Festival de Monterey (1)

El 16 de junio de 1967 se celebró el primer día del Festival Internacional Pop de Monterey, un precursor de Woodstock, al que asistieron en total unas 200.000 personas. Todos los músicos (excepto Ravi Shankar) actuaron gratis y los beneficios del evento fueron donados a organizaciones de caridad. Fue el festival del 'Verano del Amor' en el que el mundo descubrió a tres nuevas estrellas del rock, de vida breve, pero intensa y fundamental en la historia del género: Otis Redding, Jimi Hendrix y Janis Joplin.

Lo que para muchos fue una moda pasajera de música bailable, liderada por Elvis y Fats Domino, alcanzaba los diez años de vida y, con más fuerza que nunca, reivindicaba su sitio entre los géneros que predominaban en la escena musical popular: blues, jazz y folk. Un año antes, Dylan se había electrificado, pasándose descaradamente al rock, y unos meses antes los Beatles habían publicado 'Sgt Pepper', que elevó el rock a categoría de arte. Así que algunos pensaron que, ya que existían festivales renombrados de blues, jazz y folk, ¿porqué no organizar un festival de rock?

Un joven llamado Alan Pariser (heredero de la compañía de papel Sweetheart) asistió en 1966 al Festival de Jazz de Monterey, que ya era un acto consolidado. Mientras fumaba un porro de marihuana imaginó aquel recinto lleno de miles de aficionados al pop, en lugar de tanto jazzero con pantalones de pana. Buscó a gente con dinero (entre ellos su propia familia) como Harry Cohn Jr. (hijo del magnate cinematográfico) y Bill Graham, manager de Jefferson Airplane y promotor del Fillmore Auditorium de San Francisco. Recogió 50.000$ y con la ayuda de un socio (Benny Shapiro, manager y productor de artistas como Peter, Paul & Mary, Miles Davis y Ravi Shankar) se puso en contacto con Derek Taylor (agente de prensa británico que había trabajado con los Beatles y, luego en Hollywood, para Beach Boys, Byrds y Chad & Jeremy; tras el Festival, volvió con los Beatles) para que se encargara de publicitar el Festival.

Nico y Brian Jones entre el público de Monterey

Así lo recuerda Derek: "Me sedujo mucho la idea y nos pusimos manos a la obra. La primera oferta se la hicimos a The Mamas & The Papas, pensando en ellos como cabecera de cartel, ya que era el grupo con mayor garantía de poder de convocatoria de los que aún actuaban en directo. (Los Beatles se habían dejado las giras, Dylan estaba recuperándose de su accidente de moto y los Rolling tenían diversos problemas de visados en Estados Unidos por consumo de drogas).
"Cuando John Phillips conoció nuestras intenciones se puso al habla con su productor Lou Adler y en algún momento del camino, ambos se incorporaron como co-productores al proyecto. Dijeron: 'Lo haremos, y lo haremos sin cobrar, y todos los músicos actuarán gratis y los beneficios del festival se destinarán a obras de caridad. Pero a partir de ahora el show es nuestro y llamaremos a los más grandes artistas del mundo y los traeremos en junio a Monterey'. Y así lo hicieron"

John Phillips tratando de convencer a la alcaldesa de Monterey Minnie Cole, de que los hippies son buena gente

John Phillips: "Pariser, que ya había contratado el recinto semanas antes, vino a nosotros ofreciéndonos la mayor suma que nos habían propuesto en nuestra vida. Si hubieramos aceptado, ¡no le hubiera quedado dinero para nadie más! Así que llamé a Lou Adler para saber qué pensaba y en un momento decidimos convertirlo en un evento sin ánimo de lucro y donar los beneficios a organizaciones caritativas. Sabíamos que teníamos que comprarle el contrato a Pariser y el precio se acordó en 50.000$. Lou puso 10.000, Michelle y yo pusimos otros 10.000 e hicimos unas llamadas y en unos minutos teníamos el resto. Terry Melcher (hijo de Doris Day y productor de los Byrds), Johnny Rivers y Paul Simon aportaron 10.000 cada uno y se apuntaron sin dudarlo. Así formamos la Fundación Monterey Pop que se encargaría de toda la organización."

Se estableció un 'consejo de administración' del que formaban parte personajes como Mick Jagger, Donovan, Paul McCartney, Roger McGuinn, Terry Melcher, Andrew Oldham (productor y manager de los Rolling Stones), Smokey Robinson, Brian Wilson, Alan Pariser, Johnny Rivers, John Phillips, Paul Simon y Lou Adler. Todos ellos ayudarían a que el evento fuera único con el único objetivo de pasar tres días de 'Música, Amor y Flores'. Por supuesto, nadie cobraría su trabajo. Eso sí, a los artistas se les ofrecían los billetes de avión de ida y vuelta a San Francisco y todos los gastos pagados durante su estancia.

Derek Taylor: "Fueron momentos mágicos de mucho optimismo... Íbamos a cambiar el mundo fumando marihuana y tomando LSD (hasta final de ese año, aún no era ilegal en EEUU). No habría más guerras y queríamos celebrar todo esto convocando a todas estas personas, público y artistas, a compartir un buen rato en Monterey"
"Naturalmente encontramos oposición y obstáculos entre la gente del pueblo que, ante la magnitud que iba adquiriendo el evento, esperaban hordas de miles de locos descontrolados con  intenciones destructivas y poco sanas. Lou Adler y los miembros de The Mamas & The Papas mantuvieron horas y horas de reuniones con los vecinos intentando aplacar sus temores. Incluso, Phillips compuso y grabó  'San Francisco',  para desviar el tráfico humano hacia la gran ciudad, que se encuentra a unos kilómetros de Monterey."

"Sé feliz, sé libre, trae flores y cascabeles, goza el Festival!" , ese era el slogan del evento. Además del recinto, se había habilitado una zona de acampada, otra con puestos de comida y de bisutería y joyería artesanal.

La 'oficina' del Festival

Pronto tenían el sí de Beach Boys, The Association, The Butterfield Blues Band, Electric Flag, Simon & Garfunkel y Dionne Warwick. Puestos al habla con Andrew Oldham y Paul McCartney en Londres, éstos recomendaron a The Who y muy especialmente a Jimi Hendrix, que a pesar de ser de Seattle, era totalmente desconocido en Estados Unidos y se encontraba entonces en Inglaterra  asombrando a Europa con su primer trabajo 'Are You Experienced?'. También dieron el sí varias bandas californianas que fuera de allí eran prácticamente desconocidas como Big Brother & the Holding Company, Quicksilver, Grateful Dead y Country Joe McDonald. El maestro del sitar Ravi Sankhar había firmado antes del cambio de rumbo, por lo que se respetó su contrato.

Michelle Phillips: "No se podía organizar un concierto de semejante magnitud pagando a todos los artistas. Apelamos a su espíritu humanitario y les dimos ejemplo diciendo: 'Nosotros lo vamos a hacer'"
Lou Adler: "Monterey no sólo fue un evento cultural de la Costa Oeste,  fue un acontecimiento internacional. Estaba representado medio mundo: The Who y Eric Burdon venían de Gran Bretaña; Hugh Masekela de Sudáfrica, Simon & Garfunkel, Laura Nyro y The Blues Project eran neoyorquinos; Otis Redding y Booker T & the MG's, procedían de Memphis; originarios de Chicago eran Paul Butterfield, Mike Bloomfield y Lou Rawls; Janis era de Texas; Hendrix de Seattle, pasando por Nueva York y Londres y, finalmente The Association, The Mamas & The Papas, The Byrds y Buffalo Springfield eran las bandas locales de Los Angeles. El Festival le dio al mundo la oportunidad de oir qué se cocía en la música actual y cómo estaba cambiando. El mundo estaba preparado para esos cambios y nosotros no hicimos más que mostrarlos"

Michelle Phillips y Mama Cass

Sólo unos pocos de los artistas comprometidos renunciaron a última hora, The Beach Boys estaban atravesando problemas internos a causa de la grabación de su álbum 'Smile' y Dionne Warwick, que actuaba en el hotel Fairmont de San Francisco, fue instada por la dirección del hotel a renunciar al evento por miedo a que su aparición allí pudiera dañar la imagen y el poder de convocatoria de la cantante en la ciudad. Para la gran mayoría de los 30 artistas y grupos que sí actuaron en el Festival, fue la actuación de su vida.

Viernes, 16 de junio de 1967

The Association

"Enter the young"
"Along comes Mary"
"Windy"

(lista incompleta)

Brian Cole

Derek Taylor: "En aquel momento, cuando comenzaron a sonar los primeros acordes del primer tema de The Association, a través de aquel equipo de sonido probado sólo una vez por la tarde, de repente, ¡bang! allí estaban tocando y el Festival estaba en marcha!"

The Association es un grupo (actualmente siguen activos con tres de los miembros originales en la formación) formado en 1965 en Los Angeles. Claros representantes del 'sunshine pop',  el año anterior habían conseguido un Top10 con 'Along Comes Mary' y un nº1 con 'Cherish', por lo que no eran totalmente desconocidos. Unas semanas antes de actuar en Monterey se había pubicado su nuevo single, 'Windy', que también llegaría a nº1.

The Paupers

"Magic people"
"Think I care"
"Tudor impressions"
"Simple deed"
"Let me be"
"Dr. Feelgood/Bass solo/Dr. Feelgood"

The Paupers era una banda canadiense de Toronto, que había logrado firmar un contrato con Columbia, tenía al mismo manager que Bob Dylan, Albert Grossman, y fueron anunciados en su día como los 'nuevos Beatles'. Habían publicado 'Magic People' un interesante trabajo de rock psicodélico, además de realizar actuaciones memorables, como en el Filmore de San Francisco. Sin embargo, desde el momento en el que pisaron el escenario, todo lo que podía salir mal, salió peor y en el caos subsiguiente su actuación fue totalmente ignorada. En sólo seis meses la banda que pretendía desbancar a los de Liverpool, perdió al bajista Denny Garrard, su miembro más importante, y se enfrentaba a montañas de deudas.

Presentados por David Crosby a las cerca de 40.000 personas que se encontraban allí, The Paupers empezaron a tocar y a los pocos minutos comenzaron los problemas.
Según algunas fuentes, Gerrard había tomado ácido antes de subir, lo que podía explicar la desincronización que llevaba con el resto del grupo. Para colmo, el amplificador del guitarrista Chuck Beal tenía un contacto falso y no hacía más que apagarse y encenderse emitiendo unos sonidos infernales. Ralph Gleason, que en Playboy había escrito una estupenda critica del grupo, comentó días más tarde que la actuación de The Paupers había sido la gran decepción del Festival.

Chuck Beal

Chuck Beal: "La unidad compacta de la banda no era nuestro único punto fuerte, pero eso fue lo que nos llevó al desastre en Monterey. Cuando las cosas empezaron a ir mal, en vez de parar de tocar y charlar distendidamente con el público hasta que los inconvenientes se solucionaran, pusimos el turbo y seguimos tocando a toda máquina y el resultado fue que hundimos nuestro propio barco. Aunque en aquel momento no fuimos capaces de asimilarlo, aquello fue el principio de nuestro fin."

Lou Rawls

Love is a hurtin' thing
Dead end street
Tobacco road
On a clear day you can see forever
Autumn leaves
(lista incompleta)

Lou Rawls: "Fue verdaderamente increíble. Sólo mirar aquella multitud y saber que el doble o el triple de gente estaba ahí fuera esperando entrar, poder escuchar algo y formar parte de todo aquello era algo estimulante. Como electricidad en el aire. Creo que la atmósfera general que reinaba en Monterey era: 'Venga, vamos, esto es algo grande que merece la pena, es algo de lo que merece formar parte, así que vamos a hacer que funcione'"

"En Monterey interpreté monólogos musicales. Hoy lo llaman rap, pero yo ya lo hacía en los sesenta. Eran simples comentarios sobre la vida diaria. Otros artistas con grandes nombres hacían protesta política e historias de esas, pero yo contaba historias de la vida real de personas reales. 'Tobacco Road' y 'Dead End Street' no eran canciones políticas en sí, pero sí de unos modos de vida. Los políticos crearon las Tobacco Roads y Dead End Streets del mundo"

Beverly

(No se encuentran datos ni videos de su actuación)

Beverly Kutner era una cantautora folk británica bastante respetada cuando conoció y se enamoró de John Martyn. Amiga de Paul Simon desde hacía tiempo, le sugirió a éste la alusión a Donovan en su canción 'Fakin' It', cuando dice enmedio de la canción: "Good morning, Mr Leitch, have you had a busy day."

Paul Simon: "Aún no estaba casada con John Martyn, pero yo la conocía del tiempo que pasé en Inglaterra y la trajimos para que cantara en Monterey"

Beverly y John Martyn se casaron en 1969. Al año siguiente grabaron dos álbumes memorables: 'Stormbringer' (grabado en Woodstock con músicos americanos, como Paul Harris a los teclados y Levon Helm de The Band), y 'The Road to Ruin'. Pero la colaboración no duró mucho. Tras el nacimiento de su segundo hijo en 1971, el matrimonio se rompió. Aunque intentó recuperar su carrera como cantante tradicional, fue incapaz de igualar su éxito anterior. 

 

Johnny Rivers

Help me Rhonda
Memphis, Tennessee
(lista incompleta)

Johnny Rivers venía de cosechar su primer nº1, 'Poor Side of town', pero era ya un artista consagrado. En 1964 ya tuvo un Top5 con 'Memphis' y un álbum de gran éxito como lo fue 'At the Whisky à Go Go' grabado en directo el día del estreno del night-club de Los Ángeles que puso a las bailarinas go-go de moda en todas las discotecas del mundo.
Rivers continuó teniendo éxitos hasta bien entrados los años setenta y grabando hasta los ochenta. En la actualidad (2018) sigue actuando realizando 50 shows al año.

 

Eric Burdon & The Animals

San Franciscan nights
Gin house blues
Hey gyp
Paint it black

Eric Burdon: "Llegamos en avión a San Francisco desde Londres. Cuando por fin llegamos a Monterey nos quedamos impresionados cuando vimos a los policías con flores en los cascos y más flores decorando sus Harley Davidson. Quizás fuera una broma, pero aunque lo fuera, duró lo suficiente como para que se tomaran fotografías de ello que dieron la vuelta al mundo y marcaron un punto histórico en el desarrollo de las libertades civiles de EEUU. El recinto de Monterey se convirtió en una comunidad autónoma durante tres días. 
Había un cuartel en las cercanías, Fort Ord, y por tanto había muchos soldados entre la audiencia. Recuerdo verles con sus cráneos rasurados. Al día siguiente los volvía a ver con un símbolo de la paz pintado en sus rostros. El cambio de estaba produciendo ante tus propios ojos. Para mí fue un festival religioso, definitivamente. Todo aquello despedía una solemnidad religiosa. Creo que muchos otros allí pensaban lo mismo" 

 

Simon and Garfunkel

Homeward bound
At the zoo
The 59th street bridge song (Feelin' groovy)
For Emily, whenever I may find her
The sounds of silence
Benedictus
Punky's dilemma

Art Garfunkel y Paul Simon cerraron la primera jornada del Festival.

Monterey Pop Festival (2ª parte)

Edvard Grieg

El 15 de junio de 1843 nació en Bergen (Noruega) descendiente de una familia de escoceses, el pianista y compositor Edvard Grieg, considerado el principal representante de la música nacionalista de su país. La música escandinava tiene en él a una de sus primeras figuras internacionales y fue el más importante músico y compositor de su país durante el siglo XIX.

El joven Edvard Grieg

Estudió piano con su madre, pianista profesional. Un amigo de los Grieg, el compositor y violinista Ole Bull, escuchó tocar el piano al joven Edvard y quedó tan impresionado que convenció a sus padres para que lo enviaran a estudiar al Conservatorio de Leipzig. Fue el compositor danés Niels Gade quien le animó en la labor de componer. En la ciudad alemana, Grieg tuvo la oportunidad de asistir a importantes recitales como el que dio Clara Schumann en el Gewandhaus o a diversas representaciones de óperas de Wagner como “Tannhäuser”. En aquella época, alrededor de 1862, Grieg ya había escrito su “Opus 1”, que consistía en cuatro piezas para piano, además de sus “Cuatro canciones para contralto” con textos alemanes, que constituyen su “Opus 2”.

Rikard Nordraak

El contacto con su compatriota, y también compositor, Rikard Nordraak alentó en él, este temprano interés por los cantos y las danzas tradicionales de su tierra. Con él, dijo, "aprendí a conocer los cantos del norte y mi propia naturaleza”. Ambos fueron los fundadores de la Sociedad Euterpe, creada para promover la música nacional escandinava, pero la prematura muerte de Nordraak en 1866 dejó a Grieg como único impulsor y responsable del proyecto. El agradecimiento hacia su compatriota, le llevó a dedicarle su “Humoresker” Opus 6 para piano. La creación de una Academia de Música Noruega en 1867 dio mayor impulso a la labor de protección y difusión de la cultura musical autóctona.

Edvard Grieg

El compositor danés Niels Gade, líder de la escuela romántica escandinava, le animó a componer una sinfonía que Grieg llevó a cabo pero nunca quiso estrenar. También en la capital danesa entró en contacto con otros músicos como Emil Hartmann y Gottfred Matthison-Hansen, así como con los escritores Benjamin Feddersen y Hans Christian Andersen. Este último le proporcionó poemas para su obra “Hjertets melodier” (Melodías del corazón), Opus 5, Nº 3 “Ich liebe dich” (Elisabeth Schwarzkopf) que interpretaría magistralmente su prima y futura esposa, la cantante Nina Hagerup.

Nina y Edvard Grieg

Entre 1865 y 1866 vivió en Roma, donde conoció al dramaturgo Henrik Ibsen, a cuya obra Peer Gynt pondría música más adelante. El 15 de octubre de 1866 dio un concierto de música noruega en el Teatro de Christiania (la actual Oslo) junto a la cantante Nina Hagerup y la violinista Wilma Neruda. Al año siguiente se inauguró la Academia de Música Noruega que Grieg y el crítico Otto Winter-Hjelm habían proyectado fundar. Ese mismo año, el 11 de junio, se casó con Nina y pronto acabó de componer su segunda “Sonata para Violín” Opus 13, I., III. (Oliver Colbentson, Violín & Erich Appel, Piano)

En 1869, Franz Liszt le escribió elogiando una de sus sonatas para violín y piano y le mostró su deseo de conocerle personalmente. Ambos se encontraron en Roma meses más tarde.

En el verano de 1869 llegó a manos de Grieg una copia de la colección de canciones populares de Ludwig Mathias Lindeman (1812-1887), titulada “Aeldre og myere norske fjeldmelodier” (Viejas y nuevas canciones montañesas). Este descubrimiento le posibilitó seguir adentrándose en las posibilidades de la música popular noruega y escribir su Opus 17 para piano, Nº 22 (Einar Steen-Nokleberg), una serie de 25 piezas basadas en estas canciones. Grieg había ido haciéndose un nombre como compositor fuera de las fronteras de su patria: de 1869 data el estreno en Copenhague, con el propio compositor como solista, de una de sus composiciones más célebres, el “Concierto para piano y orquesta en la menor” Opus 16. I., II., III. (Evgeny Kissin), obra virtuosística y de gran desafío técnico para los intérpretes.

A comienzos de 1870 comenzó su fructífera colaboración con el dramaturgo Björnson en obras como “Foran sydens kloster” o diversas cantatas como “Arnlijot Gelline”, para voces femeninas, y “Landkjending”, para voces masculinas. En 1871, Grieg contribuyó a la fundación de una sociedad musical para promover la música orquestal. En 1874, el Estado le concedió una ayuda económica anual para que pudiera dedicarse de lleno a la composición. De esta época son, entre otras obras, su “Cuarteto de cuerda” en sol menor (Copenhagen String Quartet), “Den Bergtekne” para barítono y orquesta (Håkan Hagegård, barítono) y el “Álbum” para coro masculino.

En 1875, la composición de la música de escena para el “Peer Gynt”, es un drama del escritor Noruego Henrik Ibsen. Fue escrito en 1867, e interpretado por primera vez en Oslo (entonces llamada Christiania) el 24 de febrero de 1876. La partitura de la obra tenía un total de veintitrés movimientos, y más tarde, en 1888 y 1891, Grieg extrajo varios movimientos, hasta dejar los ocho definitivos, divididos en dos grupos: Suite nº1 (Opus 46) y Suite nº2 (Opus nº55): - Suite nº 1 Opus 46:
1. La mañana "Morning Mood" (Orchestre Symphonique de Berlin & Herbert von Karajan);
2. La muerte de Aase (Limburgs Symfonie Orkest, Otto Tausk)
3. La Danza de Anitra “Anitra's Dance” (Elena Kulagina)
4. En la gruta del rey de la montaña (Neeme Järvi, dir. & Berliner Philharmoniker)

- Suite Nº 2 opus 55 1. El secuestro de la novia. El lamento de Ingrid  2. Danza Arábiga  3. Peer Gynt de regreso a casa (la noche tormentosa en el mar)  (Orquesta del festival de Viena Director : Gianfranco Rivoli) 4. La canción de Solveig (Anna Nebretko).
Estas composiciones reflejan la frescura y la sencillez de las melodías populares, una armonía de constantes e inesperados cambios y una especial preferencia por el uso de armónicos anticipando el estilo de Bartok.

A partir de 1876 emprendió grandes giras de conciertos por Europa, en las que interpretó y dirigió sus propias obras. Su presentación en Londres en 1888 supuso el reconocimiento internacional de su obra. Entre 1880 y 1882 dirigió la orquesta del “Harmonien” (Sociedad Armónica) de su natal Bergen. Éste fue uno de los últimos compromisos oficiales que aceptaría, ya que el resto de su vida lo dedicó a otras tareas como la composición de su “Sonata para violonchelo” Opus 36” 1/3, 2/3, 3/3 (M.Maisky M.Argerich), así como su Sonata para Piano y Cello: I. Allegro agitato II. Andante molto tranquillo (Nikolaj Sajko, cello & Miha Haas, piano). Además, participó en el bicentenario del nacimiento del escritor Ludvig Holberg en 1884 con la suite “Fra Holbergs tid” (Del tiempo de Holberg) (Kristiansand Symfoniorkester & Lindesnes Lighthouse, Norway).

Casa de Grieg en Troldhaugen

En el verano de ese mismo año comenzó la construcción de su futuro hogar en Troldhaugen, actualmente casa-museo del compositor. Fue en esa localidad donde pasó el resto de sus años, componiendo y revisando antiguas partituras o paseando por las montañas noruegas. En 1898, sus esfuerzos para la difusión de la música de su país culminaron con la creación del primer festival de música de Noruega, que se celebró en Bergen.

Para este evento compuso sus populares “Danzas Sinfónicas” Opus 64 (Gothenburg Symphony Orchestra & Neeme Järvi) basadas en las canciones de Lindeman. Su salud se deterioró, pero continuó dando conciertos en ciudades extranjeras como Varsovia y París. En 1906 compuso su última obra, los “Fire salmer “(Cuatro salmos), basados en melodías populares. Murió el 4 de septiembre de 1907 a los 64 años.

La originalidad de su estilo se aprecia mejor en los diez volúmenes de “Piezas líricas” compuestos por 66 composiciones cortas llamadas “Piezas Líricas”: 8 piezas (Nicholas Roth) que publicó a lo largo de treinta y cuatro años: breves y melancólicas, de un sutil nacionalismo, le han valido el calificativo de 'Chopin del Norte'.

La música de Grieg en la cultura popular

- “En la gruta del rey de la montaña” Suite Nº 1 Opus 46
• Fue utilizada en 1931 para la película "M, el vampiro de Düsseldorf", de Fritz Lang.
• La Electric Light Orchestra grabó una versión rock de “En la gruta del Rey de la Montaña” (In the Hall of the Mountain King) en su disco "On the Third Day".
• En el álbum "The Circus" del dúo británico de synthpop Erasure del año 1987
• Es la quinta obra perfeccionada por Louis Clark incluida en el álbum "The Classics in Rhythm"
• En 1995, Ritchie Blackmore la recreó en el último trabajo de Rainbow ("Stranger in us all").
• Rick Wakeman incluyó varios compases de esta obra al final de su "Journey to the Centre of the Earth".

• La banda finlandesa Apocalyptica la versionó en su álbum de 2001 "Cult"
• En la canción "(Reach) the Sun" del grupo de deathcore alemán Maroon se escucha un fragmento.
• La banda sueca de viking metal Vintersorg toca una versión en la canción "För Kung och Fosterland" del álbum "Till Fjälls".
• El grupo español Ska-P pone un fragmento en la canción "Simpático holgazán" del albúm 'Eurosis'.
• La banda holandesa Epica hizo un cover de esta canción en su álbum "The Classical Conspiracy" .
• Anselmo Sacasas hizo una versión en mambo llamada “El Salón del Rey del Mambo”.

• La banda Inglesa de rock The Who hace un cover en la reedición de 1995 de su disco "The Who Sell Out".
• En 2010, una modificación de esta pieza fue parte de la banda sonora de la película "La Red Social".
• El mismo tema es retomado en el videojuego "Doriath" (1982) y "Manic Miner" (1983).
• Asímismo, es notoria la similitud de esta composición con el tema central de la película "El Inspector Gadget", basada en la serie de animación del mismo nombre.

- “La mañana” Suite Nº 1 Opus 46
• Fue una pieza favorita de Carl Stalling, quien a menudo la usó para algunos cortos en Warner Bros. También se nota cierto parecido con esta melodía en la banda sonora "El Señor de los Anillos", precisamente al principio del tema de "La comarca". Esta obra, al contrario de lo que muchos piensan, fue creada para representar un amanecer en el desierto del Sahara, no en los fiordos de Noruega.

• En abril de 2012 la Filarmónica de Copenhagen sorprendió a los pasajeros del metro con esta inesperada actuación:

Paul Gilson

El 15 de junio de 1865 nació en Bruselas el profesor, crítico, director de orquesta y compositor Paul Gilson, considerado como la figura musical más importante en la Bélgica de principios de siglo. Al año siguiente su familia se trasladó a Ruisbroek, en la provincia belga de Brabant. Allí recibe las primeras lecciones de música del organista local Auguste Cantillon. 

A los 17 años se trasladó a Bruselas donde escuchó los consejos de Gevaert, obteniendo en 1889 el Premio Roma (belga) con su cantata “Sinaï”. En el Teatro Real de la Monnaie presentó “Las Nibelungen” y en un concierto popular “Les Russes”. Se sintió tan atraído por la obra de Wagner - desde que escuchara “El anillo en La Monnaie”- como por la moderna escuela rusa, gracias a los conciertos populares que, financiados por la condesa de Mercy-Argenteau, introdujeron esta música en su país. Así, Gilson conocería personalmente a Borodin, Rimski-Korsakov y Scriabin. Precisamente del Grupo de los Cinco -pero también de su amistad con Albéniz, del que cuenta una divertida anécdota- habla mucho en sus simpáticas memorias “Notes de musique et souvenirs”, publicadas tan sólo tres meses antes de su muerte. La obra de Borodin y Rimski -su sensual melodismo y colorista orquestación- marca de modo rotundo el estilo del maestro belga.

Su obra “La Mer” puede considerarse su mayor logro en el terreno orquestal:
I. “Sunrise”, II. “Sailor´s Dance”, III. “Twilight” 1/2,  2/2, IV “Storm” 

Sólo la celebridad de la excepcional (y posterior) página homónima de Debussy ha podido condenar al olvido los cuatro bocetos sinfónicos que, fechó Gilson en 1892. Esta espléndida composición, ya conocida por una anterior grabación de Devreese (Marco Polo, 1994) que prescindía del coro masculino sin palabras en la wagneriana "Tormenta" final, está construida en torno a un tema principal de carácter cíclico que recorre y unifica sus cuatro movimientos. Un contemporáneo señaló: “Es ésta una partitura que uno no puede abrir sin que el viento de la tempestad sople en sus oídos”. Esta obra dió la vuelta a Europa: Bruselas, Londres, San Petersburgo, Varsovia, Berlín (donde la dirigió Richard Strauss) y París.

Tuvo el mismo éxito en Amberes y Bruselas con el drama lírico “Princesse Rayon de Soleil”. Compuso una obra considerable: coros populares, páginas para fanfarrias, transcripciones y diversos arreglos, así como sus obras para piano I, II (Lode Backx). Con Jean Absil a la cabeza, los jóvenes belgas de los años veinte fueron sus discípulos y presidió la agrupación de los “Synthetistes” (Marcel Poot, Nicolas Bernier, Gaston Brenta y Maurice Schoemaker). Publicó obras de teoría musical, entre las que destaca un "Tratado de armonía". Gilson falleció en Bruselas, el 3 de abril de 1942 a los 76 años.

Otras composiciones:

Música vocal:
“Mélodies écossaises”:  I. “The Flowers Of The Forestby”, II. “Sweet May Morning”,  III. “Jig And Song”  canto y orquesta; “Cantate inaugurale”, estrenada en Bruselas en 1897; “Francesca da Rimini”, (1892) y oratorios, entre otras.
Música teatral:
“Princesa rayo de sol”, representada en Amberes en 1903, “La captive”, ballet, representado en Bruselas en 1902.

Waylon Jennings

El 15 de junio de 1937 nació en Littlefield (Texas) el músico y cantante country Waylon Jennings, uno de los pioneros del movimiento 'outlaw, un grupo informal de músicos que no comulgaban con el corporativismo musical de Nashville. Antes de cumplir los diez años ya tocaba la guitarra y formó su propio grupo.

Uno de sus primeros trabajos fue como disc-jockey en una emisora de radio local de Texas. Fue allí donde conoció a un joven músico de rockabilly llamado Buddy Holly y Jennings pasó a ser el bajista de su banda. El fatídico 3 de febrero de 1959, 'el día que murió la música', Waylon, que en principio era uno de los pasajeros del avión que les iba a trasladar al siguiente concierto, cedió su asiento al cantante Big Bopper, aquejado de un resfriado. La alternativa era un viaje en autobús a través de carreteras repletas de nieve. Buddy Holly, antes de subir al avión bromeó con Jennings: "Espero que no se os congele el bus", a lo que Waylon respondió con sorna: "Espero que no se estrelle vuestro avión". Ésta frase persiguió a Jennings durante años y dejó de actuar por un tiempo volviendo a su labor de DJ.

A mediados de los sesenta volvió a componer música y comenzó a encontrar detractores en la comunidad musical de Nashville por no utilizar a los clásicos músicos de sesión en sus grabaciones, prefiriendo usar su propia banda que le acompañaba en sus giras. De este modo su sonido, con ciertas concesiones al rock, se salía de la línea marcada por el tradicional country-pop de Nashville. Esta escisión de músicos 'fuera de la ley Nashville' fue aumentando con la llegada de Willie Nelson, Billy Joe Shaver, Johnny Cash y Kris Kristofferson, que preferían seguir las raíces honky tonk del country.

A lo largo de su carrera, Jennings publicó numerosos álbumes de gran influencia en el género como 'Good Hearted Woman' (1972), 'Lonesome', On’ry and Mean', 'Honky Tonk Heroes' (1973), 'Dreaming My Dreams' (1975), 'Waylon Live' y 'Are You Ready For The Country' (1976). Sus colaboraciones con Willie Nelson (con el que consiguió en 1978 un Grammy por su hit crossover 'Mamas don't let your babies grow up to be cowboys'), Jessi Colter o The Highwaymen (junto a Johnny Cash, Willie Nelson y Kris Kristofferson) fueron también bien recibidas por público y crítica. En los años ochenta superó una fuerte adicción a la cocaína y siguió actuando hasta bien entrados los noventa. Murió en febrero de 2002 a los 64 años.

LP 'Back Home Again'

El 15 de junio de 1974 se publicó en EEUU bajo el sello RCA el álbum 'Back Home Again', octavo trabajo de estudio del cantautor norteamericano de origen alemán e hijo de un oficial de la Air Force estadounidense, John Denver. Los tres singles extraidos, 'Back home again', 'Annie's song' y 'Sweet surrender' fueron hits y el álbum alcanzó el nº1 el 10 de agosto siguiente.

"Me crié rodeado de música country", explicaba John, "mi padre era un gran aficionado al género y 'Back Home Again' iba a ser mi álbum country. Tanto 'Back home again' como 'Grandma's feather bed' o 'Thank God I'm a country boy' son temas country. Las otras canciones, aunque no se pueden considerar estrictamente del género, surgieron en un contexto campestre y de granja".
Denver utilizó además instrumentos acústicos para conservar la atmósfera casera, de recogimiento y quietud hogareña. "No hay una sola guitarra eléctrica en el disco", aseguraba y recalcaba que el título del álbum fue literal: "Trata de la vuelta a casa de la carretera y encontrar todas esas cosas con las que había soñado cuando era un chaval. Sobre todo, una mujer, mi compañera en la vida"

Esa mujer era su esposa y compañera desde el colegio Ann Martell, quien inspiró 'Annie's song', el corte del álbum que alcanzó el nº1 en varias listas. La idea de la canción le vino mientras esquiaba en Aspen (Colorado). La pareja había pasado por un período áspero en su relación, pero en ese momento su amor había renacido con más fuerza que nunca. "Me deslizé colina abajo y volví directamente al tele-silla. Mientras remontaba, noté como me ardían las piernas y el corazón me latía con fuerza y me dí cuenta de repente, ¡qué maravilloso era sentirse vivo! 

El aire era puro y olía tan bien y el azul del cielo era más intenso que nunca. Todo a mi alrededor llenaba mis sentidos. Y comenzé a pensar en otras cosas que llenasen mis sentidos y pensé en nuestra relación. Y pensé en las noches en el bosque y las montañas en primavera..."

Cuando John Denver alcanzó la cima, ya tenía la letra casi completa en su cabeza. "Volví a deslizarme colina abajo directamente hacia mi coche y cuando llegué a casa subí rápidamente las escaleras para agarrar mi guitarra y terminar la canción". El 27 de julio 'Annie's song' se convirtió en el segundo nº1 de la carrera de Denver. No terminan aquí los temas personales del álbum. 'This old guitar', es, como explica él mismo: "La historia de mi vida en tres minutos".

Otro tema que muchos consideran autobiográfico es 'Thank God I'm a country boy', pero en este caso el autor no fue Denver. La canción fue escrita por John Martin Sommers, un amigo de John que lideraba entonces un grupo de bluegrass llamado Liberty. "Los invité a una de mis giras como teloneros y cuando oí la canción, supe que estaba hecha para mí. Tenía una gran energía y funcionaba muy bien en los conciertos." A pesar de ello, nunca se pensó en ella como single. Un año después RCA editó una versión en directo, tomada del álbum 'An Evening with John Denver', que alcanzó también el nº1

1) 'Back home again' (J.Denver)
2) 'On the road' (Carl Franzen)
3) 'Grandma's feather bed' (Jim Connor)
4) 'Matthew' (J.Denver)
5) 'Thank God I'm a country boy'  (John Sommers)
6) 'The music Is you' (J.Denver)
7) 'Annie's song' (J.Denver)
8) 'It’s up to you' (Steve Weisberg)
9) 'Cool an'green an'shady' (Denver, Joe Henry)
10) 'Eclipse' (J.Denver)
11) 'Sweet surrender' (J.Denver)
12)'This old guitar' (J.Denver)

Eddie Hinton

El 15 de junio de 1944 nació en Jacksonville, Florida el guitarrista y compositor soul y R&B Eddie Hinton. Uno de tantos grandes músicos olvidados que, formando parte de la legendaria sección de ritmo de Muscle Shoals, participó en hits de Wilson Pickett, Arthur Conley, Aretha Franklin, Joe Tex, Solomon Burke, Percy Sledge, The Staple Singers, The Dells, Johnnie Taylor, Elvis Presley, the Box Tops, Boz Scaggs y Otis Redding.

Nieto de un predicador, usó sus influencias gospel en sus canciones en las que narraba historias de pena y redención. En Tuscaloosa formó su propia banda, The Five Minutes, que adquirió gran fama local. Como compositor tuvo un gran éxito con 'Breakfast in Bed', grabada por Dusty Springfield y UB40 con Chrissie Hynde. También era un extraordinario cantante y llegaron a llamarlo el 'Otis Redding blanco'. El legendario Jerry Wexler, cuando oyó a Hinton en las sesiones de Muscle Shoals lo bautizó como 'el próximo bombazo'. Desafortunadamente no fue así, ya que sus batallas personales con el alcohol y las drogas y cierta inestabilidad mental precipitaron su carrera y su vida personal a la ruina y acabó subsistiendo en la calle tocando por unos centavos.

Con la ayuda de amigos y colegas como su compañero de Universidad John D. Wyker se recuperó y volvió a componer y actuar en 1982 y el resultado fue 'Letters From Mississippi' publicado en Europa, que devolvió a Hinton a la primera línea recibiendo numerosas ofertas para tocar en el viejo Continente así como en el sur de Estados Unidos, donde seguían apreciando su magnífico blues vocal y su experimentada técnica con la guitarra. Siguieron 'Cry & Moan' (1991) y 'Very Blue Highway' (1993).

La salud de Hinton había mejorado mucho y se encontraba viviendo con su madre en Birmingham. Tras un gira por Italia se dispuso a grabar a principios de 1995 su siguiente álbum en los estudios Birdland. Cuando estaba dando los últimos toques a las mezclas finales sufrió un fatal ataque al corazón falleciendo a los 51 años. En las notas de 'Hard Luck Guy', su trabajo póstumo, Jerry Wexler comentaba: "Es un caso único, un chico blanco que cantaba con el mismo espíritu de aquellos grandes artistas negros del soul que veneraba. Y no era una simple imitación; era su propia creación impregnada con una intensidad y fiereza tan reales como las que mostraban Otis Redding y Wilson Pickett"