Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
Los textos destacados en rojo son más de 25.000 enlaces a Youtube y Spotify.
El 26 de septiembre de 1925 nació en Glendale (Arizona) el cantante, multi-instrumentista y compositor de country Marty Robbins. Durante su carrera de 40 años, Robbins fue uno de los artistas más populares de su generación en Estados Unidos. Para escapar de una poco prometedora vida en su pueblo se alistó con 17 años en la marina.
Mientras servía en el frente de la Segunda Guerra Mundial aprendió a tocar la guitarra y cuando volvió a casa a mediados de los cuarenta, comenzó a tocar profesionalmente consiguiendo un programa propio de radio en Phoenix. Cuando la estrella del country Jimmy Dickens le escuchó, no tardó en conseguirle un contrato con Columbia Records. Pronto Robbins era la nueva celebridad en Nashville y uno de los artistas favoritos del público del Grand Ole Opry. A lo largo de su carrera, Marty publicó numerosos éxitos, incluyendo su popular y muy versionado 'El Paso', que fue nº1 en las listas pop y con el que ganó un Grammy en 1959. Antes de eso ya había visitado las listas pop con temas como 'Singing the blues' (1956), 'A white sport coat (And a pink carnation)' (1957) y 'The story of my life'(1958).
En 1961, otro de sus numerosos nº1 en las listas country, 'Don't worry', fue Top5 en las listas pop. En la grabación del tema, el amplificador del guitarrista tenía un mal contacto y la guitarra se grabó con distorsión. Aunque a Robbins no le gustaba nada el sonido, el productor, Don Law decidió dejarlo así, convirtiéndose 'Don't worry' en uno de las primeras grabaciones de la historia con una guitarra 'distorsionada'.
Tendría ocasión de ganar dos premios Grammy más, uno por su álbum 'More Gunfighter Ballads and Trail Songs' (1961) y otro por el tema 'My woman, my woman, my wife' (1970). A lo largo de su carrera grabó 52 álbumes y más de cien singles, consiguiendo 17 nº1.
En 1982 tuvo su última entrada en las listas con 'Honky Tonk Man', del mismo título que la pelicula de Clint Eastwood ('El aventurero de medianoche'), estrenada ese mismo año, en la que aparece Robbins en el papel de un músico country. Marty no pudo asistir al estreno ya que murió a los 57 años de complicaciones surgidas en una operación de corazón en diciembre de 1982.
El 26 de septiembre de 1898 nació en Brooklyn, Nueva York el compositor estadounidense, George Gershwin. Hijo de una familia de inmigrantes rusos de origen judío, su talento para la música se manifestó a temprana edad, cuando, mediante un voluntarioso aprendizaje autodidacto, aprendió a tocar el piano de oído. Ante su entusiasmo, su padre decidió hacerle estudiar en serio con un profesor, Charles Hambitzer, quien le descubrió el mundo sonoro de compositores como Liszt, Chopin o Debussy.
En un país que, hasta el final de la Primera Guerra Mundial, había dependido en el ámbito musical casi exclusivamente de modas, compositores e intérpretes llegados de Europa, George Gershwin fue el primero en hacer oír una voz inequívocamente autóctona, aunque capaz, al mismo tiempo, de conquistar el éxito fuera de las fronteras de su patria. Y lo hizo a través de unas obras en que hábilmente se sintetizaban elementos procedentes del jazz y de la tradición clásica, y que le permitieron destacar por igual en campos tan dispares como el de la música sinfónica y la popular. Sin embargo, los grandes referentes de Gershwin en aquellos primeros años fueron Irving Berlin y Jerome Kern, reyes del Broadway de la época gracias a sus canciones y sus comedias musicales.
El deseo de triunfar como compositor en las salas de concierto, aunque latente entonces, no tomaría forma hasta años más tarde. Así, abandonó en 1914 sus estudios para trabajar en unos almacenes de música en los que, sentado al piano, presentaba al público las melodías de moda. Pronto se animó él mismo a componer sus primeras canciones, algunas de las cuales consiguieron cierto éxito como 'Swanee' (1919), popularizada por el cantante Al Jolson y que en su día vendió más de un millón de partituras, y, sobre todo, le valieron la oportunidad de escribir su primer musical para Broadway, “La, la, Lucille”. Su inmediato éxito significó el verdadero comienzo de su carrera como compositor.
En 1919 compuso 'Lullaby for Strings' (Moscow Philharmonic Orchestra, dir Dimitri Kitayenko). A partir de la década de 1920, inició también la composición de otros trabajos destinados a las salas de concierto. Fecha señalada en este sentido fue la del 12 de febrero de 1924, cuando estrenó en el Aeolian Hall de Nueva York “Rhapsody in blue”, (En el Royal Albert Hall, 1976: El único concierto donde Leonard Bernstein hace de director y pianista a la vez), una pieza para piano y orquesta en la que de manera original se sintetizaban algunos elementos del jazz, como la síncopa, con otros de procedencia clásica. El éxito de la "Rhapsody in blue", fue fulminante y pronto se interpretó en América y Europa, constituyéndose en página indispensable en el repertorio de las más famosas orquestas sinfónicas. Esta obra influyó notablemente en compositores europeos y estadounidenses, que comenzaron a utilizar en sus obras melodías y patrones rítmicos del jazz, que por fin se había vuelto "respetable".
Gershwin logró aunar en su “Rhapsody in Blue” tres elementos fundamentales de la música de su país: la tradición popular pianística, el tratamiento armónico de la música del teatro de variedades y toda la atmósfera del blues afroamericano.
Frecuentemente se suele clasificar a Gershwin como un sinfonista del jazz; tal planteamiento es tan simple como clasificar a Falla como un sinfonista del flamenco. Lo cierto es que Gershwin enraizó su música en la tradición de su país y aprovechó la riqueza rítmica, armónica y melódica que tuvo a su alrededor en función de una mayor y más moderna expresividad sinfónica. La obra no está concebida como un concierto para piano y orquesta, pues la función del piano, aunque de claro carácter solista, no sigue la línea concertante clásica, ya que Gershwin lo sitúa unas veces como solista y otras como mero acompañante.
La obra fue polémica, sobre todo a causa de esa misma mezcla de estilos «serio» y «ligero» que constituye su esencia, pero en poco tiempo consiguió hacerse con un puesto en el repertorio de los mejores solistas y las más destacadas orquestas. El éxito no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas, por lo que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más ambiciosas. En 1925 llegó otra composición concertante, el 'Concierto para piano en fa', (André Previn director y pianista, London Symphony Orchestra,) a la que siguió tres años más tarde la pieza sinfónica 'Un americano en París' (London Symphony Orchestra & Richard Williams).
La culminación de su carrera como compositor llegó en 1935 con la ópera 'Porgy and Bess', Aria 'Summertime' (Harolyn Blackwell, Glyndebourne Chorus, London Philharmonic Orchestra & Sir Simon Rattle)
Summertime, And the livin' is easy Fish are jumpin' And the cotton is high
Your daddy's rich And your mamma's good lookin' So hush little baby Don't you cry
One of these mornings You're going to rise up singing Then you'll spread your wings And you'll take to the sky
But till that morning There's a'nothing can harm you With daddy and mamma standing by
Convincente retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos, en la que el autor, fiel a su estilo, sintetizó las dos tradiciones que conocía: la estadounidense, representada por el jazz y el espiritual, y la sinfónica europea. A pesar de algunas dificultades iniciales, 'Porgy and Bess' se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo, hasta el punto de que hoy es la ópera estadounidense por antonomasia.
Gershwin, sin embargo, no pudo disfrutar durante mucho tiempo de su éxito: una enfermedad truncó prematuramente su vida, privando a la música estadounidense de uno de sus compositores más representativos y universales. Falleció a los 38 años en Beverly Hills en el año 1937.
El 25 de septiembre de 1974 se publicó en Estados Unidos el cuarto álbum en solitario del ex-Byrds, Gene Clark, 'No Other'.Olvidado de manera injusta e inmediata nada más editarse en 1974, pasó durante muchos años como uno de los discos más caros, pretenciosos y desaprovechados de todos los tiempos.
Para su grabación Clark y el productor Thomas Jefferson Kaye reunieron a los mejores de entre los principales músicos de sesión del momento: Butch Trucks, Chris Hillman, Danny Krotchmar, Timothy B.Schmidt. Todos esos talentos combinados, guiados por la capacidad de Clark para narrar historias melancólicas convirtieron el álbum en una aventura sónica ambiciosa y expansiva que unía country, rock, jazz, blues, gospel y psicodelia. "Cuando Gene me mostró los temas, flipé", recordaba Jefferson Kaye, "fue un disco caro de producir, pero 'Silver Raven' y 'No Other' son mis respuestas a Brian Wilson y Phil Spector como productor"
Reunión de The Byrds en 1972
A finales de 1972 Gene había sido invitado a participar en la reunión de los Byrds originales auspiciada por Asylum Records. Su aportación al álbum con dos versiones de Neil Young y dos temas propios fueron una tarjeta de visita para que Asylum le firmara un contrato para grabar en solitario. Retirado en Mendocino, a orillas del Pacífico comenzó a gestar lo que sería 'No Other'.
"Prácticamente todo el álbum está escrito cundo alquilé aquella casa en California. Me sentaba en aquel salón con aquel gran ventanal mirando hacia el Pacífico y podía estar mirando horas y horas hacia el mar. Tenía junto a mí papel y bolígrafo, así como una guitarra y un piano y de vez en cuando surgía una idea que anotaba o grababa. La mayoría de las veces, tras un largo día de meditación observando algo con tanta fuerza natural, terminaba de forma productiva." Desmintiendo los rumores de que muchas de las canciones del álbum fueron escritas bajo la influencia de la mescalina y otras sustancias ilícitas, la mujer de Clark, Carlie afirmó que en aquella época (1972/73) en Mendocino, Gene, debido a la corta edad de sus hijos, estaba completamente sobrio y no estaba para experimentos. La mayoría de sus textos surgieron de largas conversaciones que Clark y su esposa mantenían con sus amigos David Carradine y Dennis Hopper sobre Carlos Castaneda, el 'zen' y la teosofía.
Otra historia muy diferente fue la grabación del álbum en Los Angeles, donde Gene abandonó las sanas costumbres de su hogar en la playa y sucumbió a la vida social angelina, cuya 'jet-set' acababa de redescubrir la cocaína... Asylum Records, tras la audición del 'master' mostró poco interés
en promocionar su música y la publicación de 'No Other' fue un fracaso
comercial. Aún así, Clark lo consideraba su mejor trabajo y fue un disco
'maldito' hasta 2001, (nueve años después de su muerte) en que fue
reeditado en CD para regocijo de muchos. Visto en perspectiva, en el contexto de la música californiana post-Byrds, 'No Other' fue un disco innovador e influyente. Considerado por muchos el 'Seargent Pepper' del country-rock, para otros es una obra maestra barroca y exuberante de country-pop progresivo, si es que tal cosa ha existido alguna vez ... Escuchado con atención, se reconocen inmediatamente las fórmulas de producción que marcarían el camino e inspiraron a Fleetwood Mac para 'Rumours'.
El 25 de septiembre de 1967 se publicó en Estados Unidos 'Strange Days', el segundo álbum de estudio del grupo The Doors. Sólo nueve meses antes se había puesto a la venta su primer trabajo, 'The Doors', con el que la banda asombró al mundo con su fusión de rock, blues, jazz, psicodelia, música clásica y poesía, así como con el hit internacional 'Light my Fire'. 'Strange Days', aunque contenía temas que parecían haber sobrado de las sesiones para el primer álbum, alcanzó el nº3 de las listas Billboard y generó dos singles de relativo éxito: 'People are strange' (nº12) y 'Love me two times' (nº25).
Paul Rothchild
Sin embargo, el productor Paul Rothchild lo consideraba un fracaso: "De verdad pensábamos que era el mejor álbum que habíamos hecho. Curiosamente, fue el que peor se vendió. Estábamos seguros de que sería algo más grande que lo que habían hecho hasta entonces los Beatles. Pero no tuvimos un single potente. Eso fue lo que nos mató". Tradicionalmente, los Beatles y los Rolling Stones se disputaban el título de 'mejor banda de la historia'. Ocasionalmente, los nombres de Beach Boys, los Who o Led Zeppelin participaban en la discusión, pero contadas veces se tenía en consideración a The Doors. Su líder Jim Morrison poseía una imagen demasiado atractiva (a veces, demasiado ebria) para que su música fuese tomada en cuenta.
Botnick con la mesa Sunset Sound
Pero si los Beatles tuvieron su 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band' y los Beach Boys su 'Pet Sounds', la respuesta de The Doors fue 'Strange Days'. En las notas que aparecen en la reedición del 40 aniversario, el ingeniero Bruce Botnick menciona el hecho de que unos días antes de la grabación, se había hecho con una de las primeras copias en mono de 'Sgt. Pepper' y se la mostró a la banda. Aquella audición, les inspiró a ellos y a Rothchild a inventar nuevas técnicas de grabación. Por otro lado fue la primera vez que The Doors grababan en ocho pistas, utilizando la mesa de mezclas Sunset Sound, diseñada por el ingeniero Allan Emig.
Ray Manzarek y Jim Morrison
Estos experimentos se perciben ya en las primeras notas de 'Strange days', el tema que abre el álbum, cuando el teclado de Ray Manzarek prepara una atmósfera espacial para la inquietante advertencia de Jim Morrison: "Extraños días nos han encontrado". Es la perfecta introducción para un gran extraño álbum.
El piano 'preparado' de Manzarek, latigazos y alaridos agónicos sobrevuelan con mal agüero la cámara de eco que envuelve 'Horse latitudes', uno de los poemas de Morrison mejor grabados: "When the still sea conspires in armor/And her sullen and aborted/Current breed tiny monsters/True sailing is dead." (Cuando el tranquilo mar trama una armadura / Y sus morosas y abortadas / Corrientes engendran minúsculos monstruos / La verdadera navegación ha muerto.).
Botnick, Rothchild y Jim Morrison
El poema, escrito en su etapa de high school tras ver una fotografía de unos caballos lanzados por la borda de un barco, deriva en 'Moonlight drive', una de sus primeras composiciones. El alegre piano y la guitarra bottleneck de Krieger proveen una atmósfera soleada y tropical en yuxtaposición a la siniestra interpretación de Morrison y a su no menos oscura letra: "You reach a hand to hold me/But I can't be your guide" (Extiendes tu mano para abrazarme, pero yo no puedo ser tu guía), que concluye con un asesinato-suicidio.
'Strange days' hace referencia a "bodies confused, memories misused" (Cuerpos confundidos, recuerdos mal empleados), mientras que 'People are strange' se refiere claramente a la alienación de la cultura hippie, donde se atisba un cambio en la visión de Morrison sobre aquel estilo de vida decadente que él y su grupo habían abrazado meses antes con vehemencia.
People are strange when you're a stranger,
Faces look ugly when you're alone.
Women seem wicked when you're unwanted
Streets are uneven when you're down, when you're strange.
Faces come out of the rain when you're strange.
No one remembers your name when you're strange.
La gente es extraña cuando eres un desconocido.
Los rostros se ven feos cuando estás solo.
Las mujeres parecen malvadas cuando no te desean.
Las calles son incómodas cuando estas decaído, cuando eres desconocido.
Rostros surgen de la lluvia cuando eres desconocido.
Nadie recuerda tu nombre cuando eres desconocido.
En 'Unhappy girl', Jim parece realmente preocupado por la tristeza de la chica y en 'I can't see your face in my mind', emplea su típica voz de baritono a lo 'Sinatra psicodélico', según su propia descripción, para comunicar una simple pero triste verdad: "I won't need your picture until we say good-bye." (No necesitaré tu foto, hasta que nos digamos adiós).
Es difícil encontrar hits en 'Strange Days'. De hecho, no los hubo y los singles que se editaron ni siquiera entraron en el Top10. El tema más accesible de rock clásico en el álbum fue 'Love me two times', que incluye un magnífico solo de clavecín y uno de los riffs de guitarra más reconocibles de la banda.
Aunque The Doors disfrutaría de éxitos más significativos, el extravagante álbum era una obra ambiciosa con cierto nexo de unión en la que cada tema cargaba con el mismo peso que el anterior o el que le seguía.
En 'When the music's over' se puede oir al mundo sollozar. La apocalíptica oda a la música y a la Madre Tierra que cierra el álbum reúne los aspectos instrumentales e improvisatorios de 'Light my fire' con el drama épico de 'The end'. Cuando Morrison demanda escuchar el alarido de la mariposa, los instrumentos de Manzarek y Krieger contestan con obediencia. En cierto momento la banda se queda en silencio y sólo se oye un bajo (tocado por un músico de sesión) hasta que todos gritan: "We want the world and we want it now!" (Queremos el mundo y ¡lo queremos ahora!), donde se demuestra la problemática dicotomía de los así llamados 'hijos del amor', especialmente en la frase "What have they done to the earth?" (¿Qué le han hecho a la tierra?) en la que la culpa parece recaer únicamente en las generaciones anteriores. 'Strange Days' es un magnífico documento de una era convulsa repleta de idealismos y miedos a veces maravillosa, otras aterradora.
Cuando la música termine,
cuando la música termine aquí
apaga las luces...
Porque la música es tu amiga especial.
Baila sobre el fuego como ella determina
La música es tu única amiga
hasta el final, hasta el final.
Cancela mi suscripción a la resurección,
manda mis credenciales a la cárcel
tengo amigos allí.
La cara del espejo no parará.
La chica de la ventana no cederá.
Hay una fiesta de amigos vivos, gritó,
esperándome ahí fuera.
Antes de sumergirme en el gran sueño,
deseo oír, deseo oír,
el alarido de la mariposa.
Vuelve, regresa a mis brazos.
Estamos cansados de andar de aquí para allá.
De esperar por ahí
con la cabeza
en el suelo.
Oigo un sonido muy agradable,
muy cerca
muy lejos
muy suave
muy claro
ven hoy, ven hoy
¿Qué le han hecho a la tierra?
¿Qué le han hecho a nuestra querida hermana?
Arrasada y saqueada
rota y mordida.
Cosida a navajazos
y rodeada de cercas
y excavada hasta el fondo.
Oigo un sonido muy agradable
Con vuestro oído pegado al suelo.
Queremos el mundo y lo queremos
¡Ahora! ¡AHORA!
¡Noche persa!
¡Mira la luz!
¡Sálvanos!
¡Jesús!
¡Sálvanos!
Para la portada hubo que idear algo especial, ya que Jim Morrison rehusó aparecer fotografiado en ella. Para ello se contrató al fotógrafo Joel Brodsky que buscó inspiración en el film La Strada de Fellini e imaginó una pequeña troupe de acróbatas y malabaristas de circo en uno de los callejones de Manhattan. ¿El problema principal?. Encontrar los modelos. La mayoría de los circos de la zona estaban de gira veraniega, así que tuvieron que conformarse con lo que encontraron. Los únicos artistas circenses eran los acróbatas. "Eran terribles," recuerda Brodsky, "El tipo de abajo sólo podía sostener a su compañero unos pocos segundos. Siempre se le caía. Nos tomó horas conseguir la toma correcta"
El trompetista fue un taxista que pasaba por allí y se le ofrecieron $5 por participar. "Intentaba acercarse cada vez más hacia la cámara. Meses después aún nos seguía llamando para que le asesoráramos en su carrera de modelo".
Los enanos (se contrataron dos, uno apareció en la portada y el otro en la contraportada) "no querían hacerlo al principio. Los tuvo que convencer su agente. Eran gemelos y estaban muy solicitados. ¡Solían ser los elfos de Santa Claus!".
El malabarista fue el asistente de Brodsky, Frank Collegy, ya que no hubo forma de encontrar uno profesional. "No hubo manera de que lograra hacerlo con tres pelotas. Pasábamos más tiempo recogiéndolas del suelo, que probando. Al final lo hicimos sólo con dos y la tercera se añadió después."
El forzudo del mostacho era el portero de un club neoyorquino que Brodsky conoció a través de un amigo común. "Tenía el aspecto ideal para su papel. Vestimos a todos en el estudio fotográfico y seguidamente nos trasladamos todos en una limousina hasta el callejón de Sniffen Court, entre Lexington y la 3ª avenida. Fue divertido ver a los enanos fumando cigarros en el regazo del forzudo." El título del álbum fue incluido discretamente en la imagen como parte de un poster pegado en la pared del callejón. A la mayoría de las tiendas de discos, esto no les pareció suficiente a la hora de reconocer e identificar el disco, por lo que le añadieron adhesivos con los nombres del álbum y la banda bien visibles.
El 25 de septiembre de 1933 nació en Baltimore (Maryland) el músico y compositor folk Erik Darling, cuyo estilo como cantante y guitarrista contribuyó a innovar la escena folk, gracias a sus interesantes arreglos de melodías tradicionales del género. Aunque su nombre no llegó a sonar como el de otros contemporáneos, su influencia en los demás músicos de folk fue discreta, pero profunda.
Vince Martin & the Tarriers
Aunque nacido en Baltimore, Erik pasó su infancia en Canandaigua (New York) y cuando cumplió los 20, era uno de tantos músicos folk que se movían por Washington Square. A mediados de los años cincuenta formó los Tunetellers jumto con Bob Carey y el futuro actor Alan Arkin y, en 1956, tras cambiar el nombre a The Tarriers, lograron un par de Top10 con los temas 'Cindy, oh Cindy' (publicado como Vince Martin & the Tarriers) y 'Banana boat song'. Posteriormente, la versión de Harry Belafonte de la segunda, se haría mucho más popular.
The Rooftop Singers
Un año más tarde, Erik fue llamado para sustituir a Pete Seeger en los Weavers, aunque siguió actuando con The Tarriers y grabando en solitario como fue el caso con su álbum 'True Religion'. Se mantuvo con los Weavers durante cuatro años grabando con ellos el espléndido 'The Weavers at Carnegie Hall, Vol. 2' en 1960 y, a continuación formó The Rooftop Singers con los que recuperó un éxito de los Cannon's Jug Stompers de 1929, 'Walk right in', alcanzando el nº1 de las listas pop en 1963 y vendiendo más de un millón de copias.
Darling continuó trabajando en los circuitos folk y la nueva corriente 'Americana' e incluso flirteó con el country en su grupo Border Town, que incluía a Sid Hausman y Lynn Lucas, con los que publicó en 1994 el álbum 'Border Town at Midnight'.
Darling fue un banjoista extraordinario y con la guitarra de 12 cuerdas era incluso mejor. Como instrumentista siempre fue un perfeccionista y gracias a su expresiva y elegante voz de tenor no perdió su habilidad para revisar temas tradicionales y dotarlos de arreglos contemporáneos. En 1997 colaboró con The Kossoy Sisters en el álbum 'Bowling Green', una espléndida muestra de típicas baladas de asesinos en la tradición de la música popular de los Apalaches. Erik Darling murió a los 74 años en agosto de 2008.
El 25 de septiembre de 1945 nació en Newark (New Jersey) la cantante de soul Dee Dee Warwick. Su debut en la música fue como parte de un trío vocal llamado The Gospelaires formado por ella, su hermana Dionne y su tía Cissy Houston (futura madre de Whitney). Tras una actuación en 1959 en el legendario Apollo Theater, fueron contratadas como vocalistas de sesión en el circuito neoyorquino.
Su primera grabación en solitario fue en 1963 con la primera versión grabada de 'You're no good', que posteriormente grabarían Betty Everett (1964) y Linda Ronstadt (1971). Continuó grabando bajo los auspicios de Leiber y Stoller y en 1965 ficha por Mercury Records donde graba 'I want to be with you' (1966) y 'I'm gonna make you love me' (1967), sus mayores éxitos, a los que seguirían 'When love slips away', 'Foolish fool' y 'That's not love' (1969). En Mercury estaban dispuestos a seguir apostando por ella en 1970, pero Warwick se dejó influir por Jerry Wexler que la invitó a firmar con Atlantic.
Con ellos grabó'She didn't know', 'Cold night in Georgia' y 'Suspicious minds', que fue su última entrada en las listas pop. Su fichaje por Atlantic demostró con el tiempo haber sido un error, ya que la discográfica tenía otras grandes voces femeninas en su catálogo como Aretha Franklin y Roberta Flack, las cuales solían acaparar las mejores canciones y producciones.
En 1973 volvió con Mercury pero al año siguiente cambió de nuevo a Private Stock donde publicó en 1975 el single 'Get out of my life', que sería su última entrada en listas. Ese mismo año graba para RCA como DeDe Schwartz. Continuó grabando sin éxito hasta 1884, año en el que publicó el álbum 'Dee Dee Warwick, Call Me' y vivió en Los Angeles semi-retirada, hasta que en 1994 se mudó a Georgia. En 2006 se la pudo ver haciendo coros en los conciertos de su hermana Dionne. Dos años después, en octubre de 2008, Dee Dee Warwick murió a los 63 años debido a complicaciones de salud surgidas por su adicción a los tranquilizantes.
En 1961, otro de sus numerosos nº1 en las listas country, 'Don't worry', fue Top5 en las listas pop. En la grabación del tema, el amplificador del guitarrista tenía un mal contacto y la guitarra se grabó con distorsión. Aunque a Robbins no le gustaba nada el sonido, el productor, Don Law decidió dejarlo así, convirtiéndose 'Don't worry' en uno de las primeras grabaciones de la historia con una guitarra 'distorsionada'.
