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Tras los artistas folk y grupos con sets acústicos de la primera jornada, el sábado 16 de agosto se dio paso al rock and roll con el siguiente programa:
Quill era una banda de jazz rock psicodélico muy popular en Nueva Inglaterra y Nueva York a finales de los sesenta. Su aparición en Woodstock motivó que Ahmet Ertegun de Atlantic Records les firmara un contrato discográfico y eso hubiese sido el espaldarazo definitivo a su carrera, pero problemas técnicos en la sincronización de imagen y sonido impidieron que su actuación fuese filmada y por consiguiente no apareció en el film documental que se realizó. Este hecho enojó enormemente a Ertegun que perdió interés en la banda. Se separaron unos meses después.
2) COUNTRY JOE MCDONALD
Con el fin de rellenar el tiempo que se tomaba cambiar el set para la siguiente actuación (Santana) se le pidió a Country Joe McDonald que saliese a tocar un par de temas con la guitarra acústica. McDonald, que estaba citado al día siguiente para tocar con su grupo, aceptó a regañadientes, asustado por enfrentarse a la gran masa de público. Cuando percibió que la gran mayoría vivía ajena a lo que sucedía en el escenario, se relajó y cantó su famosa canción anti-Vietnam instando al público a cantar con él: "Escuchad, gente. No sé cómo pensáis parar esta guerra si no sabéis cantar mejor que hasta ahora. Sois más de de 300.000 jodidos cabrones ahí abajo y quiero que empezéis a cantar ya!! ¡¡Vamos!!". No solo no molestaron los insultos sino que una gran número de asistentes coreó con él el estribillo.
3) SANTANA
Santana ya venía de triunfar en la zona de San Franciso, donde habían causado sensación con su jazz-rock latino. Su actuación en Woodstock fue de las más sonadas y recordadas y significó el lanzamiento internacional de su álbum debut, cuyo lanzamiento coincidió con el festival.
4) JOHN SEBASTIAN
Para el siguiente cambio de set buscaron de nuevo a alguien que rellenara el tiempo y por allí andaba John B. Sebastian, dispuesto a lo que fuera. "Sebastian llegó con su perenne sonrisa de colocón de marihuana y dijo:'Vale'. Estaba enamorado de todo y de todos"
La banda liderada por el baterista que sustituyó a Ringo Starr en el grupo que este dejó para unirse a los Beatles, Rory Storm and the Hurricanes, fue la que más agradeció el intermezzo ofrecido por Sebastian. Tras el impresionante show de Santana, estos modestos músicos británicos salieron a escena algo acomplejados e impresionados por el mastodóntico montaje en el que se veían envueltos.
Tenían que haber tocado el día anterior, dedicado a los grupos folk y acústicos, pero cuando comenzó a llover en su momento, se negaron a actuar, por lo que se les incluyó en el programa del sábado.
Canned Heat ya era un grupo consolidado con cuatro álbumes en el mercado cuando tocaron en Woodstock. Uno de sus temas, 'Going up the country' se convirtió en uno de los himnos del Festival y es la canción que abre el triple álbum oficial que se editó del festival.
Mountain era un power trío inspirado en Cream con el cantante y guitarrista Leslie West al frente. Aunque su actuación fue muy bien recibida por la audiencia de Woodstock no aparecieron ni en la película y por tanto tampoco en el triple álbum que contenía la banda sonora. En 1971 se publicó un álbum doble como segunda entrega en el que sí se incluyeron dos temas de la banda: 'Blood of the sun' y 'Theme for an imaginary western'.
9) GRATEFUL DEAD
Otro de los grupos sobradamente conocidos en la escena de San Francisco, acababan de publicar su tercer álbum 'Aoxomoxoa'. Se vieron obligados a recortar su pase debido a una sobrecarga en los amplificadores.
Los Creedence era uno de los grupos considerados cabeza de cartel. Sin embargo, cuando salieron a escena, las largas improvisaciones de los Dead y el posterior parón para arreglar el problema de sonido habían provocado que la mayoría del público se retirara a dormir en sus sacos y tiendas de campaña, por lo que numerosos asistentes se perdieron la actuación. Además, John Fogerty, que no terminó muy satisfecho con la calidad del sonido, no permitió que se usara la música en la banda sonora oficial del evento. De esta manera su paso por Woodstock pasó casi inadvertido.
11) JANIS JOPLIN
Janis venía de triunfar en Europa, donde fue acogida calurosamente. Animada por su amiga y amante Peggy Caserta, una ex-azafata dueña de una boutique en San Francisco, que compartía con ella la afición por el alcohol y la heroína, aceptó actuar en el Festival de Woodstock.
Cuando Janis llegó al recinto en helicóptero y vio aquella masa de gente desde el aire, se puso muy nerviosa y las diez horas que pasó en el backstage esperando su turno, las pasó bebiendo e inyectándose heroína con Peggy, por lo que su estado al subir a escena era lamentable. Aún así terminó su pase interpretando diez temas, entre ellos, cuatro de su nuevo álbum recién grabado: 'To love somebody', 'As good as you've been to this world' y 'Work me Lord'. Incluso tuvo que cantar 'Ball & Chain' como bis ante el regocijo del público. Insatisfecha con su actuación, las imágenes de Janis no aparecieron en el film ni en la banda sonora del famoso documental dirigido por Michael Wadleigh.
12) SLY & THE FAMILY STONE
Contratados gracias a su hit de finales de 1968 'Everyday people', esta banda de soul funk psicodélico de San Franciso ofreció uno de los mejores shows del Festival.
Pete Townshend insistió en cobrar antes de subir al escenario y protagonizó un pequeño altercado con Abbie Hoffman, uno de los organizadores. Este, que se hallaba bajo los efectos del LSD se acercó a uno de los micrófonos en una pausa entre canciones para protestar por la sentencia de diez años que había recibido un joven llamado John Sinclair por el hecho de pasar dos cigarrillos de marihuana a un agente de narcóticos camuflado. Townshend lo apartó a guitarrazos mientras le increpaba: "Vete a tomar por... y sal de mi jodido escenario ahora mismo". Abbie le hizo caso y desapareció entre el gentío.
Los Jefferson Airplane era otra banda consolidada de San Francisco y cuando les tocó el truno, el sol ya despuntaba por las colinas de Bethel. Grace Slick, que nunca conservó memorias positivas del evento, describió su show a primeras horas del día como 'música maníaca mañanera'
El 15 de agosto de 1969 se celebró la primera jornada de los tres días de paz y música que anunciaban los organizadores del Festival de Woodstock, llevado a cabo en una granja de la localidad de Bethel, propiedad de Max Yasgur. Asistieron cerca de medio millón de personas, aunque los organizadores no esperaban más de 60.000. Por el escenario desfilaron durante el lluvioso fin de semana 33 artistas que protagonizaron el más importante y mítico festival de música rock del siglo XX.
La gran masa de público que acudió al evento provocó atascos y embotellamientos en numerosas carreteras y autopistas del país. se calcula que 250.000 personas se quedaron en el camino sin poder llegar. También se lo perdieron un buen número de artistas, la mayoría de los cuales, aunque invitados a participar, consideraban que aquello solo iba a ser "un festivalillo de verano más sin importancia" o un "Monterey de segunda". En ese grupo se encontraban bandas y artistas como Dylan (que prefirió apuntarse al Festival de Wight del 31 de agosto), los Doors, Led Zeppelin, los Byrds, Frank Zappa y sus Mothers of Invention, Moody Blues, Tommy James & the Shondells, Spirit y Joni Mitchell.
Esta última en realidad se moría por asistir, pero su representante no se lo permitió ya que tenía un compromiso el mismo día en el Dick Cavett Show. No obstante, desde la distancia, compuso un tema sobre el festival, 'Woodstock', grabado y publicado por Crosby, Stills & Nash, que describía perfectamente la atmósfera que allí reinó. "Ni siquiera estuvo allí y es la que mejor captó el espíritu de todo aquello" (David Crosby). Fue sin duda un momento clave en la historia de la música popular y, aunque se han intentado repeticiones con más o menos fortuna (1979, 1989, 1994 y 1999) el Woodstock por antonomasia sigue siendo el de 1969.
John Roberts
La idea nació de los múltiples proyectos que surgían en las conversaciones que llevaban a cabo en un apartamento de Nueva York cuatro jóvenes cuyas edades oscilaban entre los 24 y los 26 años: John Roberts, el mayor, fue quien puso el dinero. Era el heredero de una gran fortuna que provenía de la fabricación de pasta dental y estaba graduado por la Universidad de Pennsylvania. Sólo había asistido a un concierto rock en su vida para ver a los Beach Boys.
Joel Rosenman
Su amigo Joel Rosenman, hijo de un eminente odontólogo de Long Island, estaba recién graduado en leyes por la Yale Law School y en 1967 había estado tocando la guitarra con una banda de lounge en clubes de Long Island hasta Las Vegas. Roberts y Rosenman se conocieron en otoño de 1966 en una partida de golf y ese invierno compartían apartamento en Nueva York donde comenzaron a elucubrar en qué iban a emplear el tiempo el resto de sus vidas. Para adquirir ideas publicaron un anuncio clasificado en el New York Times en marzo de 1968 que decía lo siguiente: "Jóvenes emprendedores con cantidad ilimitada de dinero busca proposiciones, ideas e inversiones interesantes". Recibieron miles de propuestas, la mayoría disparatadas y alguna que otra interesante, como las pelotas de golf biodegradables.
Artie Kornfeld
Por otro lado estaba Artie Kornfeld, de 25 años. Aunque en su trabajo -vicepresidente de Capitol Records- vestía traje, éste era de anchas solapas y el cabello de Artie cubría sus orejas. Fumaba porros de hachís en su oficina y era el contacto de la compañía con los rockeros que comenzaban a vender millones de copias de sus discos.
Michael Lang
Michael Lang, por último, solía caminar descalzo. Su cabeza estaba poblada por una frondosa cabellera llena de rizos que le llegaban hasta los hombros. Sus amigos le describían como un 'hippie cósmico' y con 23 años era propietario de probablemente la primera grow-shop del estado de Florida. Fue allí donde Michael organizó el Miami Pop Festival en 1968 que convocó a 40.000 personas durante dos días. También era el mánager del grupo rock Train, a quienes pretendía conseguir un contrato en Capitol Records, donde conoció a Kornfeld, que resultó haber crecido en el mismo barrio neoyorquino que Lang, Bensonhurst.
Dylan en Woodstock
Los dos conectaron al instante y Lang no tardó mucho en mudarse a casa de Artie y su mujer, Linda, con quienes compartía conversaciones de madrugada aderezadas con unos joints. Una de las ideas que surgió fue la de un festival-concierto-exposición de arte, otra, la creación de un estudio de grabación en la pequeña localidad de Woodstock en el condado de Ulster, situado en plena naturaleza y en una zona que se había convertido en residencia de verano de numerosos artistas como Bob Dylan, The Band, Tim Hardin, Van Morrison, Jimi Hendrix y Janis Joplin. Woodstock tenía tradición desde principios de siglo de albergar a artistas y personas extraordinariamente creativas cuya filosofía principal consistía en permanecer cerca de la naturaleza.
Los campos de Woodstock
Puestos a la búsqueda de financiación para sus proyectos, nunca se toparon con el anuncio de "jóvenes con cantitad ilimitada de dinero buscan..." que habían publicado Roberts y Rosenman, pero su asesor legal les recomendó hablar con ellos. Los cuatro se encontraron por primera vez el mes de febrero de 1969 y los jóvenes yuppies se mostraron interesados en el proyecto. La idea era construir el estudio de grabación y celebrar la inauguración con una fiesta-concierto a la que acudirían invitados todos los críticos musicales de Nueva York. Poco a poco la idea se concentró más en el concierto que en el estudio y llegaron a un acuerdo. Se organizaría la fiesta-concierto y con los beneficios se financiaría el estudio. Pero la idea empezó a crecer y crecer y tras la tercera reunión de trabajo, el concierto se había convertido en en un bucólico macrofestival de tres días para más de 50.000 personas, el mayor evento rock de la historia pensado hasta entonces.
Los cuatro jóvenes decidieron formar una sociedad al 25% que llamaron Woodstock Ventures en honor al pueblo de la zona donde se habia instalado Bob Dylan.
1ª versión del cartel
En un principio, cuando el proyecto evidenció necesitar un lugar más espacioso que el pequeño pueblo de Woodstock, estaba previsto que el festival, al que llamaron 'exposición aquariana' (incluia además de los conciertos, exposiciones de arte alternativo, talleres de manualidades, etc), se llevara a cabo en la localidad de Walkill, incluso se diseñó un cartel mencionando el sitio que no llegaría a usarse, pero las autoridades locales, cuando tuvieron noticia de que se esperaban unas 50.000 personas, la mayoría de ellos hippies de pelo largo y vestimentas andrajosas, algo que en la sociedad conservadora de entonces estaba necesariamente ligado a las drogas y a pensamientos izquierdistas, no dieron el permiso correspondiente por lo que se tuvo que trasladar la localización al pueblo de Bethel, unos 65 kms hacia el noroeste.
Max Yasgur
Allí, un simpático granjero, Max Yasgur, dueño de un magnífico terreno de 600 acres en los que pastaban las vacas que le proporcionaban la leche para su negocio, se mostró dispuesto a alquilarlo por la cantidad de 75.000$. Todos esto sucedía solo un mes y medio antes de la fecha anunciada del Festival. Los siguientes días un ejército de carpinteros, electricistas, montadores etc tomó la zona para hacerse cargo de los preparativos. Por otro lado estaban los miembros de la organización, la mayoría de ellos, los temidos 'hippies'. Las tribulaciones de estos con los habitantes de Bethel están magníficamente relatadas en el film de Ang Lee: 'Taking Woodstock' de 2009.
Cartel definitivo
Aunque se sentían afortunados por haber encontrado una localización definitiva para el concierto, el cambio de última hora demoró dramáticamente todo el proceso. Hubo que redactar y firmar nuevos contratos de alquiler y arrendamiento de la granja de Yasgur y otras zonas colindantes y solicitar los permisos para celebrar el Festival en Bethem. La construcción del escenario, un recinto para los artistas, zonas de aparcamiento, aseos, puestos de venta de comida y bebida y un parque infantil comenzaron con mucho retraso. Algunas instalaciones como las taquillas y las puertas de acceso no pudieron ser finalizadas a tiempo, lo que motivó que el miércoles, 13 de agosto, dos días antes del comienzo del evento, se instalaran con sacos de dormir y tiendas de campaña en las proximidades del escenario alrededor de 50.000 personas.
Fue la imposibilidad de obligar a toda esa gente a pasar por taquilla lo que forzó a los organizadores a declarar el concierto gratuito, lo que tuvo dos efectos nefastos: en primer lugar la gran suma de dinero que les iba a costar esta desesperada decisión y por otro lado, cuando la noticia alcanzó la ciudad de Nueva York, decenas de miles de jóvenes se dirigieron a Bethem colapsando las autopistas y carreteras de acceso. Se calcula que de una manera u otra llegaron al Festival alrededor de 500.000 personas.
Nadie había previsto ni en las suposiciones más optimistas la asistencia de medio millón de personas. Las autopistas de los alrededores se convirtieron literalmente en zonas de aparcamiento, ya que siendo imposible avanzar con los vehículos, la gente abandonaba sus coches en medio de la calzada para recorrer los últimos kilómetros a pie. Los accesos llegaron a ser tan complicados y caóticos que la organización se vio obligada a alquilar helicópteros para poder trasladar a tiempo a todos los artistas previstos en el cartel.
A pesar de todos los problemas e inconvenientes, el Festival comenzó más o menos a su hora y el viernes, 15 de agosto, sobre las cinco de la tarde apareció en escena Richie Havens.
Los músicos que aparecieron la primera jornada fueron los siguientes, por orden de actuación:
RICHIE HAVENS 17:07 - 19:00
El primer artista previsto para inaugurar el festival era el grupo Sweetwater, pero un control y un registro policial en el camino hacia el recinto los retrasó. Por ello se le pidió al segundo de la lista, Richie Havens salir al escenario y alargar su actuación de modo que les diera tiempo a llegar a los chicos de Sweetwater. Esa circunstancia dio lugar a una de las actuaciones más emblemáticas de la historia con el último tema de su pase, 'Motherless child' que Havens alargó todo lo que pudo creando al final una auténtica improvisación con su peculiar forma de tocar la guitarra acústica sobre la que recitó repetidas veces la palabra 'Freedom'.
SWEETWATER 19:30 - 20:10
Banda californiana de rock psicodélico formada un año antes y liderada por la joven cantante Nancy Nevins. Con una formación poco habitual en el rock (no había guitarras e incluían flauta y cello) su álbum debut había logrado llamar la atención y su actuación en el festival los lanzó a la fama, pero Nancy sufrió un accidente en 1970 que le afectó las cuerdas vocales, lo que dio lugar a la disolución de la banda en 1971.
BERT SOMMER 20:20 -21:15
Cantautor folk nacido en Albany (New York). Uno de los injustamente olvidados por no haber aparecido ni en la película ni en la banda sonora. Fue miembro durante un corto tiempo de la banda de pop barroco The Left Banke. Su versión de 'America' de Paul Simon esa noche arrancó un aplauso unánime de la audiencia.
TIM HARDIN 21:20 - 21:45
Cantautor folk nacido en Eugene (Oregon), autor de temas como 'If I were a carpenter' o 'Reason to believe'
RAVI SHANKAR 22:00 - 22:35
El músico indio que ya había actuado con éxito en el Monterey Pop Festival, se sentía muy ligado al movimiento hippy surgido aquel 'verano del amor' de 1967. La experiencia le gustó y acudió a Woodstock. Sin embargo, en esta ocasión, Shankar no quedó satisfecho y a partir de 1970 se alejó del movimiento y de los grandes festivales, exceptuando el concierto para Bangla Desh, promovido por George Harrison en 1971.
MELANIE SAFKA 22:50
Cuando la prácticamente desconocida cantautora Melanie Safka pisó temblorosa el escenario, únicamente había logrado un hit en los Países Bajos con el tema 'Beautiful people'. Tras su primer tema y ya liberada del miedo escénico logró cautivar al público que recibía sus canciones bajo la lluvia con mecheros y velas encendidas, un hecho que la inspiró para componer poco después su mayor éxito: 'Lay down (Candles in the rain)'
ARLO GUTHRIE 23:55
Arlo ya era un personaje conocido en la joven contracultura americana gracias a su canción-historia satírica de más de 18 minutos, 'Alice's Restaurant' (que no cantó en Woodstock) y por supuesto, por ser hijo de Woody Guthrie.
JOAN BAEZ 0:55 - 2:00 Joan Baez acudió al festival embarazada de seis meses. Su entonces marido, el activista anti-Guerra de Vietnam David Harris se encontraba en prisión, como ella misma explica en la introducción de uno de los temas y su aparición en el festival y en el consiguiente documental de Michael Radleigh contribuyeron a que el resto del mundo tomara nota de su música y sus ideas políticas y sociales.
El 25 de julio de 1980 se publicó 'Back in Black', el sexto álbum internacional de la banda australiana AC/DC. Debutó en él el cantante Brian Johnson que sustituía a Bon Scott, fallecido unos meses antes. Pese al nerviosismo que supuso este cambio repentino y las dudas que reinaron durante la grabación, el álbum no solo fue nº1 en Inglaterra; es hasta la fecha el álbum de la banda que más ventas ha registrado (uno de los más vendidos de la historia junto con 'Thriller y 'Dark Side of the Moon') y el que supuso su conquista definitiva del mercado norteamericano que se había mostrado reacio hasta entonces.
Brian Johnson
Johnson, que procedía de la banda británica de hard rock Geordie, había sido elegido tras una audición en la que cantó dos canciones: 'Whole lotta Rosie' y 'Nutbush city limits'. Fue suficiente para que a partir del 1 de abril de 1980 fuera anunciado oficialmente como el nuevo cantante de la banda. Una semana antes había recibido un billete de avión con destino Nassau donde se reunió con el resto de la banda para acometer la grabación del nuevo álbum en los estudios Compass Point. La producción corrió a cargo de John 'Mutt' Lange, que ya había trabajado con los hermanos Young en su anterior trabajo, 'Highway to Hell'.
AC/DC en 1980
El álbum, cuya cubierta y portada del álbum se editaron en negro, en claro homenaje a Bon Scott, fue nº1 en el Reino Unido, igualando la gesta de los Beatles de tener cuatro álbumes simultáneamente en el Top100 británico. En Estados Unidos alcanzó el nº4 y el single 'You shook me all night long' fue su primer Top40 en el Hot100. En la crítica que Rolling Stone publicó se podía leer: "...el primer LP desde 'Led Zeppelin II' que captura toda la sangre, sudor y arrogancia del género heavy metal."
El 20 de julio de 1965 se publicó en Estados Unidos el single 'Like a rolling stone' de Bob Dylan. Cuando a mediados de junio de 1965 el cantautor vuelve de su visita a Inglaterra, llega a los estudios Columbia con varias canciones nuevas para su nuevo álbum, 'Highway 61 Revisited'. Una de ellas, que estaba destinada a ser uno de los grandes temas de la historia del rock, la había escrito con la intención de que fuera un poema, como él mismo le contó al periodista Jules Siegel: "Lo escribí nada más volver de Inglaterra. Ocupaba diez páginas y carecía de título. Allí se concentró todo el odio que llegué a acumular en cierto momento en el que no podía más. Una vez escrito, el odio, o mejor dicho sed de venganza, desapareció. Nunca contemplé el poema como una canción, hasta que un día, sentado al piano, comenzé a canturrear: 'How does it feel...?. A una velocidad ultralenta, como si te encontraras flotando en una gran masa de lava volcánica, me fue llegando la melodía".
Dylan y Tom Wilson
Contrariamente a lo que afirmó Al Kooper en su autobiografía 'Backstage Passes' donde sostiene que el arreglo de la canción y su grabación surgió en unos minutos de una manera "muy punk e improvisada", realmente las sesiones y la gestación de la versión definitiva de 'Like a rolling stone' se tomaron dos días completos de estudio. Las expectativas de cómo debía sonar el tema y cuáles eran los músicos idóneos para tal fin fueron motivo de varias discusiones entre Dylan y su productor Tom Wilson el cual, poco después, marcharía al sello Verve para ocuparse de músicos como Frank Zappa y Velvet Undergroound. Pero su último trabajo con Dylan entraría en la historia del rock. Aunque sus seis minutos de duración rompían todos los esquemas de lo que se consideraba un disco 'radiable' (no más de tres minutos) el tema escaló las listas de medio mundo y alcanzó el nº2 del Hot100 americano. La compañía se había mostrado reacia a publicarlo, pero cuando una copia pirata comenzó a emitirse con insistencia por las emisoras de radio, no tuvieron más remedio.
Dylan y Mike Bloomfield
Una de las características principales del éxito del tema fue la combinación de los sonidos del órgano de Al Kooper y la guitarra solista de Mike Bloomfield, el cual había acompañado a Dylan junto con su banda -Paul Butterfid Blues Band- en el famoso Festival de Newport en el que el cantautor rompió con su pasado folk acústico para abrazar el rock and roll. Bloomfield participó asimismo como guitarrista de sesión en 'Highway 61 Revisited' demostrando su enorme potencial que, exceptuando su 'Super Session' con Kooper, se quedaría por demostrar debido a su prematura muerte a los 36 años.
Al Kooper y Dylan
Al Kooper, por su parte, fue invitado a la grabación como observador, aunque él albergaba la esperanza de contribuir con su guitarra a la grabación, por lo que la sacó de su estuche y comenzó a afinarla. Tras escuchar en los ensayos previos a Mike Bloomfield, el guitarrista contratado para la sesión, comprendió que Mike era mejor guitarrista que él, así que volvió a guardar discretamente la guitarra y se refugió en la sala de control.
Al Kooper al Hammond
En un momento de la grabación, el teclista Paul Griffin, que estaba tocando el órgano Hammond se cambió al piano. Kooper aprovechó la ocasión para participar y le dijo al productor Tom Wilson que tenía "una gran idea para incluir el Hammond" (más tarde confesaría que fue un farol en toda regla) a lo que Wilson le respondió: "Al, tú eres guitarrista, no organista". Antes de concluir las tomas, Wilson recibió una llamada y tuvo que ausentarse de la sala, momento que usó Kooper para sentarse al órgano, sin apenas experiencia. Cuando volvió el productor, comprobó disgustado que ya se habían hecho varias tomas con el órgano registrado en ellas. A la hora de las mezclas, cuando se le preguntó a Dylan qué hacer, exclamó: "¡Sube ese órgano!".
En el especial Rolling Stone de 2005 '50 años de Rock, 'Like a rolling stone' fue elegido el nº1 de la lista de los 'mejores temas de rock & roll de todos los tiempos'. Dejando a un lado la opinión que nos merezcan estas listas, es sin lugar a dudas uno de los mejores temas de Dylan y fue una poderosa declaración de independencia frente a los clichés compositivos de aquella época que hoy, casi cincuenta años después, sigue sonando fresco, sin perder un ápice de su fuerza y energía originales. Entre los numerosos artistas que han versionado la canción se encuentran nombres como Cher, Judy Collins, Jimi Hendrix, Rolling Stones, Johnny Winter, The Turtles, Mick Ronson, Four Seasons, Rascals, Al Stewart, Green Day, David Bowie y Johnny Thunders.
El 13 de julio de 1973 se publicó en el Reino Unido 'A Passion Play', sexto álbum de la banda de rock progresivo británica Jethro Tull. Tal como el que le precedió ('Thick as a Brick'), se trató de un álbum conceptual con un único tema (dividido en dos en la edición de vinilo) que gira alrededor del viaje espiritual a la ultratumba de un hombre llamado Ronnie Pilgrim, el cual, tras ver el más allá, sigue prefiriendo su vida terrenal e imperfecta a la eternidad en el paraíso.
Aunque alcanzó con facilidad el nº1 en Estados Unidos (en Inglaterra no pasó del puesto 13) las críticas fueron demoledoras y únicamente destacaron el virtuosismo instrumental de la banda que se encontraba en su mejor momento. La obra de Anderson fue tachada de pretenciosa, además de complicada y poco clara, ya que la historia dejaba demasiadas lagunas sujetas a interpretaciones subjetivas.
La grabación del álbum resultó accidentada desde el principio. Las sesiones iniciales tuvieron lugar en el Chateau D'Herouvillle en Francia. Tras seis semanas de trabajo la grabación fue suspendida debido a problemas técnicos y sobre todo de salud, ya que no se completó una semana de grabación sin que uno de los componentes se encontrara con gastroenteritis en la cama. "La comida y el servicio de catering no era aquello a lo que estábamos acostumbrados..."
De nuevo en Inglaterra, empezaron de cero. Anderson lo recordaba así en Guitar World: "Acabé reescribiendo prácticamente todo el material con el que trabajmos en Francia y de ahí salió 'A Passion Play'. El concepto surgió de las posibles opciones que a uno le surgirían en la otra vida. Fue un álbum oscuro -esa era nuestra intención- pero quizás fuimos demasiado lejos tomándonoslo en serio y al álbum le faltaba algo de la variedad. el humor y la autoparodia que contenía 'Thick as a Brick'. Las críticas nos destrozaron. Chris Welch de Melody Maker y Bob Hilburn del Los Angeles Times escribieron reseñas muy negativas que todo el mundo asumió como las correctas, basando sus propias opiniones en ellas. Aquello se convirtió en una bola de nieve que nos afectó profundamente. Ciertamente no es uno de mis favoritos, aunque con el tiempo se ha convertido en álbum de culto para muchos de nuestros seguidores. Fue un intento de llevar el rock y el pop un poco más allá en aspectos compositivo y complejidad musical".
Entre los actos 3º y 4º se incluyó una fábula surrealista que cuenta la historia de un conejo que ha perdido sus gafas. Numerosos animales del bosque se afanan en ayudarle a buscarlas, hasta que el conejo cae en la cuenta de que tiene otras de repuesto. La narración la llevó a cabo Jeffrey Hammond sobre un fondo de música orquestal.
Ian Anderson – voz, flauta, guitarra acústica, saxos
Martin Barre – guitarra eléctrica
John Evan – piano, órgano, sintetizadores, voces
Jeffrey Hammond – bajo, narrador en 'The Story of the Hare Who Lost His Spectacles'
El 11 de julio de 1975 se publicó en Estados Unidos el décimo álbum de la banda angloamericana Fleetwood Mac. Fue su segundo trabajo que recibía el nombre del grupo (el primero se publicó en 1968 con la formación original) y el primero en el que contaban con la pareja de músicos y compositores norteamericanos Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, tras la marcha de su anterior guitarrista, Bob Welch. Tardó más de un año en escalar las listas hasta el nº1 y el éxito del álbum (vendió más de 5 millones de copias) pilló a todos por sorpresa. La nueva formación de Fleetwood Mac marcó el inicio de la época más comercial del grupo y adelantaba éxitos internacionales como 'Rumours' y 'Tusk' con los que afianzaron el soft rock californiano que dominó el mundo pop anglosajón el resto de la década.
Fleetwood Mac en 1975
Cuando Bob Welch, harto de giras, dejó la banda para seguir en solitario, Mick Fleetwood se lanzó a la búsqueda de un nuevo guitarrista. Pero fue por casualidad como dio con Buckingham. El ingeniero de grabación Keith Olsen, interesado en que Fleetwood Mac grabara un álbum en su nuevo estudio le mostró a Mick algunas grabaciones con las que pretendía mostrar las excelencias técnicas de sus instalaciones. A Mick le impresionó el sonido, pero le impresionó más la guitarra que se oía en la grabación. Identificado el guitarrista, Fleetwood le hizo una oferta para ingresar en la banda. Buckingham accedió bajo una condición: que se incluyera en el lote a su pareja, la cantautora Stevie Nicks. La Nochevieja de 1974 se oficializó el acuerdo.
Stevie Nicks y Lindsey Buckingham
El dúo, que ya había publicado un álbum en el sello Polydor, transformó por completo la identidad de la antigua banda de blues-rock y, además de insuflar nueva vida a Fleetwood Mac, la exuberante creatividad y dinamismo que desplegaba Buckingham, animó a la pianista Christine McVie a cambiar de registro y componer temas más orientados al nuevo soft rock californiano que producían. En febrero entraron en los Sound City Studios de Olsen en Van Nuys (California) y grabaron los once temas que componen el álbum en tres meses, un tiempo irrisorio comparado con el que se tomarían para trabajos futuros.
Christine, Lindsey y Stevie
Buckingham abre el disco con el tema 'Monday morning' que suponía toda una declaración de principios de la música que el grupo iba a realizar en el futuro. Pero el peso de las composiciones (7 de 11) recayó en las dos cantautoras de la banda, Christine McVie y Stevie Nicks que aportaron los temas más conocidos: 'Over my head', 'Rhiannon' y 'Say you love me' que fueron editados en single, alcanzando los dos últimos el puesto 11 del Hot100. Pese al gran éxito en Estados Unidos, el álbum pasó desapercibido en el Reino Unido, donde no veían con buenos ojos la 'americanización' de la banda. La cosa cambió radicalmente tras el descomunal éxito internacional que supuso 'Rumours' en 1977 y en 1978, 'Fleetwood Mac' se reeditó de nuevo en Inglaterra junto con el single 'Rhiannon'.
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