Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 16 de abril de 1971 apareció en el Reino Unido, 'Brown sugar', el decimoquinto single británico de la banda Rolling Stones, publicado como adelanto de su álbum 'Sticky Fingers' en su nueva, flamante y propia compañía de discos Rolling Stones Records y grabado en los estudios Muscle Shoals de Alabama. En Estados Unidos se publicó al día siguiente, 17 de abril y alcanzó el nº1 del Hot100 permaneciendo dos semanas. En Inglaterra se quedó en el puesto 2º.
Bill Wyman recuerda como surgió: "Mick compuso la canción mientras rodaba 'Ned Kelly' en Australia. Fue más cosa suya como puede suponerse, que de Keith. Inspirado en la música de Freddy Cannon, Mick llamó originalmente a su canción 'Black Pussy' (coñito negro), antes de decidir darle un título más sensato. La letra estaba parcialmente inspirada en una vocalista negra que conocimos en Los Angeles llamada Claudia Linnear." Otras versiones apuntan a Marsha Hunt como destinataria, madre del primero de los hijos de Jagger y, efectivamente la letra, calificada de sexista y llena de ambiguas referencias a temas tabú en la época como sadomasoquismo, sexo interracial y oral, procedía de Jagger y llamó bastante la atención en sus días dando lugar a todo tipo de interpretaciones.
Por otro lado, en el lenguaje de la calle, 'brown sugar' era el nombre que en algunos ambientes recibía la heroína. Además Jagger, deliberadamante, pronunció mal algunas palabras, siguiendo el consejo que le dio una vez Fats Domino. Mick declaró en una entrevista de 1995 que fue precisamente ese detalle, además de la ambigüedad de los términos y el magnífico riff de entrada de Richards, lo que ayudó al gran éxito del disco. También confesó en la misma entrevista que entonces, 24 años después, ya no sería capaz de escribir algo tan irreverente...
'Brown sugar', que llevaba grabado desde diciembre de 1969, tardó más de un año en publicarse debido a conflictos contractuales con el anterior sello de la banda, y su estreno en directo no se realizó hasta el 6 de diciembre de 1970 en el Festival de Altamont. Unos días después, el mismo día de la celebración de la fiesta de cumpleaños de Keith Richards, se grabó una versión alternativa en los Olympic Studios de Londres. En la sesión participaron Eric Clapton a la guitarra y Al Kooper al piano y la grabación que surgió, incluida posteriormente en numerosos discos piratas de los Stones, estuvo a punto de ser la elegida para aparecer en el álbum por su frescura y su atmósfera espontánea.
El 11 de enero de 1971 se publicó en Estados Unidos 'Pearl', el segundo álbum de estudio como artista en solitario de la cantante blues rock tejana Janis Joplin. Publicado tres meses después de su muerte por sobredosis de heroína, alcanzó el nº1 y se mantuvo nueve semanas en el puesto.
Según el productor del álbum Paul Rothchild, Janis estaba en plena forma durante las sesiones de grabación de 'Pearl': "Se encontraba llena de salud y feliz, y parecía haber aparcado el tema de las drogas. Supimos que días antes habia estado tomando pequeñas dosis pero de ningún modo tenía ganas de morir". Efectivamente, Janis disponía de todo lo necesario para seguir disfrutando con su vida y su carrera. Aunque su disco anterior, 'I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!' (1969) en el que estaba acompañada por la ya disuelta Kozmic Blues Band, alcanzó el Top5 de las listas, no logró igualar el éxito comercial de su álbum de 1968 con Big Brother & the Holding Company 'Cheap Thrills'.
Sin embargo, Janis estaba dispuesta a nuevas experiencias y para su siguiente trabajo eligió a músicos desconocidos de los circuitos habituales. "Los eligió personamente. No quería a tipos resabiados o demasiado colocados en su banda", recordaba Rothchild. La nueva banda que consistía en John Till a la guitarra eléctrica, Richard Bell al paino, Ken Pearson al órgano, Brad Campbell al bajo y Clark Pierson a la batería, recibiría el nombre de Full Tilt Boogie Band.
La consola principal de Sunset Sound
Paul era un auténtico fan de la acústica de los estudios Sunset Sound de Los Angeles, por lo que persuadió al presidente de Columbia Records Clive Davis de que por primera vez en la historia del sello se grabara a uno de sus artistas en un estudio independiente. Cuando comenzaron las sesiones en septiembre de 1970 la atmósfera de trabajo era la ideal. Los diez temas que aparecen en el álbum fueron personalmente elegidas y aprobadas por Joplin.
En 'Me and Bobby McGee', escrita por Kris Kristofferson y Fred Foster, Janis toca la guitarra acústica. Rothchild la animó para que cantara como solía hacerlo en el coro de la iglesia y el tema comienza como una dulce balada para acabar generando un climax del que sólo ella y Jim Morrison eran capaces entonces.Bobby Womack compuso 'Trust me' especialmente para ella y participó tocando la guitarra. 'Get it while you can' de Howard Tate mostraba sus habilidades vocales y 'Move over' fue compuesta por la misma Janis.
El 1 de octubre grabó la primera toma de la canción 'Mercedes Benz', su última grabación. Janis, buscando nuevo material para grabar le había estado dando vueltas a la frase "Oh Lord, won't you buy me a a Mercedes Benz?" y una noche, mientras los músicos descansaban tomando unas copas en el bar No Name de Sausalito, terminó la canción junto a Bobby Neuwirth, un cantautor que días antes le había presentado a Kris Kristofferson.
Joplin cantó en todas las piezas del álbum, excepto en 'Buried alive in the blues', un tema de Nick Gravenites, ex miembro de Big Brother & the Holding Company, que pasó unos días con Janis en el estudio. Se grabó la toma instrumental y Joplin la aprobó dando por terminado un provechoso día de trabajo. Para celebrarlo Janis salió de copas con sus compañeros y se emborrachó. Al día siguiente, cuando la esperaban en el estudio para retocar unas tomas y registrar la voz de 'Buried alive in the blues', el mánager de Janis, Albert Grossman, envió a su road manager John Cooke a buscarla al hotel. Cuando este llegó vio que su Porsche decorado con dibujos psicódelicos seguía en el parking. Minutos después la halló muerta en su habitación del hotel.
Según el estudio forense, la cantante de 27 años murió a la 1:40 por sobredosis de heroína, combinada con alcohol. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no hubo nadie a su lado para ayudarla y su cuerpo fue descubierto unas 18 horas después. Unas semanas más tarde aparecía el álbum y el single que se extrajo, 'Me and Bobby McGee' se convirtió en el primer y único nº1 de su carrera.
Janis Joplin – voz, guitarra acústica en 'Me and Bobby McGee'
Richard Bell – piano
Ken Pearson – órgano
John Till – guitarra eléctrica
Brad Campbell – bajo
Clark Pierson – batería
Personal adicional:
Bobby Womack – guitarra acústica en 'Trust Me'
Bobbye Hall – conga, percusión
Phil Badella, John Cooke, Vince Mitchell – voces
Sandra Crouch – pandereta
Paul A. Rothchild - productor
Robert Honablue y Phil Macy - ingenieros de grabación
Barry Feinstein & Tom Wilkes - fotografía y diseño para Camougflage Productions.
En una edición posterior de 1999 se añadieron cuatro temas
extra procedentes de una actuación en directo grabada el 4 de julio de
1970. Una nueva reedición de 2012, 'The Pearl Sessions', incluía tomas alternativas y conversaciones entre Rothchild y Joplin que ilustraban el proceso creativo en el estudio,como este maravilloso Bobby McGee sin los arreglos finales: sólo Janis y su guitarra.
El 17 de diciembre de 1971 se publicó en Londres el cuarto álbum de David Bowie, 'Hunky Dory', el primero de los que editó bajo el sello RCA. Cuando todo el mundo pensaba que 'Space Oddity' había sido un éxito aislado, David Bowie apareció en la portada de 'Hunky Dory' como una diva decadente del cine (la foto y la postura están inspiradas en una de Marlene Dietrich) desplegando en su interior una serie de magníficas canciones que marcarían su carrera futura.
David y Mick Ronson en 1971
Como acompañamiento ya contaba con todos los miembros de lo que serían en el álbum siguiente los Spiders from Mars de 'Ziggy Stardust'. Con la marcha de Tony Visconti, hasta entonces, bajista, productor y mano derecha de Bowie, Trevor Bolder se haría cargo del bajo y Ken Scott de la producción. Mick Ronson a la guitarra y Mick Woodmansey a la batería completaban la formación. La contraportada del álbum llevaba la acreditación "Producido por Ken Scott (asistido por el actor)". El 'actor' era el mismo Bowie, cuyo "concepto de sí mismo", en palabras de los críticos de NME,Roy Carr y Charles Shaar Murray, era "pensar sobre sí mismo que era un actor".
Andy Warhol en 1971
Mientras se editaba su álbum anterior, 'The man who sold the world', Bowie viajó en 1971 a EE.UU para promocionar su obra. Aunque no actúa, toma contacto directo con el mundo de Warhol. Los rascacielos, el 'underground' neoyorquino, las drogas, la violencia y los seres acorralados contra el muro -imágenes habituales en las canciones de Lou Reed-, confirman las dimensiones de un abismo por el que el cantante se siente atrapado. La ambigüedad y decadencia que encuentra, fascinan e inspiran a David, cuya personalidad artística se encontraba en un incontenible crecimiento. Ese mismo año, a finales de mayo, nace su hijo Zowie, fruto de su matrimonio con la modelo americana Mary Angela Barnett y Peter Noone (ex-Herman' Hermits) alcanza el nº 12 de las listas británicas con una de las canciones de Bowie, 'Oh you pretty thing', aún no grabada por el autor.
Tony de Fries y Bowie en 1971
Cuando David vuelve de EE.UU, rompe con su manager, Kent Pitt, que le estaba llevando a un desastre financiero y, aconsejado por Visconti y Marc Bolan, contrata a un abogado judío, Tony de Fries, un personaje curtido en las lides del management del mundillo pop. Bajo su tutela y con las experiencias recogidas en USA, ambos gestan la nueva faceta de Bowie. El cantante afirmaba entonces: "Voy a volverme más teatral, más desaforado, mucho más de lo que han sido Iggy Pop y los Stooges".
Su imagen se vuelve cada vez más afectada, provocativa y exhibicionista, incluso en el contexto sexualmente ambigüo de la nueva tendencia 'glam', capitaneada por su colega Marc Bolan. Sus largos cabellos hasta los hombros y su rostro alucinado de heroína de Ingmar Bergman recibirán otros aportes culturales. De Bolan, las lentejuelas y el maquillaje; de Mick Jagger, la boca entreabierta y la provocación, a veces obscena, y de Lou Reed, la sordidez andrógina, que Bowie transmuta en espacial.
F. Burrett (diseñador) y David Bowie
Además de todo esto, Bowie (en una jugada publicitaria que según palabras del cantante años después, "Funcionó muy bien en Europa, pero me cerró puertas en EE.UU"), comenzó a manifestar públicamente su bisexualidad, hecho que se tradujo en que los homosexuales, que a principos de los setenta empezaban a liberarse de su complejo de culpabilidad, le tomaran como paladín, convirtiéndose Bowie en el símbolo viviente de una nueva moral sexual. Adquirió una nueva importancia, más sociológica que musical, como había ocurrido con los Beatles diez años antes.
Mientras DeFries logra firmar un contrato con RCA, Bowie recorre Holanda, Bélgica y Francia con su grupo. A su vuelta se encierran a grabar su primer álbum con el nuevo sello, 'Hunky Dory'.
El disco se abre con 'Changes' , la visión de Bowie de cómo cambian las cosas más de una década después de que lo dijera Dylan, y de su propia reinvención artística. ("Strange fascination, fascinating me / Changes are taking the pace I'm going through")
"Still don't know what I was waiting for And my time was running wild A million dead-end streets and Every time I thought I'd got it made It seemed the taste was not so sweet So I turned myself to face me But I've never caught a glimpse Of how the others must see the faker I'm much too fast to take that test"
-xxx-
"Aún no sé lo que estaba esperando
Y mis días corrían salvajes
Un millón de calles sin salida y
Cada vez que pensaba haberlo conseguido
El sabor parecía no ser tan dulce.
Así que me enfrenté a mí mismo
Pero no conseguí ver un atisbo
De cómo los demás ven al farsante
Voy demasiado deprisa para pasar esa prueba"
La voz se quiebra perforada por los cortantes golpeteos del teclado de Wakeman -invitado por Bowie- y el juego de voces a intervalos cada vez más cortos. Es como si David no quisiera dejar paso a ese cambio que profetiza su letra. El solo de saxo -ejecutado por Bowie- le da el entorno ciudadano por el que asoma el aroma enrarecido de jazz de aquellos viejos sótanos de su Londres juvenil.
Con una introducción de piano de Wakeman que recuerda mucho a la de 'Martha my dear' de los Beatles, Bowie canta su propia versión de 'Oh you pretty things', que Peter Noone ya había publicado (con Bowie al piano) unas semanas antes. Tiene
una melodía pop que esconde una letra basada en pensamientos de
Nietzsche cuando anticipa la llegada del 'homo superior', un precursor
de 'Starman' (que aparecerá en su siguiente álbum). En 'Hunky Dory', David canta la letra original con la frase "The earth is a bitch", que Noone, en un exceso de autocensura, había cambiado por "The earth is a beast".'Eight line poem', fluye seguidamente sin que medie silencio separador. Como sugiere el título, David canta sólo ocho líneas.
Con una de las letras más extrañas nunca escritas antes, y con un imponente estribillo, 'Life on Mars?', el tema estrella del álbum, suena como un cruce entre un musical de Broadway y un cuadro de Dalí. De hecho, la BBC calificó su letra como "una sucesión de visiones surrealistas como si se tratara de un cuadro de Salvador Dalí". La canción guarda un parecido muy grande con el 'My way' de Sinatra (los acordes son idénticos), por buenos motivos. En 1968, Bowie escribió en inglés la letra de una canción francesa titulada 'Comme, d'habitude', llamando a su versión 'Even a fool learns to love'. Nunca fue publicada, pero un tiempo después, el cantautor canadiense Paul Anka escuchó la versión original, compró sus derechos, y la reescribió titulándola 'My way'.
Single publicado en 1973
David Bowie compuso 'Life on Mars?' como una parodia de Frank Sinatra, molesto por la pérdida de dinero que le había supuesto aquello, aunque en la letra pequeña del disco decía que estaba "inspirada en Frankie". De todos modos, no podría haber sido más diferente de 'My way'. Un montón de imágenes surrealistas (¿Mickey Mouse convertido en vaca?) combinadas con la calidad operística de Bowie, los arreglos para guitarra de Mick Ronson, y el piano de Rick Wakeman, para asegurar uno de los temas más particulares de la historia de la música. Publicado como single, alcanzó el nº 3 en las listas británicas, aunque esto sería casi dos años después, cuando 'Ziggy Stardust' ya había catapultado la fama del cantante. Un periodista sugirió que la canción fue escrita tras su corta y -al parecer- tormentosa relación con la actriz Hermione Farthingale. Años más tarde, en 1990, en uno de los conciertos de Bowie, introdujo así la canción: "Cuando te enamoras, escribes una canción de amor. Ésta es una canción de amor"
"It's on America's tortured brow That Mickey Mouse has grown up a cow Now the workers have struck for fame 'Cause Lennon's on sale again See the mice in their million hordes From Ibiza to the Norfolk Broads Rule Britannia is out of bounds To my mother, my dog, and clowns But the film is a saddening bore 'Cause I wrote it ten times or more It's about to be writ again As I ask you to focus on... ...Sailors fighting in the dance hall Oh man! Look at those cavemen go It's the freakiest show Take a look at the Lawman Beating up the wrong guy Oh man! Wonder if he'll ever know He's in the best selling show Is there life on Mars?"
"En la frente marcada de América,
el ratón Mickey se ha convertido en una vaca.
Los obreros en huelga por la fama,
porque Lennon está a la venta de nuevo.
Observa esas hordas de millones de ratones
Desde Ibiza hasta Nortfolk Broads.
Los gritos patrióticos les están prohibidos
a mi madre, mi perro y los payasos.
Pero la película es tristemente aburrida,
porque la reescribí diez veces o más.
Está a punto de escribirse otra vez,
mientras os pido que os concentréis en…
… los marineros peleando en la pista de baile
¡Oh, tío! Mira como se lo montan esos cavernícolas…
Es el show más estrafalario.
Mira al policía,
pegándole al tipo equivocado.
¡Oh tío! ¿Sabrá algún día que
está en el show que mejor vende?
¿Hay vida en Marte?"
Bowie, Angie y Zowie en 1971
Su lado más humano lo muestra en 'Kooks', canción dedicada a su hijo Zowie, claramente inspirada en Neil Young (cuya música estaba precisamente escuchando David cuando recibió la noticia del nacimiento). Zowie, ahora llamado Duncan Jones, es actualmente, un respetado cineasta británico conocido por los films de ciencia ficción 'Moon' (2009) y 'Source Code' (2011)
El final de la primera cara del LP es 'Quicksand', cuya letra está influida por el budismo y el ocultismo y abunda en las ideas del 'superhombre' de Nietzsche, con menciones a Aleister Crowley, así como a Himmler, Churchill y Juan Pujol, agente doble de la 2ª guerra mundial cuyo seudónimo era Garbo.
El productor e ingeniero, Ken Scott
El tema se grabó con múltiples pistas superpuestas de guitarras acústicas, intentando evocar el poderoso efecto conseguido por el productor Ken Scott en uno de sus trabajos anteriores, 'All things must pass' de George Harrison, en el que había participado como ingeniero de grabación. El lirismo domina la canción, pese a que Bowie se muestra como un romántico empedernido que se resiste a serlo. Una orquestación grandiosa de Mick Ronson y la voz de David aportan un cierto espíritu beatle a esta crónica sensible sobre la pérdida de poder.
"I'm not a prophet or a stone age man Just a mortal with the potential of a superman I'm living on I'm tethered to the logic of Homo Sapien Can't take my eyes from the great salvation Of bullshit faith If I don't explain what you ought to know You can tell me all about it On the next Bardo I'm sinking in the quicksand of my thought And I ain't got the power anymore"
-xxx-
"No soy ni un profeta ni un hombre de la edad de piedra
Sólo un mortal con el potencial de un superhombre
Voy viviendo
Atado a la lógica del Homo Sapiens
No puedo apartar mi vista de la gran salvación
De esta sandez de fe
Si no explico lo que ya deberías saber
Puedes contármelo todo
En el siguiente Bardo (*)
Me estoy hundiendo en las arenas movedizas de mi pensamiento
Y ya no poseo el poder"
(*) Bardo es una palabra tibetana usada en la fe budista que significa literalmente "estado intermedio" refiriéndose al período entre una vida y la siguiente.
'Fill your heart', versión de un tema compuesto por Biff Rose y Paul Williams en 1966, sustituyó a última hora el tema 'Bombers', grabado inicialmente para el álbum y que fue rescatado en la reedición de 1990.
En los tres temas siguientes, Bowie rinde tributo a sus influencias norteamericanas. En primer lugar, 'Andy Warhol', que comienza con una conversación en el estudio de grabación, en la que Bowie intenta corregir a Ken Scott su incorrecta pronunciación de 'Andy Warhol' en la introducción. Cuando Scott solemnemente repite -esta vez con toda corrección- la intro, Bowie comienza a tocar entre risas. Destaca su riff 'flamenco' con la guitarra acústica, que se mantiene a lo largo del tema. Es la sección rítmica la que domina, mientras que la voz de David y los coros ya no juegan al diálogo, sumándose al corte seco, incansable, que mantiene la percusión. El coro repite, una y otra vez:
"Andy Warhol looks a scream Hang him on my wall Andy Warhol, Silver Screen Can't tell them apart at all"
-xxx-
"Andy Warhol ¡es lo más! (*)
Lo tengo colgado en mi pared
Andy Warhol Pantalla Plateada
No los puedo diferenciar en absoluto"
(*) "looks a scream", significa literalmente 'parece un grito', pero era una expresión coloquial muy habitual entre los gays de Nueva York que venía a significar algo así como '¡qué pasada!' o '¡es total!'.
Cuando Bowie le mostró el tema a Andy Warhol, éste estaba horrorizado, ya que pensó que la letra se mofaba de su apariencia física. Cuando acabó la canción, Warhol y Bowie se miraron un instante a los ojos, hasta que Andy dijo: "Me encantan tus zapatos". A continuación ambos se enzarzaron en una conversación de 45 minutos sobre zapatos.
Bob y David, años después
En 'Song for Bob Dylan', David, intentando imitar a Dylan con su voz, lleva el peso del tema y compara la voz del norteamericano con la arena y el pegamento, una manera similar a como lo describió la autora Joyce Carol Oates en su primer encuentro con Bob: "Cuando escuchamos por primera vez aquella cruda, joven y aparentemente poco entrenada voz, francamente nasal, como si un papel de lija fuera capaz de cantar, el efecto fue dramático y electrizante"
"Oh, hear this Robert Zimmerman I wrote a song for you About a strange young man called Dylan With a voice like sand and glue Some words of truthful vengeance They could pin us to the floor Brought a few more people on And put the fear in a whole lot more"
-xxx-
"Escucha esto Robert Zimmerman
Te escribí una canción
Sobre un extraño joven llamado Dylan
Con una voz como de arena y pegamento
Con ciertas palabras de sincera venganza
Que nos clavaban al suelo
Inició a unos cuantos
Y metió el miedo en el cuerpo a bastantes más"
Y en tercer lugar, en'Queen Bitch', Bowie rinde homenaje a Lou Reed y su Velvet Underground. Los arreglos de la canción, un marcado ritmo de batería, línea melódica de bajo, poderosos acordes de guitarras distorsionadas y el riff de guitarra de Mick Ronson (similar al de 'Sweet Jane', pero más inspirado en el 'Three steps to heaven' de Eddie Cochran), además de una interpretación vocal infravalorada de Bowie en la que mimetiza el estilo de Reed con admiración y quizás una ironía desmitificadora, marcarían una de las pautas del glam-rock que desplegaría el cantante en el trabajo siguiente, 'The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars' (1972).
Finalmente, el tema que cierra el álbum, 'The Bewley Brothers', ha sido descrito como "el tema más denso e impenetrable de Bowie". Éste, supuestamente le comentó a Ken Scott que era una canción para el mercado americano, porque "a los americanos siempre les gusta leer entre líneas, aunque la letra carezca de todo sentido". Otros han visto en ella referencias a un hermanastro de Bowie, víctima de la esquizofrenia.
La crítica musical inglesa puso el disco por las nubes; querían ver en Bowie a un cantante pop superintelectual, una especie de filósofo-cantante. Por otro lado el tándem Bowie-De Fries no hizo más que explotar los descubrimientos del glam-rock inventado por Marc Bolan y darle un matiz de bisexualidad que este, en principio, no tenía, abriendo paso a una serie de conjuntos menores -The Sweet, Gary Glitter, etc.- que se aprovecharon de toda aquella guardarropía y parafernalia.
David Bowie – voces, guitarra, saxo alto y tenor, piano
El 26 de noviembre de 1971 se publicó en el Reino Unido 'Fragile', el cuarto álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo Yes que, en el curso de unas pocas semanas, sufrió la transformación de ser un grupo de culto a un fenómeno internacional. Fue el primer trabajo en el que participó el tecladista Rick Wakeman, reemplazando a Tony Kaye y asimismo fue el primer álbum del grupo que contaba con un diseño de Roger Dean como portada. Alcanzó el puesto nº 7 en las listas inglesas y meses más tarde, cuando se publicó en EEUU, fue Top5 en las listas Billboard, permaneciendo en ellas 46 semanas.
El excesivo apego que tenía Tony Kaye por su Hammond y su negativa a incorporar sintetizadores a su música, además de sus constantes discusiones con Steve Howe, provocaron su salida del grupo cuando ya estaban iniciadas las sesiones de grabación de 'Fragile'. Para entonces, Rick Wakeman ya había abandonado The Strawbs y con su virtuosismo instrumental y su impacto escénico se mostró como un excelente sustituto. Los textos de contenido fantástico y de ciencia ficción que aparecían en trabajos anteriores se hicieron más evidentes en 'Fragile', más aún con la portada de Roger Dean, que mostraba un mundo fracturado logrando una simbiosis de imagen y música no igualada desde la era de la psicodelia.
'Fragile' se grabó el mes de septiembre de 1971 en los Advision Studios de Londres. El tema más conocido del álbum, 'Roundabout', fue publicado en single con una versión editada de 3:27 minutos, que alcanzó el puesto 13 del Hot 100 americano. Aunque Wakeman también contribuyó a las composiciones de 'South of the sky' y 'Heart of the sunrise', añadiendo interludios de piano a ambas piezas, motivos contractuales no permitieron que apareciera como autor. A cambio, en Atlantic le prometieron más dinero, que el músico jamás recibió.Otro tema que surgió colectivamente de las sesiones de ensayo celebradas sobre un burdel londinense de Shepard's Market fue 'Long distance runaround'.
Los cinco temas restantes muestran las habilidades instrumentales de cada uno de los miembros de la banda y fueron añadidas a toda prisa para acabar el álbum. Había que rentabilizar cuanto antes el coste de los teclados que adquirió Wakeman para ampliar el arsenal sonoro de la banda. 'Cans and Brahms' es un arreglo de Wakeman del tercer movimiento de la Cuarta Sinfonía en Mi menor de Johannes Brahms, en el que el músico usa sintetizadores, inspirándose en el éxito obtenido un par de años antes por Wendy Carlos, pionera de la aplicacion de teclados electrónicos para arreglos de música clásica, con 'Switched on Bach'.
En 'We have heaven', Jon Anderson ejecuta todas las partes vocales, una técnica que repetiría el cantante en su álbum en solitario 'Olias of Sunhillow'.'Five per cent for nothing' es una complicada estructura rítmica de Bruford y en 'The fish' el protagonista es el bajo de Chris Squire. En 'Mood for a day', Howe incorporó influencias de guitarra clásica flamenca que repetiría en su colaboración con Queen en 'Innuendo'.
Sin embargo, lo que parecían temas de relleno, terminaron siendo piezas importantes que marcarían el camino de futuras aventuras sonoras de la banda. Aunque no coincidió con el mejor momento del grupo, 'Fragile' fue un álbum redondo, completo e intemporal.
El año 2003 se publicó una versión extendida que incluía dos temas: una magnífica versión de la canción de Paul Simon'America' y una mezcla alternativa no publicada de 'Roundabout'.
Jon Anderson – voz solista
Bill Bruford – batería, percusión
Steve Howe – guitarras eléctricas y acústicas, voces
Chris Squire – bajos, voces
Rick Wakeman – órgano Hammond, piano, piano eléctrico, clavicordio, melotrón, sintetizador Moog.
El 24 de septiembre de 1971 se publicó en el Reino Unido, 'Electric Warrior', el sexto álbum del grupo T.Rex, que hoy sigue estando considerado como el "disco que definió el glam-rock" y una de las obras que más inspiraron a David Bowie.
Aunque para muchos seguidores de culto de Bolan y su grupo supuso un retroceso respecto a sus entregas anteriores, fue el disco que lo convirtió en estrella internacional del rock. En las listas británicas alcanzo el nº1 permaneciendo allí ocho semanas y fue el LP más vendido en 1971. En Estados Unidos llegó al nº32. En su trabajo de 1970, ya se habían producido cambios (el nombre pasó de Tyrannosaurius Rex a T.Rex) y en este, ampliaron la formación a cuarteto, adoptando el esquema habitual de voz, guitarra, bajo y batería.
La portada del disco (diseño de Hipgnosis) anunciaba el amenazador sonido rock de la banda: Bolan con su guitarra y tras él una torre de amplificadores. Sin embargo, en vez de ametrallar al oyente con una avalancha de rock duro, el álbum se abre con un arranque bastante cálido y un ritmo nada alocado en 'Mambo Sun'. Además le seguía el tema con guitarra acústica 'Cosmic Dancer'.
El álbum, producido por Tony Visconti, contenía dos de las canciones más populares del grupo en Estados Unidos, 'Jeepster' y 'Get it On', su único Top10 en Billboard y un hit en Reino Unido y Europa. El nombre tuvo que cambiarse en América por 'Bang a Gong (Get it on)' para no confundirla con otro tema llamado igual, publicado por Chase ese mismo año. Bolan confesó más tarde que la compuso pensando en 'Little Queenie' de Chuck Berry. De hecho el riff de guitarra sobre el que sostiene la canción es el mismo.
En la sesión de grabación participó el pianista Rick Wakeman, que por aquella época aceptaba cualquier trabajo con el fin de poder pagar el alquler de su casa. Bolan le ofreció participar y Wakeman, cuando escuchó el tema, le comentó a Visconti que a aquello no le hacía falta ningún piano. Visconti sugirió que hiciera un glissando, a lo que Rick contestó que eso lo podía hacer él mismo. Bolan intervino y dijo: "Rick, ¿quieres pagar tu alquiler, o no?". Wakeman realizó un par de glissandos y cobró 9 libras por ello.
También 'Jeepster' estuvo inspirada en un tema anterior de R&B, en este caso, el tema 'You'll be mine' de Howlin' Wolf.
El 9 de septiembre se 1971 se publicó en Estados Unidos (en el Reino Unido salió a la venta el 8 de octubre), 'Imagine', el segundo álbum en solitario de John Lennon y su trabajo más popular. Alcanzó el nº1 en las listas de álbumes de numerosos países, siendo el tercer Beatle, tras McCartney y Harrison, en lograrlo.
Tras la ruptura de los Beatles, John Lennon dio en principio más que hablar por sus diversas 'actividades' que por su obra musical post-cuarteto. Sus álbumes experimentales grabados en 1969 con Yoko Ono, 'Unfinished Music No 1: Two Virgins' con su controvertida portada de la pareja desnuda y los posteriores trabajos 'Unfinished Music No 2: Life with the Lions' y 'The Wedding Album', no dejaron de ser lo que eran: extravagantes experimentos que no tuvieron la menor repercusión comercial. Sin embargo, John y Yoko ocupaban las portadas de los medios gracias a su encierro de 8 días en un hotel canadiense solicitando la paz mundial.
John Lennon en Toronto (1969)
Por fin, con el single 'Give peace a chance' y su concierto en Toronto, se volvió a poner las pilas creativas y publicó su verdadero primer álbum en solitario en 1970: 'John Lennon / Plastic Ono Band', muy bien recibido por crítica y público.
Para su continuación, Lennon optó por dar un tratamiento más comercial a los arreglos. Yoko recuerda: "El primer álbum fue básicamente una guitarra un bajo y una batería, con algún detalle de piano. Con 'Imagine', John decidió añadir arreglos de cuerda con el fin de que sonara más pop". Lennon calificaria en 1972 el álbum "de clase obrera con azúcar añadido para el gusto de los conservadores".
Aunque las pistas básicas se grabaron en su estudio casero situado en su mansión de Tittenhurst Park, muchos de los instrumentos fueron regrabados en los estudios Record Plant de Nueva York, donde se añadieron las cuerdas y el saxo de King Curtis. Phil Spector repitió como co-productor y Lennon contó con la ayuda de su viejo colega de la etapa de Hamburgo Klaus Voorman al bajo, Nicky Hopkins al piano, Jim Keltner a la batería y George Harrison a la guitarra solista, que hizo un hueco en su agenda antes de organizar los conciertos de Bangla-Desh.
El tema que dio título al álbum está considerada hoy día una de las canciones más universales de la historia. Rolling Stone la coloca como tercera en su lista de 'las mejores 500 canciones de todos los tiempos'. En su día, aunque fue Top5 en Estados Unidos y nº1 en Canada y Australia, no recibió la veneración que recibe en el presente. Fue tras la muerte de Lennon cuando se convirtió en un himno universal de la paz. Yoko manifestaba años más tarde: "John se sentía verdaderamente eufórico con esa canción en concreto. Sentía que era importante que la gente conociera su mensaje y la escribió con una estructura musical fácil, casi infantil, para que llegara a todo el mundo."
Lennon escribió la letra en el dorso de una factura de hotel durante un viaje en avión. Cuando llegó a casa, compuso la música. En una entrevista con David Sheff para Playboy, comentó: "El concepto es una plegaria que desprende un mensaje positivo. Si eres capaz de imaginar un mundo en paz, sin fronteras, sin denominaciones de religiones (y no me refiero a 'sin religión' sino una que no lleve esa rancia coletilla de 'mi-dios-es-más-grande-que-el-tuyo'), entonces sería posible.
Un tipo de una iglesia de Estados Unidos me llamó una vez y me dijo '¿Podemos usar la letra de tu canción, cambiando una de las frases a 'imagina una sola religión?'. Eso me demostró que no lo habían entendido en absoluto." En otra entrevista, Lennon explicaba el gancho comercial de la canción: "Es un tema anti-religioso, anti-nacionalista, anti-convencionalismos y anti-capitalista... pero como está amilbarado y envuelto en celofán, se acepta. Ahora sé lo que hay que hacer: Echarle un poco de miel a tus mensajes políticos".
Otra de las canciones más conocidas del álbum fue 'Jealous guy', originalmente compuesta con el título de 'Child of nature' en la India en 1968 y a la que John cambió la letra. Dos de los temas del álbum, 'How?' y 'Oh my love' fueron inspiradas por sus experiencias con la terapia primal que siguió en Nueva York. Mientras la primera enumera las preguntas que se hacía mientras estuvo bajo terapia, la segunda fue escrita para comunicar la alegría y la madurez que el músico experimentó tras el tratamiento.
Pero además de estos temas con mensajes positivos, Lennon incluyó canciones con mordaces y cáusticos mensajes como 'Give me some truth', uno de los temas que le traerían problemas con la administración Nixon, 'Crippled inside' y 'How do you sleep', su 'recado' lleno de ira dirigido a su ex-socio Paul.
Las canciones para 'Imagine' fueron escritas en un periodo en el que las relaciones entre John y Paul se habían deteriorado hasta un extremo límite. La ruptura de la banda y el triunfo de Paul en los tribunales para disolver su sociedad provocaron en Lennon un resentimiento que no tuvo el menor interés en ocultar, escribiendo frases como: "Aquellos pirados tenían razón cuando decían que habías muerto", "Lo único decente que hiciste fue 'yesterday', y ahora sólo eres 'Another day'" o "Una cara bonita puede durar un año o dos, pero pronto verán lo que eres capaz de hacer".
Para colmo, en las primeras ediciones del álbum, se incluía una fotografía tamaño postal en la que se veía a John agarrando las orejas a un cerdo en clara alusión al álbum 'Ram' de McCartney, en cuya portada aparecía Paul sujetando un carnero por los cuernos. Yoko Ono le quitaba hierro a todo el asunto: "Estaba todo hecho en clave de humor, pero la gente se lo tomó muy en serio. Tanto John como Paul apreciaban el humor negro y cuando estaban juntos no paraban de lanzarse puyas, pero ambos sabían que no llevaban mala intención."
Según el productor del álbum Paul Rothchild, Janis estaba en plena forma durante las sesiones de grabación de 'Pearl': "Se encontraba llena de salud y feliz, y parecía haber aparcado el tema de las drogas. Supimos que días antes habia estado tomando pequeñas dosis pero de ningún modo tenía ganas de morir". Efectivamente, Janis disponía de todo lo necesario para seguir disfrutando con su vida y su carrera. Aunque su disco anterior, 'I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!' (1969) en el que estaba acompañada por la ya disuelta Kozmic Blues Band, alcanzó el Top5 de las listas, no logró igualar el éxito comercial de su álbum de 1968 con Big Brother & the Holding Company 'Cheap Thrills'.
En 'Me and Bobby McGee', escrita por Kris Kristofferson y Fred Foster, Janis toca la guitarra acústica. Rothchild la animó para que cantara como solía hacerlo en el coro de la iglesia y el tema comienza como una dulce balada para acabar generando un climax del que sólo ella y Jim Morrison eran capaces entonces. Bobby Womack compuso 'Trust me' especialmente para ella y participó tocando la guitarra. 'Get it while you can' de Howard Tate mostraba sus habilidades vocales y 'Move over' fue compuesta por la misma Janis.
Según el estudio forense, la cantante de 27 años murió a la 1:40 por sobredosis de heroína, combinada con alcohol. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no hubo nadie a su lado para ayudarla y su cuerpo fue descubierto unas 18 horas después. Unas semanas más tarde aparecía el álbum y el single que se extrajo, 'Me and Bobby McGee' se convirtió en el primer y único nº1 de su carrera.
Su imagen se vuelve cada vez más afectada, provocativa y exhibicionista, incluso en el contexto sexualmente ambigüo de la nueva tendencia 'glam', capitaneada por su colega Marc Bolan. Sus largos cabellos hasta los hombros y su rostro alucinado de heroína de Ingmar Bergman recibirán otros aportes culturales. De Bolan, las lentejuelas y el maquillaje; de Mick Jagger, la boca entreabierta y la provocación, a veces obscena, y de Lou Reed, la sordidez andrógina, que Bowie transmuta en espacial.
Con una introducción de piano de Wakeman que recuerda mucho a la de 'Martha my dear' de los Beatles, Bowie canta su propia versión de 'Oh you pretty things', que Peter Noone ya había publicado (con Bowie al piano) unas semanas antes. Tiene
una melodía pop que esconde una letra basada en pensamientos de
Nietzsche cuando anticipa la llegada del 'homo superior', un precursor
de 'Starman' (que aparecerá en su siguiente álbum). En 'Hunky Dory', David canta la letra original con la frase "The earth is a bitch", que Noone, en un exceso de autocensura, había cambiado por "The earth is a beast". 'Eight line poem', fluye seguidamente sin que medie silencio separador. Como sugiere el título, David canta sólo ocho líneas.
Los cinco temas restantes muestran las habilidades instrumentales de cada uno de los miembros de la banda y fueron añadidas a toda prisa para acabar el álbum. Había que rentabilizar cuanto antes el coste de los teclados que adquirió Wakeman para ampliar el arsenal sonoro de la banda. 'Cans and Brahms' es un arreglo de Wakeman del tercer movimiento de la Cuarta Sinfonía en Mi menor de Johannes Brahms, en el que el músico usa sintetizadores, inspirándose en el éxito obtenido un par de años antes por Wendy Carlos, pionera de la aplicacion de teclados electrónicos para arreglos de música clásica, con 'Switched on Bach'.
El álbum, producido por Tony Visconti, contenía dos de las canciones más populares del grupo en Estados Unidos, 'Jeepster' y 'Get it On', su único Top10 en Billboard y un hit en Reino Unido y Europa. El nombre tuvo que cambiarse en América por 'Bang a Gong (Get it on)' para no confundirla con otro tema llamado igual, publicado por Chase ese mismo año. Bolan confesó más tarde que la compuso pensando en 'Little Queenie' de Chuck Berry. De hecho el riff de guitarra sobre el que sostiene la canción es el mismo.
