancias. Holst dirigió que debería ser tocada algo más rápida que una marcha regular dándole un carácter mecanizado e inhumano. “Marte” es la pieza más famosa de Holst.
• “Venus, el portador de la paz”. (New York Philharmonic, dir. Leonard Bernstein).Venus parece dar una respuesta a Marte.
Venus, el portador de la paz
• “Mercurio, el mensajero alado” (New York Philharmonic, dir. Leonard Bernstein), es el mensajero entre nuestro mundo y el mundo divino. Holst usa también para este movimiento la bitonalidad; pero a diferencia de Marte, lo que allí era brutalidad y agresividad, aquí se transforma en agilidad, ligereza y una sensación de no fijación en una tonalidad determinada.
• “Júpiter, el portador de la Alegría” (Berliner Philharmoniker & Karajan), el portador de la jovialidad - representa la flor de la vida, igualmente con el himno incluido dentro de este movimiento. Conjuntamente con Mercurio, se puede considerar el scherzo de la obra, de estructura sonata. Al trío del movimiento, la solemne melodía central de aliento brahmsiano.
• “Saturno, el portador de la Vejez” (Philadelphia Orchestra, dir. Ormandy), el portador de la ancianidad, puede decir que la vejez no es siempre pacífica y feliz . Describe el carácter "serio, circunspecto y triste" del planeta.
• “Urano, el mago” (London Symphony Orchestra& dir. Richard Hickox), es una pieza peculiar: un fuerte clímax musical, antes de Neptuno. Las ásperas cuatro notas (sol-mib-la-si, con un salto ascendente de cuarta (mib - la) y descendente de séptima las dos últimas (la-si) que suenan al principio de la pieza serán el hilo conductor a través del cual Holst comienza; de manera que al final, la sucesión de acordes Fa/Do 7 (metal) y un Mi unísono (cuerda grave) con indicaciones desde fortissimo a pianissimo y el último recordatorio de las cuatro notas (arpa) nos introducen en el siguiente movimiento.
• “Neptuno, el místico” (Sir Charles Mackerras, dir. & BBC Philharmonic Orchestra)
, la tranquilidad, y el coro de voces femeninas, que embelesa a los oyentes.
La obra "Los Planetas" está íntimamente conectada con varios autores de su tiempo. Así, por ejemplo, Holst toma prestada de los “Nocturnes” de Debussy la idea del coro femenino sin texto, para su “Neptuno”. Igualmente se puede rastrear la influencia de Richard Strauss en su uso del oboe bajo o las tubas wagnerianas; o la del Stravinski de “La consagración de la primavera por la incorporación del clarinete bajo y por la similitud de ciertos motivos breves y su tratamiento por ejemplo en pasajes de "Marte". También hay que mencionar aquí al Arnold Schönberg de las "Cinco piezas orquestales, Op. 16". Desde el punto de vista conceptual, además, deberíamos citar al Elgar de las "Variaciones Enigma" y, de forma más lejana, al Mussorgsky de los "Cuadros de una exposición" en cuanto a la sucesión de descripciones de caracteres o impresiones.
Holst volvió en 1919 y tomó nuevos cargos como maestro. Escribió la “Ode to Death” para coro y orquesta sobre textos de Whitman. Compuesta en 1917, interpretada en 1920, una obra que toma textos cristianos tradicionales, católicos, bizantinos y de evangelios apócrifos gnósticos, con melodías gregorianas fácilmente reconocibles, fue “The Hymn of Jesus”: 1/5, 2/5, 3/5, 4/5, 5/5 ( London Philharmonic Orchestra & Sir Charles Groves), con su usual prolijidad Holst aprendió suficiente griego como para traducir los textos originales. A comienzos de 1923 sufre un golpe en la cabeza al caer durante un ensayo, pero se recupera rápidamente y acepta una invitación para viajar a Norteamérica. En el trayecto compone el “Fugal Concerto para flauta, oboe y cuerdas”.
Entretanto la British National Opera produce “The Perfect Fool” (versión para dos pianos), un ballet cuya música es bien recibida pero cuya historia parece muy enigmática.
Si bien a su retorno recibe una ovación tras una interpretación de 'Los Planetas', está a punto de sufrir una seria crisis nerviosa. Entonces recibe dinero de un mecenas anónimo para dedicarse a componer. Deja sus clases por tres meses pero comienza a sufrir fuertes dolores de cabeza. El ruido se transforma en una tortura. El tráfico, la gente hablando, los aplausos, todo le provoca dolor. Finalmente debe dejar todas sus actividades y hasta su muerte solamente sigue con la enseñanza en St.Paul. En el periodo de descanso que siguió Holst compuso “Choral Symphony” para soprano, coro y orquesta (Sir David Willcocks & Royal Philarmonic Orchestra) y la ópera “At the Boar” basada en Falstaff.
Por un tiempo no escribió otras partituras a gran escala con excepción de “The Golden Goose” y “The Morning of the Year” Op. 45 nº 2, Parte 1, Parte 2 (Joyful Company of Singers e BBC National Orchestra of Wales & dir. Richard Hickox)
dos ballets corales. En la primavera de 1927 los ciudadanos de Cheltenham organizaron un festival Holst. Y en febrero de 1928 se estrenó “Egdon Heath”, una obra dedicada a Thomas Arden. De 1928 también es “The Moorside Suite” para banda de bronces. En 1929 volvió a Norteamérica y compuso “The Dream City”, la primera de doce canciones sobre textos de Humbert Wolfe.
En 1930 el contrapuntístico y bitonal “Double Concerto” Mov 1 y 2, Mov 3, recibió una crítica mixta, pero la Royal Philharmonic Society le otorgó una medalla de oro después de la interpretación. También en 1930 completó su decimotercera y última ópera, “The Tale of the Wandering Scholar”, y el brillante “Hammersmith” op.52 (1930) (Royal Scottish National Orchestra dir David Lloyd-Jones), con su movimiento excepcional “A Prelude and Scherzo”, escrito originalmente para la banda de la BBC.
Estatua de Holst en Hammersmith
La primera mitad de 1932 estuvo en la Universidad de Harvard realizando cursos y el segundo semestre estuvo enfermo a causa de una gastritis hemorrágica. Al año siguiente retornó a la creación con “Lyric Movement para viola y orquesta” (The City of London Sinfonía, dir, Richard Hickox) y “The Brook Green Suite” 1) Prelude, 2) Air, 3) Dance(Janice Graham y The English Sinfonia). En ambas obras recuperó la espontaneidad que había perdido en la previa década.
A fines de 1933 tuvo que ser internado para una operación delicada. Durante los meses siguientes comenzó a componer una sinfonía y en mayo fue operado. Aunque la intervención fue exitosa su corazón no resistió el esfuerzo y falleció dos días después. Sus cenizas fueron depositadas en la catedral de Chichester y, aparte de Los Planetas, su música cayó en el olvido. Solamente gracias a la labor de su hija Imogen Holst, sobre todo desde que comenzó a colaborar con Britten en 1964 y hasta su propia muerte en 1984, se ha accedido a su gran legado musical y se ha reconocido su contribución a la educación musical.
Adaptaciones de “The Planets”
- El propio Holst adaptó la melodía de la sección central de "Júpiter" en 1921 para encajar con la métrica de un poema que empezaba "I vow to thee, my country" (Julian Lloyd Webber & Royal Philharmonic Orchestra ) que como himno tiene el título de “Thaxted”, por la ciudad del condado de Essex.
- La obsesión de Robert Fripp por "Mars" lo llevó a plagiarla casi nota por nota en el tema ‘The devil´s triangle’ del álbum 'In The Wake Of Poseidon'.
- En la giras de Led Zeppelin de 1969 Jimmy Page incluyó el motivo de "Mars" como parte del tema ‘How many more times'.
- Una readaptación de la melodía de Mars se encuentra en la introducción de ‘White room’ de Cream (Wheels Of Fire 1968) y en la de ‘Eyes of the world’ de Rainbow ('Down To Earth' 1979).
- También en el disco de Emerson, Lake & Powell de 1987, la pieza “Mars: The bringer of war” finaliza el álbum. - Frank Zappa & The Mothers Of The Invention usaron el motivo de “Júpiter” en la pieza 'The Invocation and Ritual Dance of the Young Pumpkin' del album 'Absolutely Free' (1966)
- Manfred Mann’s Earth Band incluyó en su álbum Solar Fire (1973) una reelaboración de Júpiter titulada ‘Joybringer’ y un medley compuesto por 'Mercury' y 'Saturn'.
- En el Jazz el gran John Coltrane se inspiró en el concepto de Holst para una suite dedicada al cosmos; “Mars”, “Júpiter” el proyecto se truncó con la muerte del saxofonista en 1967 y parte de ese material apareció en 1974 en el disco póstumo “Interstellar Space”.
- "World in Union", la canción oficial de la Copa Mundial de Rugby desde 1991, usa la misma melodía (Dame Kiri Te Kanawa, soprano).
- En 2001, el himno LDS, "The Iron Rod" fue adaptado a la melodía de la sección central por Bob Galbraith para ser cantada por el Mormon Tabernacle Choir durante la CLXXV Conferencia Semestral de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días.
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En 1962, Charles sorprendió su nueva audiencia con su álbum 'Modern Sounds in Country and Western Music' y su secuela, que incluían adaptaciones de temas country como 'I can't stop loving you', 'You don't know me', 'You are my sunshine' o 'Crying time'. En 1965, Ray fue arrestado por posesión de heroína, a la que fue adicto durante 17 años. Fue su tercer arresto por el delito, pero pudo evitar ir a prisión después de dejar el hábito en una clínica en San Francisco. Pasó un año en libertad condicional y grabó 'Let's go get stoned' de Ashford y Simpson (1966)
Ray Charles murió en junio de 2004 de cáncer de hígado con 73 años. En octubre de ese mismo año se estrenó el biopic 'Ray', en el que el actor que caracteriza a Ray Charles, Jamie Foxx, ganó al año siguiente la estatuilla de oro por su papel. En los créditos finales del film nos informan de que Ray dejó tras su muerte 12 hijos de nueve esposas, 21 nietos y 5 bisnietos.
Pocos días después, Coltrane y Shepp revelaban su -de alguna manera más sorda pero no por ello menos radical- orientación musical en el Newport Jazz Festival. Aunque Jones y Tyner siguieron las temerarias exploraciones de Coltrane durante frecuentes sesiones que dieron como resultado álbumes como 'Transition' (1965) y 'Meditations' (1966), no se sentían cómodos con algunas de sus más libres orientaciones polirítmicas y polífónicas.
A mediados de los cincuenta, de vuelta en España, Conchita Piquer lo presentó como una de las figuras de su espectáculo 'Salero de España'. Montoya siguió viajando y visitó Estados Unidos, donde conoció a Sabicas. Viaja a Cuba y le sorprende la revolución de Castro por lo que tiene que permanecer allí seis meses, durante los cuales se familiarizó con los sones cubanos y sus ritmos contagiosos. Fue el primero en amalgamar la canción española aflamencada con los ritmos afro-cubanos añadiendo elementos de percusión típicos de allí a sus arreglos y un artista conocedor del flamenco puro que no hizo nunca ascos a la canción española, a la que dotó de mucho ritmo sin que su voz menguara ni perdiera la esencia flamenca.
Durante el comienzo de la I Guerra Mundial, Holst trabaja en la composición de "Los Planetas". Parte de la orquestación fue esbozada durante los largos fines de semana en la casa de campo familiar que tenía en Thaxted In Essex. La iglesia de Thaxted era como una catedral. Era increíblemente espaciosa y luminosa en su interior. Holst soñaba con que allí hubiera un día un festival, que pudo hacerse en 1916. Debidamente preparado en la Iglesia, pero improvisado en el campo y en las casas, el “festival de Whitsuntide” se hizo una tradición.
- La obsesión de Robert Fripp por "Mars" lo llevó a plagiarla casi nota por nota en el tema ‘The devil´s triangle’ del álbum 'In The Wake Of Poseidon'.
- Manfred Mann’s Earth Band incluyó en su álbum Solar Fire (1973) una reelaboración de Júpiter titulada ‘Joybringer’ y un medley compuesto por 'Mercury' y 'Saturn'.
