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El 7 de abril de 1915 nació en Philadelphia (Pennsylvania) la cantante de jazz Eleanora Fagen, más conocida como Billie Holiday, considerada por muchos la más grande vocalista del género. En una carrera que no duró más de treinta años y que acabó trágicamente, su manera de comunicar y sus conmovedoras interpretaciones influyeron profundamente en las cantantes que la siguieron. Aunque su cálida y delicada voz poseía un registro limitado, ella la usaba con la maestría de un instrumentista, estirando y condensando sus frases en un constante diálogo con los músicos, haciendo famoso su estilo sensual, lánguido, con cierta ironía y un ligero y característico retraso en el tempo.
Billie en 1917 con 2 años
Su vida estuvo plagada de penurias. "Mamá y papá eran un par de críos cuando se casaron. Él tenía dieciocho años, ella dieciséis y yo, tres", escribía la propia Billie en sus memorias. Su madre tuvo que dejar su hogar en Baltimore con trece años cuando en su casa descubrieron que estaba embarazada para trasladarse a casa de su hermana en Philadelphia. Su padre, Clarence Holiday, guitarrista con los McKinney's Cotton Pickers, nunca paraba por casa y se divorció a los dos años. Rara vez se veía después con Billie y si lo hacía, ella le pedía dinero amenazándolo con contarle a su novia que ella era su hija. Dejó muy pronto la escuela y con ocho y nueve años fregaba suelos y hacía recados para un burdel vecino, donde tuvo la ocasión de oir por primera vez los sonidos del jazz, provenientes del fonógrafo que se encontraba en el salón del prostíbulo. Allí se ponían discos de Bessie Smith y Louis Armstrong, que Billie escuchaba emocionaba y con entusiasmo.
A los diez años fue brutalmente violada y, posteriormente enviada a un reformatorio católico, acusada de 'seducir' a su violador adulto. Más tarde, con catorce años, madre e hija fueron acusadas de prostitución y pasaron cuatro meses en prisión. Estableciéndose ambas en Harlem, Holiday buscó trabajo como bailarina en los clubes de jazz y se presentó a una audición. Rechazada como bailarina, ella imploró el trabajó por lo que el pianista, conmovido le preguntó si sabía cantar. "¿Cantar?, Claro, eso no es nada del otro mundo", respondió. No había hecho otra cosa que intentar emular a Bessie Smith desde que escuchó por vez primera su voz en aquel fonógrafo del burdel de Baltimore.
"Le pedí al pianista que tocara 'Trav'lin all alone', lo más cercano a mi estado de ánimo entonces. Y en algún momento debió de calar hondo. Se acallaron todas las voces del bar. Si a alguien se le hubiera caído un alfiler, habría sonado como una bomba. Cuando finalicé, todos aullaban y levantaban sus vasos de cerveza. Recogí treinta y ocho dólares del suelo. Al terminar la noche, antes de irme, dividí el botín con el pianista y me llevé cincuenta y siete pavos a casa, con los que logramos pagar el alquiler de la casa de la que nos iban a echar al día siguiente".
Comenzó a cantar de manera informal en numerosos clubes de Harlem. Alrededor de 1932, contando Billie 17 años, fue descubierta por el productor John Hammond en el club llamado Monette´s. Hammond dispuso varias sesiones para ella con la orquesta de Benny Goodman; su primer disco fue 'Your mother's son-in-law'(1933). Grabó con regularidad en Columbia, generalmente bajo la dirección de Teddy Wilson, acompañada de una pequeña banda de estudio compuesta por los mejores sidemen de jazz del momento. Entre ellos se encontraba su buen amigo Lester Young cuyo estilo era muy similar al de Holiday y fue él quien comenzó a llamarla 'Lady Day'.
Teddy Wilson y Billie
Pensados para una audiencia negra, los temas dirigidos por Wilson -generalmente canciones románticas sin trascendencia de segunda categoría, que los artistas blancos habían rechazado previamente- eran producidos con rapidez y escasez de medios. Pero Holiday y compañía transformaron los anodinos temas en tesoros del jazz, que fueron inmediatamente apreciados por músicos, críticos y aficionados en general. Los más de un centenar de discos grabados en esta época están considerados su mejor y más significativo trabajo. En 1937 hizo una gira respaldada por la orquesta de Count Basie.
Un año después fue una de las primeras vocalistas negras en aparecer frente a una orquesta de músicos blancos, cuando cantó con la orquesta de Artie Shaw, convirtiéndose en una de las cantantes negras de jazz de mayor reputación. Sin embargo su vida en la carretera fue amarga, ya que la segregación racial imperante en el país hacía que actividades tan cotidianas como comer, dormir o ir al baño se convirtieran en incómodas. Tenía prohibido usar la entrada principal de los hoteles donde se hospedaba con la banda y debía esperar en un cuarto oscuro lejos del público antes de aparecer en escena.
Harta de la giras, regresó a Nueva York, donde continuó actuando en los clubes y cabarets como artista en solitario. En 1936 su versión de 'Summertime' fue un éxito de ventas y la primera vez que el tema aparecía en una lista de éxitos pop. En 1937 grabó numerosos hits, entre ellos el único nº1 de su carrera, 'Carelessly','Mean to me' y 'I've got my love to keep me warm', todos ellos con Teddy Wilson y su orquesta.
En 1939 grabó para Commodore el tema 'Strange fruit', un controvertido tema sobre los linchamientos raciales del sur. Vetado en numerosas emisoras, se convirtió en uno de los favoritos del público interracial ante el que actuaba en el Cafe Society, el punto de encuentro de los intelectuales y la izquierda política de Nueva York.
Su audiencia creció y Holiday popularizó su gusto por las canciones lentas y melancólicas de amores desdichados que comunicaban el desconsuelo y la desgracia que ella vivía en su propia carne. Explicaba el sentido del efecto dramático que presentaba en sus canciones diciendo: "Yo he vivido canciones como esa". Su tono único y compromiso emocional hacían de su presentación algo especial. 'God bless the child', publicada en 1941 y coescrita por Holiday con Arthur Herzog, fue una de las canciones más populares del año, vendiendo más de un millón de copias.
Con su último marido Louis McKay
En 1942 grabó 'Trav'lin' light' con la orquesta de Paul Whiteman. Entre 1944 y 1950 Holiday grabó para Decca Records que, empeñada en convertirla en una cantante de corte popular, sobreprodujo la mayoría de sus grabaciones dotándolas con excesivos arreglos orquestales. Aún así, el arte de Holiday prevaleció en temas como 'Ain't nobody's business if I do' y 'Lover man'.
Louis Armstrong y Billie en 1949
Aunque Billie fumaba marihuana desde los trece años de edad, fue su primer marido, James Monroe, quien la introdujo en el consumo de opio y heroína en los años cuarenta. Ese fue el inicio de su larga lucha interior con el consumo de narcóticos y su adicción al alcohol. Monroe fue el primero de una serie de hombres que alimentaron sus adicciones, gastaron su dinero y abusaron físicamente de ella. Para colmo, fue encarcelada de nuevo por un cargo de drogadicción en un juicio que fue la sensación de 1947, donde además se le revocó su licencia de artista de cabaret, prohibiéndosele actuar en los locales que más le convenían. Incapaz de librarse de sus demonios mientras estuvo ligada al mundo musical se vería involucrada en otros arrestos similares.
Ese mismo año, Billie apareció en la película 'New Orleans' con Louis Armstrong y Woody Herman, entre otros.
Billie Holiday en 1958
En su época con Verve (1952-57), la cantante retornó frecuentemente al formato de pequeña banda, que encajaba mejor con su tenue voz. Ésta sufría las secuelas de años de abuso y comenzaba a fallar. Aunque su pasión y su registro disminuían día a día, Holiday aún retenía su particular tempo y fraseo y -cuando se lo proponía- su habilidad para emocionar a la audiencia. Para Verve grabó numerosos standards americanos de Cole Porter, George Gershwin, Irving Berlin y Rodgers and Hart que cobraron nueva vida con sus interpretaciones. A pesar de que a algunos críticos les resultaba penosa la escucha de sus últimas grabaciones, otros consideran estos años los de mayor poder de comunicación de Billie. Steve Putterman, de High Fidelity escribía: "La belleza tonal y la expresividad emocional trabajaban en sentido inverso con Holiday; cuantos más pitos salían de su garganta, más penetrante y efectiva se hacía su interpretación"
Realizó dos giras por Europa, en 1954 y en 1958 grandes artistas de la canción de los años cincuenta -Frank Sinatra entre ellos- la consideraban "sin duda la más importante influencia en la canción popular americana de los últimos veinte años". Sin embargo, cuando Billie sucumbió a una cirrosis al final de la década, a los 44 años, su muerte suscitó más artículos sobre su desordenada vida personal que sobre sus contribuciones musicales.
Su última sesión en 1959
"Billie Holiday murió sola y olvidada en el Metropolitan Hospital de Nueva York el 17 de julio de 1959 en la cama en la que había sido arrestada, mientras agonizaba, por posesión ilegal de narcóticos; en la misma habitación en la que el policía que la custodiaba había sido retirado por orden del juez pocas horas antes de su muerte, la cual, como su vida, fue problemática y dolorosa. Había sido extremadamente bella, pero se había convertido físicamente en una minúscula y grotesca caricatura de ella misma. Los gusanos de todo tipo de excesos -siendo las drogas sólo uno de ellos- acabaron devorándola." (de la carátula del LP 'The Essential Billie Holiday')
El 7 de abril de 1971 se publicó en Estados Unidos '4 Way Street', doble álbum en directo del supercuarteto formado por David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash y Neil Young. Más que un disco de grupo, fue un escaparate de los temas que cada uno de ellos había compuesto en trabajos en solitario. Aún así, y a pesar de que en directo CSN&Y tampoco eran capaces de reproducir las perfectas armonías vocales desplegadas en 'Déjà Vu' (a Young se le va el punto en más de una ocasión en las voces agudas) demostraron en '4 Way Street' eso que al mismísimo Hendrix impresionaba del cuarteto: ser unos auténticos animales de escena que transmitían una magia irrepetible en sus actuaciones.
Para 1970 habían sacado a la venta ya dos LP, 'Crosby Stills and Nash' y 'Déjà Vu'. Es entonces, durante la gira de ese año, cuando se graban los temas que posteriormente integrarían el álbum doble '4Way Street', todo un icono para la época, impregnado con todo lo que significó el movimiento hippie, con sus protestas sociales y políticas, con una lírica envuelta en temas pacifistas, ecologistas y progresistas, sin descuidar asuntos como el amor, sexo y drogas.
Incluyó grabaciones de conciertos ofrecidos en el Fillmore East de Nueva York, The Forum de Los Ángeles y The Chicago Auditorium de Chicago entre los días 2 de junio y 5 de julio de 1970 y alcanzó el primer puesto en la lista estadounidense Billboard 200. En el momento de la grabación del álbum, las tensiones entre los miembros de CSN&Y eran altas, con sus peleas en los vestuarios convirtiéndose en una leyenda del rock, mencionadas incluso por Frank Zappa en el álbum 'Fillmore East - June 1971'. Las tensiones llevaron a la disolución del cuarteto pocos meses antes del lanzamiento de '4 Way Street'.
El grupo, sin Young, no volvió a publicar nuevo material hasta el lanzamiento de 'CSN' en 1977, aunque hubo una reunión para una gira en verano de 1974. Crosby y Nash formaron un dúo y en septiembre de 1970 actuaron en un programa especial de la BBC.
El primer disco del doble álbum contiene 15 temas, algunos inéditos hasta la fecha de 1971, tales como 'Triad', el polémico tema que contribuyó a la salida de Crosby de The Byrds; 'Chicago', el himno de 'Songs For Beginners', el primer disco de Graham Nash de solista; 'Cowgirl in the Sand', el temazo de Neil Young de su álbum 'Everybody Knows This Is Nowhere'. Entre otros temas clásicos se encuentran asimismo 'Teach your children', 'The Lee shore', '49 bye-byes' / 'For what it's worth' / 'America's children', el himno al amor libre de Stills 'Love the one you're with' y otro tema de Young, 'Don't let it bring you down'. El segundo disco contiene temas ya conocidos en versiones extendidas donde cada uno de los guitarristas tiene su turno para demostrar su virtuosismo. Se incluyen sólo 6 temas, entre los que destaca 'Southern man', más de 13 minutos de jam entre cuatro guitarras que conversan entre sí.
'Ohio' es una canción protesta por la muerte de 4 estudiantes universitarios en esta ciudad durante las manifestaciones contra la guerra de Vietnam a finales de los 60 (en la edición española de la época, fue suprimida). También se incluye la versión extendida de 'Carry On', donde los cuatro guitarristas vuelven a demostrar sus habilidades con la eléctrica, cerrando con 'Find the cost of freedom', de nuevo con un sonido acústico y un mensaje profundo lanzado a través de la polifonía de las voces características de CSN&Y.
El 6 de abril de 1927 nació en Nueva York el saxofonista, clarinetista, compositor y arreglista de jazz Gerry Mulligan, uno de los instigadores de lo que se llamaría cool jazz, sobre todo por su participación en el álbum 'Birth of the Cool' (1948) junto a Miles Davis, siendo responsable de los arreglos de la mitad de los temas y autor de tres, 'Rocker', 'Venus de Milo' y 'Jeru'. Está considerado uno de los mejores saxos barítonos de todos los tiempos.
Se crió en Philadelphia en el seno de una familia irlandesa, católica y de clase media. Buen estudiante en sus años de colegio, pide a sus padres que le compren un saxofón. Tras estudiar música, colaboró con la orquesta de Elliot Lawrence, antes de volver a su ciudad natal con dieciocho años donde enseguida se enroló en la big band del baterista Gene Krupa. En 1947 entra como saxo barítono y arreglista en la orquesta de Claude Thornhill, la banda donde se originó el movimiento cool. Allí conoce al otro arreglista de la banda, Gil Evans. Juntos en 1949, intervienen en la gestación del histórico noneto dirigido por el trompetista Miles Davis.
Whitlock, Baker y Mulligan
En 1951 se traslada a California. El ambiente musical y los músicos que encuentra allí, le gustan y empieza a escribir arreglos para Stan Kenton, el director de una renombrada big band. Un día conoce a un trompetista llamado Chet Baker y la química que surge entre ellos les lleva a formar un cuarteto(sin piano) con Bob Whitlock al contrabajo y Chico Hamilton a la batería que los lleva a la fama.
Gerry y Bob Brookmeyer
Problemas con la ley y las drogas llevan al cuarteto a su disolución y a Mulligan entre rejas, pero éste retoma el trabajo una vez cumplida la pena en 1954 y comienza una colaboración con el trombonista Bob Brookmeyer que resultó igualmente exitosa. Sus excelentes grabaciones con músicos tan distintos como Johnny Hodges y Thelonious Monk muestran su inusual capacidad de adaptabilidad musical. Desde 1950 publicó más de 40 álbumes como líder, entre los que destacan sus encuentros con Lee Konitz, Paul Desmond y Ben Webster, así como el que grabó en el Village Vanguard en 1961 con su Concert Jazz Band.
Mulligan fue también una de las figuras más versátiles del jazz moderno. Aunque lento en su desarrollo como instrumentista, ha estado reconocido desde hace tiempo como el saxo barítono más influyente desde Harry Carney. Además del idioma cool que ayudó a crear -ejemplificado a la perfección en su cuarteto de los cincuenta junto a Chet Baker- Gerry se sentía en casa igualmente con una big band, haciendo bop, o incluso dixie, en cuyo caso se pasaba al clarinete.
Gerry murió en enero de 1996 a los 68 años.
El 5 de abril de 1934 nació en Pittsburgh (Pennsylvania) el saxofonista estadounidense Stanley Turrentine. Figura legendaria del saxo tenor, también es conocido como 'Mr T' o 'Sugar Man' y su carrera puede dividirse en tres eras: su etapa tocando blues y R&B como sideman de Lowell Fulson; su trabajo en los sesenta como líder de banda de soul jazz en el sello Blue Note y su labor como uno de los pioneros de la fusión jazz rock en los setenta.
Turrentine se crió en una familia extraordinariamente musical; su padre fue también un saxofonista tenor, que había tocado en una banda llamada los Savoy Sultans. Su hermano mayor Tommy asimismo era trompetista de jazz que llegó a tocar junto a músicos como Benny Carter, Earl Bostic, Charles Mingus, Count Basie, Max Roach y Dizzy Gillespie. El primer instrumento de Stanley fue el chelo, que abandonó en la adolescencia en favor del saxo tenor. Aunque recibió algunas indicaciones de su padre, su aprendizaje fue autodidacto y su primera experiencia profesional notable fue en 1950, acompañando a Lowell Fulson y su banda, en la que militaba un joven Ray Charles. Posteriormente tocó con Tadd Dameron y, en 1953, reemplazó a John Coltrane en la primera banda de jazz de Earl Bostic, en la que coincidió con su hermano Tommy.
Volvió a coincidir con su hermano cuando, tras servir tres años en el ejército. se unió a la banda de Max Roach en 1959. Allí se ganó una gran reputación como saxofonista en la tradición de Coleman Hawkins y Don Byas y también allí conoció a la organista Shirley Scott, con quien se casó en 1960 y con la que grabaría frecuentemente. Tras mudarse a Filadelfia, Turrentine consiguió buena química con otro organista, Jimmy Smith, acompañándole en los clásicos discos de soul jazz de 1960 'Midnight Special' y 'Back at the Chicken Shack', entre otros.
También en 1960, Turrentine empezó a grabar como líder para Blue Note, concentrándose preferentemente en pequeños grupos de soul jazz, un estilo denigrado por los puristas del jazz, que lo consideraban excesivamente comercial. Sin embargo el soul jazz abrió caminos y fue un estilo con el que músicos como Horace Silver, Johnny Griffin, Grant Green, Sonny Stitt, Gene Ammons, Kenny Burrell, Wes Montgomery y Lou Donaldson cosecharon numerosos éxitos. El soul jazz bebía principalmente del R&B y las bandas se presentaban habitualmente con formaciones que incluían guitarra eléctrica, órgano Hammond, batería y saxofón.
The Three Sounds
Grabó su primer trabajo para Blue Note con el Horace Parlan Trio en el álbum 'Look Out' (1960) y ese mismo año publicó el primero de una serie de álbumes con los Three Sounds, un trío procedente de Indiana, que incluía a Gene Harris al piano, Andrew Simpkins al bajo y Bill Dowdy a la batería. El trío, que previamente había grabado sesiones con Nat Adderley, Johnny Griffin y Lou Donaldson llegó a Nueva York en 1958 de la mano de Horace Silver.
En las notas originales impresas en la carátula del magnífico 'blue hour' (1961) se podía leer: "Aunque aún no ha cumplido los treinta, Turrentine posee un estilo cálido que rememora a intérpretes del pasado. Sus primeras inspiraciones llegaron a través de la música de Coleman Hawkins y Don Byas y es obvio que Stanley ha aprendido un par de valiosas lecciones de ellos"
'ZT's Blues' (1961)
A partir de 1965 experimentó con grupos más amplios, antes de dejar Blue Note Records a finales de la década. Hasta entonces había publicado 24 discos con el sello, entre ellos los magníficos 'Z.T's Blues' (1961), 'That's Where It's At' (1962), 'In Memory Of' (1964) y 'The Spoiler' (1966). A comienzos de los años setenta, Turrentine y Shirley Scott se separaron y Turrentine se convirtió en un popular puntal del nuevo sello de Creed Taylor, CTI, orientado a la fusión.
'Sugar' (1970)
En este periodo produjo algunos de los álbumes mejor recibidos y con mayor éxito comercial de su carrera. El álbum 'Sugar' (1970) está considerado el mejor de ellos, además de 'Salt Song' y 'Don't Mess with Mister T'. En estas grabaciones, Turrentine añadió detalles funk y elementos del rock a su particular fusión de soul jazz, una combinación con la que obtuvo gran éxito y ventas significativas. También de esta época es su colaboración con Astrud Gilberto, 'Gilberto with Turrentine' (1971)
'Have You Ever Seen The Rain' (1975)
En la segunda mitad de los años setenta grabó varios álbumes para el sello Fantasy como 'Pieces of Dreams' (1974), 'In the Pocket' y 'Have You Ever Seen The Rain' (1975) que fueron denostados por la crítica, y en los ochenta regresó al formato de pequeñas bandas y al soul jazz que acostumbraba a interpretar en los años sesenta. Bajo el sello Elektra publicó cinco álbumes, entre ellos, 'Tender Togetherness' (1981) y 'Home Again' (1983).
En la década de los años noventa siguió actuando y grabando álbumes como 'More Than a Mood' (1992), con Cedar Walton (piano), Ron Carter (bajo) y Billy Higgins (batería) y 'If I Could' (1993), además de colaborar como sideman en trabajos de Roy Hargrove, Georgie Fame y Diana Krall. Su última entrega discográfica fue 'Do You Have Any Sugar?' en 1999. Turrentine murió de un infarto en la ciudad de Nueva York el 12 de septiembre de 2000 a los 66 años y su desaparición marcó el fin de una prolífica y rica carrera en la que ayudó para bien o para mal a abrirle camino a otras subcategorías del jazz moderno.
El 4 de abril de 1913 nació en Rolling Fork (Mississippi) el guitarrista y cantante de blues McKinley Morganfield, más conocido como Muddy Waters. Electrificando los sonidos del blues rural de su niñez ayudó al nacimiento del Blues de Chicago y sus canciones influyeron notablemente en la explosión del blues británico de los años 60. Grupos como los Rolling Stones (que adoptan su nombre inspirándose en una de sus canciones), Led Zeppelin o Cream no habrían existido sin él.
Plantación de algodón en Clarksdale
Muddy se crió rodeado de campos de algodón en Mississippi y, aunque su padre tocaba la guitarra, no tuvo la oportunidad de aprender de él. Tras la muerte temprana de su madre fue enviado junto a su abuela en Clarksdale. Su afición a jugar de pequeño en el barro seguramente le trajo el apodo de 'Muddy', al que él años más tarde añadiría Water, y luego Waters. Dejó la escuela muy pronto y con 13 años ya dominaba la armónica. Su abuela había comprado un fonógrafo y solo tenía algunos discos de canciones religiosas. Muddy, con los pocos ahorros que tenía de cargar sacos de algodón desde los 8 años y demás actividades de ayuda a los que faenaban en los campos, se fue comprando algunos discos de Blind Lemon Jefferson, Barbecue Bob, Blind Blake, el '44 Blues' de Roosevelt Sykes o el 'Vicksburg Blues' de Little Brother Montgomery.
Son House
Tocaba con un amigo guitarrista en las fiestas a cambio de comida y propinas. Pero en el Delta del Mississippi, Muddy estaba rodeado de guitarras y guitarristas como Charley Patton y Son House, quienes inspiraron a Waters a decidirse por el instrumento de seis cuerdas. “Escuchar a Son House deslizar el bottleneck en su dedo sobre las cuerdas era tan bestial como un golpe en la cabeza. Mis ojos se iluminaron como un árbol de Navidad”. Tres años después compró su primera guitarra.
Aprendió con rapidez y pronto se encontraba actuando en celebraciones locales. En 1932, cuando contrajo por primera vez matrimonio con Mabel Berry, es bien conocida la anécdota de que tocó durante la celebración y cómo, de lo salvaje del evento, se hundió el suelo de la cabaña donde se realizaba el festejo. En mayo de 1935 tenía 22 años y tuvo su primer hijo con Leola Spain, una mujer que le seguiría a Chicago y fue la única amiga que conservó durante toda su vida, a pesar de casarse con otras mujeres.
Alan Lomax
Al principio de los años cuarenta se unió a un grupo liderado por el cantante Big Joe Williams y el verano de 1941 el destino le llevó a conocer a Alan Lomax y John Work, dos estudiosos del folklore que provenían de la Biblioteca del Congreso que se encontraban en Clarksdale en busca del legendario guitarrista de blues Robert Johnson. Pero Johnson había muerto asesinado tres años antes y bajo recomendación de Son House no tardaron en descubrir a un aparcero de 26 años bien parecido y con cierto aire oriental que tocaba con un estilo increíblemente parecido al de Robert Johnson y que, a todas luces, se había inspirado directamente en sus discos. En aquella ocasión Muddy grabó 'I be's troubled' y 'Country blues'.
Los temas causaron en los folkloristas la suficiente impresión como para volver dos años después a seguir grabando temas de Muddy. Éste recordaba para Rolling Stone: "Trajeron todos sus aparatos y me grabaron en mi propia casa. Cuando reprodujeron el primer tema que se grabó, ahí estaba yo sonando como en un disco. No te puedes imaginar lo que sentí cuando oí aquella voz y me di cuenta que era la mía. Unos días después recibí dos copias del disco impreso y un cheque por $28 y lo primero que hice fue poner el disco en un juke-box y escucharlo una y otra vez, mientras me decía 'puedo hacerlo, puedo hacerlo..."
Estas primeras experiencias de grabación le confirieron una gran confianza que, unida a su ambición le permitieron destacar en su región, donde por un tiempo regentó un 'juke joint', donde se jugaba, apostaba y en el que actuaba regularmente. En 1942 volvió a casarse pero harto y cansado de trabajar en la plantación por poco dinero, una calurosa tarde de mayo de 1943 se encaminó, solitario, a la estación de tren de Clarksdale y partió rumbo a Chicago cargado solo con un traje y una guitarra Silvertone.
Allí se adaptó rápidamente encontrando con facilidad apartamento y trabajo en una fábrica de papel. Big Bill Broonzy, veterano de la escena musical de Chicago, introdujo a Muddy en los círculos adecuados y poco después Waters ya estaba tocando con el guitarrista Jimmy Rogers en las fiestas privadas de la zona sur de la ciudad. En 1945 su tío le proporcionó su primera guitarra eléctrica, con la que podía hacerse oír por encima de los murmullos y el ruido de la gente. Un año después realizó algunas sesiones de grabación en Columbia para Mayo Williams, que no fueron publicadas en su día. Asimismo acompañó en 1947 al pianista Sunnyland Slim en una grabación para Aristocrat Records (posteriormente Chess Records), un nuevo sello regentado por los hermanos Leonard y Phil Chess.
La leyenda cuenta que Muddy, que en aquellos días trabajaba como camionero repartidor, pidió permiso a su jefe para tomarse el resto del día libre con la falsa excusa de que había recibido la noticia de que su hermano había sido hallado muerto a tiros en una cuneta. Esa tarde se grabaron los temas 'Gypsy woman' y 'Little Anna Mae', que también fueron aparcados. A Leonard Chess no le gustaba ese sonido crudo del delta del Mississippi: "No entiendo una palabra de lo que canta", le comentaba a su socia Evelyn Aron, que sin embargo veía algo en él e insistía en publicar a Waters.
Little Walter
En 1948 aparecieron 'I can't be satisfied' y 'I feel like going home', los cuales llegaron a ser grandes hits locales y afianzaron su fama en el circuito local de clubs. Poco después, Jimmy Rogers, Leroy Foster, Muddy y un jovencito de apenas 18 años llamado Marion Walter Jacobs se labraron la leyenda de los 'Headhunters', iban a otros clubs y retaban a un duelo musical a las bandas que tocaban, a ver quién era más duro y sonaba más fuerte. Es fácil suponer quien se llevaba el gato al agua. Sin lugar a dudas, la banda de Muddy Waters era la mejor banda de blues eléctrico en los años 50. Aprovechando el éxito que estaban teniendo realizaron una gira por el sur, y durante varias semanas estuvieron tocando diariamente en la emisora KFFA.
El inesperado éxito de 'I can't be satisfied' hizo reconsiderar a Leonard Chess su opinión sobre la música de Waters y organizó nuevas sesiones en las que se acompañó del bajista Big Crawford y grabaron una serie de clásicos como 'You're gonna miss me', 'Little Geneva' y 'Rollin' Stone'. En 1950 Aristocrat Records cambió de nombre y como Chess Records, aparecieron más temas que iniciaban la nueva corriente de country blues, como 'Louisiana blues', 'Early Morning Blues', 'Sad letter blues' y'Long distance call'. En éstos temas la armónica ya la tocó Little Walter, a quien Leonard Chess no había dejado hasta entonces participar en las sesiones de Muddy.
La banda de Muddy Waters en 1950. Otis Spann al piano y Jimmy Rogers (dcha) a la guitarra
En 1953 'Hoochie coochie man', compuesta por Willie Dixon, vendió 4.000 copias la primera semana, permaneciendo unas cuantas más en el Top 10 de las listas de R&B, y fue la segunda sesión de Waters en que tocó Otis Spann. Con su inclusión, vio cumplido su sueño de una big band de blues enraizada en los sonidos del Delta. Dos guitarras, piano, armónica y sección rítmica. 'I just want make love to you' también alcanzaría las listas permaneciendo más de 3 meses entre los 10 más vendidos.
Con Willie Dixon y Buddy Guy
1954 vió como las ventas de discos descendían dramáticamente como consecuencia de la crisis económica, la competencia de la televisión a la radio y el nacimiento de un nuevo estilo, el Rock ‘n’ Roll. Aún consiguió cierto éxito con 'Mannish boy' en 1956 y 'She’s nineteen years old' en 1958, pero nunca a los niveles anteriores. Muddy recomendó a Chess que ficharan a Chuck Berry y Bo Diddley porque ya empezó a darse cuenta que las jóvenes generaciones de negros abandonaban el blues.
Muddy Waters y Little Walter en 1959
En 1958 realizó un tour por el Reino Unido junto a Otis Spann. El público esperaba oir algo folk en la línea de Big Bill Broonzy y quedó completamente conmocionado del volumen de club de Chicago que empleó Waters. Esta gira significó una inversión de futuro para el desarrollo y reconocimiento del blues en Europa ya que a raíz de estos conciertos se gestaron bandas como The Animals con Eric Burdon y John Steel, Blues Incorporated de Alexis Corner, Eric Clapton pensó que podía aprender a tocar la guitarra al escuchar 'Honey bee' y además fue el caldo de cultivo para la formación de The Rolling Stones. Su actuación en el Festival de Folk de Newport en 1960 tuvo un fuerte impacto en una nueva generación de jóvenes seguidores blancos, mientras Muddy veía con tristeza cómo su propia gente, los negros daban la espalda al blues.
A mediados de los sesenta, su figura, promocionada por los grupos que forman parte de la 'Invasión Británica', adquiere proporciones míticas. Chess reedita y rescata todas sus grabaciones de los años cincuenta y en 1968 graba, junto a Bo Diddley y Howlin' Wolf, el disco 'The Super Blues Band'.
En 1971 en un intento de acercar la música de Waters al mundo hippie, idea que surgió de Paul Butterfield y el productor Norman Dayron, se publica el doble LP 'Fathers and Sons', en el que, tras un par de experimentos fallidos producidos por el hijo de Leonard Chess, Marshall, en los que se intentó una fusión de jazz blues sicodélico ('Electric Mud' y 'After the Rain'), vuelve a sus raíces blues de siempre.
En 1972 vuelve a Inglaterra para grabar 'The London Muddy Waters Sessions' con Rory Gallagher, Steve Winwood, Rick Grech y Mitch Mitchell, pero la experiencia no resulta satisfactoria. "Estos chicos son músicos extraordinarios que podrían tocar con cualquiera, pero este no es mi sonido. Y si cambias el sonido cambias al hombre entero". En 1976, es una de las grandes estrellas del concierto de despedida de The Band, donde interpreta 'Mannish boy' acompañado por Paul Butterfiled a la armónica. Este había creado años antes una de las primeras bandas de blues integradas por blancos y negros.
James Cotton, Johnny Winter y Waters
En 1977 su carrera pareció despuntar de nuevo cuando Johnny Winter se convirtió en su manager y convenció a su sello Blue Sky para firmar un contrato con Waters. Realizó giras junto a él y Winter le produjo cuatro álbumes que rememoraban su sonido de veinte años atrás: 'Hard Again' (1977), 'I'm Ready' (1978), ambos ganadores de un Grammy, el directo 'Muddy Mississippi Waters' (1979) y 'King Bee' (1981), su última publicación.
Cuando Waters murió repentinamente de un ataque al corazón el 30 de abril de 1983, una era del blues se cerró para siempre. B.B.King dijo después de conocer la noticia: “Pasarán muchos años antes de que la mayoría de la gente se dé cuenta de lo mucho que contribuyó Muddy a la música americana.”
"Le pedí al pianista que tocara 'Trav'lin all alone', lo más cercano a mi estado de ánimo entonces. Y en algún momento debió de calar hondo. Se acallaron todas las voces del bar. Si a alguien se le hubiera caído un alfiler, habría sonado como una bomba. Cuando finalicé, todos aullaban y levantaban sus vasos de cerveza. Recogí treinta y ocho dólares del suelo. Al terminar la noche, antes de irme, dividí el botín con el pianista y me llevé cincuenta y siete pavos a casa, con los que logramos pagar el alquiler de la casa de la que nos iban a echar al día siguiente".
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