Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 15 de enero de 1941 nació en Glendale (California) el pintor y músico Don Glen Vliet, más conocido por Captain Beefheart, que con su Magic Band, grupo de formaciones cambiantes, grabó entre 1965 y 1982 doce álbumes con una música revolucionaria y experimental para la época, que se caracterizaba por extraños cambios de ritmo, disonancias y letras surrealistas. A pesar de carecer de éxito comercial, Captain Beeheart mantuvo una gran base de seguidores que le han convertido en músico de culto, cuya influencia ha sido determinante en el punk, la new wave y el rock alternativo.
Hijo de un propietario de gasolinera de origen holandés, Don fue pronto considerado un niño prodigio. Con tres años comenzó a pintar y esculpir, obesionándose con figuras de animales, particularmente dinosaurios, mamíferos africanos y lemures. Con nueve años ganó un concurso de escultura organizado por el zoo de Los Angeles. Cuando cumplió trece años, su familia se trasladó a Lancaster, localidad cercana al desierto de Mojave, donde estaba desarrollándose un área de industria aeroespacial. Don siguió interesado en el arte en todas sus formas y escuchó con fruición la música de Son House, Robert Johnson, Howlin' Wolf , Muddy Waters así como el jazz de Ornette Coleman, John Coltrane, Thelonious Monk y Cecil Taylor.
En la Antelope Valley High School de Lancaster, donde asistió a secundaria, conoció a Frank Zappa, con quien compartía la veneración por el blues y R&B de Chicago. Cuando Zappa consiguió un trabajo en el estudio PAL de Cucamonga, ambos compondrían y grabarían algunos temas (que aparecerían más tarde en el álbum de Zappa 'Mistery', 1996), entre ellos el que dio lugar al nombre artístico que adoptaría Don a partir de entonces, 'The Birth of Captain Beefheart'.
Don no acabó los estudios y desempeñó varios trabajos, como vender aspiradoras de puerta en puerta o de encargado de una tienda de zapatos de la cadena Kinney. De nuevo en Cucamonga se reencuentra con Zappa, quien le anima a seguir con la música. Aunque tímido e inseguro, gracias a su amplio rango vocal era capaz de imitar a Howlin' Wolf y, bastante más suelto tras aprender a tocar la armónica, añadió el 'Van' a su apellido y comenzó a actuar en pequeños clubs del sur de California.
En su primera encarnación, Captain Beefheart & the Magic Band fue un grupo de blues-rock con un amplio seguimiento entre adolescentes. Fichados por A&M Records, el éxito del single 'Diddy wah diddy', versión de un tema de Bo Diddley, les abrió la posibilidad de grabar un álbum. Cuando Van Vliet presentó canciones como 'Electricity' y 'Zig zag wanderer', el presidente del sello, Jerry Moss, rechazó el proyecto considerándolo 'demasiado negativo'. Van Vliet, con cambios en la banda y la ayuda de un joven Ry Cooder, logra volver a grabar sus temas con RCA y se publica 'Safe As Milk'.
The Magic Band (sin Cooder) en 1967
Don principalmente dirigía la banda, además de -sin ser un virtuoso- tocar la armónica y, ocasionalmente, el saxofón y el teclado, influido principalmente por el blues y el free-jazz. En aquellos días la ingesta de LSD era común en las comunidades artísticas y Don no era la excepción. Pero a Don las alucinaciones lisérgicas le producían tales ataques de ansiedad, que Ry Cooder abandonó la banda, incapaz de hacer compatible su música con las extravagancias sonoras de Vliet. Don, desanimado, e incapaz de encontrar con rapidez un músico que se hiciera cargo de las difíciles partes de guitarra, tuvo que cancelar varios shows previstos, entre ellos uno en el Festival de Monterey.
The Magic Band en 1969
Con Jeff Cotton en el lugar de Cooder, Don comenzó a grabar material de lo que sería su siguiente álbum, un disco que en principio iba a ser doble bajo el nombre 'It Comes to You in a Plain Brown Wrapper' y publicado por Buddah Records. Cuando los responsables del sello rechazaron las cintas, el productor Bob Krasnow remezcló algunos temas añadiendo efectos de 'phasing' (muy de moda con el rock psicodélico), todo ello sin el permiso o el control de Van Vliet, que se encontraba en Europa de gira, y publicó el segundo álbum oficial de Captain Beefheart, 'Strictly Personal', en su propio sello Blue Thumb Records. El 27 de enero de 1968, en una de sus giras europeas, Beefheart y su banda realizan un concierto memorable en el Festival de Musica MIDEM en Cannes.
Surge su viejo amigo Zappa que se ofrece para producir su siguiente trabajo, 'Trout Mask Replica' (1969), dándole a Van Vliet toda la libertad
creativa en el estudio que no había disfrutado con sus anteriores
trabajos. El álbum, con temas como 'Ella Guru' y 'My human gets me my blues' contiene sonidos predecesores de música realizada posteriormente por artistas como Tom Waits y P.J. Harvey y está considerado por muchos críticos uno de los discos más importantes e influyentes de la historia de la música popular.
Los miembros de su banda, The Magic Band, desilusionados con el nuevo rumbo musical de la banda, se separan y, seguidamente, Reprise Records le rescinde el contrato a Don. En 1974 publicó con una nueva y efímera formación de The Magic Band, dos álbumes de pop-blues: 'Unconditionally Guaranteed' y 'Bluejeans and Moonbeams'. Aunque primero apadrinado por Zappa, los egos de ambos músicos chocaron en más de una ocasión, como en la gira que realizaron juntos tras la grabación de 'Bongo Fury' (1975), en la que no se hablaron.
Van Vliet en 1982
Captain Beefheart comenzó a grabar en DiscReet su siguiente trabajo 'Bat Chain puller' (1976), en el que volvía a sus excéntricos sonidos de 'Trout Mask Replica'. Pero el álbum se quedó sin publicar por litigios entre Zappa y Herb Cohen, su socio en el sello discográfico. Zappa se quedó con los masters y su viuda ha accedido recientemente a publicarlo como fue concebido en su día. Van Vliet decidió grabar en Warner Bros. y se publicó 'Shiny Beast (Bat chain puller)', el primero de sus tres últimos trabajos, considerados junto con 'Trout Mask Replica' lo mejor de su catálogo. Le siguió 'Doc at the Radar Station'(1980) y en 1982 publicó su último álbum, 'Ice cream for crow'
También conocido por su agria relación con colaboradores y público, vivió sus últimos años retirado viviendo en una caravana en el desierto de Mohave, dedicado a la pintura. Su obra, de estilo expresionista, ha sido expuesta en galerías de arte de todo el mundo, cotizándose alguna de sus cuadros a 25.000$. Murió en diciembre de 2010 a los 69 años.
El mes de enero de 1974 se publicó en Estados Unidos, 'Grievous Angel', el segundo álbum en solitario de Gram Parsons, publicado cuatro meses después de su muerte. Un trabajo que le coronó como el padre del country-rock y con el que también dejó claro que nunca nadie podría volver a abordar el género con tanta maestría.
Gram Parsons y Emmylou Harris
Tras una destartalada gira celebrada en la primavera y verano de 1973, Parsons volvió a contar con su cantante partenaire Emmylou Harris, varios miembros de la Hot Band de Elvis, como James Burton y Glen Hardin, además de invitados ocasionales como Bernie Leadon y Linda Ronstadt, con el fin de grabar su segundo álbum en solitario para Reprise Records. Necesitado de canciones nuevas, Parsons rápidamente compuso dos temas durante las sesiones, 'Return of the grievous angel' y 'In my hour of darkness', esta última coescrita y arreglada por Harris.
Emmylou y Parsons, ensayando
Además, rebuscando entre su material antiguo, rescató canciones que ya había grabado con los Byrds ('Hickory wind') o Flying Burrito Brothers ('$1000 wedding'). De una época incluso anterior, de su etapa de músico folk en la Universidad de Harvard, procede la composición 'Brass buttons', en la que lanzaba tiernos reproches a su madre alcohólica. Otros temas incluían 'Ooh Las Vegas' un tema descartado de su álbum anterior y algunas versiones de otros autores, como 'Hearts on fire', 'I can't dance' y su emotiva versión de 'Love hurts', de Boudleaux Bryant.
Portada original rechazada por la viuda
Con el álbum grabado, Parsons se fue a descansar a Joshua Tree, donde moriría días despues, en septiembre de 1973 a los 26 años, víctima de una sobredosis -supuestamente accidental- de morfina y alcohol. Una inminente gira, sus planes de divorcio de Gretchen, su mujer y la pretensión de grabar un nuevo álbum se fueron con él. La imagen original del álbum, que mostraba a Gram junto a Emmylou Harris, (no en vano compartió la interpretación de la mayoría de los temas con él y el disco se iba a acreditar a 'Gram Parsons con Emmylou Harris') fue eliminada por su viuda, Gretchen, (que nunca vio con buenos ojos la buena relación profesional entre ambos) y la colaboración de Harris relegada a una ridícula mención en la contraportada.
El título original, 'Sleepless Nights' también fue sustituido, así como la imagen de portada, con una simple imagen de Parsons sobre fondo azul. Tres temas de las sesiones que Gretchen no incluyó en el álbum original, 'Sleepless nights', 'The angels rejoiced in heaven last night' y 'Brand new heartache', se incluyeron en el recopilatorio póstumo llamado como Gram lo pensó originalmente: 'Sleepless Nights' (1976)
Gram Parsons: voz solista, guitarra acústica Emmylou Harris: voces (en todos los temas excepto en 'Brass buttons') Glen D. Hardin: piano, piano eléctrico James Burton: guitarra solista Emory Gordy, Jr.: bajo Ronnie Tutt: batería Herb Pedersen: guitarra rítmica Al Perkins: pedal steel
Invitados: Bernie Leadon: guitarra eléctrica en 'Hearts on fire', dobro en 'In my hour of darkness' Linda Ronstadt: segundas voces en 'In my hour of darkness'
El 15 de enero de 1948 nació en Jacksonville (Florida) Ronnie Van Zant el cantante y letrista de la banda de rock sureño Lynyrd Skynyrd desde su fundación en 1964 hasta su trágica muerte en 1976.
Con pocos años Ronnie tenía claro que iba a ser alguien famoso. Sus primeras aspiraciones profesionales apuntaban al boxeo, deporte en el que Muhammad Ali era uno de sus ídolos, al baseball profesional y a las carreras de coches. En 1964 formó con unos compañeros de clase la banda Lynyrd Skynyrd, nombre inspirado en un profesor de gimnasia llamado Leonard Skinner del centro en el que estudiaban, que se caracterizaba por suspender a todos los estudiantes que según él llevaran el pelo demasiado largo. En 1973, tras años en la carretera publicaron su primer álbum, que ya contenía clásicos del rock como 'Gimme three steps','Tuesday's gone' y 'Free bird'.
El segundo álbum contenía su mayor éxito, 'Sweet home Alabama', escrito por Ronnie en respuesta a las canciones 'Alabama' y Southern Man' de Neil Young, en las que el canadiense criticaba el racismo imperante en el estado sureño. A pesar de ello, Ronnie y Neil Young eran grandes amigos y ambos interpretaban los temas del otro en sus conciertos.
Steve Gaines y Ronnie Van Zant
Cuando el grupo se encontraba en lo más alto, Ronnie murió en octubre de 1977 a los 29 años junto a Cassie Gaines (29), Steve Gaines (28), el road manager Dean Kilpatrick, el piloto y el co-piloto de una avioneta charter, al estrellarse ésta por un fallo del motor en Gillsburg (Mississippi). Actualmente le sustituye a la voz solista en el grupo su hermano Johnny Van Zant.
El 14 de enero de 1931 nació en La Habana el guitarrista, pianista y arreglista cubano Manuel Galbán, conocido por su trabajo con Los Zafiros, Ry Cooder y Buena Vista Social Club.
Criado en Cuba, era solo un niño cuando comenzó a tocar la guitarra en grupos locales y a los 14 años fue contratado por la Orquesta Villa Blanca. En 1963 se unió al popular grupo Los Zafiros con quienes permaneció como director musical el resto de la década. A continuación pasó tres años en la Dirección General de Música y después perteneció al Grupo Batey como cantante guitarrista y pianista, permaneciendo en la banda 26 años y realizando numerosas giras por todo el mundo.
En 1998 se unió al grupo tradicional cubano Vieja Trova Santiaguera, con quienes también realizó tours y grabó un par de álbumes muy populares. Apareció en el film de Wim Wenders'Buena Vista Social Club' junto a Ry Cooder e Ibrahim Ferrer. Más tarde realiza más grabaciones con Ferrer y Cachaito López (bajista de Buena Vista Social Club) y se incorpora como guitarrista al grupo.
Colaboró con Ry Cooder en el álbum 'Mambo Sinuendo', que les proporcionó a ambos un Grammy en 2003. Galbán murió de un infarto en julio de 2011 a los 80 años.
El 13 de enero de 1929 nació en New Brinswick (New Jersey) el músico de jazz de origen siciliano Joe Pass, considerado uno de los grandes guitarristas del género en el siglo XX. Su estilo formando melodías con acordes, el uso de las técnicas de 'walking bass' y de melódicos contrapuntos durante sus improvisaciones, además de su extraordinario conocimiento de las inversiones y progresiones de acordes, abrieron numerosas nuevas posibilidades de expresión a la guitarra eléctrica de jazz, las cuales significaron una gran influencia en futuros instrumentistas del género.
Nacido como Joseph Anthony Jacobi Passalaqua, fue el mayor de cinco hermanos, hijos de Mariano Passalaqua, un trabajador del acero precedente de Sicilia. Siendo aún un niño, su familia se trasladó a Johnstown (Pennsylvania), donde Joe se sintió atraído por las guitarras tras ver una película protagonizada por uno de los 'vaqueros cantantes' de la época, Gene Autry. Su interés se vio recompensado cuando cumplió los nueve años al recibir como regalo de su padre una guitarra Harmony de 17$con cuerdas metálicas. Aunque no existían antecedentes musicales en la familia, algo debió ver su padre en Joe, cuando le instó a practicar varias horas al días con el instrumento. "Mi padre no quería un futuro de obrero para mí e hizo todo lo que estuvo en su mano para mejorar mi educación", recordaba Pass en Down Beat,"Entraba en las tiendas de música y me traía a casa cualquier libro o método en el que figurara la palabra 'guitarra' en el título".
A los catorce años, Joe se había unido a una banda llamada los Gentlemen of Rhythm, cuyo repertorio consistía en la música del legendario guitarrista Django Reinhardt. Solían tocar en fiestas privadas y bailes, en los que Pass ganaba tres o cuatro dólares por noche. Su talento con la guitarra llamó la atención del saxofonista y director de banda Tony Pastor que le dejó tocar una noche con ellos en un concierto local. Pastor, impresionado, se lo quería llevar de gira con él, pero Pass no podía dejar el colegio aún.
Un año después, sus padres lo enviaron a Nueva York a que recibiera clases del respetado guitarrista de estudio Harry Volpe. Cuando éste advirtió que Pass improvisaba mejor que él, se centró en enseñarle a leer partituras, lo que frustró a Joe, que volvió a Johnstown, pero no por mucho tiempo. "Mi padre era un hombre muy estricto", comentaba el guitarrista en Rolling Stone, "por lo que cuando enfermó, ya no podía ejercer tanta presión sobre mí. Esa fue mi oportunidad para salir de casa. Llegué a Nueva York en el 45 y anduve de aquí a allá por un tiempo. Toqué en algunas pequeñas bandas y tuve la oportunidad de ver a Bird y a Tatum en directo. Después caí con las drogas".
De hecho, sus adicciones comenzaron a dirigir su vida. Viajó a Nueva Orleans donde tuvo acceso a todo tipo de drogas. Allí permaneció un año tocando en clubes de striptease. Al año siguiente Pass viajó de ciudad en ciudad tocando donde podía. En 1949 se unió a la banda de Ray McKinley pero lo tuvo que dejar cuando Ray descubrió que no era capaz de leer las partituras de los arreglos. Los primeros años cincuenta Pass siguió tocando en diversas localidades y de vez en cuando era arrestado por posesión de narcóticos. "Estar colocado era la primera de mis prioridades. Tocar era la segunda, y la tercera, las chicas y el sexo. Pero la primera de ellas se llevaba todas mis energías".
Centro 'Synanon' en Santa Monica
En 1954 fue arrestado de nuevo y enviado a un hospital de Fort Worth (Texas) perteneciente al Servicio Nacional de Salud, donde permaneció cuatro años. Dos años después ingresó en el centro de rehabilitación de toxicómanos Synanon, en Santa Monica (California) donde pasó otros tres años. Allí, Pass comenzó a disfrutar de nuevo con sus habilidades a la guitarra y a tomarse más en serio su carrera de músico. "Muchos chavales piensan que para ser un buen guitarrista hay que lanzarse a la carretera y ser un drogata durante unos años y eso no es verdad. No recuerdo un sólo instante de aquella etapa que pueda calificar como un momento en el que aprendí algo. Pasé la mayoría de los años dejándome llevar, sin progresar en absoluto. Fue una terrible pérdida de tiempo". En Synanon grabó su primer trabajo discográfico, 'Sounds of Synanon', junto a otros músicos asimismo pacientes del centro.
Tras dejar Synamon en 1963, Pass grabó 'Catch Me!', su primer álbum como líder, con el baterista Colin Bailey, el pianista Clare Fischer y el bajista Albert Stinson. El año siguiente, grabó un tributo a Django Reinhardt llamado 'For Django', seguido de 'Simplicity' dos años más tarde. También realizó trabajos de estudio como guitarrista de sesión, tocó en orquestas de TV y, entre 1965 y 1967, acompañó al pianista George Shearing.
Durante la siguiente década, la carrera de Pass siguió prosperando. Grabó tres álbumes en Alemania y tocó en grabaciones de Earl Bostic, Julie London, Eddie 'Cleanhead Vinson, Chet Baker y Carmen McRae. Trabajó como sideman para artistas pop como Frank Sinatra, Della Reese, Steve Allen y Johnny Mathis, y sustituyó al guitarrista habitual del Merv Griffin Show, Herb Ellis, cuando este no pudo acudir en una ocasión.
Precisamente con Herb Ellis sugirió Pass un dúo en 1971, para fusionar sus riffs bebop con el estilo blues de Ellis. Ambos formaron equipo y se convirtieron en una de las formaciones de dos guitarras más famosa e influyente del jazz. Carl Jefferson los invitó a tocar en el Concord Jazz Festival de 1972, evento en el que se grabó el primer álbum del nuevo sello Concord Records, 'Jazz Concord'. En la edición del año siguiente, Pass y Ellis grabaron 'Seven Come Eleven' (1973)
Ese mismo año el legendario director de banda Benny Goodman le pidió a Pass sustituir a su guitarrista en uno de sus conciertos. La actuación de Joe impresionó a Goodman de tal manera que se lo llevó con su orquesta de gira por Australia.
A su vuelta, Pass firmó un contrato con el nuevo sello fundado por Norman Granz, Pablo Records, e inmediatamente comenzó a grabar su primer álbum en solitario, 'Virtuoso' (1974), considerado por muchos su mejor trabajo y uno de los mejores álbumes de guitarra jazz de la historia. El éxito del álbum generaría una serie de secuelas: 'Virtuoso No.2' (1976), 'No. 3' (1977), 'No. 4' (1983) y 'Virtuoso Live' (1991).
Joe Pass y Oscar Peterson
En el álbum 'The Trio', también de 1974, Pass toca con Oscar Peterson y Niels-Henning Ørsted Pedersen. Este trabajo mereció un Grammy por 'mejor interpretación de jazz en grupo'. Como parte del staff de Pablo Records, Joe participó en grabaciones de -entre otros- Benny Carter, Milt Jackson, Herb Ellis, Zoot Sims, Duke Ellington, Dizzy Gillespie, Ella Fitzgerald y Count Basie, siendo durante los años 70 y 80 el guitarrista más grabado de la industria.
En 1989 Joe se reunió con el grupo que acompañó a Django Reinhardt en sus grabaciones, el guitarrista rítmico John Pisano, el baterista Colin Bailey y el bajista Jim Hugbart, para grabar 'Summer Nights'. Con la misma formación apareció 'Appassionato' en 1992. Ese año Joe descubre que padece cáncer. Responde positivamente al tratamiento y sigue actuando el resto del año, pero su salud comenzó a resentirse lo que le obligó a dejar las giras.
Grabó su último álbum, 'Joe Pass & Co' con Pisano, Bailey y el bajista Monty Budwig. El 7 de mayo de 1994 Pass realizó su última actuación en un night club de Los Angeles. "Seguía sonando como los mejores", recordaba Pisano en Guitar Player, "pero cuando terminó aquel show, me miró con lágrimas en los ojos diciendo 'ya no puedo tocar más'. Aquello fue como una puñalada directa al corazón."
Joe Pass murió unos días después, a los 65 años. En un tributo de la revista Guitar Payer, el crítico Jim Ferguson resumió su carrera como guitarrista: "Bebop, latino, baladas, blues, temas propios, solos, dúos, tríos, grandes orquestas... Joe lo hizo todo. No existe instrumentista en la memoria reciente que haya realizado tantas grabaciones en tantos estilos y contextos diferentes. Muy probablemente, Joe Pass fue el guitarrista más versátil y completo de la historia."
El 12 de enero de 1951 nació en Memphis (Tennessee) el cantante y guitarrista Chris Bell, quien junto a Alex Chilton lideró a banda de power-pop Big-Star, cuyó álbum '#1' fue de gran influencia en grupos posteriores como Replacements, R.E.M., Wilco y Flaming Lips.
Antes de su encuentro con Chilton, Bell había tocado con una serie de bandas de Memphis a comienzos de los años sesenta. Con 12 años empezó a tocar su propia música que tenía grandes influencias de Beatles y otros grupos de la 'invasión británica' como los Yardbirds y The Who. En 1964 formó parte como guitarra solista del grupo Jinx, por cuya formación pasaron numerosos cantantes locales, entre ellos un adolescente Alex Chilton. Cuando el grupo se separó, Chilton se unió a los Box Tops y Bell siguió por su cuenta dedicándose más a la composición.
Al final de la década, Andy estaba involucrado en dos proyectos de banda, Icewater y Rock City. Le pidió a Chilton que se uniera a ellos y surgió Big Star, cuya primera formación estaba compuesta por Bell y Chilton a las guitarras y voces, Andy Hummel al bajo y Jody Stephens a la batería. En su disco debut, '#1', grabado en los estudios Ardent de Memphis, Bell fue, junto al ingeniero Terry Manning, gran responsable de las mezclas y del resultado final del álbum. La respuesta de los críticos fue excelente, sin embargo, una mala gestión de marketing de Stax Records contribuyó a que fuera un fracaso comercial.
La frustración por ello generó tensiones en el grupo que llegaron al enfrentamiento físico. Bell, tras recibir un puñetazo de Andy Hummel en una pelea, destrozó el recién estrenado bajo de Hummel haciéndolo añicos contra una pared. El bajista se tomó cumplida venganza unos días más tarde. Viendo en la parte trasera de un coche la guitarra acústica de Bell, la perforó repetidas veces con un destornillador... En noviembre de 1972, Chris abandonó Big Star, aunque seguiría colaborando con ellos y compuso un par de canciones del segundo álbum 'Radio City' (sin acreditar), 'O my soul' y 'Back of a car'.
A continuación se concentró en su trabajo en solitario grabando maquetas en los estudios Ardent con viejos amigos de bandas anteriores como el bajista Bill Cunningham, Richard Rosebrough y, ocasionalmente, Alex Chilton. Uno de los temas más conocidos de Chris en este periodo fue 'You and your sister'.
Arrastró una profunda depresión el resto de su vida, debida en parte a su enganche a la heroína, dependencia contra la que intentaba luchar mediante una poderosa fe en el cristianismo. Varias de sus canciones escritas en los años setenta reflejan su interés en la religión y el sentimiento cristiano. La mayoría de ellas no verían la luz hasta su edición 14 años tras la muerte de Bell en un álbum llamado 'I Am The Cosmos', cuyo contenido demostraba la gran influencia que tuvo Andy en el proyecto Big Star.
Robert Christgau comentó: "Tras escuchar su álbum póstumo, ya no hay duda de que Big Star fue idea suya". Miembro del selecto 'club de los 27', Chris Bell murió a esa edad cuando en diciembre de 1978 se estrelló con su coche contra una farola cuando volvía de comer en el restaurante de su padre en Memphis.
Don no acabó los estudios y desempeñó varios trabajos, como vender aspiradoras de puerta en puerta o de encargado de una tienda de zapatos de la cadena Kinney. De nuevo en Cucamonga se reencuentra con Zappa, quien le anima a seguir con la música. Aunque tímido e inseguro, gracias a su amplio rango vocal era capaz de imitar a Howlin' Wolf y, bastante más suelto tras aprender a tocar la armónica, añadió el 'Van' a su apellido y comenzó a actuar en pequeños clubs del sur de California.
Surge su viejo amigo Zappa que se ofrece para producir su siguiente trabajo, 'Trout Mask Replica' (1969), dándole a Van Vliet toda la libertad
creativa en el estudio que no había disfrutado con sus anteriores
trabajos. El álbum, con temas como 'Ella Guru' y 'My human gets me my blues' contiene sonidos predecesores de música realizada posteriormente por artistas como Tom Waits y P.J. Harvey y está considerado por muchos críticos uno de los discos más importantes e influyentes de la historia de la música popular.
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