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El 26 de abril de 1886 nació en Columbus (Georgia) la cantante de blues Ma Rainey, llamada la 'madre del blues', entre otras cosas, por haber tenido como discÌpula a Bessie Smith. Fue de las primeras cantantes profesionales conocidas en practicar el género e hizo mucho por el desarrollo y la popularidad del mismo además de ser la primera artista negra en grabar discos, gozando de gran popularidad en la segunda década del siglo XX.
Nacida Gertrude Pridgett, sus padres formaban parte de una troupe de vaudeville y con sólo catorce años debutó en un concurso de talentos de su ciudad natal, anunciado como The Bunch of Blackberries. Cuatro años más tarde, en 1904 se casó con Will 'Pa' Rainey, que había llegado a Columbus con una compañía ambulante. Juntos trabajarían bajo el nombre artístico de Rainey and Rainey. A Gertrude Rainey siempre se le llamaba 'Ma' cuando no estaba delante, pero ella prefería el tratamiento de 'Madame Rainey', al que hacían honor, a pesar de su corta estatura, su porte distinguido y el alto concepto que de ella se tenía. Aunque no llegó a oír blues en Columbia, en sus múltiples viajes tuvo contacto con diversas formas de blues rural. Gertrude decía que había descubierto el blues un día del año 1902 cuando, en una pequeña localidad de Missouri oyó a una jovencita entonar un 'extraño y profundo lamento'. Al parecer, tras aquella experiencia, trataba de repetir aquel lamento siempre que cantaba temas 'blues', los cuales poco a poco, fueron dominando todo su repertorio. Cantaba con gran fuerza y sentimiento desplegando en amplias e impresionantes ráfagas su profunda voz de contralto.
Aunque algunas canciones de Ma Rainey eran bullciosas, hasta las más desenfrenadas poseían un tono de melancolía y, por supuesto, sus blues lentos eran los mejores de cuantos se escuchaban en los teatros ambulantes. Sus canciones estaban profundamente enraizados en el día a día de los negros que vivían en el Sur. Los blues de Ma Rainey eran simples y francas historias de corazones partidos, relaciones promiscuas y bisexuales, juergas etílicas, las odiseas de los viajes, el lugar de trabajo, la cárcel, la magia y la superstición. El típico escenario de un afroamericano a principos del siglo XX, tras el fracaso de la reconstrucción del Sur, llevada a cabo por Washington el siglo anterior.
Bessie Smith
Su habilidad para captar el sentimiento y la esencia de la vida rural sureña en sus canciones pronto le generaron una multitud de seguidores. En 1912, coincidieron con la troupe de Moses Stokes, donde Rainey conoció a su nueva bailarina, Bessie Smith. Aunque ocho años menor que Gertrude, ambas se hicieron buenas amigas. Los primeros biógrafos de Rainey sostenían que ésta le había enseñado a Bessie a cantar el blues. Recientes hallazgos permiten asegurar que su papel como instructora de Smith fue bastante menor de lo que se pensaba. Es probable que Ma compartiera algunas experiencias básicas de cantante con ella, pero el método de enseñanza tuvo que ser muy rudimentario ya que, a pesar de que ambas compartían el mismo idioma musical, las dos mujeres emitían sus mensajes con distinta personalidad y estilo.
Will y Ma Rainey
Alrededor del año 1915 los Rainey realizaban tours con los Fat Chapelle's Rabbit Foot Minstrels. Seguidamente, y como los Assassinators of Blues se apuntaron con Tolliver's Circus y Musical Extravaganza. En 1916 Gertrude y Will se separaron y ella formó su propia compañía con la que viajó a través de todo el Sur, a veces formando parte del Florida Cotton Blossoms Show y el Donald McGregor's Carnival Show. Actuaba como Madame Gertrude Ma Rainey and Her Georgia Smart Sets, una banda de cinco componentes y un coro. En los estados del Norte, rara vez se la escuchó, pero en cualquier parte del Sur eran famosos su tipo rechoncho, su debilidad por los jovencitos, su expresión abierta y maliciosa, su collar de cuentas de oro de veinte quilates y su llamativo telón adornado con un águila.
'Ma' Rainey y su Georgia Band, con Tom Dorsey al piano
Ya entonces se la llamaba la 'Madre del Blues' y, ciertamente lo era cuando avanzaba hacia las candilejas, cantando su vertiginoso 'Bo-Weavil Blues' o su lastimero 'Counting the blues', en el que hace un listado de sus penas, relacionándolas con títulos de canciones de blues populares en 1923
Layin' in bed this mornin' with my face turned to the wall (2)
Trying to count these blues so I could sing 'em all
'Memphis', 'Ramport', 'Beale Street' set 'em, free (2)
'Graveyard' 'Bama Bound' , Lord, Lord, come from 'Stingaree'
Lord sittin' on the Southern gonna ride all night long (2)
'Downhearted' 'Gulf Coast' - they was all good songs
Lord, 'rested at midnight, Jailhouse made me loose my mind (2)
'Bad Luck' 'n' 'Boll-Weevil' made me think of old 'Moonshine'
Lord, goin' to sleep now for Mama just got bad news (2)
To try to dream away my troubles, countin' these blues.
Tendida esta mañana sobre la cama y con la cara vuelta hacia la pared (2)
Trataba de hacer un recuento de mis blues para poderlos cantar
'Memphis', 'Ramport', 'Beale Street' déjalos en libertad (2)
'Graveyard' 'Bama Bound' , Señor, Señor, ven desde 'Stingaree'
Sentada en el tren hacia el Sur, voy a viajar durante toda la noche (2)
'Downhearted', 'Gulf Coast' - eran todas buenas canciones
Señor, me arrestaron a medianoche y la cárcel me hizo perder la cabeza (2)
'Bad Luck' y 'Boll-Weevil' me hicieron recordar el viejo 'Moonshine'
Señor, voy a dormirme porque a Mama sólo le llegan malas noticias (2)
Para que el sueño disipe mis penas, haciendo recuento de estos blues.
(Los temas entrecomillados son títulos de blues famosos de la época)
Jay Mayo 'Ink' Williams
A través de la intercesión de Mayo 'Ink' Williams, Rainey realizó su primera grabación para el sello Paramount en 1923 (tres años después de la primera grabación de un blues por Mamie Smith). En aquel año, Gertrude ya era una artista con una gran experiencia labrada en el circuito de los teatros del Sur, por lo que su entrada en el mundo discográfico no le resultó difícil. Su primera sesión incluía la pieza tradicional 'BoWeavil blues', sobre la que Victoria Spivey, otra cantante de blues contemporánea opinaba: "Nadie en el mundo es capaz de interpretar 'Bo Weavil' como Ma Rainey".
Ese mismo año se publicaron también 'Moonshine Blues' y 'Yonder come the blues' con Louis Armstrong, así como 'See see rider', un tema que, como observó Arnold Shaw en su libro 'La música popular negra americana': "emergió como uno de los blues grabados más famosos de la historia. Rainey grabó la primera versión, lo que le dio derecho a royalties y, entre las más de cien versiones que se han hecho hasta ahora, sigue siendo de las mejores."
Al contrario que otros músicos y cantantes de blues de la época, Rainey adquirió un status de artista profesional tanto en la escena como en los negocios. Mayo Williams recordaba: "Ma Rainey fue una inteligente mujer de negocios. Nunca tratamos de engañarla. Durante su estancia de cinco años en Paramount, grabó cerca de noventa temas, la mayoría de los cuales trataban conceptos sobre el amor y el sexo, canciones subidas de tono que hicieron que se la llamara 'Madame Rainey'".
Gracias al éxito de sus primeras grabaciones, Rainey tomó parte en un tour promocional de Paramount que incluía una nueva orquesta de músicos. En 1924 el pianista y arreglista Thomas A. Dorsey (uno de los pioneros de la música gospel) reclutó miembros para la banda de Rainey, la Wild Cats Jazz Band.
Actuando como mánager y director musical, Dorsey contrató a músicos capaces de leer partituras de arreglos, así como de tocar blues al 'estilo casero'. El debut de Rainey en Chicago significó la primera aparición de un artista de blues sureño en el Grand Theater. Ataviada con llamativos vestidos y sus espectaculares joyas, Rainey ejercía un gran poder escénico en sus audiencias. Abría a menudo sus shows con el tema 'Moonshine blues' en una pequeña cabina dentro de una gigantesca máquina de juke-box de la cual emergía ante el entregado público. Dorsey recordaba: "Cuando Rainey empezaba a cantar, salía brillo de sus dientes de oro y parecía iluminada por una luz especial. Embrujaba a la audiencia, que sudaba, bailaba y jadeaba, todos ellos poseídos por el blues que sentían en ella"
'Ma' y la Georgia Jazz Band
Hasta 1927 realizó giras en el circuito de la TOBA (Theater's Owner's Booking Association). Ese año Dorsey dejó la formación por motivos de salud y Rainey siguió grabando para Paramount con diferentes músicos bajo el nombre de Ma Rainey and her Georgia Jazz Band, grupo por el que pasaron en repetidas ocasiones músicos como Fletcher Henderson, Claude Hopkins, Willie the Lion Smith, Don Redman, Buster Baiey, Coleman Hawkins, Tommy Ladnier y Louis Armstrong.
Georgia Tom Dorsey
A finales de los años veinte el vaudeville y el circuito de teatros de la TOBA dejaron de ser populares, sustituidos por la radio y los discos grabados. Sin embargo, la carrera de Rainey no se vio afectada de inmediato. Continuó grabando para Paramount y ganó suficiente dinero como para adquirir un autobús con su nombre en el que se desplazaba con su troupe a los conciertos.Antes de finalizar su contrato con el sello en 1928, volvió a trabajar con Tom Dorsey al piano y con 'Tampa Red' a la guitarra, grabando unos veinte temas, entre ellos, 'Black eye blues', 'Runaway blues' y 'Sleep talking blues'.
Tras las muertes de su madre y su hermana, en 1935 se retiró y se instaló en Columbus donde inauguró dos locales, el Lyric Theater y el Airdome, que regentó hasta su muerte de un infarto a los 53 años en diciembre de 1939.
El 26 de abril de 1921 nació en Dallas (Texas) el músico y compositor de jazz Jimmy Giuffre, conocido además por sus habilidades con el saxo y el clarinete. Su tendencia a trabajar con estructuras rítmicas libres lo convirtió en un precursor del free jazz y su trío de cool jazz sin batería de los cincuenta sembró la simiente que daría sus frutos en los noventa con el jazz avant garde.
Tras finalizar sus estudios en 1947, Giuffre se enrola en bandas como las de Boyd Raeburn y Jimmy Dorsey. Ese mismo año comenzó como arreglista con Woody Herman para quien escribió el tema 'Four Brothers', un standard del jazz con cuatro saxofones (tres tenores y barítono) que dio nombre a la sección del 'second Herd' de Herman formada por Stan Getz, Zoot Sims, Herbie Steward y Serge Chaloff. Giuffre se convirtió en poco tiempo en una de las figuras principales del jazz de la Costa Oeste y en los años cincuenta sorprendió con sus inusuales tríos de saxo, contrabajo y guitarra, (sin batería y sin piano).
El primero de ellos lo formó en 1953 con el guitarrista Jim Hall y el contrabajista Ralph Pena (sustituido más tarde por Jim Atlas). En 1957 lograron llamar la atención con el tema 'The train and the river', que apareció en un especial de TV llamado 'The Sound of Jazz'. Cuando Atlas dejó el trío, Giuffre lo reemplazó por el trombonista Bob Brookmeyer, dando lugar a una formación, cuya instrumentación estaba inspirada en parte en Aaron Copland. En 1959 Jimmy compartió cartel con Gerry Mulligan en un concierto en Roma, acompañado por Buddy Clark al contrabajo.
En 1961 lideró otro trio con Steve Swallow al contrabajo y el pianista Paul Bley. Aunque ignorados en su momento, han sido citados por críticos y aficionados como uno de los grupos más importantes de la historia del jazz.
Sus exploraciones en el free jazz estaban realizadas de un modo muy distinto al estilo agresivo y estridente de músicos como Albert Ayler o Archie Shepp. Con un tratamiento más sosegado, como si se tratara de música de cámara, los experimentos del trío en materia de melodía, armonía y ritmo siguen siendo de los más llamativos y radicales del género. En palabras de Thom Jurek: "Las grabaciones de Giuffre con esta formación son esenciales para apreciar el otro aspecto del jazz de comienzos de los sesenta". Varios años antes del boom que surgió en Europa de la libre improvisación, publicaron 'Free Fall', "una música con un planteamiento tan radical, que nadie, absolutamente nadie estaba preparado para ello", un hecho que llevó a la disolución del trío en 1962.
En los setenta formó un nuevo trío con el bajista Kiyoshi Tokunaga y algo inédito en sus combos, un baterista y percusionista: Randy Kaye. Más tarde se añadiría el teclista Pete Levin y Bob Nieske sustituyó a Tokunaga al bajo eléctrico. Con esta formación grabaron tres álbumes para el sello italiano Soul Note entre los que destaca 'Dragonfly' (1983). Poco después, Jimmy fue contratado por la Universidad de Nueva York para que liderara su sección de jazz y diera clases de saxofón y composición.
En los años noventa Giuffre seguía dedicado a la enseñanza en el New England Conservatory of Music. Un nuevo interés por su música impulsó una reunión del trío con Bley y Swallow y un tour por Europa. Los últimos años de su vida sufrió de Parkinson y murió en abril de 2008 a los 86 años.
El 25 de abril de 1933 nació en Baltimore el letrista y compositor norteamericano Jerry Leiber. En Los Ángeles conoció a Mike Stoller y juntos comenzaron una sociedad que les llevaría a ser los compositores y productores más influyentes de la música popular americana posterior a la Gran Guerra.
Como productores son responsables de muchas grabaciones de Ben E. King, Jay & the Americans, Exciters y Clovers además del éxito de Stealer's Wheel, 'Stuck in the middle with you' (1972) y del LP de Elkie Brooks 'Two Days Away' (1977), que contenía el hit 'Pearl's a singer'. En 1995 estrenaron en Broadway su musical 'Smokey Joe's Cafe', que estuvo casi seis años en cartel con 2.036 representaciones. Jerry Leiber murió de insuficiencia cardiaca en agosto de 2011 a los 78 años.
Canciones con historia: 'Hound Dog'
En agosto de 1952, Jerry Leiber y Mike Stoller reciben una llamada del productor Johnny Otis encargándoles una canción para una de sus representadas. A Mike y Jerry les suena el nombre, pero no logran relacionar ni su voz ni su aspecto. Así que se ponen en marcha y conducen hacia el lado oeste de Los Ángeles, donde vive Otis, para conocer personalmente a la tal Willie Mae Thornton.
Tras las presentaciones, ambos tienen claro el porqué de su apodo 'Big Mama'. La cantante de 26 años procedente de Alabama es una gigante, fuerte como un toro. En sus conciertos sostiene el pie de micro con una sola mano sobre su cabeza como si fuera una pluma de ganso (los pies de micro de aquella época tenían como base una plataforma de hierro bastante pesada). Jerry y Mike están impresionados y le escriben a 'Big Mama' una canción que trata sobre un desvergonzado gigoló, un tema que no le pegaba ni con cola a la lady del blues de 140 kgs de peso. Sin embargo, el 13 de agosto Willie Mae Thornton graba la canción, ganando por su trabajo 500$, y la canción es un relativo éxito. Pero el tema haría inmensamente rico a otro artista unos tres años más tarde.
Cuando el 27 de julio de 1956 Jerry Leiber recibe a su colega Mike Stoller en el puerto de Nueva York, le exclama: "Tenemos un nº1". Mike tiene que sobreponerse, entre otras cosas, porque acaba de llegar en un barco de salvamento de ser rescatado junto a su esposa y 1660 pasajeros más del naufragio del Andrea Doria, en el que murieron 46 personas. "Cuál?", pregunta, -"Hound Dog" contesta Jerry. "¿La versión de Big Mama?" "No, un chavalín blanco llamado Elvis Presley". Stoller no lo puede creer: "Elvis,...¿quién es ese?"
El 25 de abril de 1918 nació en Newport News (Virginia) la cantante de jazz Ella Fitzgerald. En toda la historia del jazz, no ha existido una vocalista femenina que haya podido exhibir una 'hoja de servicios' como la de Ella Fitzgerald. Cantante insuperable de bigband, poseedora de una pureza de tono y una dicción impecable, así como un fraseado y entonación extraordinarios, se encontraba igualmente a sus anchas en un contexto musical mas reducido, en directo o en pequeños clubes, en trío con el clásico formato de piano, contrabajo y batería y era además la mejor intérprete de standards, baladas, blues, canciones infantiles e incluso bossa-nova. En términos de prestigio, Ella ocupa la cima del jazz vocal femenino en compañía de Sarah Vaughan y Billie Holiday. La crítica la ha alabado sin excepción y, sólo unos pocos le han reprochado en ocasiones su incapacidad de insuflar dramatismo a sus interpretaciones o se le ha tachado de ignorar el verdadero blues.
Connie Boswell
Aunque nacida en Virginia, Ella creció en Yonkers (Nueva York). Su padre, William Fitzgerald, conductor de tren, abandonó a su madre Temperance Fitzgerald, lavandera, cuando Ella era aún muy pequeña. Las dos se trasladaron a Yonkers (Nueva York), junto con el novio de su madre, Joseph Da Silva, con el que tendría otra hija en 1923, Frances Fitzgerald. Ya de pequeña gustaba de bailar y cantar en un club escolar y en el coro de la Bethany African Methodist Episcopal Church. Aprendió a tocar el piano, escuchó atentamente la radio y todas la grabaciones que aparecían de Louis Armstrong, Bing Crosby y las Boswell Sisters. Adoraba a Connie Boswell: "Mi madre trajo a casa uno de sus discos y me enamoré de su voz. Intentaba a toda costa parecerme a ella cantando"
En 1932, la madre de Ella murió de un ataque al corazón y este hecho dramático condicionó el comportamiento de Ella, que tuvo frecuentes problemas con el absentismo escolar. Sufrió abusos de su padrastro por lo que su tía Frances se hizo cargo de ella y, más tarde, cuando Da Silva también murió en un accidente, se hizo cargo de su hermanastra Frances. Ella se escapaba a menudo y trabajaba como avisadora en un burdel o ayudando a corredores de apuestas ilegales. Fue detenida en una redada y enviada a un reformatorio de Hudson (Nueva York), de donde escapó y anduvo unos días sin techo vagando por las calles.
El 17 de noviembre de 1934 se presentó a concursar como bailarina en el célebre concurso 'Amateur Night Show' que semanalmente organizaba el Theatre Apollo de Harlem. Cuando le tocó salir a escena, intimidada por la actuación de otras participantes bailarinas, las Edwards Sisters, opta por ponerse a cantar una canción de su idolatrada Connie Boswell, 'Judy'. Todos los presentes quedaron entusiasmados por esa joven de 16 años que cantaba con naturalidad, frescura, y además con un sentido del ritmo envidiable. Su actuación es una auténtico triunfo y se lleva el primer premio, que consistía en $25. Sin embargo, seguramente debido a su desaliñado aspecto y a su situación de vagabunda, no pudo obtener el contrato por una semana con la que se premiaba a los ganadores.
En enero de 1935 consiguió que la contrataran en la Tiny Bradshaw Band que tocaba durante una semana en el Harlem Opera House. Allí, la joven Ella conoce al batería y líder de banda Chick Webb, quien le ofrece la oportunidad de realizar una prueba con su orquesta. Webb declararía más tarde al New York Times: "No estuve muy seguro de contratarla. Era un diamante en bruto pero su aspecto desgarbado y desaliñado me hizo dudar" A partir de ahí, Ella Fitzgerald, se convirtió con 19 años en la cantante habitual de la gran orquesta de Chick Webb con la que grabó varios hits como 'Love and kisses', 'Sing me a swing song' y '(If you can't sing it) You'll have to swing it (Mr. Paganini)'.
En 1938, su versión de la canción infantil tradicional 'A-tisket, a-tasket' fue nº1, permaneciendo diez semanas, y el disco más vendido del año y ya es un standard del jazz. Le siguió la secuela 'I found my yellow basket' que, aunque con menor éxito logró alcanzar el Top5. A la muerte de Webb en 1939, Ella Fitzgerald decidió quedarse en la orquesta, que partir de entonces se denominó 'La gran orquesta de Ella Fitzgerald'. Grabó cerca de 150 canciones, entre ellas algunos hits más como'I want the waiter', 'Imagination' o 'Five o'clock whistle'. En 1941 se casó con Benny Kornegay, que trabajaba como descargador portuario y era un 'camello' declarado. El matrimonio fue anulado dos años después. En 1942, Fitzgerald, cansada del trabajo que suponía dirigir la orquesta y cantar diariamente, disuelve la formación.
Ella en 1940
Decide continuar en solitario y contratada por Decca Records publica una serie de hits en los años cuarenta con artistas como los Ink Spots, Louis Jordan y los Delta Rythm Boys tales como 'I'm making believe','Into each life some rain must fall' (ambos nº1), 'Cow-cow boogie', 'It's only a paper moon' y 'Stone cold dead in the market'.
Tras la guerra, el swing y las big bands dejaron de interesar y el advenimiento del bebop obligó a Ella a desarrollar nuevos estilos vocales. Fue durante la estancia de Ella en la orquesta de Dizzy Gillespie, cuando comenzó a practicarlo. "Sólo trataba de hacer con mi voz lo que hacían los metales"
Dejó muestras imperecederas de ese arte en temas como 'Flying home' (1945), descrita por el New York Times como "una de las piezas vocales de jazz más influyentes de la década". Otros ejemplos fueron 'Lady be good' (1947) y'How high the moon'.
A partir de 1949, entra en contacto con Norman Granz, un empresario amante del jazz y que organiza por todo el mundo las famosas giras conocidas como el 'J.A.T.P'. En Jazz At The Philharmonic actúa con los mas grandes instrumentistas del jazz en todo el mundo y logra que toda la critica le reconozca con el título que ya siempre le acompañó: 'The First Lady Of Song' (La Primera Dama de la canción).
En 1956, Granz consiguió que Ella dejara Decca y la cantante firma un contrato con el recién creado sello Verve Records. Sus planes para Ella incluían extensas giras con JATP y grabaciones con los artistas vinculados al proyecto, desde Louis Armstrong y Oscar Peterson hasta Duke Ellington, Stan Getz o Roy Eldridge. Su primer disco con Verve fue 'The Cole Porter Songbook' (1956), con arreglos de Buddy Bergman, que enseguida se aupó a los primeros puestos de las listas de los discos más vendidos. Fue la primera entrega de una serie de antologías consagradas a los grandes autores de la música popular estadounidense con temas como 'All of you','Begin the beguine' o 'Let's do it'.
Duke Ellington y Ella Fitzgerald
Ese mismo año se publicó el segundo de los 'Songbooks', dedicado esta vez a las canciones de Rodgers & Hart (1956) con temas como 'Blue moon','My funny Valentine' y 'The lady is a tramp'. En 1957 grabó 'Ella Fitzgerald sings the Duke Ellington Song Book', el único de la serie en el que trabajó con el compositor motivo del homenaje en persona. Duke y su fiel colaborador Billy Strayhorn aparecen en la mitad de los 38 cortes de la obra. Este fue, de toda la serie de Songbooks, el más aclamado por público y crítica.
El columnista Frank Rich del New York Times sostenía que los Songbooks de Ella "significaban una transacción cultural parecida a la que realizó Elvis integrando el soul-blues afroamericano entre los blancos. Aquí teníamos a una mujer negra popularizando canciones urbanas, en su mayoría escritas por judíos inmigrantes para una audiencia mayoritaria de cristianos blancos". El respeto que generó esta serie de antologías hizo que Sinatra rehusara hacer algo parecido cuando se lo propuso Capitol Records.
Sus encuentros con músicos de jazz, dieron también lugar a grabaciones memorables. Las colaboraciones de Ella Fitzgerald con las orquestas de Duke Ellington, o Count Basie, o sus álbumes con Oscar Peterson, Tommy Flanagan, o Jimmy Rowles, acompañada por su trío habitual, son auténticas obras de arte. Igualmente deliciosos son los tres álbumes que grabó con Louis Armstrong
Verve Records fue vendida a MGM en 1962, aunque Fitzgerald siguió ligada a ellos cinco años más producida por Norman Granz, publicando, entre otros, los dos últimos 'songbooks' de la serie dedicados a Jerome Kern y al letrista Johnny Mercer. En 1967 no le renovaron el contrato y los siguientes cinco años grabó para Atlantic, Capitol y Reprise Records, sellos en los que grabó temas alejados de su habitual repertorio de jazz, como villancicos o temas de country. Por otro lado, las presiones cada vez mayores de la renovada música pop la condujeron a grabar versiones de temas de los Beatles, Del Shannon o The Carpenters.
En 1973, Norman Granz creó un nuevo sello discográfico -Pablo Records- y empezó a publicar material inédito grabado por la cantante durante sus giras, además de producir nuevos discos con Ella en los que recuperaba el aliento jazzístico de antaño.
Joe Pass y Ella
El elenco de artistas apenas había variado respecto al del sello Verve, pero sus propias facultades se vieron mermadas en muchos casos. Poco a poco, la voz de Ella Fitzgerald comenzó a estropearse y a perder la facilidad de otros tiempos. Aún así grabó un par de decenas de álbumes para el nuevo sello. 'Ella in London', grabado en vivo en 1974 con el pianista Tommy Flanagan, el guitarrista Joe Pass, el bajista Keter Betts y el batería Bobby Durham, está considerado por muchos como uno de sus mejores trabajos.
Con Joe Pass continuaría trabajando hasta su muerte publicando varios álbumes como 'Take love easy' (1973), 'Fitzgerald and Pass...again' (1976), 'Speak Love' (1983) y 'Easy Living' (1986).
En 1981, Norman Granz produjo para ella su último 'Songbook', dedicado a Antonio Carlos Jobim. Cuando Ella grabó 'Ella abraça Jobim', la artista tenía 62 años y llevaba más de cuarenta como cantante.
Cada vez más débil y enferma, realizó su última grabación en 1991 y su última aparición sobre un escenario fue en 1993. Ella Fitzgerald falleció el 15 de junio de 1996. Su muerte, a pesar de ser esperada tras una larga enfermedad, dejó al mundo del jazz paralizado y conmovido. Con su desaparición física, se iba una cantante de jazz inigualable. Nunca nadie superó a Ella, en un escenario, ni habrá nunca, una cantante de jazz que cante el 'scat' como ella. Su música, su voz aniñada, su vitalidad, y su capacidad para cantar swing, permanece eternamente entre nosotros.
El 25 de abril de 1969 se publicó en el Reino Unido bajo el sello Deram, 'On a Threshold of a Dream', el tercer álbum del grupo británico Moody Blues que, como sus obras anteriores fue un álbum conceptual, en este caso, alrededor de los sueños. Fue su primer trabajo en alcanzar el nº1 en Inglaterra, aunque su único single, 'Never comes the day' pasó desapercibido.
Justin Hayward
El album fue grabado entre el 12 y 31 de Enero de 1969 en los Estudios Decca, en West Hampstead, Londres y la producción corrió a cargo de Tony Clarke. Si en el primer album, 'Days of Future Passed' la idea fue retratar musicalmente un día completo en la vida de una persona y, en el segundo 'In Search of the Lost Chord', hacer un viaje hacia la realización espiritual y en busca del acorde perdido, para este tercer álbum, el concepto giraba alrededor de los sueños y su significado. Además los miembros del grupo se encontraban inmersos en la Meditación Trascendental, y todo ello se vio reflejado en su trabajo: “Quisimos recolectar influencias religiosas y psicodélicas dentro de un álbum y transformarlas en un camino hacia la iluminación espiritual. Sé que suena terriblemente pretencioso ahora, pero como jóvenes, esa era nuestra meta, siempre nos hemos considerado exploradores", recuerda Justin Hayward.
Ray Thomas
El álbum, cuya portada contaba de nuevo con una magnífica ilustración de Phil Travers, comienza con 'In the beginning', un tema escrito por el baterista de la banda, Graeme Edge, especialista en los temas de recitado, tan habituales en la primera época psicodélica del grupo. Describe, partiendo del razonamiento de Descartes, "pienso luego existo", el antagonismo hombre-máquina-sistema, abriendo una puerta de esperanza a la libertad individual del ser humano.
John Lodge
Está directamente enlazado (prácticamente todos los temas están fundidos entre sí) con 'Lovely to see you', compuesta por Justin Hayward, un tema que se convirtió en tema clásico de la banda para abrir los shows. Con una melodía a lo McCartney, fue -a pesar de no ser editado en single- el tema más popular del LP.
Graeme Edge
Le sigue 'Dear diary', compuesta por el flautista Ray Thomas. Describe un día en la vida de una persona solitaria que le cuenta a su diario su desesperación por ser ignorado por el resto del mundo. 'Send me no wine' y 'To share our love' son las contribuciones del bajista John Lodge. Son las más 'rockeras' del disco y las que más se apartan de la línea espiritual de la obra. En 'To share our love' es Mike Pinder quien se hace cargo de la voz solista, cosa poco habitual en los Moody Blues, donde cada compositor solía cantar sus propios temas. La primera aportación del teclista Mike Pinder es 'So deep within you' una canción de 'desamor' que habla del amor no correspondido.
Abre la cara B la magnífica 'Never comes a day' de Hayward, que sin embargo, editada en single, no pasó del puesto 91 en las listas Billboard (en Inglaterra no alcanzó el Top40).
Les sigue 'Are you sitting comfortably', un tema escrito por Hayward y Thomas. Cantado por Justin hace referencias épicas a la leyenda del rey Arturo y en la letra aparecen Merlín, Camelot y Guinnevere.
Mike Pinder
Un nuevo recitado de Edge, 'The Dream', ésta vez ejecutado por Mike Pinder, da paso a la ambiciosa suite de tres partes escrita por el teclista de la banda compuesta por 'Have you heard, partes I y II' con una pieza instrumental en medio de ambas partes, 'The Voyage', fuertemente inspirada en el 'Zarathustra' de Richard Strauss con interesantes arreglos de melotrón, flauta, cello, órgano y piano. Culmina con otro recitado que reafirma la esperanza de libertad expresada al comienzo de la obra: “Life's ours for the making, eternity's waiting, waiting for you and me. Now you know that you are real, show your friends that you and me belong to the same world, turned on to the same word, have you heard?"
El 25 de abril de 1913 nació en Tulsa (Oklahoma) el saxofonista alto de jazz y R&B norteamericano Earl Bostic. Pionero del R&B surgido tras la 2ª Guerra, logró varios hits en las listas estadounidenses como 'Temptation' y 'Flamingo'. Muy influido por Sidney Bechet, Bostic, a su vez, influyó notablemente en John Coltrane, que formó parte de una de sus bandas.
Estudió en la Xavier University de Nueva Orleans y con 18 años ya era músico profesional tocando con Charlie Creath y Fate Marable en los barcos del Mississippi hasta que, a finales de los años treinta, se trasladó a Nueva York donde además de ser solista en combos de Don Redman, Edgar Hayes, 'Hot Lips' Page y Cab Calloway, realizó sus primeras grabaciones con Lionel Hampton en 1939. Formó parte de su banda entre los años 1943 y 1945 y en esa época también escribió arreglos para Paul Whiteman y Louis Prima.
A partir de 1945 comenzó a publicar discos con su banda, en la que promocionó a músicos como Jimmy Cobb, Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Benny Golson y John Coltrane. Logró su primer hit en 1948 con 'Temptation'. Siguieron una serie de temas de R&B simplificado con ritmos acentuados y melodías a base de riffs, cuyo sonido era más cercano al pop, logrando que temas como 'Sleep', 'Harlem nocturne', 'Cherokee' y, sobre todo, 'Flamingo' (1951), fueran éxitos internacionales. Earl murió de un infarto mientras tocaba en octubre de 1965 a los 52 años.
Actuando como mánager y director musical, Dorsey contrató a músicos capaces de leer partituras de arreglos, así como de tocar blues al 'estilo casero'. El debut de Rainey en Chicago significó la primera aparición de un artista de blues sureño en el Grand Theater. Ataviada con llamativos vestidos y sus espectaculares joyas, Rainey ejercía un gran poder escénico en sus audiencias. Abría a menudo sus shows con el tema 'Moonshine blues' en una pequeña cabina dentro de una gigantesca máquina de juke-box de la cual emergía ante el entregado público. Dorsey recordaba: "Cuando Rainey empezaba a cantar, salía brillo de sus dientes de oro y parecía iluminada por una luz especial. Embrujaba a la audiencia, que sudaba, bailaba y jadeaba, todos ellos poseídos por el blues que sentían en ella"
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