Carmen McRae

El 8 de abril de 1920 nació en el barrio neoyorquino de Harlem, la pianista y cantante de jazz norteamericana Carmen McRae, considerada 'cantante de cantantes' y una de las vocalistas de jazz más influyentes del siglo XX. Fuertemente inspirada por Billie Holiday, supo desarrollar un estilo propio con una voz muy personal. Grabó más de 60 álbumes y trabajó con músicos de la talla de Dizzy Gillespie, Count Basie, Kenny Clarke, Dave Brubeck y Louis Armstrong.

Carmen se crió en Brooklyn y empezó a estudiar piano clásico. En 1939 conoció a la esposa de Teddy Wilson, arreglista y compositora de talento que le consiguió una audiencia con Benny Goodman, que por entonces buscaba una cantante negra, pero no la admitió. Un poco decepcionada por aquel revés, Carmen McRae se perdió un par de años entre las oficinas de una agencia gubernamental en Washington, pero volvió a Brooklyn donde empezó a cantar en clubes de jazz.
Sin constancia discográfica de aquellos primeros pasos, si es seguro que tenía en Billie Holiday el espejo donde mirarse hasta el punto de que en más de una ocasión declaró que si "..Lady Day no hubiera existido, probablemente yo tampoco..."

En 1944 la contrataron como pianista en la orquesta de Benny Carter y posteriormente durante un breve periodo de tiempo en las orquestas de Count Basie y Earl Hines.  Pero fue actuando en un pequeño club de Brooklyn donde en 1953 fue descubierta por Milt Gabler de Decca Records y, bajo ese sello, grabó McRae sus primeros álbumes: 'Torchy!' (1956), 'Blue Moon' (1967), 'Mad About the Man', 'Carmen for Cool Ones' (1957), 'Boy meets Girl', con Sammy Davis Jr. y 'Birds of a Feather' (1958).

En 1961 grabó para Columbia Records uno de sus mejores trabajos dedicado a la cantante que inspiró su carrera, 'Carmen McRae sings Lover Man and other Billie Holiday Classics'.

Ese mismo año grabó junto a Dave Brubeck otro gran álbum: 'Take Five at Basin Street East'. Colaboró con otros grandes del jazz como George Shearing en 'Two For the Road' (1980) y Cal Tjader en 'Heat Wave' (1982). Alternó sus grabaciones de jazz con temas pop de Lennon/McCartney, Billy Joel o Leon Russell y siguió cantando en clubes de jazz de Estados Unidos y el resto del mundo durante más de cincuenta años. Fue una asidua y popular artista en el Festival de Jazz de Monterey, al que acudió en siete ocasiones y actuó con Duke Ellington en el North Sea Jazz Festival de 1980 y en el de Montreaux en 1989.

En 1983 publicó un álbum tributo a Nat King Cole, 'You're Looking at Me' y en 1987 grabó junto con Betty Carter 'The Carmen McRae-Betty Carter Duets'. Puso broche final a su carrera, la cual se vio obligada a suspender a causa de un enfisema pulmonar, con sendos homenajes a Thelonious Monk, 'Carmen sings Monk' (1990) y Sarah Vaughan, 'Sarah: Dedicated to you' (1991). Murió en noviembre de 1994 a los 74 años.

Jacques Brel

El 8 de abril de 1929 nació en Schaarbeek (Bélgica) el cantautor Jacques Brel, que comenzó modestamente por los cabarets de Paris hasta que, a finales de los cincuenta, llegó a ser muy popular en Europa con canciones como 'Ne me quitte pas', 'La valse à mille temps', 'Amsterdam', 'Les Flamandes', 'Marieke', 'Le moribond' o 'Les bourgeois'. Muchas de ellas recibirían versiones en inglés de artistas como Ray Charles, Frank Sinatra, Kingston Trio, John Denver, David Bowie o Dusty Springfield... Es un músico y compositor fundamental de la chanson francesa cuyo estilo compositivo influyó notablemente a una larga lista de cantautores que incluye a David Bowie, Leonard Cohen y Marc Almond.

Comenzó a abrirse camino en la música en Paris, adonde se había trasladado en 1953. Durante una gira por las provincias francesas, Brel conoció a la cantante y actriz Suzanne Gabriello (Zizou), con la que mantuvo los cinco siguientes años una intensa y apasionada relación salpicada con numerosas separaciones y reencuentros, hasta que Suzanne, tras el nacimiento de su tercer hijo e incapaz de seguir el ritmo de las giras de Brel, permaneció en Bruselas, viéndose la pareja a partir de entonces sólo unas pocas semanas al año. A ella dedicó una de sus grandes composiciones: 'Ne me quitte pas'

El talento de Brel se multiplicaba en escena. En unos shows en los que nada estaba preparado o ensayado, Brel aparecía acompañado de cuatro músicos y con su teatralidad, poderío escénico y mil gestos y muecas -que le hacían perder cerca de dos kilos cada noche- transmitía una autenticidad que cautivaba a su público.

Desde 1954 hasta 1967 publicó nueve álbumes oficiales de estudio en el sello Barclay francés, aunque su discografía está desperdigada en diferentes recopilaciones, países y sellos discográficos. En 1966, en la cima de su éxito y popularidad, comunicó que se retiraba de los escenarios, ya que no quería convertirse en un "viejo crooner", ni quería "engañar a su público".

Tras su concierto en el Olympia y la gira de despedida, que acabó en 1968, grabó un nuevo disco, 'J'arrive', e interpretó un papel en el musical 'El hombre de La Mancha', en su versión francesa, primero en Bruselas y después en Paris. A continuación se dedicó exclusivamente al cine (participó en diez películas y dirigió dos) y a navegar en su yate por la Polinesia francesa, aunque en 1972 volvió a los estudios con el álbum 'Ne Me Quitte Pas', que contenía nuevas grabaciones de sus éxitos

En 1977 publicó su último trabajo, 'Les Marquises', que fue magníficamente recibido en Francia, donde Brel era casi tratado como un mito o un héroe nacional. No así en Bélgica, su país natal, con el que llevó durante su vida una relación de amor-odio. Precisamente en su último disco en la canción 'Les F', que habla de los ultraconservadores belgas, los define como "nazis durante las guerras, y católicos entre ellas". Brel murió en octubre de 1978 a los 49 años. Sus restos descansan a pocos metros de la tumba de Paul Gauguin en la isla Hiva Oa.

LP 'The Clash'

El 8 de abril de 1977 se publicó en el Reino Unido el álbum debut homónimo del grupo punk británico The Clash, los cuales supieron esquivar y sobrevivir al camino autodestructivo que tomaban otras bandas contemporáneas como los Sex Pistols y Generation X, e ir más allá de las fronteras del punk, creando canciones de calidad con sólidos mensajes político-sociales.

Jones, Strummer y Simonon

La foto de la portada verde, negra y blanca, fue tomada junto a los locales de ensayo en la zona norte de Londres y estaba muy en consonancia con su oferta musical, desprovista de adornos en su disco estreno de catorce temas, grabado en 1977 a lo largo de tres semanas. En la foto falta el batería Terry Chimes, que hasta entonces les había acompañado en las giras. Tras concluir la grabación del álbum, Chimes, decidió abandonar la formación. La cara A (mucho más consistente que la B) abre con 'Janie Jones' que, según Martin Scorcese, gran fan del grupo, es "el mejor tema británico de rock and roll". Trata sobre una famosa 'madame' de la escena londinense de los setenta, que había sido cantante pop en los sesenta y se vio envuelta en un escándalo sexual.

Paul Simonon en 1977

'Remote control' fue escrita por Mick Jones -tras la desastrosa Anarchy Tour- contra la opresión y el conformismo con duras observaciones sobre concejales que anulan conciertos, intervenciones policiales y los turbios e interesados manejos empresariales de las discográficas. Cuando ficharon por CBS, por coherencia, dejaron de tocarla en directo. 'I'm so bored with the USA', surgió de una canción de amor escrita por Jones llamada 'I'm so bored with you'. En ella los Clash condenan la americanización del Reino Unido, criticando el apoyo de EEUU a las dictaduras africanas, la política de Nixon, los problemas de drogas en el ejército americano, series de TV como 'Koyak' y 'Starsky y Hutch'..., en resumen, a toda la sociedad estadounidense. Aquí, la mezcla al borde de la incoherencia del grito-canto de Strummer se funde a la perfección con la guitarra de Jones. "Iba tan pasado de 'speed' en toda la sesión, que no recuerdo cómo pudimos acabar aquel álbum" (Jones, un año después).

'White Riot' fue su primer single, un tema corto e intenso al clásico estilo punk (dos acordes tocados con gran rapidez). La primera cara del álbum se cerraba con 'London's burning', en el que se quejan del -según ellos- desastroso sistema de tráfico en su país, que hace pasar a la mayoría de trabajadores aburridas horas en sus coches lejos de sus hogares: "I'm up and down the Westway, in an' out the lights/ What a great traffic system - it's so bright/ I can't think of a better way to spend the night/ Then speeding around underneath the yellow lights". 

Al proceder del oeste de Londres, Jones, Strummer y Simonon estaban inmersos en un crisol multicultural, rodeados de todo tipo de influencias musicales, reggae, ska y rock por lo que poseían una visión política, social y musical superior a la de sus miopes contemporáneos punk.

Jones, Strummer y Simonon en 1977

Fueron tildados de panfletarios, pero la letra de 'Career opportunities' plasma brilantemente el dilema de la juventud inglesa de finales de los setenta: Un trabajo basura o vivir del paro. 'Protex blue', cantada por Jones es acerca de una marca de preservativos de la época. Al final se le oye gritar: 'Johnny, Johnny' (un término 'slang' para condón). La versión de 'Police and thieves' de Junior Marvin y Lee Perry (de más de seis minutos, duración inusual en el punk), demuestra su habilidad para asimilar con su sonido otros géneros musicales. No estaba destinada al álbum, pero se añadió ya que vieron que se quedaban cortos de temas. La canción que cierra el álbum, 'Garageland', fue escrita como respuesta a una crítica demoledora que habían recibido del periodista musical Charles Shaar Murray: "The Clash son el tipo de banda de garaje que habría que devolver inmediatamente al garaje. Significaría una mayor pérdida para sus familiares y amigos que para el rock & roll"....

Joe Strummer − voz solista, guitarra rítmica

Mick Jones − guitarra solista, voces

Paul Simonon − bajo

Terry Chimes (como "Tory Crimes") − batería

1. Janie Jones (Strummer, Jones)

2. Remote control 

3. I'm so bored with the USA 

4. White riot 

5. Hate & war 

6. What's my name (Jones, Keith Levene, Strummer)

7. Deny (Strummer, Jones)

8. London's burning 

9. Career opportunities 

10. Cheat 

11. Protex blue 

12. Police & thieves (Junior Murvin, Lee Perry)

13. 48 hours (Strummer, Jones)

14. Garageland

Dos años después se publicó el álbum en EE.UU con algunos cambios. Se omitieron los siguientes temas:  'Deny', 'Cheat', 'Protex Blue', '48 Hours' y 'White Riot', que fueron sustituidos por:

• 'Clash city rockers' (Strummer, Jones) - publicada en single en el Reino Unido en febrero de 1978
• 'Complete control' - publicada en single en el Reino Unido en septiembre de 1977  
• 'White riot' - nueva versión publicada en single en el Reino Unido en marzo de 1977
• '(White man) In Hammersmith Palais' - publicada en single en el Reino Unido en junio de 1978
• 'I fought the law' (Sonny Curtis) - publicada en el Reino Unido como uno de los temas del EP 'The Cost of Living' en mayo de 1979
• 'Jail guitar doors' (Strummer, Jones) - publicada en single en el Reino Unido como cara B de "Clash City Rockers" en febrero de 1978

Giuseppe Tartini

El 8 de Abril de 1692 nació en Piran, una ciudad en la península de Istria, en la República veneciana (ahora Eslovenia) el violinista, compositor y teórico de la música italiano, Giuseppe Tartini. Fue uno de los mayores virtuosos del violín de su época, cuyas innovaciones en la escritura para dicho instrumento sólo pudieron ser superadas por Niccolò Paganini.

Estatua de Tartini en Piran

Su vida estuvo plagada de incidentes novelescos: destinado a la carrera eclesiástica por su familia, en 1713 colgó los hábitos para casarse con una joven de modesta condición, Elisabetta Premazore, una mujer que su padre desaprobaba debido a su baja clase social y a la diferencia de edad- aunque protegida del cardenal Cornaro de Padua- circunstancia que le granjeó la enemistad con aquél. Se tuvo que refugiar en el monasterio de Asís, lugar en el cual prosiguió con su formación musical bajo la tutela del músico bohemio Bohuslav Cernohorsky, y en donde compuso una de sus obras más célebres, “El trino del diablo”. Se cuenta que Giuseppe Tartini compuso esta pieza en 1713, inspirado por un sueño donde vio al maligno al pie de su cama tocar una melodía en su violín. Al despertar, comenzó a transcribirla en su papel pautado y, a pesar de su hermosura, al parecer no era nada comparado con lo que realmente llegó a escuchar en su sueño.

'El Trino del Diablo'

En el monasterio de San Francisco de Asís se encontró un escrito de Tartini, al parecer se trataba de una carta dirigida a Joseph-Jérome de Lalande (astrónomo francés), en el que se podía leer: “Una noche, en 1713, soñé que había hecho un pacto con el Diablo y estaba a mis órdenes. Todo me salía maravillosamente bien; todos mis deseos eran anticipados y satisfechos con creces por mi nuevo sirviente. Ocurrió que, en un momento dado, le di mi violín y lo desafié a que tocara para mí alguna pieza romántica. Mi asombro fue enorme cuando lo escuché tocar, con gran bravura e inteligencia, una sonata tan singular y romántica como nunca antes había oído.

Tal fue mi maravilla, éxtasis y deleite que quedé pasmado y una violenta emoción me despertó. Inmediatamente tomé mi violín deseando recordar al menos una parte de lo que había escuchado, pero fue en vano. La sonata que compuse entonces es, por lejos, la mejor que jamás he escrito y aún la llamo La sonata del Diablo, pero resultó tan inferior a lo que había oído en el sueño que me hubiera gustado romper mi violín en pedazos y abandonar la música para siempre…”  No es el único caso de melodías inspiradas o dictadas por el mismo “diablo”. El aspecto patibulario de Paganini, sus excentricidades y la habilidad que tenía para tocar el violín, contribuyeron a extender la leyenda de que el famoso compositor había hecho un pacto con el demonio. Asimismo, Tartini, enamorado de la poesía, tenía la costumbre de anotar versos en los márgenes de las partituras. Pero no de cualquier modo: la escritura de Tartini es otro más de sus misterios, por sus rasgos casi indescifrables.

De regreso en Padua en 1715, inició una carrera de virtuoso que le llevó, durante un corto período de tiempo, hasta Praga. En 1726 se estableció definitivamente en Padua, dedicándose a la interpretación y la enseñanza. La habilidad de Tartini mejoró enormemente y en 1721 fue designado maestro de capilla en Il Santo en Padua.

En 1726, Tartini inició una escuela de violín que atrajo a estudiantes de toda Europa, la que más tarde se hizo conocida como la Escuela de las Naciones. Pietro Nardini fue su alumno más prominente. Tartini se fue interesando gradualmente por la teoría de la armonía y la acústica, y desde 1750 hasta el final de su vida publicó varios tratados. De entre sus diferentes tratados teóricos destaca “Tratado de música según la verdadera ciencia de la armonía” (1754). Tartini falleció el 26 de febrero de 1770 en Padua a los 78 años de edad.

Su música
Se le adjudica el descubrimiento compartido del fenómeno acústico de la combinación tonal al observar que, cuando se producen simultáneamente dos notas y se mantienen durante un tiempo, se percibe una tercera nota. Este fenómeno acústico, el tercer sonido o tono resultante se denomina también sonido diferencial o “sonido de Tartini”. También desarrolló una nueva técnica de manejo del arco todavía vigente e introdujo mejoras en las cuerdas.

La lista de composiciones de Tartini incluye cerca de 125 conciertos para violín, “Concierto en mi menor D56. Adagio” (Uto Ughi, violín), algunos conciertos para otros instrumentos, numerosas sonatas en trío, más de 175 sonatas para violín, así como cuartetos, tríos y varias sinfonías. Además escribió algunas obras vocales religiosas. En sus últimas creaciones la expresividad melódica se impuso finalmente sobre el virtuosismo puramente técnico de sus primeras partituras.

Obras principales
- “Trino del Diablo” 1765 (Violín: Ida Haendel & Piano: Alfred Holecek)
- “Variaciones sobre un tema de Corelli” (Zino Francescatti violín y dir. Zurich Chamber Orchestra)
- "Concierto para trompeta en Re mayor" (Maurice André)

- Concierto para violín, cuerdas y bajo continuo, en La mayor D.96 1. Mov. Allegro  2. Mov. Adagio  3. Mov. Presto  4. Mov. Largo andante  (Andrea Marcon, dir. & Venice Baroque Orchestra)
- Concierto para Viola de Gamba o violonchelo, cuerdas y bajo continuo en La mayor (Hervé Douchy, viola da gamba & Il Gardellino)
- Concierto Bucólico para violín, cuerdas y bajo continuo en Re mayor (Giovanni Guglielmo dir. & L'Arte dell'Arco)

- Sonata para violín & continuo en Sol menor, "Didone abbandonata" (Enrico Casazza, violín & Roberto Loreggian, harpsichord)
- Concierto “A Sua Eccelenza Lunardo Venier” para violín, cuerdas y bajo continuo, en La menor (D 115) (L'Arte dell'Arco & dir. & Giovanni Gugliemo )
- "Concierto para flauta travesera en sol mayor"  (Milos Jurkovic flauta travesera & Slovak Chamber Orchestra & dir. Bohdan Warchall)

- "Sinfonía Pastoral en Re mayor" (Collegium Aureum & Franz Josef Maier)
- Sonata violín no. 17 Andante cantabile;
- Sonata para violín y bajo continuo nº 17. Allegro (Chiara Banchini - baroque violín)
- Concerto para chelo en Re mayor, 3er Mov. – Grave (Música serie TV: "Love was one day late")

Billie Holiday

El 7 de abril de 1915 nació en Philadelphia (Pennsylvania) la cantante de jazz Eleanora Fagen, más conocida como Billie Holiday, considerada por muchos la más grande vocalista del género. En una carrera que no duró más de treinta años y que acabó trágicamente, su manera de comunicar y sus conmovedoras interpretaciones influyeron profundamente en las cantantes que la siguieron. Aunque su cálida y delicada voz poseía un registro limitado, ella la usaba con la maestría de un instrumentista, estirando y condensando sus frases en un constante diálogo con los músicos, haciendo famoso su estilo sensual, lánguido, con cierta ironía y un ligero y característico retraso en el tempo.

Billie en 1917 con 2 años

Su vida estuvo plagada de penurias. "Mamá y papá eran un par de críos cuando se casaron. Él tenía dieciocho años, ella dieciséis y yo, tres", escribía la propia Billie en sus memorias. Su madre tuvo que dejar su hogar en Baltimore con trece años cuando en su casa descubrieron que estaba embarazada para trasladarse a casa de su hermana en Philadelphia. Su padre, Clarence Holiday, guitarrista con los McKinney's Cotton Pickers, nunca paraba por casa y se divorció a los dos años. Rara vez se veía después con Billie y si lo hacía, ella le pedía dinero amenazándolo con contarle a su novia que ella era su hija. Dejó muy pronto la escuela y con ocho y nueve años fregaba suelos y hacía recados para un burdel vecino, donde tuvo la ocasión de oir por primera vez los sonidos del jazz, provenientes del fonógrafo que se encontraba en el salón del prostíbulo. Allí se ponían discos de Bessie Smith y Louis Armstrong, que Billie escuchaba emocionaba y con entusiasmo.

A los diez años fue brutalmente violada y, posteriormente enviada a un reformatorio católico, acusada de 'seducir' a su violador adulto. Más tarde, con catorce años, madre e hija fueron acusadas de prostitución y pasaron cuatro meses en prisión. Estableciéndose ambas en Harlem, Holiday buscó trabajo como bailarina en los clubes de jazz y se presentó a una audición. Rechazada como bailarina, ella imploró el trabajó por lo que el pianista, conmovido le preguntó si sabía cantar. "¿Cantar?, Claro, eso no es nada del otro mundo", respondió. No había hecho otra cosa que intentar emular a Bessie Smith desde que escuchó por vez primera su voz en aquel fonógrafo del burdel de Baltimore.

"Le pedí al pianista que tocara 'Trav'lin all alone', lo más cercano a mi estado de ánimo entonces. Y en algún momento debió de calar hondo. Se acallaron todas las voces del bar. Si a alguien se le hubiera caído un alfiler, habría sonado como una bomba. Cuando finalicé, todos aullaban y levantaban sus vasos de cerveza. Recogí treinta y ocho dólares del suelo. Al terminar la noche, antes de irme, dividí el botín con el pianista y me llevé cincuenta y siete pavos a casa, con los que logramos pagar el alquiler de la casa de la que nos iban a echar al día siguiente".

Comenzó a cantar de manera informal en numerosos clubes de Harlem. Alrededor de 1932, contando Billie 17 años, fue descubierta por el productor John Hammond en el club llamado Monette´s. Hammond dispuso varias sesiones para ella con la orquesta de Benny Goodman; su primer disco fue 'Your mother's son-in-law' (1933). Grabó con regularidad en Columbia, generalmente bajo la dirección de Teddy Wilson, acompañada de una pequeña banda de estudio compuesta por los mejores sidemen de jazz del momento. Entre ellos se encontraba su buen amigo Lester Young cuyo estilo era muy similar al de Holiday y fue él quien comenzó a llamarla 'Lady Day'.

Teddy Wilson y Billie

Pensados para una audiencia negra, los temas dirigidos por Wilson -generalmente canciones románticas sin trascendencia de segunda categoría, que los artistas blancos habían rechazado previamente- eran producidos con rapidez y escasez de medios. Pero Holiday y compañía transformaron los anodinos temas en tesoros del jazz, que fueron inmediatamente apreciados por músicos, críticos y aficionados en general. Los más de un centenar de discos grabados en esta época están considerados su mejor y más significativo trabajo. En 1937 hizo una gira respaldada por la orquesta de Count Basie.

Un año después fue una de las primeras vocalistas negras en aparecer frente a una orquesta de músicos blancos, cuando cantó con la orquesta de Artie Shaw, convirtiéndose en una de las cantantes negras de jazz de mayor reputación. Sin embargo su vida en la carretera fue amarga, ya que la segregación racial imperante en el país hacía que actividades tan cotidianas como comer, dormir o ir al baño se convirtieran en incómodas. Tenía prohibido usar la entrada principal de los hoteles donde se hospedaba con la banda y debía esperar en un cuarto oscuro lejos del público antes de aparecer en escena.

Harta de la giras, regresó a Nueva York, donde continuó actuando en los clubes y cabarets como artista en solitario. En 1936 su versión de 'Summertime' fue un éxito de ventas y la primera vez que el tema aparecía en una lista de éxitos pop. En 1937 grabó numerosos hits, entre ellos el único nº1 de su carrera, 'Carelessly', 'Mean to me' y 'I've got my love to keep me warm', todos ellos con Teddy Wilson y su orquesta.

En 1939 grabó para Commodore el tema 'Strange fruit', un controvertido tema sobre los linchamientos raciales del sur. Vetado en numerosas emisoras, se convirtió en uno de los favoritos del público interracial ante el que actuaba en el Cafe Society, el punto de encuentro de los intelectuales y la izquierda política de Nueva York.

Su audiencia creció y Holiday popularizó su gusto por las canciones lentas y melancólicas de amores desdichados que comunicaban el desconsuelo y la desgracia que ella vivía en su propia carne. Explicaba el sentido del efecto dramático que presentaba en sus canciones diciendo: "Yo he vivido canciones como esa". Su tono único y compromiso emocional hacían de su presentación algo especial. 'God bless the child', publicada en 1941 y coescrita por Holiday con Arthur Herzog, fue una de las canciones más populares del año, vendiendo más de un millón de copias.

Con su último marido Louis McKay

En 1942 grabó 'Trav'lin' light' con la orquesta de Paul Whiteman. Entre 1944 y 1950 Holiday grabó para Decca Records que, empeñada en convertirla en una cantante de corte popular, sobreprodujo la mayoría de sus grabaciones dotándolas con excesivos arreglos orquestales. Aún así, el arte de Holiday prevaleció en temas como 'Ain't nobody's business if I do' y 'Lover man'.

Louis Armstrong y Billie en 1949

Aunque Billie fumaba marihuana desde los trece años de edad, fue su primer marido, James Monroe, quien la introdujo en el consumo de opio y heroína en los años cuarenta. Ese fue el inicio de su larga lucha interior con el consumo de narcóticos y su adicción al alcohol. Monroe fue el primero de una serie de hombres que alimentaron sus adicciones, gastaron su dinero y abusaron físicamente de ella. Para colmo, fue encarcelada de nuevo por un cargo de drogadicción en un juicio que fue la sensación de 1947, donde además se le revocó su licencia de artista de cabaret, prohibiéndosele actuar en los locales que más le convenían. Incapaz de librarse de sus demonios mientras estuvo ligada al mundo musical se vería involucrada en otros arrestos similares.

Ese mismo año, Billie apareció en la película 'New Orleans' con Louis Armstrong y Woody Herman, entre otros.

Billie Holiday en 1958

En su época con Verve (1952-57), la cantante retornó frecuentemente al formato de pequeña banda, que encajaba mejor con su tenue voz. Ésta sufría las secuelas de años de abuso y comenzaba a fallar. Aunque su pasión y su registro disminuían día a día, Holiday aún retenía su particular tempo y fraseo y -cuando se lo proponía- su habilidad para emocionar a la audiencia. Para Verve grabó numerosos standards americanos de Cole Porter, George Gershwin, Irving Berlin y Rodgers and Hart que cobraron nueva vida con sus interpretaciones. A pesar de que a algunos críticos les resultaba penosa la escucha de sus últimas grabaciones, otros consideran estos años los de mayor poder de comunicación de Billie. Steve Putterman, de High Fidelity escribía: "La belleza tonal y la expresividad emocional trabajaban en sentido inverso con Holiday; cuantos más pitos salían de su garganta, más penetrante y efectiva se hacía su interpretación"

Realizó dos giras por Europa, en 1954 y en 1958 grandes artistas de la canción de los años cincuenta -Frank Sinatra entre ellos- la consideraban "sin duda la más importante influencia en la canción popular americana de los últimos veinte años". Sin embargo, cuando Billie sucumbió a una cirrosis al final de la década, a los 44 años, su muerte suscitó más artículos sobre su desordenada vida personal que sobre sus contribuciones musicales.

Su última sesión en 1959

"Billie Holiday murió sola y olvidada en el Metropolitan Hospital de Nueva York el 17 de julio de 1959 en la cama en la que había sido arrestada, mientras agonizaba, por posesión ilegal de narcóticos; en la misma habitación en la que el policía que la custodiaba había sido retirado por orden del juez pocas horas antes de su muerte, la cual, como su vida, fue problemática y dolorosa. Había sido extremadamente bella, pero se había convertido físicamente en una minúscula y grotesca caricatura de ella misma. Los gusanos de todo tipo de excesos -siendo las drogas sólo uno de ellos- acabaron devorándola." (de la carátula del LP 'The Essential Billie Holiday')

LP '4 Way Street'

El 7 de abril de 1971 se publicó en Estados Unidos '4 Way Street', doble álbum en directo del supercuarteto formado por David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash y Neil Young. Más que un disco de grupo, fue un escaparate de los temas que cada uno de ellos había compuesto en trabajos en solitario. Aún así, y a pesar de que en directo CSN&Y tampoco eran capaces de reproducir las perfectas armonías vocales desplegadas en 'Déjà Vu' (a Young se le va el punto en más de una ocasión en las voces agudas) demostraron en '4 Way Street' eso que al mismísimo Hendrix impresionaba del cuarteto: ser unos auténticos animales de escena que transmitían una magia irrepetible en sus actuaciones.

Para 1970 habían sacado a la venta ya dos LP, 'Crosby Stills and Nash' y 'Déjà Vu'. Es entonces, durante la gira de ese año, cuando se graban los temas que posteriormente integrarían el álbum doble '4Way Street', todo un icono para la época, impregnado con todo lo que significó el movimiento hippie, con sus protestas sociales y políticas, con una lírica envuelta en temas pacifistas, ecologistas y progresistas, sin descuidar asuntos como el amor, sexo y drogas.

Incluyó grabaciones de conciertos ofrecidos en el Fillmore East de Nueva York, The Forum de Los Ángeles y The Chicago Auditorium de Chicago entre los días 2 de junio y 5 de julio de 1970 y alcanzó el primer puesto en la lista estadounidense Billboard 200. En el momento de la grabación del álbum, las tensiones entre los miembros de CSN&Y eran altas, con sus peleas en los vestuarios convirtiéndose en una leyenda del rock, mencionadas incluso por Frank Zappa en el álbum 'Fillmore East - June 1971'. Las tensiones llevaron a la disolución del cuarteto pocos meses antes del lanzamiento de '4 Way Street'. 

El grupo, sin Young, no volvió a publicar nuevo material hasta el lanzamiento de 'CSN' en 1977, aunque hubo una reunión para una gira en verano de 1974. Crosby y Nash formaron un dúo y en septiembre de 1970 actuaron en un programa especial de la BBC.

El primer disco del doble álbum contiene 15 temas, algunos inéditos hasta la fecha de 1971, tales como 'Triad', el polémico tema que contribuyó a la salida de Crosby de The Byrds; 'Chicago', el himno de 'Songs For Beginners', el primer disco de Graham Nash de solista; 'Cowgirl in the Sand', el temazo de Neil Young de su álbum 'Everybody Knows This Is Nowhere'. Entre otros temas clásicos se encuentran asimismo 'Teach your children', 'The Lee shore', '49 bye-byes' / 'For what it's worth' / 'America's children', el himno al amor libre de Stills 'Love the one you're with' y otro tema de Young, 'Don't let it bring you down'. El segundo disco contiene temas ya conocidos en versiones extendidas donde cada uno de los guitarristas tiene su turno para demostrar su virtuosismo. Se incluyen sólo 6 temas, entre los que destaca 'Southern man', más de 13 minutos de jam entre cuatro guitarras que conversan entre sí.

'Ohio' es una canción protesta por la muerte de 4 estudiantes universitarios en esta ciudad durante las manifestaciones contra la guerra de Vietnam a finales de los 60 (en la edición española de la época, fue suprimida). También se incluye la versión extendida de 'Carry On', donde los cuatro guitarristas vuelven a demostrar sus habilidades con la eléctrica, cerrando con 'Find the cost of freedom', de nuevo con un sonido acústico y un mensaje profundo lanzado a través de la polifonía de las voces características de CSN&Y.

1.'Suite: Judy blue eyes'  Stephen Stills

2.'On the way home'  Neil Young

3.'Teach your children'  Graham Nash

4.'Triad'  David Crosby

5.'The Lee shore'  David Crosby

6.'Chicago'  Graham Nash

1.'Right between the eyes'  Graham Nash

2.'Cowgirl in the sand'  Neil Young

3.'Don't let it bring you down'  Neil Young

4.'Medley: 49 bye-byes/For what it's worth/America's children'  Stephen Stills

5.'Love the one you're with'  Stephen Stills

1.'Pre-road downs'  Graham Nash

2.'Long time gone' David Crosby

3.'Southern man' Neil Young

1.'Ohio'  Neil Young

2.'Carry on'  Stephen Stills

3.'Find the cost of freedom'  Stephen Stills