Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 18 de octubre de 1926 nació en St. Louis (Missouri) el guitarrista, compositor y cantante de rock and roll Charles Edward Berry más conocido por Chuck Berry, uno de los pioneros del rock & roll.
Chuck Berry fue una influencia principal en el desarrollo de la música, la actitud y el modo de vida asociados al género. Llevó el R&B a nuevos caminos definiendo los elementos distintivos del rock and roll: Letras dirigidas a un público muy joven, usando divertidas y gráficas expresiones de los bailes adolescentes, coches veloces, la vida en los institutos y la sociedad de consumo. Sus solos de guitarra y el carisma que mostraba en escena, fueron también determinantes en el desarrollo posterior de la música pop.
El cuarto de seis hermanos, Chuck creció en el norte de San Luis, en un barrio de clase media conocido como 'The Ville'. Su padre era diácono de una iglesia baptista cercana y su madre profesora en un instituto. Se interesó pronto por la música y, estando todavía en la escuela, dio su primer concierto en 1941. Tres años más tarde es arrestado y encarcelado por robo a mano armada en tres tiendas de Kansas City y robo a punta de pistola de un coche junto con unos amigos. Fue enviado al reformatorio para jóvenes en Algoa (Missouri), donde pasó el tiempo practicando boxeo y formando un grupo vocal.
El hogar de Berry en 1950
Fue liberado el día que cumplió 21 años, y pocos días después se casó con Themetta 'Toddy' Suggs, que dio a luz a Darlin Ingrid Berry el 3 de octubre de 1950. Berry mantuvo la famila trabajando en dos plantas de montaje de automóviles, además de ser el conserje del edificio de apartamentos en el que vivía con Toddy. Poco después se formó como esteticista en el Poro College of Cosmetology en St Louis, una institución fundada en 1917 por la emprendedora y filántropa afroamericana Annie Turnbo Malone, con el fin de investigar los cosméticos para mujeres de raza negra. Le fue tan bien con ello, que en 1950 fue capaz de comprarse una pequeña casa de ladrillo con tres habitaciones y baño en Whittier Street, casa que pertenece actualmente al Registro Nacional de Lugares Históricos de EE.UU.
A comienzos de los años cincuenta, Chuck tocaba con algunas bandas locales de los clubes de St Louis para ingresar un dinerillo extra. Había estado tocando blues desde niño y tomó prestados algunos riffs de guitarra y la actitud escénica de T-Bone Walker. También recibió clases de guitarra de su amigo Ira Harris, las cuales ayudaron a perfeccionar y definir su propio estilo con el instrumento. En 1953 formaba parte del trio de Johnnie Johnson, un pianista al que le uniría una larga relación profesional. Aunque la banda tocaba predominantemente blues y baladas, la música más popular entre la clientela blanca de la zona era el country & western.
Berry escribió en su autobiografía: "Sentí curiosidad por ver que pasaba si comenzaba a introducir temas con un toque country en nuestro repertorio, que tocábamos ante una audiencia predominantemente negra. Sucedió que algunos de ellos preguntaban '¿quién es ese hillbilly negro del Cosmo?'. Tras reírse de mí unas cuantas veces, comenzaron a pedírme ellos mismos esas canciones hillbilly e incluso les encantaba bailarlas"
En mayo de 1955 Berry viajó hasta Chicago, donde conoció a Muddy Waters. Este le recomendó que fuera a ver a Leonard Chess, propietario de Chess Records. Berry pensó que su material de blues podía ser lo que más interesara a Chess, pero ante su sorpresa, éste eligió un viejo tema de country & western que había grabado Bob Wills, titulado 'Ida Red'. Chess había visto cómo el mercado de R&B estaba cayendo y buscaba ir más allá. Quizás había encontrado al fin el artista adecuado para su propósito.
Así el 21 de mayo de 1955, Berry grabó una adaptación de 'Ida Red' -'Maybelline'-, con Johnnie Johnson al piano, Jerome Green (de la banda de Bo Diddley) a las maracas, Jasper Thomas a la batería y Willie Dixon al bajo. El disco vendió más de un millón de copias y fue nº1 en las listas de R&B.
Le siguió 'Roll over Beethoven' en junio de 1956, alcanzando el puesto 29 del Top100 de Billboard y Berry fue promocionado como uno de los 'top acts' del 58. Conoció a Carl Perkins y se hicieron grandes amigos. Perkins comentó en una ocasión: "Cuando oí su música por primera vez, supe al instante que había recibido influencias country. Sus canciones me parecían extraordinarias". Perkins descubriría en las giras que realizó con Berry, que Chuck conocía prácticamente las mismas canciones que él y que Jimmie Rodgers era su cantautor country favorito.
En 1957 Berry fue incluído en el show 'Las más grandes estrellas de 1957', junto con Everly Brothers, Buddy Holly y otros. Los hits continuaron hasta 1959, consiguiendo por lo menos una docena de ellos, que incluían los Top10 'School days', 'Rock and roll music','Sweet little sixteen' y 'Johnny B. Goode'. Apareció en dos películas cuyo tema era el rock and roll:'Rock Rock Rock' (1956) y'Go, Johnny Go!' (1959). Chuck logró romper las barreras de popularidad entre la música blanca y negra de su tiempo, y tuvo una gran influencia posterior, tanto en compositores (Dylan, Lennon/McCartney), como en guitarristas (Keith Richards, Eric Clapton).
Su manera de tocar nerviosa, frenética, y su famoso 'baile del pato', formaban parte de un estilo único que subió su cotización espectacularmente y en muy poco tiempo. Berry era ya una estrella establecida y además de poseer un night-club en St. Louis, Berry's Club Bandstand, invertía su dinero adquiriendo propiedades inmobiliarias.
Pero a finales de los cincuenta todo parecía haberse confabulado para acabar con el rock: murió Buddy Holly; Elvis se fue a la mili; a Jerry Lee Lewis se le hundió la carrera por el escándalo que supuso entonces estar casado con su prima de trece años; Little Richard había descubierto a Dios, abandonando el escenario y Chuck Berry fue encarcelado, por tener trabajando en su club a una menor de edad mexicana "con propósitos inmorales", aunque Berry siempre afirmó que "lo que único que hacía esa chica de 14 años en el Bandstand era trabajar en el guardarropa".
Chuck Berry en 1959
Tras varios juicios y apelaciones tuvo que pasar un año y medio en prisión. Cuando salió, sus temas eran más conocidos que los de las nuevas bandas que por aquel entonces iban surgiendo (sus canciones fueron versionadas por los Beatles y los Rolling Stones en sus primeros álbumes) y recogió buen número de éxitos hasta 1965, cuando cambió de sello y fichó por Mercury, para el que editó tres álbumes con poca incidencia. Volvió a Chess Records en 1970; el regreso le dio un número uno -el único de su carrera- 'My ding-a-ling' (1972) a ambos lados del Atlántico y volvió a ser admirado por una nueva generación de aficionados.
Berry y Michael Jackson en 1980
Grabó esporádicamente y siguió actuando a lo largo de los setenta, siendo encarcelado de nuevo (esta vez por cien días) por evasión de impuestos. En los años 80 y 90 siguió girando, sin embargo sus actuaciones en directo casi nunca han estado a la altura de su prestigio debido a una dejadez general del guitarrista, añadida a su conocida tacañería que implica no contar con una banda de acompañamiento fija. Solía contratar a músicos locales de las poblaciones donde acudía a tocar, lo que a menudo provocaba una discordancia sonora entre Berry y sus acompañantes en escena. Según Berry, todo guitarrista de rock que se precie debe conocer sus canciones y ser capaz de interpretarlas sin necesidad de ensayos. Muchas veces no ha querido pagar a los músicos, porque consideraba que suficiente privilegio habían disfrutado tocando con él.
Berry y Richards en 1986
El día de su sesenta cumpleaños, Keith Richards le organizó un magnífico concierto homenaje en el que participaron , entre otros, Johnnie Johnson, Bobby Keys, Steve Jordan, Eric Clapton, Robert Cray, Etta James, Linda Ronstadt y Julian Lennon. El concierto fue grabado y filmado. (Hail! Hail! Rock'n'Roll). A finales de los años ochenta adquirió un restaurante en Wentzille (Missouri), llamado The Southern Air. Unos años después, Chuck fue denunciado por varias mujeres que le acusaban de haberlas espiado con una videocámara instalada en el servicio de señoras.
Berry alegó que se había instalado para vigilar a una empleada sospechosa de robar. Aunque no lograron probar nada en el juicio, Berry aceptó indemnizar a 59 mujeres. Según Bruce Pegg, biógrafo de Chuck Berry, esta jugada le costó al músico entre unas cosas y otras más de 1,2 millones de dólares. De nuevo, en noviembre de 2000, se enfrentó a nuevos problemas legales cuando Johnnie Johnson -su pianista durante los años cincuenta- reclamó derechos de autor de varias de sus canciones, acreditadas a Berry como único compositor. El juez desestimó la demanda ya que consideró que habia pasado demasiado tiempo para atender cualquier reclamación al respecto.
El 12 de octubre de 1948 nació en Woking (Surrey) el cantante y guitarrista británico Rick Parfitt, uno de los miembros desde su fundación en 1967 de la banda inglesa de boogie rock Status Quo.
Status Quo en 1980
Rick, que en el año 1965 formaba parte de un trio llamado The Higlights trabó amistad con Francis Rossi, entonces con los Spectres y ambos decidieron trabajar juntos en un futuro próximo. Este llegó cuando dos años después Parfitt se unió al grupo de Rossi (Alan Lancaster, John Coghlan y Roy Lynes) al que cambiaron el nombre por Status Quo. En contraposición a la mayoría de músicos de rock ingleses que se marcharon a EE.UU (Alvin Lee, Eric Clapton, Jimmy Page, Jeff Beck etc), Parfitt y Rossi permanecieron en el Reino Unido. Hasta 1971 graban cuatro álbumes con poca repercusión con algún tema destacado como 'Pictures of matchstick men','Ice in the sun', y 'Down the dustpipe'.
Desde entonces y hasta la fecha publicaron otra docena de álbumes, con los que mantuvieron su leal base de fans tanto en el Reino Unido como en Escandinavia y Holanda. Parfitt escribió -solo o en colaboración con el teclista Andy Brown-, varios de los éxitos de la banda, entre ellos, 'Rain' (1976), 'Again and again' (1978) y 'Whatever you want' (1979). En 1985 grabó un álbum en solitario pero nunca llegó a publicarse.
En 1997 tuvo que ser intervenido para implantarle un bypass coronario cuádruple. Parfitt manifestó en 2005, tras tres matrimonios fallidos y grandes cantidades pagadas en concepto de indemnizaciones de divorcio, que no volvería a casarse jamás. La promesa duró hasta agosto de 2006, fecha en la que se casó -en una ceremonia civil de 40 libras en Gibraltar- con la instructora de fitness de 46 años Lyndsay Whitburn. En 2008 nacieron gemelos, Tommy y Lilly. Redcientemente fue condecorado con la orden de Oficial del Imperio Británico Rick Parfitt y residía en Marbella (España). Murió en la Nochebuena de 2016 a los 68 años.
El 21 de septiembre de 1934 nació en Montreal el escritor, músico, compositor y cantante Leonard Cohen. Considerado figura fundamental del folk norteamericano de los sesenta y setenta, sus canciones, que sobresalen particularmente por la fuerza y calidad literaria de sus letras, reforzadas por expresivas melodías, influyeron en la mayoría de cantautores contemporáneos. Aún así hay quienes le consideraban "el depresivo no químico más poderoso del mundo".
Leonard Cohen mostró pronto sus tendencias artísticas y ya desde la adolescencia escribía poemas y relatos de ficción. El padre de un amigo le enseñó a tocar la guitarra y durante sus años de estudio en la McGill University, tocó en una banda amateur de country llamada los Buckskin Boys. Tras graduarse, publicó su primer volumen de poesía, 'Let us compare mythologies'. Al cabo de unos pocos años, sus versos recibieron excelentes críticas, no sólo en su país, también en los Estados Unidos, los cuales recorrió a finales de los años cincuenta, ofreciendo sus lecturas poéticas, a menudo acompañado por un músico que tocaba mientras Leonard recitaba sus versos. Esta práctica reavivó en el poeta el interés por la música, por lo que volvió a tocar la guitarra y cantar en reuniones de amigos.
En 1966 Cohen había publicado tres nuevos volumenes de poesía y dos novelas: 'The favorite game' y 'Beautiful losers'. La primera se convirtió en libro de culto y ambas fueron bestsellers. Sin embargo, no le fue fácil ganarse la vida como escritor. En 1966 tuvo un encuentro con Judy Collins en Nueva York que cambiaría su carrera. Tras oir varias de sus composiciones, la cantante eligió dos de ellas para su álbum 'In my life' (1966), 'Suzanne' y 'Dress rehearsal rag'. La primera fue un éxito y en los siguientes álbumes, Judy continuó incluyendo temas de Cohen, además de introducir a Leonard en el mundillo musical del Greenwich Village. Otros artistas decidieron grabar asimismo canciones del poeta canadiense lo que llevó a sus amigos a persuadirle para que interpretara él mismo sus composiciones.
Así lo hizo y su debut en el Newport Folk Festival y sus apariciones en el Rheingold Music Festival y la EXPO67 de Montreal, fueron magníficamente recibidos. No tardó mucho en firmar contrato discográfico con Columbia Records y en 1968, publicó 'Songs of Leonard Cohen' que, además de su propia versión de 'Suzanne' incluía clásicos como 'So long Marianne' y 'Sisters of Mercy'. Le siguió 'Songs from a room' (1969) con uno de los temas más conocidos de Cohen, 'Bird on the wire'.
En los setenta los arreglos de su música se fueron haciendo más sofisticados, aunque manteniendo la coherencia inicial en sus letras, con temas como 'Joan of Arc', 'Famous blue raincoat', 'Please don't pass me by' o 'Chelsea hotel'. Al final de la década, Cohen dejó por un tiempo Columbia Records y grabó en Warner Bros con el famoso y polémico productor Phil Spector. Haciendo una fusión de sus divergentes estilos, produjeron el álbum 'Death of a Ladies' Man'. La respuesta de la crítica se mostró dividida. Por un lado había quien lo consideraba execrable, otros lo exaltaban con entusiasmo. Aunque en Estados Unidos no llegó a funcionar, en Europa fue muy bien recibido.
Dos años después volvió con Columbia y grabó 'Recent Songs', en el que compartía voz solista con Jennifer Warnes, una de varias mujeres que jugarían un papel determinante en su vida. En 1985, Cohen publicó 'Various Positions' un álbum que incluía entre sus arreglos exuberantes coros y sintetizadores y temas conmovedores como 'Coming back to you' y 'Hallellujah'. También aquí Warnes contribuyó con su voz, pero las ventas del álbum fueron decepcionantes, confirmando una tendencia descendente desde los años setenta.
La publicación en 1987 del trabajo de Warnes'Famous blue raincoat' ayudó a darle un empujón a su carrera. Sus interpretaciones de las canciones de Cohen dispararon un nuevo interés en su música y sus temas, que allanó el camino para la publicación de 'I'm Your Man' (1988).
En una entrevista concedida por Leonard a Billboard Magazine confesó: "Jennifer Warnes me resucitó de entre los muertos en America, cuando publicó 'Famous blue raincoat'. Ha sido una ayuda inestimable en mi vida.". 'I'm Your Man' marcó el regreso de Cohen a la primera línea y vendió más de dos millones de copias.
La evidencia de que una nueva generación de músicos había puesto el ojo y el oído en su música se demostró con el álbum tributo 'I'm Your Fan', en el que artistas del rock como R.E.M., Pixies o Nick Cave versionaban sus canciones. En 1995, 'The Tower of Song' repetía la fórmula con artistas de mayor calibre como Bono, Sting, Elton John o Billy Joel, indicando que Leonard Cohen, el eterno 'outsider', se había convertido en objeto de moda.
En los años noventa la pausa entre álbumes se hizo más larga y Leonard estrenó la década en 1992 con el álbum 'The Future' una visión pesimista del escenario geopolítico y social de la segunda mitad del siglo XX. Durante casi diez años tras su publicación, los fans de Cohen tuvieron que contentarse con un álbum en directo y varias recopilaciones de grandes éxitos. Cohen sufría fuertes depresiones desde hacía años y quiso poner un fin ingresando en un monasterio Zen en las cercanías de Los Angeles. En su estancia allí se sometió a una estricta disciplina de dieciocho horas diarias de meditaciones, cánticos y largas conversaciones con el maestro Zen, su buen amigo Kyozan Joshu, conocido por Roshi.
Aunque la meta de su estancia allí no era escribir nuevas canciones, Cohen sintió como le volvían a fluir las ideas y a finales de los noventa se había juntado con un buen puñado de nuevas letras. Junto a Sharon Robinson, una antigua amiga que hacía voces en sus conciertos, dio forma a las canciones y en 2001 se publicó 'Ten New Songs'. Robinson co-escribió los temas, hizo segundas voces en alguno de ellos y apareció junto a Cohen en la portada.
Desde entonces los fans de Cohen temen que el siguiente trabajo puede bien ser el último del canadiense. Muchos críticos manifestaron que 'Ten New Songs' hubiese sido su perfecto canto del cisne, como así lo afirmaron del siguiente álbum, 'Dear Heather' (2004). Aunque nunca traspasó ciertos límites de fama y éxito comercial a los que tienen acceso otros, Cohen se siente profundamente satisfecho: "Mi audiencia posee una calidad que cada día me asombra más. Hay gente entre mi público que entiende y escucha mi obra como si fueran mis propios oidos... y eso es algo increíble para un artista. Me alimenta y me hace sentir muy orgulloso"
En 2008 se embarcó en una gira mundial que se prolongó hasta finales de 2010, realizando 246 actuaciones. Ganó el Premio Príncipe de Asturias de las Letras de 2011. En el discurso al recibir el premio hizo referencia a la influencia española en su obra, que incluye las enseñanzas de un guitarrista español, a Federico García Lorc y a la guitarra española Conde que poseía desde finales de la década de 1960.
En enero de 2012 apareció su ábum, 'Old Ideas' en el que se incluyeron sus nuevas canciones, como 'The darkness' y 'Lullaby'. Fue nº1 en nueve países, entre ellos España y Finlandia, donde Cohen, con sus 77 años, se convirtió en el artista de más edad en llegar al nº1. Tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, el álbum fue Top5. El décimo tercero álbum de estudio de su carrera cuya publicación coincidió con su ochenta cumpleaños, fue'Popular Problems',y el 21 de octubre de 2016 apareció lo que sería su último álbum: 'You Want it Darker'. Murió tres meses después, el 7 de noviembre a los 82 años.
El 7 de agosto de 1921 nació en Praga el músico, compositor y director de orquesta Karel Husa. De origen checo, era ciudadano estadounidense desde 1959. Karel Husa se formó en el Conservatorio de Praga. Luego viajó a París donde asistió al Conservatorio Nacional y a la Ecole Normale.
Entre sus maestros estuvieron Arthur Honegger, Nadia Boulanger, Jaroslav Ridky y André Cluytens. Entre 1954 y 1992 formó parte del staff de la Universidad de Cornell, en 1974 fue elegido miembro honorario de la Real Academia de Artes y Ciencias de Bélgica, así como ha recibido doctorados y becas del Cleveland Institute of Music, la Fundación Guggenheim, la Academia de Artes y Letras Americana, la UNESCO, la Fundación Koussevitzky, la Academia de Artes y Ciencias Checa, etc.
Su “Cuarteto N°3” recibió en 1969 el Premio Pulitzer y su “Concierto para Cello” en 1993 el Grawemeyer Award. Su obra más famosa, “Music for Prague” (1968), ha recibido más de 7000 interpretaciones en todo el mundo. Otras partituras conocidas son “Apotheosis of this Earth”, que Husa considera un manifiesto contra la polución y la destrucción, así como “Landscapes per quintetto di ottoni” (1977).
El ballet “The Trojan Women” (1980) fue escrito a pedido para el Ballet de Louisville y el “Concerto for Wind Ensemble” recibió en 1983 el Sudler Prize. El “Violin Concerto” de 1993 fue comisionado para el aniversario 150 de la Filarmónica de Nueva York y el “Concerto for Orchestra” de 1986 fue encargado por Zubin Mehta.
Husa también dirigió muchas orquestas norteamericanas y europeas, presentado sus obras y las de otros compositores de distintos periodos como las de París, Londres, Hamburgo, Bruselas, Praga, Estocolmo, Oslo, Zurich, Hong Kong, Singapur, Nueva York, Boston, Washington, Cincinnati, Rochester, Buffalo, Syracuse Louisville, y otras. Cada año visitaba el campus de las escuelas de música y universidades, donde acogía a los oyentes interesados en las conferencias sobre su música. Además realizaba anualmente charlas en otras universidades y entidades pedagógicas.
Murió en diciembre de 2016 a los 95 años.
El 21 de julio de 1922 nació en Doughery (Oklahoma) la cantante de jazz y pop norteamericana Kay Starr, que durante los años cincuenta tuvo varios éxitos en las listas de EEUU, entre ellos los nº1 'Wheel of Fortune' y 'The Rock and Roll Waltz'. Logró éxito en todos los géneros que acometió en su carrera, pero sus verdaderas raíces se encontraban en el jazz. Billie Holiday llegó a decir de ella: "Es la única blanca que sabe cantar blues"
Kay nació en una reserva de Oklahoma como Katherine Laverne Starks, Su padre, indio iroqués, consiguió un trabajo en Texas y la familia se mudó a Dallas. Su madre, también india con sangre irlandesa, se dedicó a la cría de pollos. Con pocos años, Katherine ya se ponía frente al corral cuando volvía de la escuela y les cantaba a las gallinas sus melodías. Su tía Nora impresionada con el talento de la niña, arregló una audición en una emisora de radio local y la inscribió en un concurso semanal de jóvenes talentos musicales.
Katherine ganó semana tras semana y la emisora le concedió tres programas semanales de quince minutos. Con diez años ya ganaba tres dólares por sesión (lo que en época de la Gran Depresión era un buen dinero). Su padre consiguió un trabajo en Memphis, y allí Kay siguió apareciendo en la radio y recibiendo numerosas cartas de admiradores. Como la mayoría solía escribir su nombre incorrectamente, decidió simplificarlo y a partir de entonces comenzó a llamarse Kay Starr. Contando ella 15 años, llegó a la ciudad la orquesta de Joe Venuti, que había sido contratada por el Hotel Peabody. Ante la exigencia de estos de que la orquesta contara con una cantante (Venuti carecía de ella) y habiendo oido su road manager a Kay en la radio, se pusieron en contacto con sus padres para contratarla.
Joe Venuti y Kay Starr
Aunque los primeros años Kay tenía que estar de vuelta en casa antes de las doce, permaneció en la orquesta de Venuti hasta su disolución en 1942. En 1939 también tuvo breves apariciones en las orquestas de Bob Crosby y Glenn Miller, en las que cantó en alguna ocasión sustituyendo a la cantante oficial por enfermedad.
A continuación se trasladó a Los Angeles y trabajó con la banda de Wingy Manone. Desde 1943 hasta 1945 cantó en la orquesta de Charlie Barnet y tuvo que retirarse un año para dar descanso a su voz y sus cuerdas vocales, muy castigadas por el exceso de trabajo.
En 1946 se hizo solista y al año siguiente firmó un contrato con Capital Records, que ya tenía en nómina a otras solista femeninas como Peggy Lee, Ella Mae Morse, Jo Stafford y Margaret Whiting, por lo que no fue fácil buscarle un hueco a Starr. Cuando en 1948 el sindicato de músicos americano amenazó con una huelga, Capitol puso a todos sus artistas a grabar una gran cantidad de material para tener algo que vender por si se producía el paro. Pero Kay era una recién llegada y sus canciones favoritas fueron entregadas a las otras artistas, quedándole a ella una lista de viejas canciones que nadie quería grabar, como su primera entrada en listas, 'You were only foolin' (While I was falling in love)'.
En 1950 Starr hizo un viaje a su pueblo natal y allí escuchó una grabación del violionista Roy Acuff interpretando el tema de Pee Wee King, 'Bonaparte's Retreat'. Le gustó tanto, que se empeñó en grabarlo, por lo que se puso en contacto con Roy Acuff y su editora en Nashville. Como la pieza era instrumental, Acuff, encantado con la idea de Starr, escribió una letra para la ocasión y 'Bonaparte's Retreat', en versión de Kay, llegó a vender cerca del millón de copias.
Seguidamente firmó contrato con RCA Records, sello con el que permaneció hasta 1959. Durante estos años, la aparición del rock and roll distrajo mucho el mercado musical, por lo que Kay perdió popularidad y su único éxito en esa época fue 'The rock and roll waltz', nº1 en EEUU e Inglaterra, un tema que se puede ver tanto como un intento de cantar en el nuevo género, como una parodia del mismo. En los sesenta volvió a Capitol, aunque su carrera en el pop ya estaba extinta.
Kay Starr ha sido asimismo una magnífica cantante de jazz, muchas veces ignorada a causa de sus éxitos pop. Grabó varios álbumes de jazz vocal como 'Movin' (1959), 'Losers, Weepers...' (1960), 'Kay Starr: Jazz Singer' y 'I Cry By Night' (1962), así como uno de country, 'Just Plain Country' (1962), siendo de las primeras vocalistas femeninas en cantar música country. Tras abandonar por segunda vez Capitol Records, Kay siguió grabando álbumes de jazz y country en pequeños sellos, como 'How About This' junto a Count Basie en 1968 y 'Back to the Roots' en 1975. Su primer álbum en directo, 'Live at Freddy's' se publicó en 1997. Residía en Bel Air (California) y en 2013 seguía actuando. A pesar de haberse casado seis veces, sólo tuvo una hija y una nieta. Murió en noviembre de 2016 a los 94 años.
El 25 de junio de 1963 nació en Londres el músico, compositor y cantante británico George Michael. Saltó a la fama a principio de los años ochenta con el grupo Wham!, un dúo formado con su amigo de la escuela Andrew Ridgeley y desde 1984 disfrutó de una brillante carrera en solitario. Consiguió ocho nº1 en Estados Unidos y siete en el Reino Unido. Ganador de dos premios Grammy, tres Brit Awards y cuatro premios Ivor Novello, entre otros, vendió más de 100 millones de discos en todo el mundo. Entre 1984 y 2004 fue el artista más radiado en las emisoras británicas.
Nacido Georgios Kyriakou Panayiotou, fue el menor de tres hermanos, cuyo padre era un hostelero greco-chipriota. En la infancia, George soñaba con ser piloto, pero cuando descubrió que además de miope era daltónico, tuvo que aparcar su sueño. Tras recibir en su séptimo cumpleaños un magnetófono de cintas casette y descubrir poco después los viejos éxitos de la Motown, abrazó el nuevo sueño de llegar a ser una estrella de la música. El restaurante de su padre fue prosperando y la familia se mudó al acomodado barrio de Radlett. Allí asistió a la Bushey Meads School, donde conoció a Andrew Ridgeley, un chico con estilo muy popular y atractivo. Por aquel tiempo, George era extremadamente tímido y pesaba unos kilos de más, por lo que parecía poco probable que ambos llegaran a conectar.
The Executive
Sin embargo les unía su pasión por la música de Motown y sus ilusiones por triunfar como músicos, y pronto comenzaron a colaborar y a escribir canciones juntos. Aunque los padres de Michael preferían para su hijo una profesión 'respetable' como abogado o médico, George y Ridgeley abandonaron los estudios a los dieciséis años y en 1979 formaron una banda de ska llamada The Executive. Surgieron tensiones en la banda y tras su sexta actuación el grupo se rompió. Michael no se desanimó y se buscó la vida trabajando en todo tipo de empleos al mismo tiempo que él y Ridgeley seguían componiendo y grabando demos que enviaban a las casas discográficas.
Por fin, en 1982 consiguen firmar como Wham! un contrato con Innervisions Records. Este fue el momento en el que Michael decidió cambiar su intimidante nombre Georgios Panayiotou al más accesible George Michael. Ese mismo año, en verano, el dúo publicó su álbum debut, 'Fantastic', que alcanzó el puesto nº 4 en las listas británicas con temas como 'Young guns (Go for it!)','Wham rap! (Enjoy what you do)' y 'Club Tropicana'.
George Michael y Andrew Ridgeley
Su segundo álbum, 'Make it Big' (1984) los convirtió en estrellas de adolescentes en el Reino Unido e incluso llamaron la atención en Estados Unidos donde el álbum fue nº1 durante tres semanas. Su estilo musical cambió con respecto al primer álbum. En 'Fantastic', exhibiendo una imagen de 'chicos malos con cazadora de cuero', los temas tenían influencias rap. En 'Make it Big', Michael echó mano de sus primeras musas de la Motown y compuso temas como 'Wake me up before you Go-Go', que fue nº1 en el Reino Unido, Estados Unidos, Australia y varios países más. Además recibió la nominación a un Grammy.
Pero hubo que pagar un precio por todo este éxito. Los críticos catalogaron a Wham! como un "grupo intrascendente de pop adolescente".
En diciembre de 1984, George colaboró con la grabación 'Do they know it's Christmas' de Band Aid, una organización fundada por Bob Geldof con el fin de recaudar fondos para paliar el hambre en Etiopía, aportando el tema 'Last Christmas' compuesto por él, que con los años se ha convertido en un clásico navideño en Europa. En 1985 completaron un nuevo álbum, 'The Edge of Heaven' y realizaron una gira por China, siendo Wham! el primer grupo occidental en actuar allí. El éxito mundial era indiscutible, pero Michael no estaba satisfecho con la imagen que proyectaban y tras el éxito de su single en solitario 'Careless whisper' el grupo se disolvió en 1986.
Con el fin de intentar borrar su imagen de ídolo adolescente, Michael grabó un dúo con Aretha Franklin. El single, titulado 'I knew you were waiting (For me)', ganó un Grammy en 1987. Ese mismo año publicó su esperado álbum debut en solitario. 'Faith' alcanzó rápidamente el nº1 en Inglaterra y Estados Unidos y obtuvo unas magníficas ventas. Uno de su singles, 'I want your sex' causó especial controversia por su lenguaje sexual explícito y algunas emisoras de radio la vetaron o únicamente la emitían a altas horas de la madrugada. Todo esto contribuyó a que el single fuera Top5 en el Reino Unido y Estados Unidos.
'Faith' produjo además otros hits como la magnífica balada 'Kissing a fool', 'Father figure','One more try' y 'Monkey' y causó un gran impacto en la crítica, entre cuyos representantes no faltó quien comparara la capacidad de innovación musical de Michael con la de Prince. En 1990 se publicó su siguiente entrega 'Listen Without Prejudice, Vol I', un nuevo intento de sacudirse de encima su imagen de sex-symbol. Uno de los temas del álbum, 'Freedom', se acompañó de un video en el que varias modelos siguen la canción moviendo los labios y haciendo play-back. George no aparece en ningún momento. Sigue rompiendo con el pasado simbolizado por su chaqueta de cuero de 'Faith', que arde en llamas en el video. En Rolling Stone se podía leer: "George Michael parece haber decidido proveer a sus fans de algo más que juegos y diversión". Aunque no igualó las ventas de 'Faith', el álbum fue el testimonio de la legitimidad y madurez artística de Michael.
En 1992 Michael apareció en Concert for Life, un concierto benéfico con el fin de recoger fondos para la lucha contra el SIDA y un homenaje al recientemente fallecido Freddie Mercury. Acompañado de un coro gospel, George interpretó el clásico 'Somebody to love' ante miles de fans de Queen que llenaban el Wembley Stadium de Londres.
Ese mismo año debutó dirigiendo el video de 'Too funky', una de las tres canciones con las que contribuyó al álbum 'Red, Hot & Dance', otro proyecto para recabar fondos de ayuda para el SIDA. También en 1992 comenzó un litigio con la multinacional Sony, que había adquirido su sello original, Epic Records. Michael pretendía romper su contrato que le ligaba hasta 2003 y le obligaba a entregar seis álbumes más en ese tiempo. George se quejaba de que Sony trataba a sus artistas como si fueran productos electrónicos o software informático. "La gran compañía discográfica americana con la que firmé orgulloso siendo aún adolescente, se ha convertido en una pequeña sección de la cadena productiva de una gigantesca empresa de tecnología electrónica, quienes, hablando con franqueza, no tienen ni idea de lo que significa un proceso creativo".
Elton John y George Michael
El proceso judicial que se inició ensombreció los trabajos musicales que desarrolló aquella época, como su producción para Warner Bros, 'Trojan Souls', un álbum de nuevas composiciones de Michael interpretadas por otros artistas como Anita Baker, Bryan Ferry, Aretha Franklin y Elton John, con quien Michael había establecido una cercana relación amistosa y profesional, simbolizada en su dúo de 'Don't let the sun go down on me', incluido en el álbum 'Two Rooms'. Su proyectado tercer álbum 'Listen Without Prejudice Vol.2' se quedó en el limbo a causa del litigio con Sony.
Tras perder el juicio, Michael compró su contrato y firmó con los sellos DreamWorks y Virgin en 1995. Un año después publicó 'Older', su tercer disco en una carrera que duraba ya diez años, y que contenía 'Jesus to a child', un tema que ya había estrenado en la MTV dos años antes, dedicado a su pareja sentimental, Anselmo Feleppa, fallecido en marzo de 1993. El segundo single, 'Fastlove', a pesar de ser poco convencional para el mercado pop (duraba más de cinco minutos y no tenía un estribillo definido), alcanzó el nº1 de las listas británicas y permaneció allí tres semanas. Incluso en Estados Unidos fue Top10. El álbum produjo más singles de éxito como 'Spinning the wheel', 'Older' y 'Star people '97'.
Tras verse envuelto en 1998 en algunos escándalos sexuales y de drogas en EEUU, su popularidad allí decayó mucho, aunque seguía manteniendo el éxito en su país. Uno de los incidentes ocurrió con un policía de Beverly Hills (California) llamado Marcelo Rodríguez, miembro de una brigada especial de incógnito, que le arrestó en un baño público por 'actos lascivos'. En una entrevista de MTV, George Michael lo contó así: "En fin, me siguió al baño y entonces el policía -bueno, yo no sabía que era policía en aquel momento, obviamente- comenzó a jugar a ese juego que se llama: 'Yo te enseño lo mío, tú me enseñas lo tuyo y cuando me lo enseñes, te arresto'".
Tras el incidente, Michael se 'vengó' con el single y video 'Outside', en el que satiriza al agente. Éste, a su vez, lo llevó a juicio en 1999 demandándole por difamación y exigiendo una indemnización de 10 millones de dólares. En diciembre de 2002, el tribunal desestimó definitivamente la demanda dictaminando que "Rodríguez, como funcionario público, no puede legalmente pedir daños ni perjuicios por angustia emocional".
También en 1999 Michael publicó 'Songs From the Last Century', un álbum de versiones. Desde el año 2000, Michael reconoce su homosexualidad y mantuvo una relación hasta 2009 con Kenny Goss, un ejecutivo de una firma de ropa deportiva. En 2002 publicó el single 'Shoot the dog' en el que criticó la alianza británica-estadounidense en la guerra de Iraq. Consiguió ocho números 1 en Estados Unidos y siete en el Reino Unido. En 2003 aparcó sus diferencias con Sony y firmó un nuevo contrato a nivel mundial con Sony Music UK. El resultado fue 'Patience' (2004), su primer álbum de música original en ocho años con hits como'Amazing', nº1 en varios países europeos.
El segundo single. 'Flawless (Go to the city)', fue un éxito en las pistas de baile europeas y norteamericanas, siendo nº1 en las listas de dance estadounidenses. Tras la publicación de 'Patience', George comunicó que sería el último de sus trabajos en ponerse a la venta al público. En marzo de 2004 comunicó a la BBC que su música estaría disponible para la descarga en su página web personal, a cambio de donaciones voluntarias a organizaciones caritativas. En 2006 anunció su primera gira en 15 años, '25 live', en la que celebraba sus 25 años de carrera, con la que viajó durante tres años con gran éxito por todo el mundo.
El año 2008 dio a conocer a través de su página web su última composición 'December song (I dreamed of Christmas)'. El 2 de marzo de 2011 Michael anunció el lanzamiento de su versión cover del hit de 1987 de New Order'True faith' como ayuda a 'Comic Relief'. En noviembre del mismo año canceló su gira 'Symphonica' que había iniciado en Praga. Antes de su concierto en Viena cayó enfermo de neumonía. Pasó unos momentos difíciles y hubo que practicarle una traqueotomía pero gracias a los cuidados y servicios clínicos del Hospital General de Viena, Michael se recuperó y el mes de agosto de 2012 apareció en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Londres. Un par de meses antes se publicó el single 'White light'
En marzo de 2014 salió a la venta su última obra: el álbum en vivo 'Symphonica' que nuevamente fue nº1 en el Reino Unido, el séptimo como artista en solitario que además fue el primero grabado en directo de su discografía. En él se incluyen ocho versiones y seis temas de Michael procedentes de su interrumpida gira celebrada entre 2011 y 2012. Ejerció como co-productor Phil Ramone siendo este su último trabajo antes de morir en marzo de 2013.
George murió mientras dormía el día de Navidad de 2016, posiblemente de un fallo cardiaco.
A comienzos de los años cincuenta, Chuck tocaba con algunas bandas locales de los clubes de St Louis para ingresar un dinerillo extra. Había estado tocando blues desde niño y tomó prestados algunos riffs de guitarra y la actitud escénica de T-Bone Walker. También recibió clases de guitarra de su amigo Ira Harris, las cuales ayudaron a perfeccionar y definir su propio estilo con el instrumento. En 1953 formaba parte del trio de Johnnie Johnson, un pianista al que le uniría una larga relación profesional. Aunque la banda tocaba predominantemente blues y baladas, la música más popular entre la clientela blanca de la zona era el country & western.
En 1957 Berry fue incluído en el show 'Las más grandes estrellas de 1957', junto con Everly Brothers, Buddy Holly y otros. Los hits continuaron hasta 1959, consiguiendo por lo menos una docena de ellos, que incluían los Top10 'School days', 'Rock and roll music', 'Sweet little sixteen' y 'Johnny B. Goode'. Apareció en dos películas cuyo tema era el rock and roll: 'Rock Rock Rock' (1956) y 'Go, Johnny Go!' (1959). Chuck logró romper las barreras de popularidad entre la música blanca y negra de su tiempo, y tuvo una gran influencia posterior, tanto en compositores (Dylan, Lennon/McCartney), como en guitarristas (Keith Richards, Eric Clapton).
Su manera de tocar nerviosa, frenética, y su famoso 'baile del pato', formaban parte de un estilo único que subió su cotización espectacularmente y en muy poco tiempo. Berry era ya una estrella establecida y además de poseer un night-club en St. Louis, Berry's Club Bandstand, invertía su dinero adquiriendo propiedades inmobiliarias.
