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El día 1 de Marzo de 1810, nace en Zelazowa, en las proximidades de Varsovia, el compositor y virtuoso pianista polaco Fréderic François Chopin (Fryderyk Franciszek Chopin, en polaco), considerado como uno de los más importantes de la historia, representando el Romanticismo musical en su estado más puro. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente con las de Johann Sebastian Bach, Franz Liszt y Ludwig van Beethoven por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores.
Nicolás Chopin
Su padre, Nicolás, era un francés emigrado a Polonia en 1787 que trabajó desde 1802 como preceptor en casa del conde Skarbek en Zalazowa, y desde 1810 como profesor de literatura y lengua francesa en el Instituto de Varsovia y en la Escuela de Artillería. Niño prodigio, Fréderic actúa con cinco y seis años en los salones aristocráticos de Varsovia. Su primera aparición pública tiene lugar a la edad de ocho años con motivo de un concierto benéfico. De esta misma época es su primera composición impresa: la “Polonesa en sol menor” (1817).
Chopin en 1829
Entre 1823 y 1826 cursa estudios en el Instituto de Varsovia, posteriormente inicia el estudio de música en profundidad en la Szkola Glowna Muzyki, bajo el magisterio de Jozef Elsner, diplomándose en composición en 1829. Durante estos años da conciertos en Berlín, Praga y Viena, entre otros muchos sitios, ganándose una sólida reputación como virtuoso del instrumento. El 11 de octubre de 1830, con 20 años, da su último concierto en Polonia y compone su primer concierto para piano. Un año después se instala en París donde desarrolla una intensa actividad como compositor y comienza a introducir sus propias obras en sus recitales como intérprete.
Poco a poco fue introduciéndose gradualmente en la actividad musical de París, desistiendo del viaje a Londres que originalmente había planeado realizar. Su primer concierto público fue tan fabuloso que se convirtió en el tema de conversación de toda la ciudad. Éste se llevó a cabo el 26 de febrero de 1832 en la SalaPleyel, calle Cadet: en el programa figuraba su “Concierto en fa menor” y las “Variaciones mozartianas”, en la segunda parte compartió el escenario con notables pianistas como Camille-Marie Stamaty, George Osborne y Ferdinand Hiller, para interpretar una Polonesa de Kalkbrenner, a seis pianos. Entre el público se encontraban músicos de la talla de Mendelssohn y Franz Liszt, y entabló pronto amistad con el último, que también radicaba en la ciudad. Se sentía sorprendido y estimulado por la intensa vida cultural y también por la libertad de acción que podía ejercer.
En abril de 1832 el cólera hizo estragos en la capital francesa, diezmó a las clases trabajadoras e hizo huir a las provincias a los más pudientes. Orlowski, compatriota y amigo de Chopin escribió a los suyos: «Me ocurre que voy a verlo y vuelvo sin haber cambiado una palabra con él, tan melancólico está. En París la situación es mala. Los artistas se ven reducidos a la miseria, porque el cólera ha hecho huir a las provincias a todas las familias ricas...».
James de Rothschild
Pronto sin embargo el azar tiende una mano de ayuda: En el mismo año, un día que Chopin paseaba por el bulevar , se encontró a Valentín Radziwill, padre del príncipe Antonio, quién lo lleva a una velada ofrecida por James de Rothschild. El joven se sienta al piano sin haberse preparado y obtiene un éxito mucho mayor que en ninguno de los conciertos que había dado hasta entonces. Allí está presente la élite de la sociedad y de la noche a la mañana el nombre de Chopin vuela de boca en boca. Se aprecia su distinción, su talento. Se le piden lecciones: la baronesa de Rothschild se inscribe a la cabeza de la lista. Entre las familias adineradas, los Rothschild se entusiasmaron particularmente con el talento de Chopin, y, junto a otras familias pudientes —como la princesa de Vaudemont, el príncipe Adam Czartoriski, el conde Apponyi o el mariscal Lannes— lo tomaron bajo su protección.
La situación cambia bruscamente, el horizonte se aclara y la esperanza renace en Chopin. De todos modos, el oficio de profesor no es en modo alguno lo que tenía en vista pero pronto llegaría a convertirse en un pedagogo muy requerido y bien pagado hasta el fin de su vida.
De 1834 a1835 viaja por Renania, Checoslovaquia y, nuevamente, Alemania. Reencuentra viejas amistades, entre ellas la familia del conde Wodzinsky, pretendiendo, sin éxito, la mano de la joven María Wodzinska.
George Sand
En 1836 tuvo su primer encuentro en París con Aurore Dudevant, escritora francesa seis años mayor que el compositor y más conocida por su seudónimo, George Sand, relación que marcará decisivamente los últimos años de su vida. Tiempo después, en un carta, Chopin dejó esta descripción de ese primer encuentro: "Hoy he conocido a una gran celebridad, madame Dudevant, conocida como George Sand. Su apariencia no es agradable. De hecho hay algo en ella que indudablemente me repele. ¡Qué persona más falta de atractivo! ¿Es realmente una mujer? Me inclino a dudarlo..." . Durante los años 1838-39, siempre acompañado por George Sand, la pareja viaja frecuentemente, residiendo en Marsella y Génova..
Museo Chopin en Valldemosa (Mallorca)
En 1838 se instalan en Mallorca (España) buscando un clima más cálido que mejorara su enfermedad. Tras regresar a París, en 1843, rompen su relación y la salud de Chopin se deteriora con gran rapidez desde entonces. La soledad se une a la nostalgia por su país y su familia. Al año siguiente, algo repuesto, emprende una gira de conciertos por Inglaterra. Su economía no mejora y el húmedo clima de las islas hace que su salud empeore de nuevo.
El 17 de octubre de 1849 fallece en su vivienda del número 12 de la Plaza Vendôme. Apenas tres meses antes de cumplir los cuarenta años. Está enterrado en el cementerio parisiense de Père-Lachaise. Atendiendo al deseo del compositor, su corazón reposa en Varsovia, en la Iglesia de la Santa Cruz.
SU ESTILO
La cualidad más destacada de la técnica de Chopin es la naturalidad, ya alabada por sus propios contemporáneos. Esto es consecuencia de una concepción del piano que identifica este instrumento con el ideal de sensibilidad. La naturalidad chopiniana se basa en la ausencia de esfuerzo, de la que nacen la pureza y la facilidad.
Muchos rasgos de la vida de Chopin son símbolos del Romanticismo: su aire de misterio, su doloroso exilio, su inspiración atormentada, su refinamiento, incluso su temprana muerte por la tisis son temas románticos típicos. Otro aspecto romántico en Chopin es el hecho de que su sentimiento lírico termine por quebrantar siempre la realidad patente. «Rosas, claveles, plumas de escribir y un poco de lacre y en ese instante ya no estoy en mí, sino, como siempre, en un espacio totalmente distinto y asombroso aquellos espaces imaginaires» (Nohant, 1845).
Su preferencia por las formas breves, donde quizás se refleja mejor la sensibilidad del compositor polaco y en donde Chopin alcanza la cumbre de su estilo, en el que el dramatismo, la expresividad y el enraizamiento en lo popular son las notas características, como sus nocturnos “Nocturno nº 2” Opus 9 (Valentina Lisitsa), y baladas, dan fe de su estilo romántico. También el recoger géneros clásicos o históricos para tratarlos en forma no convencional como la sonata, el concierto y el preludio “Preludio Opus 28 nº 4” (Rubinstein).
Monumento a Chopin en Varsovia
Poseedor de una gran cultura literaria, sus formas son, sin embargo, abstractas y libres de referencias de esa índole, a diferencia de Robert Schumann o Liszt, por ejemplo (Kreisleriana o Años de Peregrinaje). El estilo de Chopin viene determinado, primeramente, por la música prerromántica para piano, tanto de compositores extranjeros (Weber, Hummel, el irlandés Field) como polacos (el príncipe Oginski, Franz Lessel, Maria Szymanowska); pero también bebe, y con provecho, de la tradición clásica, con Mozart y Beethoven al frente. Las melodías de la ópera italiana (Bellini, especialmente) se advierten también en su estilo. Pero la más poderosa influencia es, sin duda, la del folklore polaco, que da a su música un carácter marcadamente nacional y convierte al compositor en un avanzado del nacionalismo musical que dominaría la segunda mitad del siglo.
Último piano en el que compuso Chopin
Chopin alcanza su madurez a muy temprana edad. Pero a partir de ese momento resulta difícil advertir una evolución clara. No obstante, sí pueden determinarse tres etapas claramente definidas. La primera se extiende hasta 1830 y se caracteriza por el dominio de formas clásicas como el rondó, la sonata o el trío, que Chopin utiliza con originalidad imponiendo su personalidad pianística. La segunda ocupa toda la década siguiente y en ella el compositor opta por la formas libres, simples, de un solo movimiento, típicas de la expresión musical del Romanticismo. En estas obras el folklore se hace presente cada vez con más fuerza.
En la última etapa, sus años finales, el autor regresa a la sonata, estudios y demás formas clásicas, pero convertidas ya en estructuras adaptadas plenamente al Romanticismo. En este último periodo creativo o «estilo tardío», en el que el dramatismo y los efectos violentos ceden su paso a la gran concentración, la moderación del gesto y un lirismo más profundo. A él pertenecen el “Scherzo n.º 4”, la “Sonata n.º 4”, “la Balada n.º 4”, la “Barcarola”, la “Polonesa-fantasía”, (Martha Argelich) los “Nocturnos” Op. 55 (Claudio Arrau) y 62 - Nº 1 (Aldo Ciccolini) y la “Sonata para violonchelo y piano” (Yo-Yo Ma -violonchelo, Emanuel Ax-piano). Estas obras revelan la búsqueda de nuevos moldes formales, armónicos y sonoros. Lo que hubieran sido sus posteriores composiciones es sólo conjetura.
El fraseo y la “cantabilidad” son los elementos principales y característicos en la música de Chopin. Éste compositor trasciende la naturaleza percusiva del piano para conseguir un legato que más recuerda a la declamación de la voz humana que al propio instrumento de que se trata. Otro de los aspectos fundamentales que contribuyen a sentir la naturalidad mencionada, es el empleo de un rubato muy característico de este compositor: el rubato reservado para la melodía; una melodía entendida como foco de atención, que se desarrolla con independencia respecto al acompañamiento. A esto tenemos que unir su ejemplar empleo de la dinámica, siempre sin exageraciones ni grandes desequilibrios. En estos aspectos podemos vislumbrar la influencia de una formación considerablemente académica en su juventud, ejercida sobretodo por Zywny y Elsner.
La cualidad más destacada de la técnica de Chopin es la naturalidad, ya alabada por sus propios contemporáneos. Esto es consecuencia de una concepción del piano que identifica este instrumento con el ideal de sensibilidad. La naturalidad chopiniana se basa en la ausencia de esfuerzo, de la que nacen la pureza y la facilidad.
Para piano solo • Polonesas: una veintena de piezas diferentes compuestas, de manera independiente o en ciclos de dos o tres piezas, entre 1817 y 1846, ocupando en la práctica toda su vida como compositor. “Gran Polonesa Brillante”- Andante spianato (Alfred Brendel) • Mazurkas: 46 diferentes, normalmente publicadas en ciclos de cuatro (a veces sólo tres), y compuestas, como las Polonesas, durante toda su vida, a partir de 1825.
- “Mazurka en Si bemol menor” Opus 33 (Vladimir Horowitz)
El 1 de marzo de 1904 nació en Clarinda (Iowa) el trombonista, compositor y director de banda de jazz Glenn Miller, quien al frente de la big band más popular de la era del swing, fue uno de los artistas que más discos vendió entre 1939 y 1943.
Se inició en la música cuando su padre Elmer le regaló una mandolina que luego cambió por un corno que fue el primer instrumento de viento que tocó. En esos tiempos, la familia Miller vivía en Tryon, Nebraska. Pasó su infancia en Nebraska y Oklahoma hasta que su familia se instaló definitivamente en Colorado, donde con doce años abandona el corno y empieza a estudiar la técnica del trombón y a tocarlo en la banda de su colegio. Siendo aún estudiante universitario, Glenn realizaba audiciones, tocando siempre que se le presentaba la oportunidad. Al descuidar sus estudios y tener que repetir curso, decidió abandonar la universidad dedicándose por completo a la música.
Formó parte como trombonista profesional de las bandas de Boyd Senter, Ben Pollack, Paul Ash y Red Nichols. Durante los años treinta fue un músico de sesión muy ocupado y comenzó a escribir arreglos (en 1943 publicó un 'Método de Arreglo Orquestal'). En 1934 trabajó con los hermanos Dorsey y en 1935 con Ray Noble. Allí fue donde desarrolló el 'sonido Miller', que consistía en doblar la melodía del saxo una octava más alta con el clarinete. Con su primera banda Miller realizó sus primeras grabaciones para Columbia ('Solo hop', 1935) y Brunswick ('Doin' the Jive', 1937).
En 1937 la disolvió para, ese mismo año, formar una segunda banda que consiguió rápidamente el favor del público llenando sus conciertos (que, además eran retransmitidos por radio), lo que dio lugar a una serie de grabaciones como su famosa composición 'Moonlight serenade' (1939), una de las canciones más reproducidas de toda la historia en EE. UU y su primer nº1, 'Stairway to the stars', seguido de 'Moon love', 'Over the rainbow', 'The man with the mandolin' y 'Blue orchids'. A principios de 1940, 'In the mood' estuvo quince semanas consecutivas en el número uno, y siguió 'Tuxedo junction' que mantuvo a Miller en lo alto de las listas hasta el verano. El 11 de febrero de 1941 se le otorgó a Miller el primer disco de oro por 'Chattanooga Choo Choo'.
Cuando EE.UU entró en la Segunda Guerra Mundial, Miller disolvió su banda y se alistó en las Fuerzas Aéreas donde recibió el rango de capitán y se hizo cargo de la American Band of the Allied Expeditionary Forces Orchestra, en la que tocaban el batería Ray McKinley y el pianista Mel Powell. Con ella se encargó de tocar para las tropas estadounidenses desplazadas a Europa. El 15 de diciembre, cuando se desplazaba en un avión desde Londres a Paris, que acababa de ser liberada, desapareció cuando sobrevolaban el canal de la Mancha. No se localizaron restos, por lo que Miller fue oficialmente declarado como 'desaparecido en combate'.
Como nunca se encontraron los cadáveres de Miller y sus acompañantes, hubo una serie de leyendas que le suponían vivo. También existen varias versiones sobre su muerte. Unas apuntaban a que el avión fue abatido por fuego amigo y otras sugerían hechos más oscuros. Según relata el periodista Hunton Downs en su libro 'The Glenn Miller conspiracy' (2010), Miller operaba como agente secreto de Eisenhower y su misión consistía en contactar con oficiales alemanes para negociar el fin de la guerra. Según Downs, el músico fracasó en su misión, siendo capturado, torturado y asesinado en un burdel de París.
A pesar de la desaparición del músico, la banda continuó sus actividades bajo la dirección de Jerry Gray, el arreglista de Miller, hasta el 13 de noviembre de 1945, cuando hizo su última presentación ante el presidente Harry Truman, en Washington. El Mayor Glenn Miller fue el único miembro de la banda que no sobrevivió a la guerra. En 1953 se rodó un film (muy dulcificado) sobre su vida, 'The Glenn Miller Story' (Música y Lágrimas), con James Stewart en el papel de Miller.
El 29 de febrero de 1792 nació en Pésaro, Italia el compositor italiano Gioachino Rossini, conocido especialmente por sus óperas, particularmente por las cómicas. Su popularidad le hizo asumir el "trono" de la ópera italiana en la estética del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica vocal sin descuidar los demás aspectos musicales. Situado cronológicamente entre los últimos grandes representantes de la ópera napolitana (Cimarosa y Paisiello) y los primeros de la romántica (Bellini y Donizetti), Rossini ocupa un lugar preponderante en el repertorio lírico italiano gracias a óperas bufas que le han dado fama universal.
Hijo de un trompetista del municipio de Pésaro que colaboraba con las orquestas de los teatros de la provincia, y de una soprano que llevó a cabo una corta carrera como seconda donna, la existencia de Rossini se vio ligada, desde la infancia, al universo operístico. Alumno del Liceo Musical de Bolonia desde 1806, en esta institución tuvo como maestro de contrapunto al padre Mattei y entró en contacto con la producción sinfónica de los clásicos vieneses, Mozart y Haydn, que ejercerían una notable influencia en la fisonomía instrumental de sus grandes óperas, de una riqueza tímbrica y de recursos (los célebres y característicos crescendi rossinianos) desconocidos en la Italia de su tiempo.
Tras varias óperas escritas según el modelo serio (Demetrio e Polibio, Ciro in Babilonia), ya en decadencia, y bufo (La cambiale di matrimonio, L’inganno felice), sin excesivas innovaciones, el genio de Rossini empezó a manifestarse en toda su grandeza a partir de 1813, año del estreno de Il signor Bruschino (Arturo Toscanini & N.B.C. Symphony Orchestra). Dotado de una gran facilidad para la composición, los títulos fueron sucediéndose uno tras otro sin pausa (llegó a estrenar hasta cuatro obras en el mismo año).
En París, ciudad en la que se estableció en 1824, compuso y dio a conocer la que iba a ser su última partitura para la escena, Guglielmo Tell (1829). A pesar de su éxito, el compositor abandonó por completo –cuando contaba treinta y siete años y por razones desconocidas– el cultivo de la ópera. Sin lugar a dudas la ópera más famosa de Rossini es El barbero de Sevilla - Obertura (Claudio Abbado & NBC Symphony Orchestra) escrita en Roma en 1816. Otras óperas suyas que figuran en el repertorio actual son L'italiana in Algeri (1813), Il turco in Italia (1814), La Cenerentola (1817), Semiramide (1823) y Comte Ory (1828).
Durante el resto de su vida sólo escribió dos obras importantes, el Stabat Mater (1842) -Amén- (Chorus and Orchestra of the Accademia Nacionale di Santa Cecilia) y La pequeña misa solemne (1864). A pesar de este largo retiro siguió figurando como una de las personalidades más relevantes del mundo operístico.
Contrajo matrimonio en Castenaso en 1822 con la soprano española Isabel Colbran, que interpretó varias de sus primeras óperas. Se separaron en 1837 y Rossini se fue a vivir con Olympe Pélissier, con quien se casó en 1846, tras la muerte de Isabella en 1845. Gioacchino Rossini murió el 13 de noviembre de 1868 en Passy, Francia. Fue enterrado en el parisino Cementerio del Père-Lachaise. Sus restos fueron trasladados en 1887 a Florencia y descansan en la Basílica de la Santa Croce.
Giuseppe Verdi convocó a los mejores compositores italianos a componer una misa de Réquiem en honor del Cisne de Pésaro (forma poética con la que se denomina a Rossini). Dadas las circunstancias políticas adversas, no se estrenó esa obra y Verdi usó su contribución, el Líbera me, en su propio Requiem, dedicado a Alessandro Manzoni. El director Helmuth Rilling ha exhumado y grabado la obra en la actualidad. Nicoló Paganini, Frederic Chopin, Mauro Giuliani, Louis Niedermayer, Ottorino Respighi y otros renombrados compositores han creado variaciones, orquestaciones y adaptaciones de múltiples obras rossinianas. Y los afamados “tournedos Rossini”, así como muchos otros platos de cocina, son designados en honor al célebre compositor, que era un consumado gastrónomo.
- Duetto Buffo di Due Gatti (Duo Humorístico para Dos Gatos) – 1825 http://youtu.be/wtyq-Fy9NTY (Pauline Tinsley y Elizabeth Vaugham)
- Il viaggio a Reims - 1825
- Le Siège de Corinthe - 1826
- Moïse et Pharaon - 1827 Acto 3 “Dal tuo stellato soglio”Pauline Tinsley, soprano; Elizabeth Shelley, mezzo-soprano; David Hughes, tenor; Robert Lloyd, bajo & Chorus and Orchestra of the Royal Opera House & dir. Lamberto Gardelli).
El 29 de febrero de 1904 nació en Shenandoah (Pennsylvania) el saxofonista, clarinetista, compositor y director de big band Jimmy Dorsey. Hermano de Tommy, con quien trabajó en múltiples ocasiones, tuvo numerosos éxitos en su propia orquesta, como 'Green eyes', 'Amapola', 'Maria Elena', 'Tangerine' y 'Pennies from heaven' con Bob Eberly y Helen O'Connell como cantantes.
Jimmy Dorsey
Su padre era profesor de música y Jimmy (el mayor de los hermanos Dorsey) comenzó a tocar la corneta con nueve años. Al año siguiente se cambió al saxo y en 1915 también tocaba el clarinete. Junto a su hermano Tommy, que tocaba el trombón, tuvo sus primeras experiencias con una banda cuando formaron Dorsey's Novelty Six, más tarde Dorsey's Wild Canaries, una de las primeras bandas de jazz que tocaron para la radio. En 1924 se trasladó a la ciudad de Nueva York para unirse a los California Ramblers. Con 17 años estaba tocando junto a Bix Beiderbecke y Frankie Trumbauer en la banda de Jean Goldkette. Cuando ésta se disolvió en 1927, Bix, Frankie y él se unieron a la orquesta de Paul Whiteman. Continuó trabajando como músico de sesión y participó en la banda de Ted Lewis, donde coincidió con Benny Goodman y Don Murray. Jimmy tomó parte en grabaciones de Lewis y le acompañó de gira por Europa.
Jimmy y Tommy Dorsey
Jimmy y su hermano Tommy habían aparecido en numerosas sesiones de grabación y programas de radio acreditados como The Dorsey Brothers, formando parte de orquestas de Rudy Valee o Nathaniel Shilkret, o acompañando a Bing Crosby. En 1927 formaron la Dorsey Brothers Orchestra que, en 1934 y bajo el sello Decca, grabó éxitos como 'Lullaby of Broadway', 'Chasing shadows' y 'You are my lucky star'. En 1935 Tommy, tras una discusión con Jimmy, abandona la banda para formar la suya propia y Jimmy continúa como Jimmy Dorsey & his Orchestra teniendo entre sus filas a sidemen como Glenn Miller y Ray McKinley y vocalistas como Bob Crosby y Bob Eberly.
Dorsey Brothers Orchestra en 1934: Arriba: Bobby Van Eps (piano), Delmar Kaplan (bajo), Tommy Dorsey, Kay Kaplan (cantante), Jimmy Dorsey, Glenn Miller (trombón y arreglista) y Jack Stacey (saxo alto); Abajo: George Thow (trompeta), Roc Hilan (guitarra), Don Mattison (trombón), Skeets Herfurt (saxo tenor) y Ray McKinley (batería)
Don Eberly y Helen O'Connell
En 1939 Jimmy contrató a Helen O'Connell como voz solista femenina. Ella y Eberly tenían ese encanto de 'chico y chica corrientes' que ayudó a popularizar los mayores éxitos de la orquesta. Muchas de las grabaciones de Eberly-O'Connell se editaron en un inusual formato en tres secciones. Ese formato se desarrolló a instancias de un productor de grabación que quería que ambos cantantes y la banda en pleno aparecieran en una única grabación de tres minutos, que era lo que cabía entonces en un vinilo de 78rpm. Eberly cantaba el primer minuto, usualmente como una balada romántica, el siguiente tocaba la banda en pleno respaldando el saxofón de Dorsey y el último minuto era cantado por O'Connell en un estilo más vivaz, a veces con letras en español.
Casi todos los temas editados entre 1939 y 1943 fueron muy populares, especialmente aquellos de sabor latino como 'The breeze and I' (1940), 'Green eyes' (Aquellos ojos verdes), 'Amapola','Maria Elena', 'Yours' (Quiéreme mucho) (1941) y 'Tangerine' (1942). Otros temas de éxito fueron 'All of me', 'I hear a rhapsody', 'High on a windy hill', 'My sister and I','Blue champagne'y 'Jim'.
Jimmy Dorsey
Además Jimmy y su orquesta participaron en varias películas como 'That Girl From Paris', 'Shall We Dance', 'The Fleet's In', 'Lost in a Harem' con Abbot y Costello, 'I dood It', y el bio-pic de ficción junto a su hermano Tommy, 'The Fabulous Dorseys' en 1947. En 1942, O'Connell dejó la banda y fue sustituida por Kitty Kallen, con quien Dorsey grabó sus últimos grandes éxitos, 'Brazil', 'Besame mucho' y 'They're either too young or too old' (1944). Tras la segunda guerra mundial, las big bands dejaron de ser tan populares y a principios de los años cincuenta Jimmy disolvió la orquesta.
Los hermanos Dorsey
En 1953 se unió a la orquesta de su hermano con quien permaneció tres años. Aparecían en los carteles como Tommy Dorsey and his Orchestra featuring Jimmy Dorsey. Juntos presentaron un programa de variedades musicales en TV patrocinado por Jackie Gleason para la CBS, 'Stage Show'. En él realizó Elvis Presley sus legendarias primeras apariciones en la TV nacional. Tras fallecer Tommy, Jimmy dirigió la orquesta y, cuando el tema 'So rare' (1956) estaba escalando las listas americanas abriéndose paso entre rock & rolls de Pat Boone, Chuck Berry, Fats Domino y Elvis Presley, Dorsey murió en junio de 1957 a los 53 años.
El 28 de febrero de 1943 nació en Oakland (California) la cantante norteamericana de soul Barbara Acklin, popular en EE.UU. entre los años 1968 y 1974, en los que obtuvo varios éxitos como intérprete y como compositora de hits para otros artistas como Jackie Wilson y los Chi-Lites.
En 1948 Barbara y su familia se mudaron a Chicago. Con once años era una de las voces solistas del coro de una iglesia baptista y unos años más tarde comenzó a cantar en clubs nocturnos de Chicago. Tras graduarse en la Dunbar Vocational High Shool, trabajó como secretaria en St. Lawrence Records. A través de su primo Monk Higgins, saxofonista y productor discográfico, Acklin grabó su primer disco en el sello subsidiario Special Agent bajo el nombre de Barbara Allen. También realizó coros en discos de Chess para Etta James, Fontella Bass, Koko Taylor y otros artistas bajo la producción de Higgins.
En 1966 comenzó a trabajar de recepcionista en la oficina de Chicago de Brunswick Records, donde aprovechó la oportunidad para mostrarle al productor Clive Davis sus propias canciones. Una de ellas, 'Whispers (Gettin' louder)', co-escrita con David Scott, fue grabada por Jackie Wilson y se convirtió en el mayor éxito del cantante en tres años, alcanzando el Top5 en las listas de R&B. Wilson intercedió entonces para que Barbara consiguiera un contrato de grabación con Brunswick y en 1967 grabó sus primeros singles que no tuvieron éxito. Sin embargo, su tercer single, 'Show me the way to go', un dueto con Gene Chandler, sí logro entrar en las listas.
Barbara había estado trabajando con otro artista del sello Brunswick, Eugene Record (cantante solista de los Chi-Lites), con quien compuso un hit para Peaches & Herb, 'Two little kids', antes de escribir juntos el mayor éxito como intérprete de Acklin, 'Love makes a woman', en cuya composición también colaboraron el arreglista Sonny Sanders y el guitarrista Gerald Sims. El single alcanzó el tercer puesto de las listas R&B y el nº15 en las listas pop. Continuó grabando éxitos menores en Brunswick los cuatro años siguientes como 'From the teacher to the preacher', otro dueto con Gene Chandler y 'Just ain't no love'
En 1969 publicó 'Am I the same girl' (1969), en cuya cara B apareció una versión instrumental con un piano sustituyendo la voz de Acklin. Este sería un éxito mayor ese mismo año como 'Soulful Strut' en versión Young-Holt Unlimited y Dusty Springfield realizaría una versión cantada de cierto éxito en el Reino Unido. Acklin publicó varios álbumes en Brunswick como 'Love Makes a Woman' (1968), 'Seven Days of Night' (1969), 'Someone Else's Arms' (1970), 'I Did It' (1971) y 'I Call It Trouble' (1973) que, además de los temas citados, produjeron nuevos singles que entraron en las listas como 'After you', 'I did it', 'Lady lady lady' y 'I call it trouble'.
Al mismo tiempo seguía su colaboración con Eugene Record y ambos, impresionados con los monólogos de Isaac Hayes en su álbum 'Hot Buttered Soul', se inspiran en él para escribir 'Have you seen her' (1971) que, grabado por los Chi-Lites se convierte en un gran éxito llegando al nº1 en las listas R&B y nº3 en las listas pop, así como en el Reino Unido donde alcanza el Top10. Record y Acklin escribirían varios éxitos más para el grupo como 'Stoned out of my mind', 'Toby' y 'Too good to be forgotten'.
En 1974 se cambió a Capitol Records donde su primer single, 'Raindrops', fue su mayor éxito en seis años. Grabó un álbum 'A Place In the Sun' (1975) que no tuvo buena respuesta y posteriores singles como 'Special loving' y 'Give me some of your sweet love' fueron un fracaso de ventas por lo que Capitol no le renovó el contrato. Continuó actuando como solista o haciendo coros para los Chi-Lites o Tyrone Davis y en 1980 realizó sus últimas grabaciones para el sello Chi-Sound. Posteriormente se mudó a Omaha (Nebraska) y, cuando estaba preparando la grabación de un nuevo álbum, cayó enferma muriendo en noviembre de 1998 a los 54 años.
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