Django Reinhardt

El 23 de enero de 1910 nació el guitarrista de jazz Django Reinhardt, considerado uno de los fundadores del jazz europeo y uno de los más grandes guitarristas de la historia.

Aunque francés de adopción, Jean Baptiste Reinhardt nació en medio de una gira artística familiar en la localidad belga de Liberchies, en el seno de una familia gitana y nómada que vivía del espectáculo callejero. Su madre, Laurence Négros Reinhardt, era bailarina y cantante, y su padre, Jean-Baptiste Eugène Weiss, violinista y guitarrista. A los ocho años, el clan Reinhardt estableció sus bases en uno de los campamentos gitanos que rodeaban París. Del joven Django se decía que era capaz de interpretar cualquier pieza con sólo oírla una vez; con 14 años, tocaba el banjo, la bandurria, la guitarra y el violín.

A los 18 años, sufrió un accidente que marcaría su vida y su música: la carreta en la que iba, llena de las flores de celofán que fabricaba su mujer para la venta, se incendió y, como secuela de las quemaduras, perdió el uso de dos dedos de la mano izquierda. Uno de sus hermanos le llevó al hospital una guitarra y desde entonces cambió el banjo por ésta que ya no dejó hasta el final de sus días, teniendo que inventar una nueva técnica de digitación acorde a sus facultades físicas mermadas, desarrollado un estilo único, muy rápido, a la vez vibrante y melancólico, al que se acabaría llamando 'jazz manouche'.

En 1934, en compañía de su hermano, Joseph, fundó con ocasión de un concierto en Paris, el grupo que se encargaría de difundir el jazz por Centroeuropa en los años previos a la II Guerra Mundial: el Quintette Du Hot Club de France, al que el crítico Thom Jurek denominaría como "una de las más originales bandas de la historia del jazz grabado". El combo estaba formado por dos guitarras rítmicas (Roger Chaput y el hermano de Django, Joseph Reinhardt) además de la solista, contrabajo (Louis Viola) y violín solista (Stéphane Grappelli).

Grappelli era un parisino que rápidamente se convirtió en la otra estrella del pequeño grupo basado en la excelente afinidad y compenetración con Django. En 1936, apenas dos años después de la formación del quinteto, el grupo estaba perfectamente consolidado y en 1937 realizó sus primeras giras internacionales.

En muchas de ellas participaron grandes instrumentistas americanos que se encargaron de dar lustre y categoría al quinteto francés: Benny Carter al saxo alto o Coleman Hawkins al saxo tenor, fueron los solistas mas destacados que tocaron junto a Reinhardt. La II Guerra Mundial les sorprendió en Londres donde se quedó Grappelli, volviéndose el resto del grupo a Francia. Mientras el resto de sus hermanos de raza sufrió la persecución y los campos de concentración, Django Reinhardt, tuvo la suerte de ser el protegido de uno de los funcionarios de la administración nazi aficionado a su música. Paradójicamente, Reinhardt y su música fueron, durante la ocupación nazi de Paris, uno de los símbolos culturales de la Resistencia.

Durante los años de la guerra lideró una big band, otro quinteto con el claritenista Hubert Rostaing en el lugar de Grappelli, y tras la liberación de París, grabó con músicos estadounidenses que llegaban de visita a Francia como Mel Powell, Peanuts Hucko y Ray McKinley con los que tocó en 1945 en la Jazz Club Mystery Hot Band. 

Duke y Django en 1946

Acabada la guerra se reunió con Grappelli y en 1946, tras practicar con la guitarra eléctrica, realizó una gira por Estados Unidos como solista, invitado por Duke Ellington y su orquesta. Finalizada la gira, actuó dos noches en el Carnegie Hall, donde recibió efusivos aplausos, teniendo que salir la primera noche seis veces a saludar tras el concierto.

Posteriormente fue contratado en el Café Society Uptown, donde daba cuatro pases diarios acompañado por la banda residente. Se le prometieron shows en California, que no se llegaron a materializar y Django, cansado de esperar, regresó a Europa.

Se reintegró en su comunidad romaní, resultándole difícil armonizar su vida con el mundo moderno. Sus managers y seguidores tuvieron que acostumbrarse a su conducta imprevisible. A veces cancelaba conciertos simplemente para "pasear junto al mar y sentir el rocío". En 1949, estando en Roma, contrató a tres músicos italianos (piano, contrabajo y batería) con los que junto a su buen amigo Grappelli grabó una serie de temas (67 en total), 23 de ellas recogidas en el álbum 'Djangology', entre las que se encontraban sus ya clásicos 'Minor swing', 'Daphne', 'Belleville', 'Djangology', 'Swing 42' y 'Nuages'.

En 1951 actuó en el Club St. Germain de Paris y grabó con un nuevo grupo, formado por jóvenes músicos con influencias bop. El resto del tiempo lo pasaba con la familia, pescando, pintando o jugando al billar con los amigos. El 15 de mayo de 1953, Django murió de un infarto a los 43 años.

Luis Alberto Spinetta

El 23 de enero de 1950 nació en Buenos Aires el cantante, guitarrista, poeta y compositor argentino de rock Luis Alberto Spinetta, conocido por su labor en los grupos Almendra, Pescado Rabioso, Invisible y Spinetta Jade, así como por su carrera en solitario, en la que publicó más de una veintena de álbumes. También conocido como 'El Flaco' está considerado uno de los pioneros del rock argentino.

Luis Alberto Spinetta comenzó tocando en grupos de colegio, como el que luego sería Almendra, formado en 1967 junto a Emilio del Guercio, Edelmiro Molinari y Rodolfo García. Grabarían dos discos, 'Almendra 1' y 'Almendra 2', para luego separarse hasta 1980, cuando se produjo el reencuentro y la publicación de otros tres álbumes, dos de ellos en vivo. 'Muchacha (ojos de papel)', 'Ana no duerme' y 'Fermín' son algunas de las canciones que componen su primer disco, vigente desde el día de su creación y una referencia insoslayable para hablar de rock argentino.

Pescado Rabioso

En 1972 formó otro grupo trascendental en la música popular argentina, Pescado Rabioso, junto a Osvaldo 'Bocón' Frascino al bajo (luego reemplazado por David Lebón), Black Amaya a la batería y Carlos Cutaia a los teclados. Publicaron un disco de blues rock, 'Desatormentándonos' (1972) y 'Pescado 2' (1973). En 1973 se publica 'Artaud' inspirado en y dedicado a uno de sus escritores favoritos, el francés Antonin Artaud. Spinetta ha cuidado siempre sus letras, en las que se pueden encontrar influencias de escritores, poetas, artistas y pensadores como Rimbaud, Vincent Van Gogh, Carl Gustav Jung, Sigmund Freud, Friedrich Nietzsche, Foucault, Deleuze y Carlos Castaneda.

Invisible

A finales de ese año, Spinetta estrenó nueva banda, Invisible, junto a Carlos Alberto Machi Rufino al bajo y Héctor Pomo Lorenzo a la batería. Con esta agrupación grabaría tres discos hasta su disolución en 1976, dejando clásicos como 'Azafata del tren fantasma', 'El anillo del capitán Beto', 'Durazno sangrando', 'Los libros de la buena memoria' y 'Las golondrinas de Plaza de Mayo'.

La despedida del grupo fue en diciembre de 1976 con dos recitales a sala llena en el estadio Luna Park y contando con Tomás Gubitsch a la guitarra como cuarto integrante de la formación.

Almendra en 1980

En 1980 se produce la esperada reunión de Almendra y se publica el álbum 'El valle interior' y un doble en directo. Ese mismo año, Luis Alberto forma Spinetta Jade con los que graba -con cambios en las formaciones- cuatro discos de estilos variados. Hasta su disolución en 1984 Spinetta, alternó los trabajos de la banda con otros en solitario como sus álbumes 'Kamikaze' (1982) y 'Mondo di cromo' (1983).

En 1986 publicó 'La la la' con Fito Páez, con temas como 'Instan-taneas', 'Folis Verghet' y 'Todos esos años de gente'. Tras un par de años de silencio, Spinetta volvió con 'Téster de violencia' (1988) y 'Don Lucero' (1989) cuyos temas estrella fueron 'El mono tremendo' y 'Fina ropa blanca', y en 1990 grabó su primer disco en vivo, 'Exactas', grabado en la Facultad de Ciencias Exactas y Naturales de la Universidad de Buenos Aires. Junto a habituales colaboradores como Claudio Cardone, Jota Morelli y el Mono Fontana la banda la formaban músicos como Javier Malosetti y Marcelo Novati. En 1991 se publicó 'Pelusón of milk' que contenía 'Seguir viviendo sin tu amor'.

Spinetta y los Socios del Desierto

En 1994, compuso la banda sonora de la película 'Fuego Gris', dirigida por Pablo César, para luego dedicarse a Spinetta y los Socios del Desierto, un trío integrado además por Daniel 'Tuerto' Wirtz (batería) y Marcelo Torres (bajo). Al frente de esta agrupación realizó una minigira nacional y tocó en el teatro Opera, realizando -según las encuestas- el 'mejor show del año'. Tras varios años y peleas con las compañías discográficas, Spinetta editó un disco doble, titulado 'Spinetta y los Socios del Desierto', con los temas que ya había presentado en vivo que alcanzó rápidamente lo más alto de las listas. Con los Socios del Desierto editaría dos álbumes más: 'San Cristoforo' en 1998 (en vivo) y 'Los ojos' en 1999.

Con estos músicos y otros invitados grabó también un MTV Unplugged en 1997 repasando temas de toda su carrera. 'Silver Sorgo' (2001) significó el regreso de Spinetta al estudio, tras unos años de silencio y varias recopilaciones. Desde entonces publicó cuatro trabajos más: 'Para los árboles' (2003), el EP 'Camalotus' (2004), 'Pan' (2006) y 'Un mañana' (2008).

El año 2009 celebró sus 40 años de carrera con un mega recital bajo el título 'Spinetta y las Bandas Eternas'. El concierto duró cinco horas y media y convocó a 40 mil personas en el estadio de Vélez Sarsfield, donde el músico reunió a todas las bandas con las que había trabajado a lo largo de su vida y a los principales músicos de rock de Argentina. Murió el 8 de febrero de 2012 a los 62 años. En 2015 el gobierno argentino estableció el 23 de enero como 'Día Nacional del Músico' en honor a su nacimiento.

Malcolm McLaren

El 22 de enero de 1947 nació en Londres el empresario, mánager y productor británico Malcolm McLaren, famoso por su trabajo con los New York Dolls y, sobre todo, los Sex Pistols. Como 'músico' desarrolló una novedosa carrera que ayudó a introducir el hip hop en el Reino Unido.

A comienzos de los años setenta, McLaren era un estudiante de arte de ideas anarquistas y muy influido por el movimiento del Situacionismo, una organización de artistas e intelectuales revolucionarios entre cuyos principales objetivos estaba el de acabar con la sociedad de clases del opresivo sistema y el de combatir el sistema ideológico contemporáneo de la civilización occidental: la llamada dominación capitalista.

En 1972 inauguró con su novia Vivienne Westwood una boutique en el 430 de la londinense King's Road. En poco tiempo 'Let it rock', se convierte en la tienda de moda favorita de los jóvenes rockeros underground británicos. En uno de sus viajes a Nueva York para comprar ropa, conoce al grupo New York Dolls y poco después comenzó a diseñarles el vestuario. Ocasionalmente, en 1974, también les ayudó haciendo el papel de mánager.

Al año siguiente, inspirado por la escena punk neoyoquina, se hace mánager de The Strands, cuyos componentes, adolescentes de clase trabajadora, eran visitantes habituales de su tienda (renombrada a 'Sex') y se jactaban de tocar con instrumentos robados. A Steve Jones (guitarra), Glen Matlock (bajo) y Paul Cook (batería) les faltaba un cantante solista, por lo que McLaren se lanza en busca de un candidato que cumpliera el perfil.

John Lydon y Malcolm McLaren

En la calle da con un joven con el pelo teñido de verde que portaba una camiseta de Pink Floyd a la que había añadido con rotulador 'I hate' (odio a). Interesado en el proyecto, John Lydon, que adopta el apodo de Johnny Rotten es incorporado a la banda, que tras cambiar el nombre a The Sex Pistols publica el mismo año en el que se celebra el 25 aniversario de la coronación de Elizabeth II de Inglaterra, el single 'God save the queen' (1976).

Malcolm arrestado

McLaren alquiló un barco en el Támesis para que el grupo tocara en él su música frente al Parlamento británico. El barco fue requisado por la policía y McLaren arrestado, consiguiendo así toda la publicidad que necesitaba para su grupo. "El rock es fundamentalmente música para los jóvenes, ¿no es cierto? Y muchos jóvenes se sienten traicionados. Sienten que su música les ha sido arrebatada por toda esa audiencia mayor de 25 años"

Unos meses después se publica 'Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols' y en enero de 1978 realizan su primera gira en EE.UU. Fue en esta época en la que John Lydon lideró las protestas del grupo, disconformes con la dirección de McLaren. Éste ante las acusaciones de no pagar al grupo lo que le correspondía, afirmó que tenía planeada toda la trayectoria de los Sex Pistols, plan que en el documental de ficción de Julien Temple 'The Great Rock 'n' Roll Swindle' (1980) se explicaba con detalle.

Malcolm retuvo el contrato de la banda hasta que Lydon lo llevó ante los tribunales, donde en 1980 ganó la causa, recuperando los derechos del nombre y cobrando los sueldos impagados. Lydon y McLaren no se volvieron a hablar. En el nuevo documental 'The Filth and the Fury' (2000), también dirigido por Temple, los miembros sobrevivientes de la banda explicaban su propia versión de los hechos.

Tras la desintegración de la banda, Malcolm trabajó con Adam Ant y Bow Wow Wow. También desarrolló una discreta carrera discográfica como artista, logrando en la primera mitad de los 80 algunos hits, como 'Buffalo gals' y 'Double dutch', dos top10 en el Reino Unido pertenecientes al álbum 'Duck Rock', con ritmos africanos y del hip hop, coescritos y producidos por Trevor Horn y con la colaboración del dúo de DJs americanos The World's Famous Supreme Team, uno de los primeros en popularizar en el mundo el uso del 'scratching'.

En 1984 Malcolm publicó el álbum 'Fans', un intento de fusionar la ópera con el R&B de los años 80 que contenía adaptaciones de famosas piezas de óperas como 'Madama Butterfly' y 'Carmen', del que se extrajo el single 'Madame Butterfly', producido por Stephen Hague, que fue nº13 en el Reino Unido y top20 en Australia. Al productor Hague le llovieron ofertas tras este trabajo.

En 1989 publicó 'Waltz Darling' un álbum inspirado en el funk, el disco y el voguing con la colaboración de músicos como Bootsy Collins y Jeff Beck, cuyos singles 'Waltz darling' y 'Something's jumpin' in your shirt' fueron hits europeos, mientras que 'Deep in Vogue' inició el fenómeno 'voguing' antes de que Madonna lo pusiera en boga más tarde. Por supuesto Malcolm se limitaba a los recitados y participaba más como coordinador y promotor de conceptos que como músico, algo que no fue -en su estricta definición- nunca.

En 1994 apareció el álbum conceptual 'Paris', en el que la participación de figuras emblemáticas francesas como Catherine Deneuve y Françoise Hardy no evitaron que las críticas fueran demoledoras. Únicamente en Polonia vendió más de 50.000 copias, logrando allí ser disco de oro. Los últimos años de su vida siguió activo colaborando en varios proyectos de cine, TV y radio. Fue uno de los productores del documental 'Fast Food Nation' (2006) y supervisó la producción de varios programas de la BBC. Murió en abril de 2010 a los 64 años.

Sam Cooke

El 22 de enero de 1931 nació en Clarksdale, (Mississippi) el cantante norteamericano Sam Cooke (nacido Cook), pionero de la música soul y elegido por la revista Rolling Stone uno de los cinco mejores vocalistas de la historia. A lo largo de su corta carrrera de siete años logró colocar unas treinta canciones en el Top40 americano. Además, Cooke fue un gran hombre de negocios y un activo participante en el movimiento de Derechos Civiles.

Sam con The Soul Stirrers

Hijo de un reverendo baptista que se llevó a su familia a Chicago, asistió allí al mismo colegio que Nat King Cole. Pronto despuntó por su capacidad vocal y formó parte de grupos juveniles que practicaban música religiosa. Con 19 años, pasó a cantar con The Soul Stirrers, una banda de gospel con relativo éxito en la que tuvo que sustituir a su vocalista principal. Con Sam a la voz solista y gracias a su sencilla y directa forma de cantar, grabaciones como 'Peace in the valley', 'Jesus gave me water' y 'One more river', triplicaron las ventas de sus discos anteriores, por lo que The Soul Stirrers vivieron una época de éxito comercial, aunque restringida a la escena del gospel, por lo que su sustento principal seguían siendo las numerosas actuaciones del grupo, en las que Sam se forjó como intérprete en directo, no tardando en conquistar las audiencias -especialmente a las mujeres- con su buena presencia y su amplia y blanca sonrisa.

En sus años con el grupo, Cooke también comenzó a ser consciente de la realidad afroamericana, e influido por Julius Cheeks, un vocalista que pasó un breve tiempo en la formación en 1954, comenzó a mostrarse abiertamente crítico con el sistema de segregación racial de EE UU. Ese mismo año se produjo el histórico fallo de la Corte Suprema de EE UU, que declaró anticonstitucional la separación de los estudiantes negros y blancos en las escuelas por negar la igualdad de oportunidades educativas. La sentencia abrió el camino para la integración racial.

Sam no se quería limitar a un repertorio religioso y racial, por lo que en 1956, se vio preparado para hacer un intento en solitario en el mercado pop, con el single 'Lovable', bajo el seudónimo Dale Cook. Sam no quería herir las susceptibilidades de su público gospel, que no veía con buenos ojos el hecho de que sus cantantes preferidos practicasen música secular o 'profana'. Aún así, no logró engañar a nadie, ya que su característica voz era fácilmente reconocible.

Art Rupe, presidente de Specialty Records -sello de los Soul Stirrers,  permitió a Sam grabar con su propio nombre y llamó al productor descubridor de Little Richard, Bumps Blackwell, pensando que grabarían un material similar al de Richard, cantante que también procedía del gospel. Cuando Rupe se pasó un día por el estudio y observó que Blackwell y Sam estaban trabajando en una versión de 'Summertime' de Gershwin, montó en cólera y tras una agria discusión, productor y cantante abandonaron el sello y publicaron su disco en Keen Records.

Pero fue la cara B, 'You send me', un tema que Sam había compuesto en el invierno de 1955 y grabado en junio de 1957 en Los Angeles, la más pinchada por los disc jockeys de radio.

Se mantuvo seis semanas en las listas de R&B y tres en las listas pop. De la noche a la mañana, Sam Cooke pasó de vivir en el sofá del apartamento de su productor a ser una estrella del pop con audiencias de hombres y mujeres de todas la edades ya fueran blancos o negros. Fue el tema que originó un estilo musical que más tarde abrazaron y desarrollaron artistas como Aretha Franklin, Bobby Womack, Al Green, Curtis Mayfield, Stevie Wonder, Marvin Gaye y tantos otros. Siguió grabando espléndidos temas para Keen Records como 'I'll come running back to you', '(I love you) for sentimental reasons', 'Lonely island', 'You were made for me', 'Win your love for me', 'Love you most of all', 'Everybody loves to Cha Cha Cha', 'Only sixteen' y 'Wonderful World', todos ellos Top40.

En 1960 cambia de discográfica y firma con RCA Records, con los que logra su nuevo gran éxito con otra de sus composiciones, 'Chain gang'. En 1961 Cooke funda junto con su manager, Roy Crain y J.W. Alexander el sello SAR Records, que pronto contaría en su catálogo con artistas como The Simms Twins, The Valentinos, Bobby Womack y Johnnie Taylor. Los hits se suceden: 'Cupid', 'Twistin' the night away', 'Bring it on home to me' (con Lou Rawls de segunda voz), 'Nothing can change this love', 'Send me some lovin' y 'Another saturday night'.

Barbara Cooke

Propietario de su propio sello discográfico y autor de sus canciones, inmerso de lleno en la industria, Cooke era la viva imagen del éxito afroamericano, pero en 1963 ocurrió un suceso que le marcó profundamente. Su hijo de 18 meses Vincent, en un descuido de la madre, se ahogó en la piscina de su chalet. Esto llevó a Sam a una profunda depresión y su relación con Barbara -a quien consideraba culpable de la muerte de su hijo- se deterioró aún más de lo que ya estaba antes del accidente, debido a sus frecuentes escarceos extramaritales.

En diciembre 1964, fue acribillado a balazos a los 33 años por una recepcionista de un motel de Los Angeles que alegó haber actuado en defensa propia. Horas antes, Sam se había inscrito como Sr y Sra Cooke en compañía de una joven de origen asiático, Erica Boyer. Ésta, según su testimonio posterior, había salido huyendo de Sam, que había intentado violarla. La policía encontró el cuerpo de Cooke vestido únicamente con una chaqueta y unos zapatos, sin pantalones ni ropa interior. El fallo final fue 'homicidio justificado'. No obstante, siguen existiendo muchas lagunas en la investigación y se han generado todo tipo de teorías conspirativas al respecto. Un año después de su muerte se publicó 'A change is gonna come', inspirada en 'Blowin' in the wind' de Bob Dylan. Pieza interpretada desde entonces por todos los grandes del soul, se convirtió en el himno del movimiento de los derechos civiles.

En 1985 se publicó el álbum 'Live at the Harlem Square Club, 1963', que muestran la maestría y el talento de Cooke en directo y está considerado uno de los más discos más importantes de la historia del soul. Como decía Art Garfunkel: “Sam era capaz de lanzar una catarata de notas. Es el primer cantante que recuerdo dando varias notas en una misma sílaba, cantando como si dijera: ‘Ya he dicho la palabra pero voy a decirla otra vez porque tengo el corazón repleto de sentimientos que intentan salir”.

LP 'Don't Shoot Me, I'm Only the Piano Player'

El 22 de enero de 1973 se publicó en el Reino Unido (en Estados Unidos fue el 26 de enero) el sexto álbum de estudio de Elton John, 'Don't Shoot Me, I'm Only the Piano Player' el cual, al igual que el anterior 'Honky Chateau' ocho meses antes, debutó en el nº1 de las listas Billboard de álbumes y terminó de cimentar su categoría como una genuina superestrella.

Elton John repitió fórmula y de nuevo grabó su álbum en los Strawberry Studios, en el Chateu d'Herouville, a las afueras de Paris con los mismos colaboradores (Gus Gudgeon a la producción y Paul Buckmaster a cargo de los arreglos orquestales). El estudio, situado en el primer piso del chateau estaba equipado con una consola MCI 416 y un Ampex de 16 pistas en una pequeña sala de control separada de una espaciosa sala, dos de cuyas paredes eran una doble capa de vidrio que, a la vez que aislarlos del sonido exterior, suministraba abundante luz natural y unas magníficas vistas a la campiña francesa.

Totalmente liberado y sintiéndose confortable en el estudio, comenzó a jugar con sus habilidades vocales y a demostrar su versatilidad componiendo una colección de canciones de estilos pop clásicos y contemporáneos. Como era habitual, Taupin escribía los textos y posteriormente John les ponía música.

'Daniel', uno de los dos singles extraídos del álbum y una de las más bellas baladas de John/Taupin, llegó a los primeros puestos de las listas en medio mundo. Su significado ligado a los veteranos de la guerra de Vietnam, nunca trascendió, ya que Elton suprimió la tercera estrofa -que nunca llegó a grabarse- del texto original de Taupin, que describe a un veterano de la guerra de Vietnam, en la que a resultas del combate quedó ciego ("your eyes have died / but you see more than I" - Tus ojos han muerto / pero puedes ver mejor que yo), en su viaje hacia España (¿Ibiza?) con el fin de escapar de todos aquellos que le presionan y agobian en casa ("do you still feel the pain / of the scars that won't heal?" - ¿Aún sientes el dolor / de las heridas que nunca sanarán?), incluido su hermano, desde cuyo punto de vista está contada la historia.

'Midnight creeper' fue un claro guiño a los Rolling Stones. La crítica social vino a cargo de 'Have mercy on the criminal' (con un excelente trabajo de Paul Buckmaster en el arreglo de cuerda), letra en la que Taupin describe los problemas que tiene que afrontar en la vida un ex-convicto, y 'Texan love song', en la que cuenta la indignación que siente un típico republicano tejano de la época, (seguramente miembro del KKK) ante la juventud 'melenuda y comunista':

How dare you sit there and drink all our beer
Oh it's made for us workers who sweat spit and swear
The minds of our daughters are poisoned by you
With your communistic politics and them negro blues

So it's Ki yi yippie yi yi
You long hairs are sure gonna die
Our American home was clean till you came
And kids still respected the president's name

And the eagle still flew in the sky
Hearts filled with national pride
Then you came along with your drug-crazy songs
Goddamit you're all gonna die

¿Cómo podéis seguir ahí sentados y beberos nuestra cerveza?

Está hecha para nosotros, trabajadores que sudan, escupen y juran

Las mentes de nuestras hijas están contaminadas por vosotros

Con vuestras ideas comunistas y vuestra música de negros

Así que Ki yi yippie yi yi

Vosotros, melenudos váis a morir

Nuestro Hogar Americano estaba limpio hasta que llegásteis

Y los niños aún respetaban el nombre del presidente

Y el águila surcaba los cielos

Y nuestros corazones estaban henchidos de orgullo nacional

Entonces aparecísteis vosotros con vuestras canciones drogatas

¡¡Malditos seáis!! Váis a morir todos

Su gran amigo Marc Bolan le inspiró el tema 'I'm gonna be a teenage idol' y otro amigo de Elton, Groucho Marx, fue el que inspiró el título del álbum: Durante una fiesta en Los Angeles, al encontrarse, Groucho apuntó con los dos dedos índice hacia John, a lo que éste dijo: "No me dispares. Yo sólo soy el pianista..."

Cuando Elton estuvo de gira por Australia en 1972, escuchó el tema 'Eagle rock' del grupo australiano Daddy Cool y quedó impresionado. Fue el single de mayor éxito en Australia de principio de los setenta, permaneciendo 10 semanas en el nº1, y sirvió de inspiración para 'Crocodile rock', canción en la que Elton intenta parecerse a Bobby Vee cantando, siendo también un homenaje a los grupos y a la música de los años cincuenta, con reminiscencias de 'Little darling' de los Diamonds y 'Speedy Gonzales' de Pat Boone. Finalmente, 'High flying bird', se produjo para que sonara como un tema de Van Morrison.

Elton John – voz, piano, piano eléctrico, piano Leslie, órgano Farfisa, armonio, melotrón

Davey Johnstone – guitarras acústica, eléctrica y Leslie, banjo, sitar, mandolina, voces

Dee Murray – bajo, voces

Nigel Olsson – batería, maracas, voces

Daniel

Teacher I need you

Elderberry wine

Blues for my baby and me

Midnight Creeper

Have Mercy on the Criminal

I'm Going to Be a Teenage Idol

Texan Love Song

Crocodile Rock

High Flying Bird

En 1995 se publicó una reedición que incluía cuatro temas extra:

Screw you (Young man's blues)

Jack Rabbit

Whenever you're ready (We'll go steady again)

Skyline pigeon (Piano version)

J.J. Johnson

El 22 de enero de 1924 nació en Indianápolis (Indiana) el trombonista de jazz J.J.Johnson, que fue en la historia del jazz y en la evolución del trombón, lo que Charlie Parker supuso al saxo alto, o Dizzy Gillespie a la trompeta. Todavía no ha surgido quien desde el punto de vista del estilo, haya aportado algo nuevo al idioma musical establecido por Johnson, hace ya más de medio siglo.

J.J.Johnson comenzó a tocar el trombón con catorce años y tres años después ya tocaba como profesional en la banda de Clarence Jones. A continuación con Snookum Russell (1942), Benny Carter (1942-45), con quien hizo su debut discográfico ejecutando un solo en 'Love for sale', y Count Basie (1945-46). Como muchos de sus contemporáneos, Johnson estaba fascinado con el saxo tenor de Basie, Lester Young, cuyas líneas de ritmos complejos carentes de vibrato intentaba imitar J.J. Johnson con su trombón. Gracias a su dominio del hasta entonces poco popular instrumento, se convirtió rápidamente en el más importante trombonista del bop.

J.J. con Max Roach y Oscar Pettiford

A partir de 1945 dirigió un grupo propio con Bud Powell y Max Roach y tocó con Sonny Stitt y Charlie Parker (1947), siendo el único músico que grabó como invitado en el quinteto original del saxofonista. Siguieron colaboraciones con Illinois Jacquet (1947-49), Woody Herman (1949), la big band de Dizzy Gillespie (1951), Oscar Pettiford (1952) y Miles Davis (1953), con quien colaboró en 1949 en las sesiones de grabación que darían lugar al álbum 'Birth Of the Cool'.

Sin embargo, lo que ganaba con la música no era suficiente para sostener a su familia, por lo que aceptó un empleo en la Sperry Gyroscope Company, una fábrica de equipos electrónicos de navegación, en la que trabajó entre 1952 y 1954, aunque llegó a colaborar con Charles Mingus en sus Workshop Bands. Una de estas formaciones estaba liderada por un cuarteto de trombones y su repercusión llevó al regreso de Johnson en 1954 con un quinteto de dos trombones muy popular en 1956 formado con su colega Kay Winding. El dúo grabó entre 1954 y 1969 una docena de álbumes, entre ellos 'The great Kai & J.J.' y 'Trombone for Two'.

Seguidamente formó otro quinteto en el que a menudo militaba Bobby Jasper. Fue entonces cuando Johnson comenzó a concentrarse en su propia música y surgieron ambiciosas composiciones como 'Poem for brass', que apareció en el álbum 'Music For Brass' de 1956 publicado por Columbia y dirigido por Gunther Schuller.

Un año después graba con Tommy Flanagan, Paul Chambers y Max Roach los clasicos álbumes 'First Place' y 'Blue Trombone' un ejemplo temprano de hard bop. En 1957 grabó para Verve 'Stan Getz and J. J. Johnson at the Opera House' con el trio de Oscar Peterson. En 1959 los organizadores del Monterey Jazz Festival le encargaron la pieza 'El camino real', que estrenó en el festival.

Consecuentemente, Gillespie, impresionado por su 'Poem for brass' le pide material para un álbum. El resultado fue 'Perceptions', grabado en 1961 con una suite de 35 minutos ejecutada con seis trompetas, cuatro trombones, dos trompas, dos tubas y dos arpas. Con esto Johnson contribuía de forma activa a lo que se dio en llamar 'third stream' (tercera corriente) en el jazz, que pretendía abrir un nuevo camino en el género utilizando influencias de la música clásica.

En 1960 se dedicó a la enseñanza en Lenox y siguió actuando, pero sus apariciones se volvieron más selectivas. Los años 1961 y 62 volvió a trabajar con Miles Davis y en ocasiones con los saxofonistas Rollins, Jimmy Heath y Sonny Stitt y de cuando en cuando formaba pequeños combos liderados por él. No obstante, procuró dedicar todo su tiempo a la composición. En 1963 apareció en Verve el magnífico 'J.J's Broadway', un excelente ejemplo de su maduro estilo y sonido y sus capacidades como arreglista.

En 1967, con la intervención de Elmer Bernstein, Johnson consiguió un puesto como compositor y director de orquesta en la compañía M.B.A. Music de Nueva York, proveedora de música para la publicidad y la TV. Tres años más tarde se traslada a Los Ángeles y durante la década de los 70 trabaja en Hollywood componiendo y arreglando bandas sonoras para series como 'Starsky y Hutch', 'Mayberry' y 'That girl' y películas como 'Descalzos por el parque', 'Scarface', 'Trouble Man', 'Sea of Love', 'Cleopatra' Jones' y 'Shaft'..

A pesar de su éxito en Hollywood, Johnson permaneció fiel al jazz y a su trombón y practicaba a diario para no perder destreza. Grabó entre 1977 y 1984 media docena de álbumes, entre ellos otro dúo de trombones, esta vez con Al Grey y varios como sideman: dos con Count Basie y en la banda sonora de 'El golpe II'. También tocó en su etapa californiana en la Cocoanut Grove Orchestra de Sammy Davis Jr, y en la banda de Carol Burnett.

Aunque sus grabaciones y actuaciones en directo eran escasas, seguía liderando las votaciones y clasificaciones de mejores trombonistas año tras año. Los álbumes 'Quintergy' y 'Standards', grabados en vivo en 1988 en el Village Vanguard se encargaron de confirmar los resultados de las encuestas. En los años 90 se le pudo ver con sidemen como Renee Rosnes, Rufus Reid, Victor Lewis y Robert Eubanks y, bajo contrato con Verve Records, Johnson grabó otros magníficos trabajos, como 'Tangence' (1994) una colaboración con el realizador Robert Farnon; 'Brass Orchestra' (1996) con temas bebop, y 'Heroes' (1998) su álbum final.

Aquejado de una enfermedad terminal, Johnson se suicidó de un disparo en febrero de 2001. En su funeral, al que asistieron familiares, amigos y numerosos miembros de la comunidad jazz de todo el país, se pudo comprobar la importancia e influencia que tuvo este extraordinario instrumentista y compositor en el género. Nueve trombonistas, entre ellos Slide Hampton, Steve Turre y Robin Eubanks. tocaron como tributo una de sus piezas más conocidas y un standard del jazz, 'Lament'.