Richard Manuel

El 3 de abril de 1943 nació en Stratford (Canadá) el músico multiinstrumentista y cantante Richard Manuel, conocido por su labor al piano en The Band, por su voz de barítono capaz de un falsete inconfundible y por ser autor de temas como 'Tears of rage', escrito en colaboración con Bob Dylan.

Nacido en un entorno musical, comenzó a tomar clases de piano a los nueve años, Con 18 se unió al grupo de acompañamiento de Ronnie Hawkins, The Hawks, con Robbie Robertson, Levon Helm, Garth Hudson y Rick Danko, los cuales unos años más tarde formarían The Band, grupo que acompañó a Bob Dylan en sus primeras giras eléctricas. Cuando Dylan tuvo que recuperarse en 1967 de su accidente de motocicleta, The Band y Dylan registraron las famosas 'Basement Tapes' publicadas en 1975.

Manuel y Dylan

Acto seguido aprovecharon para encerrarse en una casa de Woodstock y grabar su álbum debut, 'Music from Big Pink', en el que Manuel y Robertson se repartieron las labores de composición, aportando Richard los temas 'In a station', 'We can talk', 'Lonesome Suzie' y 'Tears of Rage' compuesta en colaboración con Dylan. En los siguientes álbumes, su presencia como compositor fue a menos y ya solo aparecia como coautor con Robertson en temas como 'When you awake', 'Jawbone', 'Sleeping' y 'Just another whistle stop'.

En 1974 volvieron a trabajar con Dylan acompañándole en su gira norteamericana. Para entonces Richard sufría fuertes depresiones y adicciones al alcohol y la cocaína (Llegó a consumir diariamente 8 botellas de Grand Marnier, acompañadas de varios gramos de coca). Tras realizar su concierto de despedida de The Band, recogido para la gran pantalla por Martin Scorcese en 'The Last Waltz' (1976), Manuel se sometió a una cura de desintoxicación.

En los ochenta se reunió con Rick Danko para actuar como dúo acústico y unos años más tarde, The Band contaba con los antiguos miembros y Richard, libre de sus adicciones, mostraba sus capacidades vocales recuperadas con viejos éxitos como 'The shape I'm in', 'Chest fever' y 'I shall be released'.

Pero todo cambió en enero de 1986, cuando murió repentinamente Albert Grossman, anterior mánager del grupo y mentor y gran amigo del cantante, sin olvidar lo importante que hubiera sido en una hipotética carrera en solitario de Manuel. Fue un golpe muy duro para él y volvió a la cocaína y el alcohol. Dos meses después, durante una gira con The Band, tras un concierto, se suicidó en el baño de su motel, colgándose con su cinturón. Tenía 42 años.

Jimmy McGriff

El 3 de abril de 1936 nació en Germantown (Pennsylvania) el organista de blues y soul-jazz Jimmy McGriff. Con su Hammond desarrolló un estilo muy personal y durante su carrera acompañó a Jimmy Smith, Junior Parker, Buddy Rich y Carmen McRae. 

No cesaba de afirmar que él no era un músico de jazz, sino de blues, aunque sólo era una estrategia para desmarcarse estilísticamente de su amigo, maestro y mentor Jimmy Smith. En 1967 tocaron por primera vez juntos y desde entonces ambos acentuaron sus diferencias estilísticas. McGriff comenzó tocando el contrabajo y el saxo, pasando más tarde a la batería, vibráfono y piano. En 1961 se decidió por el entonces novedoso órgano y realizó enérgicas grabaciones de R&B y soul jazz como su versión del hit de Ray Charles 'I've got a woman'.

Entre 1962 y 1965 grabó una serie de álbumes entre los que destacó 'Blues for Mister Jimmy' (1965). Alternaba estos trabajos con otros más comerciales y de diversos estilos y al final de la década su Hammond se podía oir en big bands, temas pop ('Cherry', 'Laura', 'The way you look tonight'), blues ('A thing to come by', 1969) y clásicos del funk como 'Electric funk'. Durante un tiempo regentó su propio club en Newark (New Jersey) y en una de sus pausas creativas se convirtió en criador de caballos, pero en 1973 estaba de vuelta en la carretera y los estudios.

La música disco comenzaba a dominar la escena y la gran adaptabilidad de McGriff dio lugar a varios de sus mejores trabajos: 'Stump Juice' (1975), 'Red Beans' (1976) y 'Outside Looking In' (1978). En los años 80, tras experimentar con todo tipo de teclados electrónicos, volvió al órgano y al soul jazz, comenzando una asociación con el saxofonista Hank Crawford que daría lugar a media docena de álbumes, como 'Soul Survivors' (1986), 'Steppin' Up' (1987) y 'On the Blue Side' (1986)

En los años noventa también experimentó con el Hammond XB-3 un sintetizador de órgano que añadía la tecnolgía MIDI y cuando el soul-jazz resurgió a mediados de la década, Jimmy formó la banda The Dream Team que incluía al saxofonista David 'Fathead' Newman y al baterista Bernard Purdie. Con ellos grabó los álbumes 'Straight Up' (1998), 'McGriff's House Party' (2000), 'Feelin It' (2001) y 'McGriff Avenue' (2002). Jimmy murió en mayo de 2008 a los 72 años.

Jean-Baptiste Forqueray

El 3 de abril de 1699 nació el intérprete de viola de gamba y compositor francés, Jean-Baptiste Forqueray, hijo del también compositor Antoine Forqueray. Su padre fue su principal maestro en el arte de la música, aprendiendo con tal rapidez y habilidad que a los 6 años dejó asombrado al rey Luis XIV y a la corte cuando interpretó ante ellos con la viola de gamba.

Su padre, Antoine Forqueray

La separación de sus padres en 1710 cuando contaba solamente 11 años le afectó profundamente, pues su padre se desentendió económicamente de la familia y además se vengó cruelmente en su hijo consiguiendo que fuera encerrado brevemente en prisión en 1719 y expulsado durante dos meses de Francia en 1725. Gracias a los esfuerzos de uno de sus alumnos, Le Monflabert, pudo regresar totalmente exculpado al país. Entre sus discípulos más conocidos se encuentra la hija de Luis XV: Ana Enriqueta de Francia.
Se casó dos veces, en 1732 con Jeanne Nolson de quien enviudó en 1740, y el 13 de marzo de 1741 con Marie-Rose Dubois. En 1742 fue nombrado “musicien ordinaire de la Chambre du Roi” cargo en el que permaneció hasta su retirada.

Forqueray publicó una edición de “32 Pieces de viole avec la Basse Continue” de su padre con tres de su propiedad. También produjo las mismas piezas en arreglos para clavecín. Tal transcripción era una práctica común en la época y en prefacios a otras piezas de viola se indica al intérprete que tales piezas pueden ser interpretadas en clavecín solo. Jean-Baptiste editó las obras de su padre de tal manera que son estilísticamente indistinguibles de las tres suyas. Según algunos estudiosos, varias de las publicadas bajo el nombre de su padre podrían ser en realidad suyas.

La estructura de aquellas obras revela una profunda influencia del “gout italien” y claramente pertenece a la generación de Leclair y de Guignon. Dentro de esa estructura, Jean-Baptiste empleó un lenguaje tremendamente individual caracterizado por ricas armonías. De hecho, fue con estas obras que culminó la tradición de viola virtuosística francesa que se inicia en la segunda mitad del siglo anterior. Jean-Baptiste exploró la viola baja de una manera más completa que sus predecesores. Falleció en París el 19 de julio de 1782

• Piezas de Viola y Bajo continuo:
- "Jupiter"
- “La du Vaucel”  (Soloist & dir : Jordi Savall & Le Concert Des Nations)
• Piezas transcritas para clavecín:
- “La Portugaise”
- “Allemande en mi menor”
- “La Morangis ou La Plissay”

Marvin Gaye

El 2 de abril de 1939 nació en Washington D.C. el músico norteamericano Marvin Gaye, según la revista Rolling Stone, el 6º mejor cantante de la historia y el 18º mayor artista de todos los tiempos. Su asesinato en 1984 a manos de su propio padre fue una sorpresa para todo el mundo excepto para sus amigos íntimos que conocían sus fuertes discusiones familares, su dependencia a la cocaína y su abatimiento y desánimo a pesar de su vuelta triunfal a Estados Unidos en 1983.

Hijo de un ministro evangélico que regía su hogar con mano de hierro, Marvin aprendió música en la iglesia, cantando a menudo al acabar los sermones de su padre. Tras servir en las fuerzas aéreas volvió a Washington y se unió a un grupo vocal llamado The Marquees, con los que grabó varios discos, logrando ser bastante populares entre los aficionados al R&B. En 1958 el cantante Harvey Fuqua los contrató para sustituir a su grupo de acompañamiento anterior y los renombró a Moonglows. Con ellos grabó en 1959 varios temas, entre ellos 'Mama Loochie', su primera grabación como solista, y realizaron coros en grabaciones de Chuck Berry como 'Back in the USA' y 'Almost grown'.

Durante un concierto en 1961 el productor Berry Gordy se fijó en él y le propuso firmar con Motown como artista en solitario. El mismo año Marvin se casa con la hermana de Gordy, Anna, y comienza a grabar temas como 'Stubborn kind of fellow' y 'Pride and joy', los primeros hits de pop soul que iría acumulando a lo largo de los años 60.

Según aumentaba el éxito de Motown Records, asimismo crecía el de Gaye, cuyas grabaciones en solitario y en dúo con Mary Wells y Kim Weston pronto le permitieron acceder al estrellato con temas como 'Can I get a witness' (1963), 'How sweet it is to be loved by you', 'I'll be doggoone', 'Ain't that peculiar' (1965), 'It takes two' (con Kim Weston, 1967) y sobre todo, 'I heard it through the grapevine' (1968) su primer nº1 en el Hot100 y todos ellos clásicos del soul.

En 1967 realizó varias grabaciones con la cantante Tammi Terrell y, aunque Gaye ya había grabado dúos con Weston y con Mary Wells, la química que surgió entre ambos fue algo que ninguno de ellos había experimentado jamás. Su primer disco juntos, 'Ain't no mountain high enough' fue Top5 en las listas de R&B y alcanzó el Top20 en las listas de pop.

El éxito les siguió sonriendo en 1967 con 'If I could build my whole world around you' y 'Your precious love', que fue Top5. En 1968 se publicaron 'Ain't nothing like the real thing' y 'You're all I need to get by', ambas nº1 en las listas de R&B y Top10 en el Hot100. La magia -más que química- que surgía de ambos cuando cantaban, y el aura de romance que desprendían sus interpretaciones, llevó a muchos a creer que eran amantes en la vida real. Pero esta extraordinaria colaboración creativa y profesional se vio interrumpida debido a que las migrañas y jaquecas de Tammi persistieron.

Pero esta extraordinaria colaboración creativa y profesional se vio interrumpida debido a que unas terribles migrañas y jaquecas que Tammi sufría. El 14 de octubre de 1967 se derrumbó en brazos de Gaye durante un concierto en el Hampton Sydney College de Virginia. Un consiguiente reconocimiento médico descubrió el tumor maligno del que murió tres años después.

La muerte de Tammi afectó profundamente a Marvin Gaye, tanto, que dejó de actuar y grabar durante tres años y comenzó a abusar de las drogas. Cuando volvió al trabajo, exigió de Motown un mayor control creativo de sus grabaciones.

En aquella época (1971) aquella demanda era insólita; Berry Gordy era el responsable de la producción de la mayoría de álbumes y un grupo de compositores contratados se encargaban de proveer los hits. Gaye no fue el único que no estaba de acuerdo con este método de trabajo de Motown, pero fue el primero en rebelarse. Al final de ese año publicó 'What's Going On', un álbum que compuso, cantó e interpretó él mismo. El album resultó ser un hito en la historia de Motown y la obra cumbre de Gaye, en la que introdujo temas que trataban sobre la guerra de Vietnam, la polución atmosférica, las adicciones a las drogas y la miserable vida de los ghettos, convirtiéndose en el primer disco de la Motown que se ocupó de temas sociales.

El periodista Steve Bloom de Down Beat lo definió como: "Una abrasadora acusación a las desviadas y equivocadas prioridades sociales americanas combinada con una llamada proselitista de 'Dios es la respuesta'; obviamente el trabajo del hijo de un predicador". El single 'Mercy, mercy me' fue top10 en el Hot100 y Gaye recibió reconocimiento internacional por su música. En su siguiente trabajo volvió a las baladas románticas, ésta vez cargadas de franqueza sexual en sus textos. Los álbumes 'Let's Get It On', cuyo single fue su segundo nº1 en el Hot100, y 'I Want You' añadieron mayor morbo a su ganada fama de seductor.

En Montreaux 1980

Fue entonces cuando su vida comenzó a caer en picado debido a su abuso de la cocaína. Se había divorciado de Anna Gordy en 1976, hecho que se vio reflejado en su doble álbum de 1978, 'Here My Dear', e inmediatamente se casó con Janis Hunter, un matrimonio que también fracasó bajo acusaciones de violencia física y crueldad mental. Gaye, presa de ataques paranoides, llegó a secuestrar a su propio hijo y trató de suicidarse esnifando 30 gramos de cocaína en una hora. Para evadir impuestos y relaciones personales tormentosas, Gaye se trasladó a Hawaii, y más tarde a Europa, donde actuó en el Festival de Montreaux y con la publicación de 'In our lifetime' (1981) puso fin a su contrato con Motown.

En 1981 a Marvin le acosaban las deudas con sus ex-esposas y con el fisco del Gobierno Federal, por lo que decidió realizar una gira en Inglaterra, que restableció su confianza y le permitió firmar nuevo contrato con Columbia Records,

Estos se hicieron cargo de parte de sus deudas y lo instaron a grabar un nuevo álbum, 'Midnight Love' (1982) cuyo single 'Sexual healing' le proporcionó sus primeros dos Grammy. Desafortunadamente, no logró abandonar su hábito con la cocaína y durante la gira promocional del álbum sufrió de nuevos ataques paranoides y pánico escénico.

Marvin Gay Sr. es llevado a juicio

Cuando finalizó la gira, se refugió en la casa que había adquirido para sus padres y pasó la mayor parte del tiempo drogado. En 1984, un domingo por la mañana de abril tras una de las numerosas discusiones violentas que mantenía con su padre, éste no pudo más y le pegó dos tiros con una Smith & Wesson que el mismo Marvin le había regalado las Navidades anteriores. Gaye murió horas después, un día antes de cumplir los 45 años. La gran cantidad de droga encontrada en la autopsia en el organismo de Marvin y las fotografías de su padre con las heridas que le produjo su hijo en su última pelea, ayudaron a que en la corte el crimen fuera considerado 'homicidio justificado'.

Canciones con historia: 'Sexual Healing'

Cuando el periodista David Ritz, viejo amigo de Marvin, llega a casa de la estrella del soul en Ostende (Bélgica), no sale de su asombro. Gaye le ha invitado para seguir trabajando en su biografía a su 'retiro' en Europa donde trata de quitarse de encima su serio enganche a la cocaína. 

Pero Ritz intuye que el polvo blanco no es el único problema de Gaye: por la habitación hay docenas de revistas porno, la mayoría de ellas retratando fantasías sado-masoquistas. Sobre la mesa de la cocina descubre un comic francés en el que se explica gráficamente las mil maneras que existen de torturar a una mujer. Mientras Ritz hojea el libro, agita la cabeza con un gesto de desaprobación y exclama: "Estás enfermo Marvin, y necesitas ayuda urgente. Un tipo de cura o terapia sexual que te aparte de estas perversiones". 

Gaye sonríe y asiente. Pero ahora mismo está más interesado en sus palabras que en sus consejos. La expresión 'cura sexual' (sexual healing) le parece perfecta para una canción y le ruega a Ritz que le escriba una letra con esas palabras en ella. Con su teclado Odell Brown, Marvin compuso con el nuevo texto un hit mundial, que significó su regreso triunfal a EE.UU. El consejo de su amigo, por cierto, no lo siguió. Mientras David Ritz tenía que luchar para que se reconocieran sus derechos de autor en el tema, Marvin esnifaba más cocaína que nunca y organizaba fiestas y orgías interminables. Murió la víspera de su 45 cumpleaños sin haber recibido su necesitada 'cura sexual'.

Serge Gainsbourg

El 2 de abril de 1928 nació en París el músico y cantante francés Serge Gainsbourg, considerado uno de los artistas más influyentes de Francia y, aunque no ha pasado de artista de culto en el mundo pop anglo-sajón, muchos de sus temas han sido grabados por artistas como Belinda Carlisle, Placebo, Jarvis Cocker, Dionne Warwick y Arcade Fire, entre otros.

Nacido como Lucien Ginsburg de emigrantes rusos judíos que huyeron del país tras la revolución de 1917, Serge y su hermana gemela Liliane tuvieron sus primeras nociones musicales a través de su padre, un músico profesional que se ganaba la vida tocando el piano en cabarets y casinos. Su infancia se vio profundamente afectada por la ocupación nazi y la obligación de portar la estrella amarilla que los identificaba como judíos. Tras la guerra fue profesor de música y dibujo y cuando cumplió los 30 era un pintor frustrado que se ganaba la vida tocando el piano en bares y cabarets. Decidió cambiarse el nombre a Serge, para remarcar su origen ruso y porque "Lucien le sonaba a nombre de peluquero". El apellido fue en honor al pintor británico Thomas Gainsborough, a quien admiraba. Se casó en 1951 con Elisabeth Levitski, a través de quien Serge conoció a Salvador Dalí.

En 1957 se divorció y acompañó al piano a la cantante Michèle Arnaud grabando con ella sus primeras composiciones escritas al estilo de la chanson tradicional francesa y con influencias de Boris Vian. Sin embargo, cambiaría pronto de onda y experimentó con el jazz y el pop en los 60, el funk, rock y reggae en los 70 y la música electrónica en los 80. Su primer gran éxito como compositor de canciones fue en 1965 cuando France Gall ganó el Festival de Eurovisión representando a Luxemburgo con su canción 'Pouppée de cire, poupée de son'.

Serge también fue autor del segundo sencillo de Gall, en el que mostró su afición a los juegos de palabras con doble sentido. Uno de los temas más populares de la joven adolescente, 'Les Suzettes', estuvo envuelta en cierta polémica por el juego de palabras que Serge impuso, pasando la letra de tratar sobre la inocente situación de una niña (Anni) a la que le gusta gastar sus peniques en 'piruletas' de caramelo, a ser una alegoría de la felación. Esto afectó a la carrera de Gall, que tuvo que trasladarse a Alemania hasta 1972 y en años posteriores la cantante ha rehusado siempre interpretar la canción y hablar sobre el tema.
Otras canciones de éxito escritas por Serge de aquella época fueron 'Boum bada boum' (Minouche Barelli) y 'Comment te dire adieu' (Françoise Hardy).

Quizás su canción más famosa fue 'Je t'aime moi non plus', grabada con su pareja desde 1968, la actriz y cantante británica Jane Birkin (aunque la primera versión se grabó con Brigitte Bardot), que, gracias al veto que recibió por 'pornográfica' en muchas emisoras y a que fuera calificada como ofensiva por el mismísimo Vaticano, llegó al nº1 en el Reino Unido y fue top10 en numerosos países europeos.

Serge y Jane continuaron con su relación hasta 1980 y él siguió componiendo y produciendo álbumes con Birkin a la voz solista. Así surgieron trabajos como 'Histoire de Melody Nelson', 'Lolita go home' y 'Ex fan des sixties'. En 1979 se ganó las iras de la ultraderecha francesa por la versión que grabó en Jamaica de la Marsellesa con ritmo reggae, llamada 'Aux armes et caetera', con la ayuda de Robbie Shakespeare, Sly Dunbar y Rita Marley.

Continuó grabando discos en los ochenta, como como 'Love on the Beat' (1984) y 'You're Under Arrest' (1987) pero Serge y su música se volvían cada vez más excéntricos y controvertidos. Durante un programa de TV (a los que no paraban de invitar a Gainsbourg, figura habitual de las tertulias) le espetó a Whitney Houston: "Me gustaría follarte". En otra tertulia tras decirle a una conocida actriz porno "no eres más que una puta con dinero", ésta le respondió: "y tú un viejo y patético alcohólico. Solía admirar tu trabajo pero ahora ya no eres más que un molesto y decrépito parásito". Rizó el rizo con sus ambiguos juegos de palabras en uno de sus últimos discos grabado en 1985 con su hija Charlotte: 'Lemon incest' (Un zeste de citron). Serge murió en marzo de 1991 a los 62 años.

Sergei Rachmaninoff

El 1 de Abril de 1.873, nació en las tierras de Oneg, cerca de Novgorod, (Rusia), el compositor, pianista y director de orquesta, Sergei Vasilievich Rachmaninoff. Uno de los pianistas más brillantes del siglo XX, cuyas composiciones son consideradas como la mayor expresión musical de la era romántica. Tuvo legendarias facilidades técnicas y manejo rítmico, y sus largas manos eran capaces de cubrir el intervalo de una 13ª en el teclado (una mano abarcaba aproximadamente 30,5 cms). El largo de sus manos correspondía aproximadamente con su altura de 1 metro 98 cm. Además tenía la habilidad de tocar complejas composiciones con sólo escucharlas una vez.

A los 9 años, fue inscrito en el conservatorio de San Petersburgo, gracias a la ayuda económica de su abuela materna. Sin embargo, no fue un buen alumno. Al suspender por completo el curso de 1885, la junta directiva del conservatorio lo expulsó. Aun así, fue admitido en el conservatorio de Moscú, bajo las enseñanzas de Nikolái Zvérev, gracias a la intervención de su primo Aleksandr Ziloti, compositor famoso de la época. Ya en Moscú, Rachmaninoff residió en la propia casa de su profesor, junto a otros dos alumnos, sometido a duras jornadas de estudio. Allí conoció a Piotr Tchaikovski, amigo personal de Zvérev, quien sería muy influyente en la vida y obra de Rachmaninoff, y de cuya “Sinfonía Manfredo” realizó una trascripción para piano a cuatro manos en 1886, a los trece años, obra de la cual el propio Tchaikovski quedó impresionado.

Rachmaninoff comenzó a demostrar su talento para la composición desde muy joven, y decidió volcarse en ella, aunque Zvérev estaba empeñado en desarrollar al máximo sus virtudes pianísticas. Tras un mes de discusiones, se marchó a vivir definitivamente con su tía Varvara en 1889, a los dieciséis años. A lo largo de los dos años siguientes, se dedicó a componer pequeñas piezas, y tomó sus primeros contactos como director de orquesta. Asimismo, en 1891, compuso el “Primer concierto para Piano y Orquesta” (Beatrice Berthold & NDR-Sinfonieorchester im Kieler Schloß), dedicado a su primo Aleksandr Ziloti, y la ópera “Aleko”, que le sirvió para graduarse en el Conservatorio de Moscú con menciones honoríficas.

En 1892 Rachmaninoff ya estaba preparado para su carrera como compositor, y abandonó el conservatorio en el verano del mismo año. Publicó sus primeros trabajos, lo que le permitió independizarse económicamente de su familia, además de las ganancias por las clases que impartía. Durante esta época, compondría sus primeros preludios y elegías para piano, así como el poema sinfónico “La Roca”. Durante los ocho primeros meses de 1895, Rachmaninoff estuvo trabajando en su “Primera Sinfonía”, en la que volcó sus ilusiones y esperanzas. Se estrenó por primera vez dos años después, en 1897, bajo la dirección del también compositor Aleksander Glazunov.

La presentación fue un rotundo fracaso, ya que aparentemente Glazunov estaba ebrio y la ejecución de la orquesta fue deficiente. Rachmaninoff escribía así a su amigo Aleksandr Zataevich a los dos meses del estreno: “... ésta ha sido pésimamente ejecutada. Me asombra que un hombre de tan enorme talento como Glazunov dirija tan mal la orquesta. No me refiero a su técnica; hablo simplemente de su musicalidad. No siente nada cuando dirige. Hasta parece como si no comprendiese nada...” Los críticos fueron muy duros en sus apreciaciones y ello afectó seriamente a Rachmaninoff, causándole una grave depresión.

Los años de depresión
Rachmaninoff no escribiría nada durante el verano siguiente al estreno de su Primera Sinfonía. Tras su fracaso, pensó dedicar su vida a la dirección más que a la composición, y fue nombrado director de la Compañía de Ópera de Moscú. Tras un gran debut, dirigiendo "Sansón y Dalila" de Camille Saint-Saëns, su fama fue extendiéndose por toda Europa, hasta el punto de recibir una oferta de la Royal Philarmonic Society de Londres para interpretar y dirigir alguna de sus propias obras. Este hecho obligó a Rachmaninoff a revisar su concierto para piano, y examinar su carencia de ideas y bloqueo mental para la composición, sin duda consecuencia de aquella desafortunada experiencia con su primera sinfonía, que produjeron un grave decaimiento anímico en el artista.

Nikolai Dahl

Más deprimido que nunca, Rachmaninoff se puso en manos del Dr. Nikolái Dahl, especialista en neurología e hipnosis, quien le trataría durante la mayor parte del año 1900, con excelentes resultados, devolviéndole la confianza en sus aptitudes creativas. Tras un viaje a Italia, Rachmaninoff comenzó a escribir los primeros bocetos de una de sus obras maestras, el “Concierto para piano y orquesta nº 2” Parte 1/3 (Hélène Grimaud, piano & Claudio Abbado, director). Tocó el segundo y tercer movimiento en Moscú en diciembre de 1900, añadió el primer movimiento en la primavera de 1901 y ofreció la primera interpretación completa el 27 de octubre de ese mismo año dedicado al propio Dahl, con un inmenso éxito de crítica y público.

El período ruso
Tras el éxito de su Concierto n.º 2, y plenamente recuperado de su crisis anímica y creativa, Rachmaninoff anuncia en 1902 su casamiento con su prima Natalia Aleksándrovna Sátina. Debido a que la Iglesia Ortodoxa prohíbe los matrimonios entre primos, este enlace generaría muchos problemas. Afortunadamente para él, la intervención de una de sus tías y la celebración de la ceremonia en una capilla militar hicieron oficial su matrimonio. Eran sin duda los mejores tiempos para el artista.
Comienza aquí su triple carrera, como compositor, pianista y director, que le llevaría a adquirir una fama sin precedentes. Fue director del Teatro Bolshói de Moscú, entre 1904 y 1906, y realizó varias giras por todo el mundo como pianista.

A esta etapa de su vida pertenecen sus obras más grandiosas: además del mencionado Concierto para piano y orquesta n.º 2, Rachmaninoff escribiría obras maestras como su “Segunda Sinfonía” (1907), “La isla de los muertos” y sus “Concierto para piano y orquesta n.º 3"1er. mov. (Valentina Lisitsa) y n.º 4” (1909), “Las campanas” (1913), y numerosas piezas para piano, entre las que se encuentran sus preludios para piano, suite para dos pianos…

El compositor en 1919

Tras la Revolución rusa
En 1916 explota la tensión acumulada en su país, tiene lugar la Revolución rusa y Rachmaninoff decide abandonar su Rusia natal. Sin dinero ni posesiones el artista emigra con su familia en otoño de 1917, a sus cuarenta y cuatro años. Ya en 1918, y asentado en París, recibe tentadoras y lucrativas ofertas desde Estados Unidos, que supondrían la salida económica para él y su familia. Tras aceptar varias ofertas sobre giras de conciertos, firma en 1920 un importante concierto con la compañía de grabaciones "Victor Talking Machine", y al año siguiente compra una casa en Riverside Drive (Nueva York). Fue en Paris donde fundó una importante firma publicitaria, cuyo objetivo principal era el de dar a conocer tanto obras suyas como las de otros compositores rusos.

Mientras tanto, su música era prohibida por el nuevo régimen en la URSS. Durante esta etapa Rachmaninoff dedicaría su tiempo a su profesión de solista y director, tan necesaria para mantener su economía y la de su familia, por lo que su faceta creativa se vio muy mermada. De este periodo destacan las excelentes “Tres canciones rusas” (1926), “42 variaciones sobre un tema de Corelli” (1931), la impresionante “Rapsodia sobre un tema de Paganini” (1934), Andante (Mikhail Pletnev) que fue compuesta en la Villa Senar, una propiedad que Rachmaninov tenía en Suiza( (ciclo de veinticuatro variaciones sobre un tema del Capricho nº 24 para violín del célebre violinista italiano Niccolo Paganini), su “Tercera Sinfonía” (1936) y algunos arreglos para piano.

Sus últimos años en Estados Unidos
En otoño de 1909 embarcó en su primera gira estadounidense, ofreciendo - como él mismo señaló- casi un concierto diario durante tres meses enteros. Estrenó su tercer concierto para piano el 28 de noviembre en el New Theatre de Nueva York bajo la dirección de Walter Damrosh.

En enero de 1910 lo repitió en el Carnegie Hall esta vez bajo la dirección de Gustav Mahler que impresionó enormemente a Rachmaninoff como director. En 1939 se asienta definitivamente en Estados Unidos junto a su familia, dedicándose fundamentalmente a su faceta de intérprete en giras por EE.UU. En 1940 escribiría la que sería su última obra catalogada, las “Danzas sinfónicas”, una de las obras maestras de la música de nuestro siglo. Asimismo, en 1941 revisaría su Concierto n.º 4 para piano y orquesta. En 1942-1943 realizó su última gira de conciertos, y se compró una casa en Beverly Hills, que sería su última residencia. Allí murió el 28 de marzo de 1943, a la edad de 69 años.

Obras más importantes

Las manos de Rachmaninoff

• “Primer concierto para piano y orquesta” (1891) (Nikita Magaloff & Orchestra Sinfonica di Torino della Rai)
• “Preludio en do sostenido menor", Op. 3 n.º 2 (1892) (Vladimir Horowitz) durante su vida fue su obra más conocida.
• “Trío elegíaco” (1893), Nº 2, 1/2, 2/2 (Lugansky, piano; Mischa Maisky, violonchelo), a la memoria de su admirado músico Piotr Ilich Tchaikovski.
• “Sinfonía nº 1” (1897) 1/2, 2/2, (Concertgebouw Orchestra - Vladimir Ashkenazy).

• “Concierto para piano nº 2 en do menor Op. 18” (1899), 2/3, 3/3 (Hélène Grimaud, piano & Claudio Abbado, director) una de sus piezas más conocidas actualmente. Dedicado al Dr. Nikolai Dahl que lo ayudó a superar la depresión que le produjo el fracaso de su Primera sinfonía. En 1976 el cantautor Eric Carmen utilizó el tema principal del segundo movimiento de este concierto en su hit “All by myself” (reeditado por la cantante canadiense Céline Dion y también por el cantante mexicano Luis Miguel con el nombre de 'Perdóname').

• “Sonata de Violonchelo y piano en sol menor", Opus 19, 3º mov, (1901) (Msistlav Rostropovich, cello & Alexander Dedyuhkin, piano)
• “Variaciones sobre un tema de Chopin” (1903) (N. Lugansky)
• Segunda Sinfonía (1907) 1/3 , 2/3 , 3/3  (NHK Symphony Orchestra , dir. André Previn)
• “Concierto para piano nº 3 en re menor, Op. 30” (1909), (Horowitz & Zubin Mehta) dedicado a Josef Hofmann. Una de las obras para piano y orquesta más exigentes del repertorio. Inmortalizado en la película "Shine", de Scott Hicks (1996).

• “Vocalise”, Op. 34 No.14 (1912) (Berliner Symphoniker, Michael Schoenwandt & Natalie Dessay) la última de sus catorce canciones del Op. 34. Escrita para voz (soprano o tenor) y acompañamiento de piano. No contiene palabras, pero se canta utilizando cualquier vocal que el cantante elija.

• “Preludios: Op. 23, n.º 1, nº 2, nº 4, nº 6 y nº 10” (Boris Berezovsky, piano)
• “La isla de los muertos, Op. 29” (1909), poema sinfónico 1/2; 2/2 (St. Petersburg Philharmonic Orchestra & dir. Mariss Jansons)
• “Études-Tableaux Op. 33” (1911) (Nikolaï Lugansky).
• “Concierto para Piano y Orquesta nº4" (1909) Arturo Benedetti Michelangeli, piano & Philharmonia Orchestra, dir. Ettore Gracis)
• “ Las Campanas” (1913)
• “Études-Tableaux Op. 39” (1916) N.º 6 en Mi bemol menor: Non Allegro - Presto (Valentina Lisitsa)

• “Danzas sinfónicas" (1941) (The Philadelphia Orchestra & Yuri Temirkanov)
• “Tres Canciones Rusas” (1926)
• “Variaciones sobre un tema de Corelli”, Op. 42, (1931) 1/2, 2/2 (Vladimir Ashkenazy) es un grupo de 20 variaciones sobre la Sonata para violín, violone y clavecín de Arcangelo Corelli (Op. 5, n.º 12; que a su vez es una serie de variaciones sobre el tema musical europeo, La Folía)
• “Rapsodia sobre un Tema de Paganini” (1934) Parte 1, Parte 2, Parte 3 (Mikhail Pletnev)
• “Tercera Sinfonía” (1936) (Royal Concertgebouw & Vladimir Ashkenazy)
• “Danzas Sinfónicas” (1940) (The Philadelphia Orchestra, dir. Yuri Temirkanov)