Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 16 de febrero de 1916 nació en Philadelphia (Pennsylvania) el pianista y organista de R&B y jazz Bill Doggett que, tras trabajar junto a Louis Jordan, organizó su propio trio y comenzó a grabar para King Records. Uno de sus temas, el instrumental 'Honky tonk', vendió más de 4 millones de copias y alcanzó el nº 2 de las listas pop.
Para muchos historiadores, 'Honky tonk', que fue el disco de R&B más vendido de 1956, está considerado como uno de los primeros hits del rock and roll. Aunque gracias a él Dogget recibió numerosas ofertas para actuar en el circuito americano de clubs de rock & roll, Bill permaneció fiel a la escena del R&B y jazz basado en el órgano que había estado tocando desde los años treinta. Aunque su primera intención fue tocar la trompeta, la familia no se podía permitir las lecciones. Persuadido por su madre, que tocaba el piano en una iglesia, Bill aprendió rápidamente el instrumento y con quince años -señalado como un niño prodigio- formó su primera banda, los Five Majors. Al mismo tiempo que asistía al instituto, tocaba en la Jimmy Goreham Band, cuyo liderazgo asumió en 1938. Éste fue corto, ya que vendió la orquesta a Lucky Millinder, con quien trabajaría como pianista y arreglista los cuatro años siguientes. En 1939 hizo su debut discográfico en los temas de Millinder 'Little old lady from Baltimore' y 'All aboard'.
Aunque formó una efímera orquesta a finales de 1939 con el arreglista de Benny Goodman, Jimmy Mundy, Doggett continuó trabajando principalmente como sideman. Entre 1942 y 1944 tocó el piano y realizó los arreglos para los Ink Spots. A continuación trabajó como arreglista con Count Basie y grabó y/o actuó con artistas como Coleman Hawkins, Johnny Otis, Helen Humes, Wynonie Harris, Ella Fitzgerald y Lionel Hampton. En 1947 sustituyó a Wild Bill Davis en la banda de Louis Jordan y los Tympany Five, con quienes grabaría algunos temas influyentes como 'Saturday night fish fry' (1949) y 'Blue light boogie' (1950).
Es en esta época (1950) cuando Bill comienza a usar el órgano en sus actuaciones y en grabaciones. En 1952 debuta con su propio trio en el Baby Grand de Nueva York y firma con King Records con quienes grabó más de una docena de singles, antes de conseguir su mayor éxito en 1956 con 'Honky tonk'. Continuó grabando con King Records hasta 1960 y obtuvo éxitos menores con temas como 'Slow walk', 'Ram-bunk-shush', 'Leaps and bounds','Hold it' y 'Rainbow riot'. Dos años más tarde tuvo la rara ocasión de escribir los arreglos para una big band en el álbum, 'Rhythm Is My Business' (1962) de Ella Fitzgerald, donde demostró su talento como arreglista y director de grabación.
En 1969 publicó, producido por James Brown, 'Honky Tonk Popcorn', donde su órgano encaja perfectamente en el contexto de los arreglos funky de Brown y ambos reinventan el tema con una poderosa guitarra solista. Durante los años setenta y ochenta realizó regularmente giras por Europa, fomentó la reunión de los originales Ink Spots y siguió grabando hasta bien entrados los años noventa, apuntándose en su última etapa al soul-jazz. Su última sesion fue con Bluesiana Hurricane, un grupo de all-stars en 1995. Murió de un infarto en noviembre de 1996 a los 80 años.
El 16 de febrero de 1709 fue bautizado en Tyne el compositor inglés Charles Avison, entre los períodos Barroco y Clásico. En sus “concerto grosso” continuó la tradición italiana del estilo que Geminiani había hecho tan popular en Londres, modelando los conciertos de orquesta a partir de sonatas de compositores más antiguos, mientras que sus sonatas para teclado siguieron el ejemplo de Rameau. Fue organista de la iglesia de San Juan en Newcastle y en la iglesia de San Nicolás. Escribió el tratado “Essay on Musical Expression”, las primeras críticas musicales escritas en inglés.
Catedral de San Nicolás
Se desconocen los primeros años de vida de Avison. Se sabe que era hijo de Richard y de Anne Avison, ambos músicos, y que lo bautizaron el 16 de febrero de 1709 en la iglesia de San Juan de Newcastle. Es probable que haya tenido contacto temprano con Ralph Jenison, patrón de los artes, y más adelante miembro del Parlamento. En su juventud viajó a Londres para estudiar con Geminiani. Sin embargo, sus lazos con su ciudad natal seguían siendo fuertes, y el 13 de octubre de 1735 obtuvo el puesto de organista en la iglesia de San Juan de Newcastle. Poco después también se hizo organista en la catedral de San Nicolás.
A pesar de haber recibido numerosas ofertas para puestos más prestigiosos durante su vida, nunca volvió a salir de Newcastle. En julio de 1738, fue nombrado director musical de la Sociedad Musical de Newcastle. Colaboró además en conciertos junto con John Garth en Durham, y participó de forma activa en los teatros locales. Falleció el 10 de mayo de 1770 dejando más de cuarenta conciertos, incluyendo transcripciones de teclado de sonatas de Domenico Scarlatti. Sus 12 conciertos de Opus 6 se publicaron en 1758.
Obras destacables:
•12 Concerti grossi Opus 6 “Concerti grossi Nº 1-6” (The Academy of St. Martin in the Fields & dir. Neville Marriner) “Concerti grossi Nº 7-12” (The Academy of St. Martin in the Fields & dir. Neville Marriner)
El 15 de febrero de 1960 nació en Madrid el compositor, cantante y guitarrista español Enrique Urquijo, fundador y voz solista de los grupos Los Secretos y Los Problemas, uno de los cantantes más emblemáticos del movimiento contracultural surgido durante los primeros años de la democracia española, denominado 'Movida madrileña'.
Enrique, Javier, Canito y Alvaro
Junto a sus hermanos Javier y Álvaro y su amigo del colegio F.E.M. José Enrique Cano (Canito), formaron el grupo Tos, que tras la muerte de éste último (como consecuencia de un accidente de automóvil ocurrido en la madrugada del día de año nuevo de 1980), denominaron Los Secretos. El concierto homenaje al batería desaparecido, conocido como 'Concierto homenaje a Canito', celebrado en el salón de actos de la Escuela de Ingenieros de Caminos de Madrid en febrero de 1980, y en el que participaron grupos como Nacha Pop, Trastos, Paraíso, Alaska y Los Pegamoides, Mamá, Los Rebeldes (luego renombrados a Los Bólidos) y Mario Tenia y Los Solitarios, es considerado por muchos el evento clave en el inicio de la 'Movida madrileña'.
Madrid sufrió una gran transformación cuando llegaron la democracia y una serie de libertades sociales a España, como la elección de los primeros ayuntamientos democráticos. La gris y aburrida capital del Reino mostró de pronto que tenía una vida oculta llena de color, nuevas ideas e ilusiones. Enrique Tierno Galván presidía el primer ayuntamiento libremente elegido tras cuarenta años y con sus ocurrencias, sus bandos y su apoyo a las fiestas públicas, a los conciertos y a las expresiones creativas en general, se metió a la juventud madrileña en el bolsillo y, de paso, se convirtió en el alcalde más querido de Madrid desde los tiempos de Carlos III.
Juan de Pablos
Los Secretos fueron uno de los catalizadores del nuevo espíritu de libertad que invadía la capital. Aunque considerados demasiado blandos por algunos (los miembros más radicales de la Movida, como Poch, utilizaban el término 'babosos' para definir su música), sus canciones ganaban con el paso del tiempo, mientras otras bandas caían en el olvido en pocas semanas. En las radios, DJs como Diego Manrique y sobre todo, Juan de Pablos en su programa 'Flor de pasión' promocionan a rabiar la música de los nuevos grupos del movimiento madrileño.
Polydor, el sello con el que firmaron su primer contrato, no creía demasiado en la Movida, un escepticismo que compartían todas las compañías, pero no se podían quedar fuera de la nueva corriente musical, por lo que, sin arriesgar demasiado, publicaron un EP de 4 canciones para tantear el mercado. 'Déjame', letra y música de Enrique, y la versión 'Sobre un vidrio mojado', original del grupo uruguayo Kano y los Bulldogs, calaron en un sector del público y el éxito anima a la compañía a editar un álbum, en el que además de las dos citadas, incluían nuevas composiciones de Enrique como 'Ojos de perdida','Me siento mejor','No supe que decir' y 'Otra tarde', que empezaban a marcar esa predisposición a la tristeza y al pesimismo que impregnaron algunas de las mejores canciones del grupo.
Durante los años siguientes, Los Secretos editaron dos nuevos álbumes, 'Todo Sigue Igual' (1982), con canciones como la que dio título al álbum, 'Problemas' o 'Ráfagas', y 'Algo Más' (1983), que incluía 'Hoy no' y 'No me imagino'.
Pedro, Enrique, Javier y Alvaro
Son años difíciles para el grupo, sin recibir prácticamente promoción alguna por parte de la discográfica, pasando gran parte del tiempo en la carretera y viviendo sus primeras experiencias negativas con las drogas. Y de nuevo, en mayo de 1984, un accidente de circulación se lleva la vida del batería del grupo, cuando Pedro Antonio Díaz iba camino de Madrid desde su Guadalajara natal.
La muerte de Pedro causó un bache profesional en el grupo que no volvería a grabar hasta 1986 y en un nuevo sello, Twins. Enrique decide refundar la banda, esta vez con una orientación más country y sin la presencia de Javier. En esta nueva etapa, Enrique se dedica exclusivamente a cantar y abandona el bajo, dejando que Álvaro se ocupe de las guitarras. En 1986 publican el mini LP 'El Primer Cruce', en el que participa Ramón Arroyo a las guitarras, así como Nacho Lles al bajo y Steve Jordan a la batería. El álbum contiene otro de los temas emblemáticos de la banda: 'Quiero beber hasta perder el control'. 'Continuará', aparece en 1987 y en él figuran temas como 'Buena chica' y 'No sé si se acuerda', además del tema cedido por Joaquín Sabina'Por el túnel' y el instrumental 'Muslitos de pollo', firmado por Ramón Arroyo.
Enrique y Avaro Urquijo
En 1988 aparece el primer disco en directo de Los Secretos (titulado simplemente 'Directo'), donde participa Jesús Redondo a los teclados; así mismo cuentan con la colaboración de José María Granados (del grupo Mamá), Javier Teixidor (de Mermelada) y Joaquín Sabina.'Directo' fue el primer disco de oro de Los Secretos. 1989 es el año de 'La Calle del Olvido', considerado por muchos el mejor trabajo de los hermanos Urquijo, gracias a temas como 'Soy como dos', 'Qué solo estás' y el que da título al álbum. El disco tuvo una excelente acogida y relanzó la carrera del grupo.
El siguiente álbum, 'Adiós Tristeza' (1991) incluía el tema 'Ojos de gata', una canción que surgió de unos versos que Joaquín Sabina compartió con Enrique, que el de Úbeda popularizó por su lado con una conclusión diferente en 'Y nos dieron las diez'.
Le siguió 'Cambio de Planes' en 1993. En ambos cuentan, al igual que en 'La calle del olvido', con la cuidada producción de Joaquín Torres, que junto al equilibrio compositivo e interpretativo de Enrique y Álvaro proporciona al grupo un sonido característico, estabilidad artística y un relativo éxito comercial, aunque sin enormes cifras de ventas.
Es durante estos años cuando Enrique pone en marcha su proyecto en paralelo, Los Problemas, grupo con el cual realiza actuaciones en locales pequeños y da rienda suelta a sus gustos más personales, tocando rancheras, versiones y temas propios. En 1993 se publica su primer álbum, 'Enrique Urquijo y Los Problemas', en el que se incluyen nuevas canciones de Enrique, así como versiones de temas de Los Secretos y de otros artistas como Nacha Pop, Radio Futura y Alaska y Los Pegamoides. Entre ellas, 'Mundo raro', 'Historia de play back', 'Se me hizo fácil', 'Atrás', 'No lo sé', 'Volver a ser un niño', 'El hospital'.
En 1996 Los Secretos publican un disco recopilatorio en formato estándar, 'Grandes éxitos' y una caja recopilatoria en formato de lujo ('La historia de Los Secretos') que incluye tres discos con material de la discografía oficial y varios temas inéditos.
Para estos recopilatorios se graba la canción 'Agárrate a mí, María', un tema escrito por Enrique dedicado a su hija María, fruto de su relación con Almudena Navarro Barrio. 'Grandes éxitos' supuso un gran éxito de ventas para Los Secretos, vendiendo 450.000 copias, y dio lugar a una larga gira durante 1997.
Sobre las 9 de la noche del miércoles 17 de noviembre de 1999 Enrique fue encontrado muerto, víctima de una sobredosis de heroína, por un viandante que avisó a las autoridades en el portal del número 23 de calle del Espíritu Santo, en el barrio de Malasaña en Madrid. Enrique tenía 39 años. El último tema que compuso fue 'Hoy la vi', al parecer inspirado por el reencuentro casual con su antiguo amor Eloísa, (una relación que se vio truncada por parte de la familia de ella, que fue la musa de muchos de sus temas) cuya maqueta fue editada y arreglada por su hermano Álvaro e incluida en el álbum homenaje 'A tu lado' (2000), en el que colaboraron numerosos músicos españoles como Cómplices, Nacho Campillo, Carlos Goñi, Jose Mª Granados, Antonio Vega, Miguel Ríos, Mikel Erentxun y Manolo Tena, entre otros, que en homenaje a Enrique interpretaron sus canciones.
El 15 de febrero de 1905 nació en Buffalo (New York) el compositor de música popular estadounidense Harold Arlen, autor de la música de más de 400 canciones conocidas en todo el mundo, entre ellas, 'Over the Rainbow', elegida la mejor canción del siglo XX por la Asociación de la Industria Discográfica Americana.
En su infancia aprendió a tocar el piano fascinado con el sonido el ragtime. Además de cantar en el coro de la sinagoga de su padre, también tocaba el piano amenizando las películas mudas en los teatros locales. Se trasladó a la ciudad de Nueva York en los primeros años de la década de 1920 donde trabajó en espectáculos de vodevil. Fue durante esta etapa en la cual cambió su nombre (Hyman Arluck) por Harold Arlen. Interpretó y realizó grabaciones con la orquesta Buffalodians, así como con las orquestas de Red Nichols, Henny Hendrickson y Arnold Johnson. En 1929 consiguió un papel como actor y cantante en el musical de Vincent Youman 'Great Day', que tuvo la mala fortuna de estrenarse pocos días antes de la caída de Wall Street.
Koehler, Ruth Etting y Arlen en 1933
Cierto día, el pianista de la orquesta faltó a los ensayos y Arlen fue contratado en su lugar. La tarea pronto se le hizo tediosa, especialmente las interminables repeticiones de la canción que daba título a la obra. Para aliviar su aburrimiento, Arlen comenzó a introducir pequeñas añadiduras y correcciones a la partitura de Youman. Pronto estas alteraciones prevalecían tanto, que Arlen se dio cuenta que había compuesto su propia pieza. Un compositor que pasó por allí, Harry Warren, escuchó la canción y le recomendó buscarse un letrista. Warren le recomendó a Ted Koehler y de esta forma surgió la primera canción de Harold Arlen: 'Get happy'.
Hasta 1938, Arlen y Koehler compusieron espectáculos para el Cotton Club, el famoso club de Harlem, musicales para Broadway y canciones para películas musicales de Hollywood. Una de ellas sería otro hito de la música popular americana, 'Stormy weather', que estrenaría Ethel Waters en 1933, así como 'Let's fall in love', publicada el mismo año y popularizada por Eddy Duchin o 'It's only a paper moon'.
Arlen y su esposa Anya
A mediados de la década de 1930, Arlen contrajo matrimonio con la actriz y modelo Anya Taranda, incrementando sus estancias en California y escribiendo para films musicales. Fue durante este periodo cuando comenzó a trabajar con el letrista Yip Harburg. En 1938, ambos fueron contratados por Metro-Goldwyn-Mayer para componer las canciones de la película 'El Mago de Oz'. Fruto de este trabajo fue la canción 'Over the rainbow', cantada por Judy Garland, por la cual ganaron el Oscar, en 1939, a la mejor canción original.
Truman Capote y Harold Arlen
En la década de 1940, Arlen trabajó con el letrista Johnny Mercer, continuando con la producción de éxitos musicales como 'Blues in the night', 'Ac-cent-tchu-ate the positive', 'That old black magic' o 'Come rain or come shine'. En 1954 colaboró con Ira Gershwin en otro clásico que Judy Garland estrenó en el musical 'A star is born', 'The man that got away'. Ese mismo año escribió la música para el libreto de Truman Capote de 'House of Flowers', el único intento de musical de Capote.
Con Peggy Lee y Vic Damone en 1961
Recibió críticas adversas, aunque se destacó la feliz mezcla de blues y calypso, introduciendo el nuevo instrumento caribeño, los steeldrums de Trinidad y Tobago. Destacan los temas 'A sleepin' bee' y 'Don't like goodbyes'. Continuó trabajando y componiendo hasta que en 1970, tras el fallecimiento de su mujer, se retiró y vivió recluido hasta su muerte a los 81 años en abril de 1986.
Arlen trabajó en su carrera con 31 letristas diferentes, aunque fue con Koehler, Harburg y Mercer con quienes compuso sus canciones más populares.
El 15 de Febrero de 1847 nace en Frauenthal an der Lassnitz en Styria, el compositor y profesor austriaco Robert Fuchs, muy considerado en su tiempo, influido poderosamente por la música de Franz Schubert. S obra fue editada en parte por su hermano mayor. Fuchs combinó el talento lírico con un sonido pleno de técnica armónica y contrapuntística. Con ello continuó una tradición que en otras manos sobrellevaría diversas distorsiones a comienzos del siglo XX.
Fue hermano de Johann Nepomuk Fuchs, compositor y director, sobre todo de óperas. Estudió con Felix Otto Dessoff y Joseph Hellmesberger, entre otros, en el conservatorio de Viena, en donde obtuvo una plaza de profesor en 1875, que ocupó hasta 1912, con alumnos tan notables como Gustav Mahler, Hugo Wolf, Jean Sibelius, Alexander von Zemlinsky, Erich Korngold, Franz Shmidt, Franz Shreker, Richard Heuberger, Leo Fall, Erkki Melartin y Leo Ascher. Murió el 19 de febrero de 1927 en Viena a la edad de ochenta años.
La revista Gramophone dice "melódicos y disfrutables en todo momento, los tríos de piano de Robert Fuchs son una forma fácilmente accesible de llegar a conocer a un compositor que Brahms admiró mucho. En su tiempo Fuchs tuvo un gran reconocimiento, con algún crítico destacando su influencia en la segunda sinfonía de Mahler".
Su obra no es muy conocida, principalmente porque él mismo no hizo mucho para promocionarlas, prefiriendo llevar una vida tranquila en Viena y negándose a organizar conciertos, incluso cuando le llegaban oportunidades en otras ciudades. De todos sus admiradores, el más remarcable es Brahms, quien prácticamente nunca valoró el trabajo de otros compositores. Sin embargo refiriéndose a Fuchs escribió “Fuchs es un músico espléndido, todo es tan refinado y tan bien elaborado, inventado tan encantadoramente, que uno siempre está encantado”. Directores coetáneos famosos, incluyendo Arthur Nikisch, Felix Weingartner y Hans Richter, promocionaron sus obras cuando tuvieron la ocasión. De toda su obra fue la música de cámara la que se ha considerado su mejor trabajo. En vida, sus obras más conocidas fueron sus cinco serenatas, Serenata Nº 2, Mov. 3 (Nurhan Arman & Sinfonía Toronto), cuya popularidad fue tan grande que Fuchs adquirió el sobrenombre de "Serenaden Fuchs".
· Terceto para cuerdasOp. 61 No. 1, Mvt. 1 (Mark Miller & Kristin Jutras, violines & Ute Miller, viola)
· Cuartetos de cuerda: nº 1 en E mayor, op 58 (The Minguet Quartet); nº 2 en La menor, op 62; nº3 en Do mayor, op 71; nº 4 en La mayor, op 106. · Tríos: en Fa# menor para viola y piano, op 115 (Jonathan Bagg, viola; Fritz Gearhart, violin; Jane Hawkins, piano); siete piezas de fantasía para violín, viola y piano, op 57; trío de cuerda en La mayor; op 94; trío para piano en Do mayor, op 22; trío para piano en Si bemol mayor, op 72; trío para dos violines y viola op 61; terceto en Do# menor, op 107.
Solos · Órgano: fantasía en Do mayor, op 87; fantasía en Mi menor, op 91; fantasía en Re bemol mayor, op 101; variaciones y fuga de un tema original. · Piano: Sonatas para piano nº 1 en Sol bemol mayor, op19 y nº 2 en Sol menor, op 88; nº 3 en Re bemol mayor, op 109, doce valses, op 110; Jugendklänge, op 32; (Daniel Blumenthal, piano) Tautropfen, trece piezas para piano, op 112; · Arpa: fantasía, op 85. Coral · Operas: Die Königsbraut (1889), Die Teufelsglocke (1891) · Misas: en Sol, op 108; en Re menor, op 116; en Fa. Obra didáctica · Album para los jóvenes (Jugend-Album), op 47, para piano.
El 14 de febrero de 1947 nació en Washington D.C. el cantautor norteamericano Tim Buckley, que durante su carrera desarrollada entre los años sesenta y setenta desconcertó a muchos de sus seguidores con su habilidad de hacer cohabitar en su música géneros como el jazz, folk, soul, rock psicodélico y avant garde.
Tim en 1964
Su amplio registro vocal de tres octavas y media no sólo era capaz de un poderío asombroso, también poseía una gran expresividad emocional, que podía variar desde un tono de ternura desconsolada hasta un alarido angustiado. Su incansable búsqueda de nuevos territorios musicales no trabajó a favor de su éxito comercial, ya que en el momento en el que sus fans se enganchaban a uno de sus álbumes, en el siguiente iba por un camino totalmente diferente, tanto en directo como en el estudio. En este sentido recuerda a artistas como Miles Davis y David Bowie, los cuales en su ansia de ir hacia adelante y cambiar a toda csota, confundían a sus seguidores que hubieran deseado una mayor consistencia de estilo. No obstante, el eclecticismo y la experimentación de la obra de Buckley, ya considerada de culto, ha generado con el tiempo una fascinación en posteriores generaciones que en su día no disfrutaron del artista en directo.
Boda de Tim y Mary en 1965
Con cinco años tuvo su contacto con el jazz, ya que su madre era una devota fan de Miles Davis. En 1952 la familia se mudó a Bell Gardens (California), donde Tim, ya con 13 años, aprendió a tocar el banjo y tocaba con su amigo Dan Gordon en un grupo. Dos años después, en la Buena Vista High School, lo intentó con el fútbol americano como quarterback, pero tras sufrir varias lesiones, en 1964 abandonó la idea y continuó con la música. Formó los grupos The Bohemians y Harlequins 3 con sus colegas Larry Beckett y Jim Fielder y realizó varias actuaciones por los alrededores de Los Ángeles. En 1965 la familia se traslada a Anaheim y sus padres se separan. Cuando terminó el instituto ingresó en la universidad, pero sólo aguantó dos semanas. En noviembre se casó con su compañera de instituto Mary Guibert y Tim trabajaba durante el dia y por las noches actuaba en clubs folk de Orange County (California), la misma escena folk de la que surgieron también Jackson Browne y la Nitty Gritty Dirt Band.
Tim Buckley (1966)
Pronto la vida de casado se le hizo cuesta arriba y se divorció dos meses antes de nacer Jeff, hijo que vería y conocería por primera y única vez en 1974 y que años más tarde se daría a conocer como Jeff Buckley y al igual que su padre, desaparecería de forma trágica. A través de Jimmy Carl Black (baterista de Mothers of Invention), Tim conoció al mánager Herbie Cohen. Aunque Cohen se interesó al principio por Buckley como cantautor, pronto descubrió, tras escuchar unas demos, que Buckley era un diamante en bruto como cantante. Le ayudó a firmar un contrato con Elektra Records y antes de cumplir los 20 años Buckley celebraba el alumbramiento de su primer álbum.
El barroquismo psicodélico estaba a la orden del día en las publicaciones de Elektra Records y 'Tim Buckley', grabado en tres días de agosto de 1966, fue aderezado con colaboraciones de músicos como Lee Underwood (guitarra), que acompañaría a Tim el resto de su carrera, Jim Fielder (bajo), Van Dyke Parks (teclado) y Jerry Yester. Larry Beckett, co-autor de la mayoría de temas y amigo de Tim desde la escuela, también fue un colaborador destacado. La frágil, melancólica y orquestada belleza del material que ofrecía el álbum poseía una cualidad de inocencia, mermada muy ligeramente en su segunda entrega, 'Goodbye and Hello' (1967). Las canciones de Buckley y sus arreglos se tornaron más ambiciosos y psicodélicos, particularmente en el largo tema que da título al álbum. También fue su mejor clasificación en el Top200 de álbumes donde aún así, no pasó del puesto 171.
Buckley, sin embargo encontraba a sus acólitos en los ambientes underground, incluso con sus propuestas más accesibles.
En su tercer álbum, 'Happy Sad' (1967), inspirado por el espíritu de exploración que supuso 'Sgt. Pepper', publicado unos meses antes, muestra su derivación musical hacia el jazz, tanto en su forma de cantar como en la instrumentación, que ahora incluye congas y vibráfono. Aunque totalmente fuera de las propuestas comerciales de la época, se puede considerar que este cierra el triunvirato de los álbumes más accesibes de Buckley, con temas como 'Dream letter', 'Morning glory' o 'I never asked to be your mountain'. Lo cierto es que, a finales de los años sesenta, Buckley estaba mucho más interesado en el jazz que en el folk-rock, y más concretamente, en la corriente avant garde del género.
Sus canciones se volvieron más oblicuas en estructura y parcas en palabras, especialmente cuando se rompió por un tiempo la sociedad de Buckley con Larry Beckett, que fue llamado a filas. Algunos de sus nuevas composiciones abandonaron las letras por completo, tratando su propia voz como si fuese un instrumento que emitía, en un alarde de gimnasia vocal, susurros, llantos y alaridos, acompañados de cacofonías. En ese contexto, 'Lorca' (1970) fue visto no sólo como una ruptura chocante, sino como un 'auténtico y descarado plomazo'.
Buckley ya no era aquel poeta de románticas melodías. Era un artista experimental que en ocasiones parecía destinado a castigarse a sí mismo y a sus seguidores con unos alaridos indescriptibles y una música chirriante y disonante. Casi como para probar que aún era capaz de generar el pop-folk con toques de jazz que algunos añoraban del artista, publicó al mismo tiempo que 'Lorca', y en sello diferente el álbum 'Blue Afternoon'. Siendo una muestra admirable de su versatilidad, fue prácticamente un suicidio comercial; cada álbum anulaba el impacto del otro, al mismo tiempo que confundía más aún a los pocos fans que le quedaban.
'Blue Afternoon' fue su última entrada en listas (no pasó del puesto 192) y ante el fracaso de ventas de ambos discos, Buckley se concentró en lo que consideraba su obra maestra, 'Starsailor'.
Pero 'Starsailor' (1970) recibió la misma fría respuesta de sus seguidores, que consideraban las piruetas vocales de Tim sobre texturas de free jazz excesivamente abstractas para sus oídos. A pesar de incluir la más accesible 'Song to the siren', años más tarde versionada por varios músicos como Robet Plant, John Frusciante y Bryan Ferry, a pocos les convenció su nuevo trabajo. Por otro lado, en sus actuaciones en directo también ponía en peligro su supervivencia comercial con sus interminables jams llevadas hasta el último límite y sus improvisadas y mordaces letras.
A finales del año 1970 formó una nueva banda de músicos de funk, que incluía a Joe Falsia y Buddy Helm. Con ellos grabó tres álbumes de una música que se describió como 'sex-funk':'Greetings from L.A.' (1972), 'Sefronia' (1973) y 'Look at the fool' (1974), todos ellos fracasos comerciales. Así como los trabajos de su época de jazz experimental lograron dividir a su masa de fans, estos tres últimos discos de su carrera se revelaron como más polémicos y causantes de mayor división que aquellos. Algunos vieron en la última época de Buckley la prueba de su maestría manejando el idioma del soul de ojos azules, otros lo consideraron un triste malgasto de talento o las brasas de un prodigio que se estaba extinguiendo más que renaciendo.
En 1975, con toda su masa de seguidores alienada y su dinero gastado, Tim se lanzó a una gira desesperada en la que se dignó a interpretar sus canciones antiguas (excepto las de 'Lorca' y 'Starsailor'), todas esas que años antes se había negado a tocar ante su público. En junio de ese año, tras completar un show en Dallas, en el que había vendido el aforo completo de 1800 personas, Tim se fue de fiesta con sus amigos para celebrarlo, como era la rutina habitual. En algún momento Buckley, que durante la gira había intentado conservarse limpio y sobrio, se inyectó una dosis excesiva de heroína y cuando sus amigos lo llevaron mareado e indispuesto a casa con su mujer Judy, ya había muerto. Tim Buckley tenía 28 años. Larry Beckett, amigo de la infancia y uno de sus letristas, comentó: "No paraba de correr riesgos. Conducía como un auténtico loco jugándose la vida a cada momento. Durante años bebió mucho y se tragaba tantos tranquilizantes que casi se lo llevan al otro barrio, pero siempre escapaba. Entonces le dió por el enganche romántico de la heroína y su suerte se esfumó"
Madrid sufrió una gran transformación cuando llegaron la democracia y una serie de libertades sociales a España, como la elección de los primeros ayuntamientos democráticos. La gris y aburrida capital del Reino mostró de pronto que tenía una vida oculta llena de color, nuevas ideas e ilusiones. Enrique Tierno Galván presidía el primer ayuntamiento libremente elegido tras cuarenta años y con sus ocurrencias, sus bandos y su apoyo a las fiestas públicas, a los conciertos y a las expresiones creativas en general, se metió a la juventud madrileña en el bolsillo y, de paso, se convirtió en el alcalde más querido de Madrid desde los tiempos de Carlos III.
En 1998 Enrique publicó el segundo trabajo con Los Problemas, 'Desde que no nos vemos', con nuevas versiones en el que contó con importantes colaboradores, como Jackson Browne, que acompaña a Enrique cantando 'Sólo pienso en ti' de Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán. Otros temas del álbum fueron 'Amor se escribe con llanto', 'No quiero que me veas esta noche', 'Ojalá que te vaya bonito', 'Tu tristeza', 'Desordenada habitacion' (con Antonio Vega), 'Amanecí otra vez' y 'No digas que no'.
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· Sinfonías: Sinfonía nº 1 en Do mayor, Op 37 Intermezzo, Presto; Sinfonía nº 2 en Mi bemol mayor, op 45; Sinfonía nº 3 en Mi mayor, op 79 (Manfred Müssauer & the Moravian Philharmonic Orchestra)
· Órgano: fantasía en Do mayor, op 87; fantasía en Mi menor, op 91; fantasía en Re bemol mayor, op 101; variaciones y fuga de un tema original.
En su tercer álbum, 'Happy Sad' (1967), inspirado por el espíritu de exploración que supuso 'Sgt. Pepper', publicado unos meses antes, muestra su derivación musical hacia el jazz, tanto en su forma de cantar como en la instrumentación, que ahora incluye congas y vibráfono. Aunque totalmente fuera de las propuestas comerciales de la época, se puede considerar que este cierra el triunvirato de los álbumes más accesibes de Buckley, con temas como 'Dream letter', 'Morning glory' o 'I never asked to be your mountain'. Lo cierto es que, a finales de los años sesenta, Buckley estaba mucho más interesado en el jazz que en el folk-rock, y más concretamente, en la corriente avant garde del género.
Sus canciones se volvieron más oblicuas en estructura y parcas en palabras, especialmente cuando se rompió por un tiempo la sociedad de Buckley con Larry Beckett, que fue llamado a filas. Algunos de sus nuevas composiciones abandonaron las letras por completo, tratando su propia voz como si fuese un instrumento que emitía, en un alarde de gimnasia vocal, susurros, llantos y alaridos, acompañados de cacofonías. En ese contexto, 'Lorca' (1970) fue visto no sólo como una ruptura chocante, sino como un 'auténtico y descarado plomazo'.
